FELIZ DÍA DE LA MADRE (Mother's Day)

Garry Marshall pasará a la historia del cine como el director de “Pretty Woman”, éxito mundial de taquilla del año 1990 que sigue enganchando a los espectadores en cada una de sus emisiones televisivas con la misma fuerza de sus inicios. El célebre largometraje, con alma de cuento y cuerpo de comedia romántica, logró encandilar a millones de personas con el gancho de una pareja protagonista en estado de gracia, un buen puñado de escenas y diálogos emblemáticos y una fórmula que ofrecía aquello que el público quería ver. El cineasta recurrió poco después a parte de aquella habilidad en “Frankie y Johnny” pero lo cierto es que ambos triunfos cinematográficos constituyen dos hitos aislados dentro de su filmografía más bien mediocre, compuesta por trabajos endebles, cursis y excesivamente convencionales. Títulos como “Aprendiendo a vivir”, “Novia a la fuga”, “Princesa por sorpresa” y su secuela, “Historias de San Valentín” o “La noche de fin de año” configuran una trayectoria marcada en exceso por la blandenguería y en la que no se desmarca lo más mínimo de un estilo bienintencionado, típico y tópico. 

Fiel una vez más a su línea habitual, el realizador neoyorkino presenta ahora “Feliz Día de la Madre”, enésimo intento de rodar una cinta coral interpretada por numerosos actores famosos, para mayor gloria de la comedia norteamericana más tradicional. Sin embargo, y quizá por ser la costumbre, el resultado final se sigue equiparando al de sus últimos proyectos, recurriendo a una mezcla de historias demasiado usuales, presentadas con un estilo narrativo nada artístico y sin salirse un ápice de esa receta mágica diseñada para repetir sus acostumbradas buenas cifras de recaudación. 

Construida sobre varias tramas cruzadas y centradas todas ellas en la celebración del Día de la Madre, los personajes que la sustentan son muy diversos, desde una mujer de aparente marcada personalidad que trata de mantener la cordura cuando su ex pareja se casa con una más joven, hasta una famosa presentadora televisiva anclada en la soltería, pasando por una abnegada esposa que vive por y para su marido indio mientras teme los comportamientos racistas de su familia, o un melancólico viudo que aguarda con inquietud la llegada de esa jornada de celebración, ya que es la primera después del fallecimiento de su mujer. 

La popularidad del elenco y la magnitud económica de la producción no logran evitar la profusión de chistes sin gracia y de clichés absolutamente manidos. Sería deseable que Garry Marshall se reinventase de una vez por todas y no se empeñase en utilizar de forma reiterada los mismos recursos. La sensación de estar asistiendo a esa infinita repetición de ideas ya utilizadas en decenas de sus filmes resulta patente. Para eso, yo prefiero ver por vigésima vez “Pretty Woman”. 

Julia Roberts, actriz fetiche de Marshall, ganadora de un Oscar por “Erin Brockovich” y nominada en otras tres ocasiones (resultan muy destacadas sus actuaciones en “Magnolias de acero”, “Closer” o “Agosto”), encabeza el nutrido reparto. Le acompañan Jennifer Aniston -que continúa sin poder desprenderse de su papel en “Friends” y que posee una trayectoria cinematográfica más bien errática y decepcionante-, Kate Hudson -que también optó en el año 2000 a la estatuilla de Hollywood por la muy notable “Casi famosos” y que tampoco ha remontado profesionalmente desde el citado largometraje de Cameron Crowe- y, en el único papel masculino protagonista, el bastante desconocido Jason Sudeikis, visto en algunas pseudo comedias como “Somos los Miller” o “Cómo acabar con tu jefe”.

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Datos del film

Película: Feliz Día de la Madre.
Título original: Mother’s day.
Dirección: Garry Marshall.
País: USA. Año: 2016. Género: Comedia.
Reparto: Jennifer Aniston, Julia Roberts, Jason Sudeikis, Timothy Olyphant, Kate Hudson, Britt Robertson.
Guion: Tom Hines, Lily Hollander, Anya Kochoff y Matthew Walker.
Música: John Debney.

40º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "TODOS LOS HOMBRES DEL PRESIDENTE" (40th anniversary of the premiere of All the President's Men)

"Todos los hombres del Presidente" (All the President's Men) es una película estadounidense rodada en 1976 a las órdenes de Alan J. Pakula e interpretada por Robert Redford, Dustin Hoffman, Jack Warden, Jason Robards, Martin Balsam, Hal Holbrook y Jane Alexander en sus papeles principales. En este mes de abril se celebra por tanto el cuarenta aniversario de su estreno.

Basada en el libro homónimo de Bob Woodward y Carl Bernstein, publicado en 1974, relata la historia de la investigación periodística que condujo al famoso escándalo de "Watergate", por el cual Richard Nixon se vio obligado a dimitir como primer mandatario de los Estados Unidos de América. En 2010 fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry (Registro Nacional de Filmes) de la Biblioteca del Congreso de EE.UU, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa». 

La cinta obtuvo cuatro Oscar (actor secundario, guion adaptado, sonido y dirección artística) de un total de ocho nominaciones, que incluían las categorías de película y director. También estuvo nominada a cuatro Globos de Oro (película, director, actor secundario y guion). 

Relata la investigación de un asunto aparentemente poco importante de carácter político por parte de dos periodistas del Washington Post, Carl Bernstein (Dustin Hoffman) y Bob Woodward (Robert Redford). Al comprobar que renombrados abogados están trabajando en el caso, se dan cuenta de que tras él puede esconderse un tema mucho más importante. Intensifican sus averiguaciones siguiendo todas las pistas que se van abriendo ante ellos, hasta que consiguen la colaboración de un peculiar confidente. Al final, logran destapar un asunto muy sucio que implica a la Casa Blanca y, por ende, al mismísimo Presidente de la nación.

La trama no se limita a los eventos ocurridos durante el Escándalo Watergate, sino que abarca también las discusiones de Bernstein y Woodward con sus jefes del periódico sobre la forma en que deben tratar las noticias, las consecuencias de revelar graves actos ilegales de los asesores presidenciales y las peripecias vividas por ambos para sustentar sus informaciones y artículos. 

La narración acaba abruptamente con el juramento de reelección de Nixon el 20 de enero de 1973. Para no omitir la verdadera conclusión de los hechos (su posterior renuncia en agosto de 1974), los sucesos posteriores a enero de 1973 son narrados mediante notas mecanografiadas de estilo periodístico y filmadas en las escenas finales. La última nota se reduce a dar cuenta de su dimisión el 9 de agosto de 1974 y de su posterior sustitución por Gerald Ford.

Escenas del film

LOS MILAGROS DEL CIELO (Miracles from Heaven)

Patricia Riggen es una directora de cine mejicana con cierta repercusión en Latinoamérica. Sin embargo, sus resultados en el mercado norteamericano son muy limitados y todavía no ha logrado abrirse paso profesionalmente en Europa. En 2015 filmó el largometraje “Los 33”, contando con un casting de lujo que incluía a actores tan dispares como Antonio Banderas, Juliette Binoche, Mario Casas, Gabriel Byrne o Kate del Castillo, y desatando una expectación más propia de una superproducción. En él plasmaba en imágenes la epopeya basada en los hechos reales del derrumbe de la mina San José, ocurrido en Chile en agosto de 2010. Treinta y tres mineros quedaron atrapados a setecientos metros de profundidad durante casi setenta días. Ha rodado asimismo las cintas “Girl in Progress”, protagonizada por Eva Mendez y “La misma luna”, de nuevo con Kate del Castillo -cuando todavía no había saltado a la fama debido a su relación con el narcotraficante “Chapo” Guzmán-. Riggen pone de manifiesto en todos sus trabajos cierta tendencia al melodrama sensiblero y bienintencionado, un género muy propio de los telefilms de sobremesa. 

Manteniendo alguna de sus cualidades y bastantes de sus defectos, presenta ahora su nuevo proyecto, “Los milagros del cielo”, con la pretensión de conjugar el drama familiar con una pseudo reflexión que oscila entre lo religioso y lo científico. Al margen de estas aspiraciones más o menos elevadas, lo cierto es que continúa pareciéndose en exceso al resto de su filmografía, exprimiendo una vez más la sensiblería y recurriendo a una profusión de secuencias enternecedoras que condenan este trabajo al convencionalismo, resultando demasiado plano y previsible, y ajeno por completo al más mínimo riesgo ni artístico ni argumentativo, con el ánimo de trasladar así a los espectadores una trama cargada de mensajes políticamente correctos. 

Cuenta la historia supuestamente verdadera de Annabel Beam, una niña que padece un extraño e incurable trastorno digestivo. Su madre se desvive por intentar ayudarla, aunque sin obtener ningún resultado satisfactorio. Tras sufrir un terrible accidente que le coloca a las puertas de la muerte, Annabel supera su enfermedad, circunstancia que asombra tanto su familia como a sus vecinos y a los propios médicos, y que sólo parece encontrar explicación en clave de milagro. 

La realizadora sin duda sabe qué fibras sensibles desea tocar. Cuestión distinta es si lo hace con el tacto y la sensibilidad necesarios. No se puede negar su habilidad para provocar el llanto de buena parte del público. Sin embargo, la forma en que aborda la narración de la historia convierte su propuesta en un producto exclusivamente apto para ser emitido en televisión una tarde de escasas expectativas. 

No obstante, se percibe e incluso se agradece el esfuerzo de su intérprete protagonista, Jennifer Garner, para imprimir garra y fuerza a su personaje de madre comprometida. Es una lástima que, aunque su tesón merezca ser destacado, no sea suficiente para elevar el nivel general de este título. En mi opinión, tras su desafortunada intervención en “La extraña vida Timothy Green”, película de 2012 con la que “Los milagros del cielo” presenta varias similitudes y, sobre todo, comparte muchas carencias, debería conocer de sobra los peligros de este tipo de films. Le acompañan en el reparto Queen Latifah (nominada al Oscar a la mejor actriz secundaria por “Chicago” pero que, tras aquel éxito, se ha dedicado a acumular comedias fallidas y proyectos discutibles) y Bruce Altman (“Los impostores”, “Al límite de la verdad”, “Inocencia interrumpida”). Las pequeñas que completan el elenco provienen de la pequeña pantalla, habiendo ya participado en diversas series, en especial Brighton Sharbino (“True Detective”, “The Walking Dead”).

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Datos del film

Película: Los milagros del cielo.
Título original: Miracles From Heaven.
Dirección: Patricia Riggen.
País: USA. Año: 2016. Género: Drama.
Reparto: Jennifer Garner, Martin Henderson, Queen Latifah, John Carroll Lynch.
Guion: Randy Brown; basado en el libro de Christy Beam.

JESSICA LANGE

La actriz estadounidense Jessica Lange nació en Minnesota el 20 de abril de 1949. Ganadora de dos Oscar, cinco Globos de Oro, tres Emmy y un Premio del Sindicato de Actores, inició su carrera profesional como modelo y camarera antes de dar el salto a la gran pantalla, cuando resultó elegida para protagonizar junto a Jeff Bridges un remake de “King Kong” (1976), dirigido por John Guillermin y producido por el italiano Dino de Laurentiis. 

Posteriormente participó en “Empieza el espectáculo” (1979), de Bob Fosse y en “El cartero siempre llama dos veces” (1981), de Bob Rafelson -cinta que co-protagonizó con Jack Nicholson y que anteriormente había sido llevada al cine por el realizador Tay Garnett, siendo Lana Turner y John Garfield su pareja estelar-.

Su categoría interpretativa empezó a ser valorada por sus compañeros coincidiendo con su nominación a la estatuilla de Hollywood por su papel en “Frances” (1982), un biopic sobre la malograda actriz clásica  Frances Farmer, aunque la agraciada finalmente con el preciado galardón fue Meryl Streep por “La decisión de Sophie”. 

La década de los 80 fue la mejor etapa de Lange desde el punto de vista laboral. En ella rodó sus títulos más recordados y obtuvo el Oscar a mejor secundaria por “Tootsie” (1982). Resultó también nominada en la categoría principal por “Country” (1984), “Dulces sueños” (1985) y “La caja de música” (1989), aunque las favorecidas fueron Sally Field por “En un lugar del corazón”, Geraldine Page por “Regreso a Bountiful” y Jessica Tandy por “Paseando a Miss Daisy”. De esa época es también la cinta de Bruce Beresford “Crímenes del corazón” (1986). 

Su estatuilla a mejor actriz la consiguió en 1994 por su actuación en “Blue Sky” (“Las cosas que nunca mueren”), de Tony Richardson. Sin llegar al nivel de los ochenta, en los años 90 colaboró en otros proyectos interesantes como  “El cabo del miedo” (1991), de Martin Scorsese o “Rob Roy” (1995), de Michael-Caton Jones.

Entre sus últimos trabajos destacan especialmente “Big Fish” (2003), de Tim Burton y “Flores rotas” (2005), de Jim Jarmusch.

Película "La caja de música"

Jessica Lange recogiendo su Oscar por "Tootsie"

EL LIBRO DE LA SELVA (The Jungle Book)

Jon Favreau es un polifacético y algo errático actor, director y productor de cine y televisión cuyo pasado como intérprete se refleja en algunas series tan conocidas como “Seinfeld” o “Friends”. En la gran pantalla ha actuado, entre otros, en largometrajes como “Deep impact”, “Daredevil”, “Elf” o “Separados”. Además del ya mencionado “Elf”, ha sido el realizador de títulos como “Zathura”, las dos primeras entregas de “Ironman”, “Cowboys & Aliens” o “Chef”. Se mueve, por lo tanto, entre la comedia y la acción, un ámbito en el que ha obtenido sin duda notables éxitos, si bien los más relevantes los ha conseguido con las cintas de superhéroes, su especialidad en el terreno de la producción. Personalmente, no termina de entusiasmarme su estilo formal, sobre todo en el terreno cómico, donde recurre en exceso al humor más manido y simplón. De hecho, su habilidad para dotar de ritmo e intensidad a las trepidantes tramas que rueda contrasta con la escasa elaboración de sus guiones y, en particular, de los toques graciosos con que los salpica. 

Ahora ha cambiado de registro, decantándose por una historia infantil de antaño con la que rinde homenaje al cine familiar más clásico. Abandona, pues, esos proyectos destinados más bien al universo juvenil y adolescente y se adentra en el inocente mundo de los niños, rescatando “El libro de la selva” y construyendo una nueva versión para una generación que, probablemente, no ha visto las anteriores adaptaciones del citado cuento. Y es para ese concreto segmento de público para el que puede suponer una opción válida de entretenimiento, ya que el interés de quienes hayan visionado las antiguas adaptaciones del relato descenderá notablemente. 

Tras ser abandonado en la selva, una familia de lobos cría al pequeño Mowgli como si de un cachorro más se tratase. Gracias a esa manada, el niño sobrevive hasta ser capaz de enfrentarse por sí mismo a los obstáculos de su entorno salvaje. Sin embargo, con la llegada del peligroso tigre Shere Khan, la situación cambia y, debido a su condición de humano, se propone acabar con la vida del felino. A causa de esa amenaza, Mowgli abandona su único hogar conocido y comienza un arriesgado viaje en el que le acompañarán los demás personajes de la famosa obra de Rudyard Kipling, entre ellos la pantera Bagheera y el oso Baloo. 

A través de la combinación de imágenes reales con otras generadas por ordenador -como las relativas a los animales- es la propia factoría Disney la impulsora de esta producción liviana y bienintencionada. Se percibe alguna estridencia que desentona, como la introducción con calzador de temas musicales asociados al film de animación de 1967, y también surgen reproches inevitables derivados de la comparación con versiones anteriores y amparados en la melancolía que provoca el recuerdo de épocas pasadas. Se aprecia incluso un cierto protagonismo de la pulcritud técnica de esta cinta, en detrimento de la profundidad y sensibilidad que desprende el hermoso mensaje de “El libro de la selva”. No obstante, el resultado final resultará muy atrayente para esos espectadores que acudan a la sala de proyección desprovistos de la carga emotiva de recuerdos ya muy lejanos. 

Quienes puedan disfrutar de la versión original se encontrarán con las voces de actores tan conocidos como Bill Murray, Ben Kingsley, Scarlett Johansson o Christopher Walken, si bien el verdadero protagonista es el joven debutante Neel Sethi.

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Datos del film

Película: El libro de la selva.
Título original: The Jungle Book.
Dirección: Jon Favreau.
País: USA. Año: 2016. Género: Aventuras.
Interpretación: Neel Sethi, Bill Murray, Ben Kingsley, Christopher Walken, Lupita Nyong’o, Idris Elba, Scarlett Johansson, Giancarlo Esposito.
Música: John Debney.

FESTIVAL DE CINE DE TRIBECA 2016 (Tribeca Film Festival 2016)

La 16ª edición del Festival de Tribeca se celebrará entre los días 13 y 24 de abril. Dicho certamen fue creado en el año 2002 por el productor cinematográfico Jane Rosenthal y por el actor Robert De Niro en respuesta a los ataques del 11 de septiembre de 2001 y la consecuente pérdida de vitalidad que sufrió el barrio neoyorquino que le da nombre. Su misión es, en palabras de sus creadores, "permitirle a la comunidad fílmica internacional y al público en general, experimentar el poder del cine".

PELÍCULAS A COMPETICIÓN

U.S. Narrative Competition 

■ Kicks, dirigida por Justin Tipping (USA). Con Jahking Guillory, Mahershala Ali, Kofi Siriboe, Christopher Jordan Wallace, Christopher Meyer. (APERTURA). 

■ Always Shine, dirigida por Sophia Takal (USA) Con Lawrence Michael Levine, Alex Koch, Jane Adams. 

■ AWOL, dirigida por Deb Shoval (USA). Con Lola Kirke. 

■ Dean, dirigida por Demetri Martin (USA). Con Rory Scovel, Ginger Gonzaga, Reid Scott, Mary Steenburgen, Christine Woods, Beck Bennett, Briga Heelan. 

■ Dreamland, dirigida por Robert Schwartzman (USA). Con Amy Landecker, Frankie Shaw, Alan Ruck, Beverly D’Angelo. 

■ The Fixer, dirigida por Ian Olds (USA). Con Melissa Leo, Rachel Brosnahan, Tim Kniffin, Thomas Jay Ryan. 

■ Folk Hero & Funny Guy, dirigida por Jeff Grace (USA). Con Meredith Hagner, Michael Ian Black, Hannah Simone, Heather Morris, Melanie Lynskey, David Cross. 

■ Live Cargo, dirigida por Logan Sandler (USA, Bahamas). Con Leonard Earl Howze, Sam Dillon, Robert Wisdom. 

■ The Ticket, dirigida por Ido Fluk (USA). Con Dan Stevens, Malin Åkerman, Oliver Platt. 

■ Women Who Kill, dirigida por Ingrid Jungermann (USA). Con Ingrid Jungermann, Ann Carr, Sheila Vand, Shannon O’Neill, Annette O’Toole, Grace Rex. 

International Narrative Competition 

■ Madly, dirigida por Gael García Bernal, Mia Wasikowska, Sebastian Silva, Anurag Kashyap, Sion Sono y Natasha Khan. (Argentina, Australia, USA, India, Japón, UK). Con Radhika Apte, Satyadeep Misra, Adarsh Gourav, Kathryn Beck, Lex Santos, Mariko Tsutsui, Yuki Sakurai, Ami Tomite, Justina Bustos, Pablo Seijo, Tamsin Topolski. (APERTURA). 

■El clásico, dirigida por Halkawt Mustafa (Noruega). Con Wrya Ahmed, Dana Ahmed, Rozhin Sharifi, Kamaran Raoof, Nyan Aziz. 

■ Icaros: A Vision, dirigida por Leonor Caraballo y Matteo Norzi (Perú). Con Ana Cecilia Stieglitz, Arturo Izquierdo, Filippo Timi. 

■ Junction 48, dirigida por Udi Aloni (Israel). Con Tamer Nafar, Samar Qupty, Salwa Nakkara, Ayed Fadel, Sameh “SAZ” Zakout, Saeed Dassuki. 

■ Mother (Ema), dirigida por Kadri Kousaar (Estonia). Con Tiina Mälberg, Jaan Pehk, Andres Tabun, Andres Noormets, Rea Lest, Jaak Prints, Siim Maaten.

■Parents (Forældre), dirigida por Christian Tafdrup (Dinamarca). Con Søren Malling, Bodil Jørgensen, Elliott Crosset Hove, Miri-Ann Beuschel, Anton Honik. 

■ Perfect Strangers (Perfetti sconosciuti), dirigida por Paolo Genovese. Con Marco Giallini, Kasia Smutniak, Valerio Mastandrea, Anna Foglietta, Edoardo Leo, Alba Rohrwacher, Giuseppe Battiston. 

■ The Tenth Man (El rey del once), dirigida por Daniel Burman. (Argentina). Con Alan Sabbagh, Julieta Zylberberg, Usher, Elvira Onetto, Adrian Stoppelman, Elisa Carricajo. 

World Documentary Competition 

■ Contemporary Color, dirigida por Bill Ross and Turner Ross. (USA). (APERTURA). 

■ All This Panic, dirigida por Jenny Gage. (USA). 

■ Betting on Zero, dirigida por Ted Braun. (USA). 

■ Bugs, dirigida por Andreas Johnsen. (Dinamarca). 

■ Do Not Resist, dirigida por Craig Atkinson. (USA). 

■ The Happy Film: a GRAPHIC Design Experiment, dirigida por Stefan Sagmeister, Ben Nabors y Hillman Curtis. (USA). 

■ Keep Quiet, dirigida por Joseph Martin y Sam Blair. (U.K.). 

■ Love True, dirigida por Alma Har’el. (USA). 

■ Memories of a Penitent Heart, dirigida por Cecilia Aldarondo. (USA, Puerto Rico). 

■ The Return, dirigida por Kelly Duane de la Vega y Katie Galloway (USA). 

■ Tickling Giants, dirigida por Sara Taksler. (USA). 

■ Untouchable, dirigida por David Feige. (USA).

OBJETIVO: LONDRES (London Has Fallen)

En el año 2013 tuvo lugar el estreno de “Objetivo: La Casa Blanca” (“Olympus Has Fallen” en su título original), con un cada vez más decepcionante Antoine Faqua en la dirección y con una trama, no sólo muy trillada, sino narrada de forma muy burda. Su elevado presupuesto de setenta millones de dólares fue ampliamente amortizado, recaudando unos ciento sesenta en todo el mundo. Por esa razón (entiendo que no puede haber otra), productores y equipo artístico han decidido reincidir en las mismas (malas) ideas y repetir idénticos errores, presentando tres años después “Objetivo: Londres” (“London Has Fallen”), en esta ocasión con el desconocido cineasta iraní Babak Najafi detrás de la cámara. El citado realizador, nacido en Teherán, comenzó su andadura profesional con relativo acierto, llegando incluso a obtener algunos premios en 2010 en festivales tan reconocidos como los de Berlín y Estocolmo, gracias al drama “Sebbe”. Sin embargo, posteriormente se ha adentrado con peor fortuna en el género de acción. 

El presente largometraje insiste tozudamente en los mismos desatinos de su predecesor, llegando en algunos momentos a superar el difícil reto de empeorar aquella primera entrega. Tramas endebles rayando en el ridículo. Personajes estereotipados bordeando el cliché más manido. Tópicos alcanzando el superlativo de topicazos. Puesta en escena excesivamente pomposa y artificial, evidenciando que la única propuesta al espectador se reduce a la supuesta espectacularidad de las imágenes. Sin embargo, todo lo visto en la pantalla se ha podido ver cientos de veces en el pasado. Peter Travers, crítico de la revista Rolling Stone, llega a afirmar que Najafi “rueda las chapuceras escenas de acción con tanta crudeza, consistencia y cinismo que hace que Michael Bay parezca Akira Kurosawa”. Yo no puedo superar esa descripción tan certera y por eso la cito. 

La historia se inicia con el fallecimiento en extrañas circunstancias del Primer Ministro británico. Buena parte de los líderes mundiales se reúnen en Londres para asistir a su funeral. Pese a los esfuerzos llevados a cabo por los responsables del acto para garantizar la seguridad, un grupo terrorista pretende poner en práctica un complot para asesinar a los dirigentes más poderosos y, de paso, atentar también contra las áreas y los monumentos más emblemáticos de la capital inglesa. En esa tesitura, parece que sólo hay cuatro personas con posibilidades de restaurar del orden: el Presidente de los Estados Unidos (Aaron Eckhart), su increíble jefe del Servicio Secreto (Gerard Butler), su Vicepresidente (Morgan Freeman) y un agente del MI-6 (Charlotte Riley). 

Al margen del caduco sesgo político que lleva implícito el guion, lo cierto es que el resultado final de la cinta ni siquiera cubre las más mínimas expectativas para ocupar la franja horaria de sobremesa de un simple canal de televisión local. Afortunadamente, esta vez la inversión no les ha resultado tan rentable, ya que han obtenido en las taquillas norteamericanas una recaudación inferior al importe económico destinado al rodaje. Por lo tanto, existen esperanzas fundadas de que la saga no continúe extendiéndose por otros países del mundo. 

El actor californiano Aaron Eckhart se pone de nuevo en la piel del máximo mandatario estadounidense, continuando una irregular trayectoria cinematográfica en la que combina notables aciertos -como “El caballero oscuro” o “Gracias por fumar”- con evidentes errores -como “Yo, Frankenstein” o “El núcleo”-. No obstante, sorprende que tropiece una vez más en la misma piedra, dando vida a un personaje poco atractivo dentro de un proyecto mediocre. Idéntica reflexión le encaja a Gerard Butler, al que tan pronto vemos en títulos interesantes -“Rocknrolla”, “Las flores de Harrison”- como en otros prescindibles -“Gamer”, “Exposados”-. Por el contrario, Morgan Freeman constituye un caso aparte, ya que su condición de secundario de lujo dentro de una extensa y brillante carrera le mantiene inmune ante tropiezos como este.

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Datos del film

Película: Objetivo: Londres.
Título original: London Has Fallen.
Dirección: Babak Najafi.
Países: USA y Reino Unido. Año: 2016. Género: Acción, thriller.
Interpretación: Gerard Butler (Mike Banning), Morgan Freeman, Aaron Eckhart (Benjamin Asher), Angela Bassett, Jackie Earle Haley, Melissa Leo, Radha Mitchell.
Fotografía: Ed Wild.

BARRY LEVINSON

Barry Levinson nació en Baltimore el 6 de abril de 1942. Guionista, director, actor y productor estadounidense de cine y televisión, ha ganado un Oscar y cuatro Emmys a lo largo de su dilatada trayectoria profesional.

Acudió durante un tiempo a la Facultad de Periodismo de la American University de Washington pero, sin finalizar sus estudios, se trasladó a finales de los años 60 a California con la intención de probar fortuna como autor de guiones. Al inicio de la década de los setenta, escribió escenas humorísticas para algunos programas televisivos conducidos por Tim Comway, Marty Feldman y Carol Burnett. 

La primera película basada en un texto suyo fue “Street Girls” (1975), dirigida por Michael Miller. Más tarde colaboró con Mel Brooks en “La última locura” (1976) y “Máxima ansiedad” (1977), consiguiendo una nominación a la estatuilla de Hollywood por su trabajo en “Justicia para todos” (1979),  cinta protagonizada por Al Pacino a las órdenes de Norman Jewison. 

Entrados ya los ochenta debutó detrás de las cámaras con “Diner” (1982), comedia dramática de corte autobiográfico con la que volvió a ser candidato al Oscar como mejor guionista. Su segundo film como realizador fue “El mejor” (1984), ambientado en el mundo del béisbol y que contó con el popular Robert Redford al frente del reparto. Más tarde estrenó “El secreto de la pirámide” (1985), las aventuras de un joven Sherlock Holmes que fueron producidas por Steven Spielberg, “Dos estafadores y una mujer” (1987), otro relato ambientado en Baltimore (como “Diner”) y “Good Morning, Vietman” (1987), con Robin Williams interpretando a un discjockey en dicho conflicto bélico. 

“Rain Man” (1988) fue sin duda alguna su mayor éxito. Con la participación de Dustin Hoffman y Tom Cruise, obtuvo varios premios de la Academia, entre ellos los de mejor película y mejor director. “Avalon” (1990) cerró la trilogía de Baltimore y volvió a llevar a Levinson a la ceremonia de los Oscar, en la categoría de mejor guionista. Un año después fue de nuevo candidato a la estatuilla como mejor director con la también nominada a mejor película “Bugsy” (1991), historia de gángsters cuyo reparto encabezaba Warren Beatty, dando vida al mafioso Bugsy Siegel. 

Desde entonces la carrera de Levinson ha resultado muy irregular, llegando incluso a filmar algunos largometrajes de escasa calidad, como “Acoso” junto a Michael Douglas y Demi Moore. Con Dustin Hoffman volvió a coincidir en el drama criminal “Sleepers” (1996), en la sátira política “Cortina de humo” (1997) y en “Esfera” (1998), basada en una novela de ciencia ficción de Michael Crichton.

Otros títulos de su filmografía son “Toys” (1992), una fantasía a cargo de Robin Williams y “Bandits” (2004), comedia criminal con Bruce Willis, Cate Blanchett y Billy Bob Thornton en el equipo artístico. Pese a que no ha alcanzado ningún otro éxito notable tras “Bugsy”, cabe resaltar su trabajo en “La sombra de un actor” (2014), nuevamente junto a Al Pacino.

Escenas de algunas de sus películas

"Rain Man"

"Bugsy"

"El mejor"

ORGULLO + PREJUICIO + ZOMBIS (Pride and Prejudice and Zombies)

Insisto frecuentemente en mis críticas de cine sobre una marcada tendencia hacia la ausencia de originalidad por parte de numerosos creadores, a la que se añade una también notable falta de valentía del lado de los productores. Es muy habitual presenciar en los estrenos de las carteleras un conjunto de películas que se parecen en exceso a otras ya proyectadas -cuando no son directamente un calco, sea por la vía de sus sucesivas entregas, sea por la reiteración de personajes y tramas-. Dicho esto, conviene también dejar clara la diferencia entre originalidad y mera extravagancia. En mi opinión, la primera radica en la capacidad de innovar desde la creatividad y al margen de influencias de modas o precedentes éxitos de taquilla, existiendo entre el artista y su obra un claro vínculo de conexión. Por el contrario, la segunda suele reducirse a filmar situaciones nunca antes imaginadas o a reunir en un mismo plano perfiles a los que jamás hubiésemos encajado compartiendo una misma historia. 

En este sentido, sólo a alguien que no es capaz de distinguir entre originalidad y extravagancia se le puede ocurrir abordar un proyecto que aúne el tradicional, clásico e intemporal relato de Jane Austen, “Orgullo y prejuicio”, con una batalla de corte terrorífico y gore entre humanos y zombis. Nunca antes se había dado semejante paso, así que el reproche de ser una copia de otra película anterior no procede. Lástima que, transcurridos los minutos iniciales de la proyección, y superado el asombro ante tan pintoresca muestra de supuesto ingenio, tan sólo quede la constatación de hallarnos frente a otra loa a la mediocridad. 

Hasta ahora, la mayor contribución de su realizador, Burr Steers, al Séptimo Arte, se había reducido a una breve aparición como actor muy secundario en el icónico film de Quentin Tarantino, “Pulp Fiction”. Poco más se puede añadir sobre él. En su cuarto largometraje detrás de las cámaras se ha dedicado a involucrar a las extraordinarias figuras de Elizabeth Bennet y Fitzwilliam Darcy en una invasión de muertos vivientes que asola la Inglaterra del siglo XIX. Dicho de otro modo, en una sucesión de dramas familiares, proposiciones matrimoniales, amores victorianos y malentendidos sentimentales en medio de la campiña británica, junto a una invasión de no-muertos neutralizada a través de un baño de sangre. 

Salta a la vista que la propuesta chirría por todos lados, convirtiendo en ridícula una de las narraciones más emblemáticas de la literatura anglosajona y en dantesco el pretendido objetivo de dotar al largometraje de la necesaria dosis de tensión asociada al género de terror. Para colmo, de una inversión de veintiocho millones de dólares destinada a tal despropósito, apenas se han recuperado diez. Un sonoro batacazo de taquilla dos meses después de su estreno en las salas estadounidenses. Confío en que este resultado constituya un aviso para futuros navegantes y así se puedan evitar nuevos rodajes de estas características. 

En el apartado femenino, forman parte del reparto las actrices Lily James (que ha intervenido en la aclamada serie de televisión “Downton Abbey” y en los films “Ira de titanes” y “Cenicienta” en versión de Kenneth Branagh) y Bella Heathcote (“In Time”, “Sombras tenebrosas” o la más interesante “Not Fade Away”). Del lado masculino, integran el equipo artístico Sam Riley (que obtuvo varios premios en 2007 por su actuación en “Control” de Anton Corbijn, aunque es más conocido por sus papeles en “Maléfica” y “En la carretera”), y el veterano y curtido intérprete británico Charles Dance, en cuya sólida carrera destacan títulos como “Descifrando Enigma”, “Swimming Pool”, “Gosford Park” o “Michael Collins”, si bien se ha dedicado mayoritariamente al medio televisivo.

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Datos del film

Película: Orgullo + prejuicio + zombis.
Título original: Pride and prejudice and zombies.
Dirección: Burr Steers.
País: USA. Año: 2016. Género: Acción, comedia negra, romance, terror.
Interpretación: Lily James (Elizabeth Bennet), Bella Heathcote, Ellie Bamber, Millie Brady, Suki Waterhouse, Lena Headey, Sam Riley (Sr. Darcy), Charles Dance, Matt Smith, Jack Huston.
Guion: David O. Russell y Burr Steers; basado en la novela de Seth Grahame-Smith; inspirado en los personajes creados por Jane Austen.
Producción: Sean McKittrick, Natalie Portman, Brian Oliver, Allison Shearmur y Tyler Thompson