LA PELÍCULA DE LA SEMANA

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viernes, 17 de noviembre de 2017

LA LIGA DE LA JUSTICIA (Justice League)

El director Zack Snyder y yo mantenemos una relación inversamente proporcional al éxito y aclamación de sus películas. Siento una mayor devoción por sus títulos más criticados, mientras que sus grandes éxitos de taquilla me dejan indiferente. Pertenezco, por tanto, a esa minoría a la que le gustó “Watchmen”, aunque recibiera comentarios ácidos y, habida cuenta su inversión, no llegara a resultar rentable. Sin embargo, “300” y “Batman v Superman: El amanecer de la Justicia” me dejaron frío, pese a sus impresionantes cifras de recaudación. Ahora estrena “La liga de la Justicia” con la pesada responsabilidad de lograr beneficios para las productoras Warner y DC Comics, que han empleado en el rodaje un presupuesto superior a los trescientos millones de dólares. No obstante, resultará dudoso confirmar qué parte del metraje es obra de Snyder y cuál de su sucesor detrás de la cámara, Joss Whedon, ya que el primero abandonó el proyecto antes de finalizar la filmación, sustituyéndole (paradojas del destino) el guionista y también responsable de “Los vengadores”, la saga de la competencia creada por la factoría Marvel. 
En cualquier caso, considero que “La liga de la Justicia” es un largometraje de mayor calidad que su predecesor en cuanto a la habilidad narrativa, los aspectos técnicos, la trama y la presentación de los personajes (sin duda, más equilibrada con relación a la acción y a los efectos especiales). Sin parecerme una cinta relevante dentro de su origen en el cómic, reconozco que su nivel es aceptable y que hará las delicias de los incondicionales del género, al tiempo que también gustará a quienes, sin ser tan aficionados, apuesten por un cine visual, de puro entretenimiento y alejado de los límites de la realidad. 
Después del sacrificio llevado a cabo por Superman, Bruce Wayne cambia radicalmente y se empeña en reclutar a nuevos aliados con habilidades extraordinarias para crear un equipo de superhéroes que luchen contra el mal. Así, termina contando con la ayuda de Wonder Woman, Cyborg, Aquaman y Flash. Juntos deberán hacer frente a un poderoso adversario venido de otro planeta. 
La presente superproducción se enfrenta a numerosos problemas que no siempre solventa de forma satisfactoria. En mi caso particular, parto ya de un notable grado de saturación en lo que a films de superhéroes se refiere. La acumulación de títulos y la reiteración de tópicos y fórmulas comienzan a cansarme, haciendo que no sea factible sorprenderme ni divertirme a través de espectaculares recreaciones o imágenes impactantes. A lo anterior, además, se añaden numerosos inconvenientes objetivos de los que me limitaré a señalar cuatro. El primero, que el potencial de cada héroe por separado no suma al juntarlos a todos, pues no siempre combinan a la perfección ni aportan como lo hacen por separado en sus respectivas obras. El segundo, que las comparaciones son odiosas y el listón alcanzado por el Batman de Christopher Nolan pesa demasiado. El tercero, que Ben Affleck no da el pego como hombre intenso, circunspecto y atormentado, desgarrado por sus tragedias pasadas y por su responsabilidad presente, y máxime cuando, al mismo tiempo, debe dar un tono jocoso a algunos diálogos. Y el cuarto, que los villanos continúan siendo el talón de Aquiles de gran parte de estas superproducciones y, concretamente, en “La liga de la Justicia” suponen un demérito importante. 
Por el contrario, es evidente que, desde el punto de vista técnico, se trata un trabajo notable. Aunque poco original y llamativa, la apuesta visual es importante, si bien se limita a transitar por caminos ya andados en anteriores estrenos. El ritmo y la intensidad se amoldan a lo esperado. Correcta y entretenida en buena parte de la proyección, se trata de una apuesta segura, apenas arriesgada e innovadora, y que mejora a su antecesora, pero a la que no le auguro progresos en cuanto a méritos de cara al futuro. 
Además del citado Ben Affleck, completan el reparto Gal Galdot (que repite papel tras la acertada “Wonder Woman”), Jason Momoa (quien prepara su estreno en 2018 como Acuaman en solitario), Ezra Miller (Flash) y Ray Fisher (Cyborg). Les acompaña un elenco de grandes actores, como Amy Adams, Diane Lane, J.K. Simmons o Jeremy Irons, a cargo de papeles secundarios.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film:
Título original: Justice League
Año: 2017
Duración: 121 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Zack Snyder
Guion: Chris Terrio, Joss Whedon (Historia: Zack Snyder, Chris Terrio)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Fabian Wagner
Reparto: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, J.K. Simmons, Jeremy Irons, Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane, Kiersey Clemons, Billy Crudup

martes, 14 de noviembre de 2017

SAM WATERSTON

El actor estadounidense Sam Waterston nació el 15 de noviembre de 1940. Muy popular por series de televisión como “Law & Order” y “The Newsroom”, y por películas como “Los gritos del silencio” y “Verano en Louisiana”, debutó en el cine en 1966 en la cinta “Norma Jean”, de Juleen Compton. En los años setenta intervino en “El gran Gatsby” (1974), de Jack Clayton, “Ruta hacia el pánico” (1975), de Daniel Mann, “Capricornio Uno” (1977), de Peter Hyams o “Interiores” (1978), de Woody Allen. 

Ya en la década de los ochenta participó en “Un enredo para dos” (1980), de Ronald Neame y “La puerta del cielo” (1980), de Michael Cimino. En 1984 actuó en la aclamada “Los gritos del silencio”, por la que recibió una nominación al Oscar como mejor actor y repitió después con Woody Allen en “September” (1987) y en “Delitos y faltas” (1989). 

En los noventa integró los repartos de "Verano en Louisiana" (1991), de Robert Mulligan, “Nixon” (1995), de Oliver Stone o “Conspiración en la sombra” (1997), de George P. Cosmatos. Ya en el nuevo milenio trabajó en “Le divorce” (2003), de James Ivory y en la más reciente “El caso Sloane” (2016), de John Madden. 

Ha dedicado gran parte de su carrera profesional al medio televisivo, destacando sobremanera en las ya citadas “The Newsroom” y “Ley y orden”.


Escena de "Los gritos del silencio"




Escena de "Verano en Louisiana"



domingo, 12 de noviembre de 2017

PREMIOS GOVERNORS (Governors Awards)


La noche del sábado 11 de noviembre tuvo lugar en Los Ángeles la ceremonia de los "Governors Awards", en la que se entregan los Oscars honoríficos por parte de la Academia de Hollywood. 

Los "Governors Awards" se han convertido en una cita obligada dentro de la campaña por la consecución de las famosas estatuillas doradas, por lo que no fueron pocos los actores y directores que se dejaron ver en la citada gala. 

Los premiados en esta IX edición han sido los siguientes:

Oscars honoríficos
  • El actor Donald Sutherland 
  • La directora belga Agnès Varda 
  • El guionista y director Charles Burnett 
  • El director de fotografía Owen Roizman 
Oscar especial
  • Alejandro González Iñárritu, por su instalación de realidad virtual en 'Carne y arena'

viernes, 10 de noviembre de 2017

FELIZ DÍA DE TU MUERTE (Happy Death Day)

Bien podría hablarse de un subgénero cinematográfico formado por esos largometrajes cuyos protagonistas son jóvenes que se desenvuelven en ambientes universitarios. La fórmula no puede ser más simple. Una o varias chicas atractivas que sean o hayan sido animadoras en el pasado, algunos chicos desinhibidos, fiestas nocturnas, humor facilón y tono descarado. Se admiten pequeñas variaciones. Por ejemplo, que se rebaje el nivel académico y la trama se desarrolle en un instituto. O que ellos sean deportistas musculados. Incluso que el relato aspire en vano a dar miedo o a resultar una parodia inteligente. En cualquier caso, y pese a esos cambios eventuales, los puntos en común siempre terminan por hacer acto de presencia, cortados por el mismo patrón y mostrando una sarta de clichés reiterados. 
En la cinta que nos ocupa, la pretensión es vender como film de terror lo que no deja de ser una comedia más para adolescentes, aunque revestida por una capa de miedo edulcorado. Supongo que han aprovechado para estrenarla la coincidencia con la época de Halloween pero, más allá de los típicos sustos calcados de otras secuencias vistas repetidamente en decenas de títulos similares, saben que la posibilidad de causar con ella el más mínimo pavor es nula. En ese sentido, a esta producción no se le puede achacar que engañe, habida cuenta que ofrece lo que promete. Por otra parte, tampoco necesita nada más, dado que los responsables de sacar adelante este tipo de iniciativas son conscientes del elevado número de chavales ansiosos por acudir a las salas de proyección para ver películas de este estilo. 
Cuenta la historia de una estudiante de universidad que se ve obligada a revivir una y otra vez el día de su asesinato, hasta poder averiguar quién y por qué está intentando matarla. El hilo de conexión con la aclamada “Atrapado en el tiempo”, donde un egocéntrico y soberbio Will Murray, para su desesperación, repite invariablemente el denominado “Día de la marmota”, es muy evidente. Sin embargo, lo que en el film de 1993 constituía una original propuesta cómica, a ratos divertida, a ratos entrañable, aquí se traduce en la enésima visión de una juerga universitaria, plena de ideas prestadas y carente de creatividad e innovación. Cabe indicar que las referencias a otro exponente del terror como “Scream” son, asimismo, constantes a lo largo de la proyección. 
Es justo reconocer que la alta rentabilidad de estos productos no entraña dificultad alguna. La clave radica en contar con un ajustado presupuesto (por lo que respecta a “Feliz día de tu muerte”, inferior a los cinco millones de dólares) y, en cambio, recaudar diez veces más -de momento, sólo en el mercado estadounidense-. El negocio ideal para que cualquier productor se frote las manos y prepare una segunda parte, metido ya en un bucle del que resulta muy complicado salir. 
Asume su dirección Christopher Landon, que ya ha rodado hasta la fecha alguna entrega de “Paranormal Activity” y “Zombie Camp” (cuyo ilustrativo título original es “Scouts Guide to the Zombie Apocalypse”). En cuanto a la producción, se encargan de ella los responsables de “Ouija”, “La purga” o “Déjame salir”, ejemplos de producciones de bajo costo y elevados beneficios que se retroalimentan por sí solas. Al tratarse de un título sin pretensiones, no cabe echar en cara a “Feliz día de tu muerte” ninguna de sus carencias. Se limita a facilitar un pasatiempo de sencilla asimilación a un público previamente entregado que no reclama la más mínima dosis de creatividad ni innovación. Es más, a buen seguro funciona en este concreto segmento de espectadores gracias a la mera reiteración de una receta consumida ya en tantas ocasiones. 
El equipo artístico está integrado por actores perfectamente desconocidos, aunque su protagonista, Jessica Rothe, puede presumir de haber participado con un pequeño papel en la aclamada y premiada “La La Land”.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Happy Death Day
Año: 2017
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos
Director: Christopher Landon
Guion: Christopher Landon, Scott Lobdell
Música: Bear McCreary
Fotografía: Toby Oliver
Reparto: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitken

martes, 7 de noviembre de 2017

PREMIOS HOLLYWOOD AWARDS 2017


Se acaban de dar a conocer los ganadores de los “Hollywood Awards”.

En una gala conducida por James Corden, 'Blade Runner 2049' encabeza la lista de triunfadores con tres galardones.

'I, Tonya', 'Mudbound', 'La bella y la bestia' y 'El instante más oscuro' suman dos premios.




LISTA DE GALARDONADOS

  • Productor: Andrew Kosove, Broderick Johnson y Cynthia Yorkin por 'Blade Runner 2049' 
  • Director: Joe Wright por 'El instante más oscuro' 
  • Actor: Jake Gyllenhaal por 'Stronger' 
  • Actriz: Kate Winslet por 'Wonder Wheel' 
  • Actor Secundario: Sam Rockwell por 'Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri' 
  • Actriz Secundaria: Allison Janney por 'I, Tonya' 
  • Actor Revelación: Timothée Chalamet por 'Call Me by Your Name' 
  • Actriz Revelación: Mary J. Blige por 'Mudbound' 
  • Reparto: 'I, Tonya' 
  • Reparto Revelación: 'Mudbound' 
  • Reparto en Comedia: 'La gran enfermedad del amor' 
  • New Hollywood: Jamie Bell por 'Film Stars Don't Die in Liverpool' 
  • Canción: 'Stand Up for Something' de 'Marshall' 
  • Película de Animación: 'Coco' 
  • Guionista: Scott Neustadter y Michael H. Weber por 'The Disaster Artist' 
  • Hollywood Career Achievement Award: Gary Oldman 
  • Hollywood Comedy Award: Adam Sandler por 'The Meyerowitz Stories' 
  • Película de Habla No Inglesa: 'Se lo llevaron: Recuerdos de una niña de Camboya' 
  • Fotografía: Roger Deakins por 'Blade Runner 2049' 
  • Compositor: Thomas Newman por 'La reina Victoria y Abdul' 
  • Vestuario: Jacqueline Durran por 'El instante más oscuro' y 'La bella y la bestia' 
  • Maquillaje: 'La bella y la bestia' 
  • Diseño de Producción: 'Blade Runner 2049' 
  • Sonido: 'Guardianes de la galaxia, Volumen 2' 
  • Efectos Visuales: 'La guerra del planeta de los simios'

domingo, 5 de noviembre de 2017

NOMINACIONES A LOS PREMIOS DEL CINE EUROPEO 2017 (EFA Nominations)


La cinta dirigida por Ruben Östlund 'The Square', última ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes, se ha impuesto en las nominaciones de los Premios del Cine Europeo 2017 junto al drama 'En cuerpo y alma', liderando ambas la lista con candidaturas cada una, repartidas en las categorías de mejor película, mejor director, mejor guion, mejor actriz y mejor actor.

El cine español luchará por un total de cinco de los galardones, que entregará el próximo 9 de diciembre en Berlín la European Film Academy y EFA Productions. Opta al Premio del Público la película de Juan Antonio Bayona "Un monstruo viene a verme". La coproducción hispano islandesa "La Chana", dirigida por Lucija Stojevic, compite como mejor documental. Les acompañan los cortometrajes "Los desheredados", de Laura Ferré y "Timecode", de Juanjo Giménez, así como el largometraje "Verano 1993" (en la categoría de European Discovery 2017, que concede el Premio Fipresci a la mejor ópera prima).


LISTA DE NOMINADOS


Película Europea 2017

- '120 pulsaciones por minuto' 
- 'Sin amor' 
- 'En cuerpo y alma' 
- 'El otro lado de la esperanza' 
- 'The Square' 

Documental Europeo 2017

- 'Austerlitz' 
- 'Communion' 
- 'La Chana' 
- 'Stranger in Paradise' 
- 'The Good Postman' 

Director Europeo 2017 

- Ildikó Enyedi por 'En cuerpo y alma'
- Aki Kaurismäki por 'El otro lado de la esperanza'
- Yorgos Lanthimos por 'El sacrificio de un ciervo sagrado'
- Ruben Östlund por 'The Square'
- Andrey Zvyagintsev por 'Sin amor'

Actriz Europea 2017

- Paula Beer en 'Frantz'
- Juliette Binoche en 'Bright Sunshine In'
- Alexandra Borbély en 'En cuerpo y alma'
- Isabelle Huppert en 'Happy End'
- Florence Pugh en 'Lady Macbeth'

Actor Europeo 2017

- Claes Bang en 'The Square'
- Colin Farrell en 'El sacrificio de un ciervo sagrado'
- Josef Hader en 'Stefan Zweig: Adiós a Europa'
- Nahuel Pérez Biscayart en '120 pulsaciones por minuto'
- Jean-Louis Trintignant en 'Happy End'

Guionista Europeo 2017

- Ildikó Enyedi por 'En cuerpo y alma'
- Yorgos Lanthimos & Efthimis Filippou por 'El sacrificio de un ciervo sagrado'
- Oleg Negin & Andrey Zvyagintsev por 'Sin amor'
- Ruben Östlund por 'The Square'
- François Ozon por 'Frantz'

Película de animación

- Ethel & Ernest
- Louise by the Shore
- Loving Vincent
- Zombillénium

Película de comedia

- King of the Belgians
- The Square
- Vincent
- Welcome to Germany

Descubrimiento europeo

- Bloody Milk
- Godless
- Lady Macbeth
- Verano 1993
- The Eremites

Premio del Público

- Un monstruo viene a verme
- Los exámenes
- Bridget Jones’s Baby
- Animales fantásticos y dónde encontrarlos
- Frantz
- Locas de alegría
- La comuna
- El otro lado de la esperanza
- Stefan Zweig: Adiós a Europa

Cortometraje

- Copa-Loca
- En la boca
- Fight on a Swedish Beach!
- Gros chagrin
- Havêrk (The Circle)
- Information Skies
- Jeunes hommes à la fenêtre
- Los desheredados
- Love
- Os humores artificiais
- Scris/Nescris
- The Party
- Timecode Ugly Wannabe

viernes, 3 de noviembre de 2017

LA BATALLA DE LOS SEXOS (Battle of the Sexes)

La pareja de directores formada por Jonathan Dayton y Valerie Faris saltó a la fama en el año 2006 gracias a su debut cinematográfico con “Pequeña Miss Sunshine”, tras varias décadas dedicados profesionalmente a rodar videoclips musicales. La cinta ganó dos Oscars y optó al premio a la mejor película, lo que, unido a su innegable éxito de taquilla, les supuso el estreno soñado por cualquier cineasta. Ahora, después de rodar en 2012 la más desapercibida “Ruby Sparks”, presentan su tercer proyecto, “La batalla de los sexos”. En sus tres películas otorgan un tratamiento a la comedia muy diferente al de la mayoría de producciones norteamericanas. Guiones más elaborados y cuidados, personajes tratados con mimo de verdaderos protagonistas y combinaciones extrañamente agridulces de humor, drama y reflexión que terminan elevando todos sus títulos a un nivel que supera la mera diversión. 
En esta ocasión trasladan a imágenes la recreación de unos hechos reales ocurridos en la década de los setenta, con ocasión de la organización de un partido de tenis entre dos aclamadas figuras de dicho deporte. Ella, Billie Jean King (Emma Stone), a sus 29 años, era la número uno del ranking femenino. Él, Bobby Riggs (Steve Carell), de 55, uno de los mejores jugadores de la Historia. Ambos se enfrentaron en un acontecimiento deportivo y televisivo de enorme magnitud que desencadenó numerosos debates sobre la igualdad de género y el movimiento feminista. 
Lo más curioso de “La batalla de los sexos” es su presentación, acompañada de una aureola de entretenimiento insulso y facilón, con apariencia de producción comercial, pero que, enseguida, da paso a mostrar la envergadura del reto que se han marcado sus creadores. Asentada sobre la base de unas interpretaciones notables, una acertada ambientación y una construcción eficaz de los tipos, acaba transitando con sorprendente habilidad a través de la melancolía, el análisis sociológico y el ingenio. Es cierto que a ratos cae en trucos algo manidos y en clichés un tanto forzados, y que también parece haber perdido por el camino la etiqueta de “cine independiente” que hasta ahora había acompañado a Dayton y Faris. Pero, aun así, no cabe duda de que el resultado final es satisfactorio. 
Como si fueran capas de una cebolla, va desprendiendo secuencias livianas e intrascendentes junto a otras de elevados quilates emocionales. En ese sentido, sí existe una manifiesta descompensación entre el tratamiento otorgado al varón (que se hace cargo de la mayor parte de escenas jocosas) y a la mujer (que cuenta con un amplio espectro de opciones para el lucimiento en varios registros y diversidad de niveles). Ella no sólo gana el partido sino que, además, se lleva el triunfo del film. 
Emma Stone, después de ganar el Oscar a la mejor actriz por su papel en la maravillosa “La, La, Land”, luce sus capacidades y nos regala esta interpretación de un perfil bastante más complejo de lo que parece a simple vista. Resulta creíble y eficaz, y aprovecha todas las oportunidades que le brinda el guion para encandilar a los espectadores. Sin duda nos deleitará en el futuro con más actuaciones merecedoras de ser aplaudidas con entusiasmo. Destaca asimismo Andrea Riseborough, que ha pasado de contar con pequeños papeles en “Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)” y “Animales nocturnos” a engrandecer aquí una participación, en principio, secundaria. El dueto femenino es claramente lo mejor de la cinta. En cuanto a Carell, relegado a su misión de cómico, aporta la dosis necesaria de gracia. Correcto, pero sin apenas posibilidad de exhibir su potencial. Les acompañan Alan Cummings (doblemente nominado al Globo de Oro por la serie “The Good Wife”), Bill Pullman (al que se recurre tanto para la comedia -“Algo para recordar”- como para la acción -“Independence Day”- y Elisabeth Shue (estatuilla dorada de Hollywood por “Leaving Las Vegas”).

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Datos del film

Título original: Battle of the Sexes
Año: 2017
Duración: 121 min.
País: Estados Unidos
Director: Jonathan Dayton, Valerie Faris
Guion: Simon Beaufoy
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Emma Stone, Steve Carell, Andrea Riseborough, Elisabeth Shue, Austin Stowell, Sarah Silverman, Alan Cumming

martes, 31 de octubre de 2017

40 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE"

Este mes de noviembre se cumplen cuarenta años del estreno de “Encuentros en la tercera fase”, largometraje escrito y dirigido por Steven Spielberg, y protagonizado por Richard Dreyfuss, Melinda Dillon, François Truffaut, Teri Garr, Bob Balaban y Cary Guffey.

En 2007, la cinta fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

La historia cuenta cómo una noche Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces, vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr).

Encuentra apoyo en Jillian Guiler (Melinda Dillon), una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos. Juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales, bajo la dirección de Claude Lacombe (François Truffaut), empieza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos. 

A continuación figuran algunos de los numerosos reconocimientos de este film: 
  • Obtuvo ocho nominaciones al Oscar, incluyendo la de mejor director, alzándose con el premio a la mejor fotografía y con otro especial por el montaje sonoro. 
  • Logró cuatro nominaciones al Globo de Oro en las categorías de mejor drama, director, guión y banda sonora. 
  • Fue nominado a mejor director por el Sindicato Norteamericano de Actores.
  • También fue nominado a mejor guión original de drama por el Sindicato Norteamericano de Guionistas.
  • Se hizo con el premio David di Donatello al mejor film extranjero. 
  • Optó a los galardones de mejor película y mejor director por el Círculo de Críticos de Nueva York.
Este título se considera un referente de primer orden dentro del género de ciencia ficción.


Escenas de la película




viernes, 27 de octubre de 2017

THOR: RAGNAROK

Me auto recuso para realizar una crítica sobre Thor. Confieso que no soy objetivo, ya que nunca me gustó dicho personaje. Siempre lo he considerado el menos interesante de todos los superhéroes de la factoría Marvel. El más artificial e infantil. Su figura, bien sea como protagonista de las películas, bien sea como parte integrante de “Los vengadores”, jamás me ha convencido. Ni de niño, ni de joven ni de adulto. A mi parecer, su aura mitológica en ningún momento ha encajado bien con los terrenales Peter Parker, el doctor Banner o, aunque fuese de la competencia, Bruce Wayne. Sé que suena raro, pero su planteamiento me resulta estrafalario y poco creíble. Lo digo porque, cuando uno admite que una mordedura de araña mutante transmite superpoderes, debería ser capaz de aceptar cualquier cosa. Pero lo cierto es que no. En mi caso particular, la historia de este legendario dios del trueno de la mitología nórdica y germánica se torna postiza e inverosímil. 
Por ese motivo, ni su primera adaptación de 2011, ni su continuación de 2013 despertaron en mí el más mínimo interés. Ni siquiera la presencia en el reparto de Natalie Portman y Anthony Hopkins logró captar mi atención. Y, ante tales antecedentes, era obvio que esta tercera entrega (“Thor: Ragnarok”) no iba a variar mi marcada y constante tendencia. No obstante, dentro de mi ausencia de interés, también puedo establecer jerarquías para concluir que este último estreno es el peor de todos. Se refuerzan la estética impostada, la trama pueril y los personajes absurdos para conformar un producto final a mayor desgracia del cómic. 
Asgard se halla bajo el poder de la despiadada Hela, quien ha usurpado el trono y ha desterrado a Thor, enviándole como prisionero a un rincón de la galaxia, desposeído de su martillo y obligado a sobrevivir como gladiador. Para escapar de su cautiverio, el héroe tendrá que alzarse como vencedor de una competición alienígena y derrotar a su antiguo amigo y aliado, “El increíble Hulk”, aquejado de un proceso de amnesia que le impide reconocer a su compañero de antaño. 
Me estuve formulando preguntas del siguiente tenor a lo largo de toda la proyección. ¿Cómo convencieron a Cate Blanchett para rodar este largometraje? ¿Es preciso que Benedict Cumberbatch pague el peaje de hacer este cameo por el hecho de haber rodado previamente “Doctor Strange”? ¿Hasta cuándo va a estar Anthony Hopkins aceptando papeles por debajo de sus posibilidades? ¿Cuánto tiempo lleva Jeff Goldblum componiendo una caricatura de lo que prometía en los inicios de su carrera profesional? ¿Ha existido alguna vez un villano más ridículo que Loki? ¿Exactamente qué pinta aquí Mark Ruffalo con lo extraordinario intérprete que es? Consciente de la enorme concentración de talento desaprovechado, comprenderán que me resulte inviable disfrutar del Séptimo Arte frente a tamaño aluvión de dudas existenciales. 
El excéntrico Taika Waititi, con un currículum más extenso como actor y director de cortos que como cineasta, se hace cargo de la realización. He de reconocer que me hizo gracia en “Team Thor” (disponible en YouTube), un raro experimento de apenas cuatro minutos de duración que explica dónde estaba el personaje durante los hechos acontecidos en "Capitán América: Civil War". Se refleja más inventiva e ingenio en ese escaso lapso de tiempo que en toda esta superproducción de más de dos horas de duración y casi doscientos millones de dólares de presupuesto. 
El ya mencionado elenco es, sin duda, destacado. Su protagonista, Chris Hemsworth, ha participado en títulos meritorios como “Rush” o la nueva saga de “Star Trek”. Le acompañan rutilantes estrellas cuya repercusión mediática sirve como cebo para vender entradas. Mencionaré asimismo a Tessa Thompson, vista en “Selma” y “Creed: La leyenda de Rocky”.

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Datos del film

Título original: Thor: Ragnarok
Año: 2017
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos
Director: Taika Waititi
Guion: Eric Pearson (Historia: Craig Kyle, Christopher Yost)
Música: Mark Mothersbaugh
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Anthony Hopkins, Mark Ruffalo, Tessa Thompson, Benedict Cumberbatch

martes, 24 de octubre de 2017

PELÍCULAS PRESELECCIONADAS AL OSCAR AL FILM DE HABLA NO INGLESA

La Academia de Hollywood ha anunciado la lista definitiva de aspirantes al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. Este año se han registrado un total de 92. Entre los títulos que suenan con más fuerza están '120 pulsaciones por minuto' (Francia), 'Sin amor (Loveless)' (Rusia), 'Foxtrot' (Israel) o 'Una mujer fantástica' (Chile). Como dato curioso, Angelina Jolie representará a Camboya con 'Se lo llevaron: recuerdos de una niña de Camboya', mientras que 'Verano 1993' representará a España. 

Estas son las 92 cintas candidatas: 
  • Afganistán (0 nominaciones): 'A Letter to the President', de Roya Sadat. 
  • Albania (0 nominaciones): 'Daybreak', de Gentian Koçi. 
  • Alemania (19 nominaciones, 3 Oscars): 'In the Fade', de Fatih Akin. 
  • Argelia (5 nominaciones, 1 Oscar): 'Road to Istambul' de Rachid Bouchareb. 
  • Argentina (7 nominaciones, 2 Oscars): 'Zama', de Lucrecia Martel. 
  • Armenia (0 nominaciones): 'Yeva', de Anahit Abad. 
  • Australia (1 nominación): 'The Space Between', de Ruth Borgobello. 
  • Austria (4 nominaciones, 2 Oscars): 'Happy End', de Michael Haneke. 
  • Azerbaiyán (0 nominaciones): 'Pomegranate Orchard', de Ilgar Najaf. 
  • Bangladesh (0 nominaciones): 'Shona Bondhu', de Jahangir Alam Sumon. 
  • Bélgica (7 nominaciones): 'Le fidèle (Racer and the Jailbird), de Michaël R. Roskam. 
  • Bolivia (0 nominaciones): 'Viejo calavera', de Kiro Russo. 
  • Bosnia (1 nominación, 1 Oscar): 'Men Don't Cry', de Alen Drljević. 
  • Brasil (4 nominaciones): 'The King of the Mornings', de Daniel Rezende. 
  • Bulgaria (0 nominaciones): 'Un minuto de gloria (Glory)', de Kristina Grozeva y Petar Valchanov. 
  • Camboya (1 nominación): 'Se lo llevaron: recuerdos de una niña de Camboya', de Angelina Jolie. 
  • Canadá (7 nominaciones, 1 Oscar): 'Hochelaga, Land of Souls', de François Girard. 
  • Chile (1 nominación): 'Una mujer fantástica', de Sebastián Lelio. 
  • China (2 nominaciones): 'Wolf Warrior 2', de Wu Jing. 
  • Colombia (1 nominación): 'Pariente', de Iván D. Gaona. 
  • Corea del Sur (0 nominaciones): 'A Taxi Driver', de Jang Hun. 
  • Costa Rica (0 nominaciones): 'El sonido de las cosas', de Ariel Escalante. 
  • Croacia (0 nominaciones): 'Quit Staring at My Plate', de Hana Jusic. 
  • Dinamarca (12 nominaciones, 3 Oscars): 'You Disappear', de Peter Schønau Fog. 
  • Ecuador (0 nominaciones): 'Alba', de Ana Cristina Barragán. 
  • Egipto (0 nominaciones): 'Sheik Jackson', de Amr Samara. 
  • Eslovaquia (0 nominaciones): 'The Line', de Petra Bebjak. 
  • Eslovenia (0 nominaciones): 'The Miner', de Hannah Slak. 
  • España (19 nominaciones, 4 Oscars): 'Verano 1993', de Carla Simón. 
  • Estonia (1 nominación): 'November', de Rainer Sarnet. 
  • Filipinas (0 nominaciones) 'Birdshot', de Mikhail Red. 
  • Finlandia (1 nominación): 'Tom of Finland', de Dome Karukoski. 
  • Francia (39 nominaciones, 9 Oscars): '120 pulsaciones por minuto', de Robin Campillo. 
  • Georgia (1 nominación): 'Scary Mother', de Ana Urushadze. 
  • Grecia (5 nominaciones): 'Amerika Square', de Yannis Sakaridis. 
  • Haití (0 nominaciones): 'Ayiti Mon Amour', de Guetty Felin. 
  • Honduras (0 nominaciones): 'Morazán', de Hispano Durón. 
  • Hong Kong (2 nominaciones): 'Mad World', de Wong Chun. 
  • Hungría (9 nominaciones, 2 Oscars): 'On Body and Soul', de Ildiko Enyedi. 
  • India (3 nominaciones): 'Newton', de Amit V Masurkar. 
  • Indonesia (0 nominaciones): 'Leftovers', de Wicaksono Wisnu Legowo. 
  • Irán (3 nominaciones, 2 Oscar): 'Breath', de Narges Abyar. 
  • Irak (0 nominaciones): 'The Dark Wind', de Hussein Hassan Ali. 
  • Irlanda (0 nominaciones): 'Song of Granite', de Pat Collins. 
  • Islandia (1 nominacion): 'Under The Tree', de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. 
  • Israel (10 nominaciones): 'Foxtrot', de Samuel Maoz. 
  • Italia (31 nominaciones, 14 Oscars): 'A Ciambra', de Jonas Carpignano. 
  • Japón (15 nominaciones, 4 Oscars): 'Her Love Boils Bathwater', de Ryota Nakano. 
  • Kazajistán (1 nominación): 'Road to Mother', de Akan Satayev. 
  • Kenia: 'Kati Kati', de Mbithi Masya. 
  • Kirguistán (0 nominaciones): 'Centaur', de Aktan Arym Kubat. 
  • Kosovo (0 nominaciones): 'Unwanted', de Edon Rizvanolli. 
  • Laos (0 nominaciones): 'Dearest Sister', de Mattie Do. 
  • Letonia (0 nominaciones): 'The Chronicles of Melanie', de Viesturs Kairiss. 
  • Líbano (0 nominaciones): 'The Insult', de Ziad Doueiri. 
  • Lituania (0 nominaciones): 'Frost', de Sharunas Bartas. 
  • Luxemburgo (0 nominaciones): 'Barrage', de Laura Schroeder. 
  • Marruecos (0 nominaciones): 'Razzia', de Nabil Ayouch. 
  • México (8 nominaciones): 'Tempestad', de Tatiana Huezo. 
  • Mongolia (0 nominaciones): 'The Children of Genghis', de Zolbayar Dorj. 
  • Mozambique (0 nominaciones): 'The Train of Salt and Sugar', de Licínio Azevedo. 
  • Nepal (1 nominación): 'White Sun', de Deepak Rauniyar. 
  • Noruega (5 nominaciones): 'Thelma', de Joachim Trier. 
  • Nueva Zelanda (0 nominaciones): 'One Thousand Ropes', de Tusi Tamasese. 
  • Palestina (2 nominaciones): 'Obligation', de Annemarie Jacir. 
  • Países Bajos (7 nominaciones, 3 Oscars): 'Layla M.', de Mijke De Jong. 
  • Panáma (0 nominaciones): 'Más que hermanos', de Arianne Benedetti. 
  • Pakistán (0 nominaciones): 'Saawan', de Farhan Alam. 
  • Paraguay (0 nominaciones): 'Los buscadores', de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori. 
  • Perú (1 nominación): 'Rosa Chumbe', de Jonatan Relayze. 
  • Polonia (10 nominaciones, 1 Oscar): 'Spoor', de Agnieszka Holland y Kasia Adamik. 
  • Portugal (0 nominaciones): 'São Jorge', de Marco Martins. 
  • Reino Unido (2 nominaciones): 'My Pure Land', de Sarmad Masud. 
  • República Checa (6 nominaciones, 2 Oscars): 'Ice Mother', de Bohdan Sláma. 
  • República Dominicana (0 nominaciones): 'Carpinteros', de José María Cabral. 
  • Rumanía (0 nominaciones): 'The Fixer', de Adrian Sitaru. 
  • Rusia (6 nominaciones, 1 Oscar): 'Loveless', de Andrey Zvyagintsev. 
  • Senegal (0 nominaciones): 'Félicité', de Alain Gomis. 
  • Serbia (0 nominaciones): 'Requiem for Mrs. J', de Bojam Vuletic. 
  • Singapur (0 nominaciones): 'Pop Aye', de Kirsten Tan. 
  • Siria (0 nominaciones): 'Little Gandhi', de Sam Kadi. 
  • Suecia (15 nominaciones, 3 Oscars): 'The Square', de Ruben Östlund. 
  • Sudáfrica (2 nominaciones, 1 Oscar): 'The Wound', de John Trengove. 
  • Suiza (5 nominaciones, 2 Oscars): 'The Divine Order', de Petra Volpe. 
  • Tailandia (0 nominaciones): 'By the Time it Gets Dark', de Anocha Suwichakornpong. 
  • Taiwán (3 nominaciones, 1 Oscar): 'Small Talk', de Hui-chen Huang. 
  • Túnez (0 nominaciones): 'The Last of Us', de Ala Eddine Slim. 
  • Turquía (0 nominaciones) : 'Ayla, The Daughter of War', de Can Ulkay. 
  • Ucrania (0 nominaciones): 'Black Level', de Valentyn Vasyanovych. 
  • Uruguay (0 nominaciones): 'Otra historia del mundo', de Guillermo Casanova. 
  • Venezuela (0 nominaciones): 'El inca', de Ignacio Castillo Cottin. 
  • Vietnam (1 nominación): 'Father and Son', Luong Dinh Dung. 

viernes, 20 de octubre de 2017

GEOSTORM

Hace algunas semanas se estrenó en poquísimas salas el documental “Una verdad muy incómoda: Ahora o nunca”, continuación de “Una verdad incómoda”, ganador de dos Oscar en el año 2007 y referente para las voces que denuncian el calentamiento global del planeta y la influencia del hombre en el cambio climático, cuyas consecuencias se están revelando nefastas y, posiblemente, irreversibles. Pese al éxito de aquella primera entrega, la llegada de su continuación pasó desapercibida. En el caso de “Geostorm”, se trata de una visión del problema desde el punto de vista de una gran productora cinematográfica cuyo principal punto de mira es la taquilla y esa es la razón de que resulte decepcionante. Se ha pretendido rodar una historia a medio camino entre “El día de mañana” y “Armageddon”, pero adoptando los fallos y los puntos débiles de ambas mega realizaciones sobre catástrofes y amenazas a la Tierra. 
“Geostorm” supone el debut como director de Dean Devlin, con larga experiencia como productor de cintas de calamidades y cataclismos, como las tres entregas de “Independence Day” (sí, las tres, porque la tercera ya está en marcha), el “Godzilla” de Roland Emmerich o “Arac Attack”. En definitiva, un consumado especialista del género de desastres naturales y artificiales capaces de acabar con la Humanidad. 
Cumple a la perfección, sin salirse un milímetro, con la fórmula que requieren estos títulos, a saber, una innegable corrección formal amparada en millones de dólares destinados a los efectos especiales y una patente pobreza de fondo como consecuencia de desatender el guion, los personajes y la narración cinematográfica. Por lo tanto, el resultado es ni más ni menos que el esperado: un film sustentado sobre el ritmo narrativo de la acción, pero aquejado de un vacío inmenso cada vez que los protagonistas inician un diálogo. Tal vez quepa afirmar que es una forma de denunciar cómo estamos destruyendo el ecosistema y poniendo en peligro el futuro de nuestra especie. No lo niego. Pero, si en efecto ese es su primer objetivo, es una forma errónea, ya que resulta imposible tomarse en serio el conflicto del clima y tomar conciencia de nuestra responsabilidad sobre los amenazantes cambios meteorológicos si el vehículo elegido para transmitir dichos mensajes adolece tanto de rigor y destila semejante artificialidad. Y si, por el contrario, no aspira a despertar conciencias sino sólo a entretener, debo afirmar que el desenlace es igualmente fallido. 
Tras un fallo en cadena de la mayoría de satélites meteorológicos de la Tierra, un ingeniero que se encarga de diseñarlos deberá formar equipo con su hermano (con quien hace años que no se habla) para viajar al espacio y salvar al planeta de una tormenta artificial de proporciones épicas. Paralelamente a este peligro, se está gestando un complot para asesinar al presidente de los Estados Unidos de América. 
A estas alturas de la historia del Séptimo Arte, hemos sido testigos de olas gigantescas que arrasaban ciudades y de arriesgadas misiones espaciales, de modo que los supuestos puntos fuertes de la presente superproducción aluden a fórmulas utilizadas con anterioridad. La única conclusión es que aquellos antiguos títulos abordaron mejor y con mayor fortuna el planteamiento de esta desangelada “Geostrom” que, lejos de aportar ninguna novedad, se limita a copiar mal lo que resultó efectivo en manos de otros cineastas. 
El actor Gerard Butler insiste en escoger personajes que combinan la rudeza más vulgar con las buenas intenciones. En esta ocasión, su recreación de un versado científico con sobradas dotes para el riesgo no es creíble ni graciosa y termina siendo una parodia. Le acompañan en el reparto Abbie Cornish (“Sin límites”), Jim Sturgess (“One Day”, “21: Blackjack”), viejas glorias como Andy García (en la piel de Presidente de los Estados Unidos) y algún peso pesado de la interpretación, como Ed Harris. A pesar de sus esfuerzos, no logran remontar un largometraje condenado desde el inicio a la mediocridad, a fuerza de faltarle lo más esencial.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Geostorm
Año: 2017
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos
Director: Dean Devlin, Danny Cannon
Guion: Dean Devlin, Paul Guyot
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Roberto Schaefer
Reparto: Gerard Butler, Jim Sturgess, Abbie Cornish, Ed Harris, Andy Garcia.

martes, 17 de octubre de 2017

HOWARD SHORE

Howard Shore nació en la ciudad canadiense de  Toronto el 18 de octubre de 1946. Célebre y premiado compositor, es conocido por sus bandas sonoras para grandes producciones como “El silencio de los corderos”, “Mrs. Doubtfire”, “Philadelphia”, “Ed Wood”, “Se7en”, “Dogma”, “La habitación del pánico” o “El aviador”, por la que consiguió un Globo de Oro.

En 1979 inició una larga colaboración con el director David Cronenberg con la cinta “Cromosoma 3". Años más tarde hizo lo propio con el también realizador Martin Scorsese en “Jo, qué noche”. 

El gran éxito le llegó con la trilogía de “El señor de los anillos” de Peter Jackson. En 2002 la música de “El señor de los anillos: la comunidad del anillo”, le reportó su primer Oscar. En la siguiente entrega de premios de la Academia de Hollywood su trabajo para “El señor de los anillos: las dos torres” no pudo ser valorado, debido a la prohibición de nominar unas bandas sonoras basadas en otras anteriores. En 2004 dicha norma desapareció y Shore pudo obtener su segunda estatuilla gracias a “El señor de los anillos: el retorno del rey”, a la que añadir otra por la canción del largometraje. 

En 2010 escribió la partitura de la tercera entrega de la popular serie de “Crepúsculo”, después de que Carter Burwell y Alexandre Desplat hubieran compuesto las de la primera y la segunda, respectivamente. También sustituyó a John Corigliano en la composición de la de “Edge of Darkness”, film protagonizado por Mel Gibson. Acometió asimismo su quinta colaboración con Scorsese en “La invención de Hugo” y repitió con Cronenberg en “Un método peligroso”.


Música para "El silencio de los corderos"




Música para "El señor de los anillos"



viernes, 13 de octubre de 2017

BLADE RUNNER 2049

Sin rodeos, “Blade Runner 2049” me ha gustado. Ya entré en la sala de cine con la intención de dejarme arrastrar por la estética oscura, la desoladora visión de futuro y la enorme carga melancólica que supone rendir homenaje a la cinta original. Además, a mi marcada predisposición a disfrutar con la película, se unió la innegable habilidad de Denis Villeneuve para embelesar en los aspectos visuales. No hizo falta mucho más. Me deleité con la recreación de ese porvenir devastado por la deriva incontrolada de seres humanos desnortados y huérfanos de autenticidad, mientras la soledad y el desconcierto de los protagonistas les impulsan a aferrarse a sus recuerdos y a su pasado. Todo el conjunto conforma una atmósfera absorbente que te atrapa: la lluvia permanente, los hologramas adornando las ciudades, el globo terráqueo asolado y el halo de artificialidad que envuelve cada rincón. 
La secuela de este clásico imprescindible de la Historia del Séptimo Arte es, además de una loa a su predecesora, una constante reivindicación de la nostalgia como vía para afrontar un futuro halagüeño. Tanto comprobar los efectos del paso del tiempo sobre Harrison Ford como darse de bruces con el caos al que se dirige el planeta Tierra, invitan a mirar hacia atrás con añoranza y de modo inevitable. Probablemente, quienes no hayan visto la cinta de Ridley Scott de 1982 se pierdan en el relato y naufraguen en sus sutilezas. Tal vez les suceda lo mismo a los puristas e incondicionales del mítico film, que si se empeñan en hacer comparaciones podrán completar una lista de notables defectos e inconvenientes. También yo prefiero la banda sonora original de Vangelis y el primer guion. Personalmente, hubiera recortado algo metraje en esta nueva versión. Y, sobre todo, considero que los anteriores personajes poseían mayor enjundia y complejidad. En definitiva, prefiero “Blade Runner” a “Blade Runner 2049”. Sin embargo, debo rendirme a la evidencia y alabar la calidad de la propuesta de Villeneuve, por su sugestivo trabajo artístico y su apreciable intensidad narrativa. Algunos de sus planos me parecen auténticas maravillas y varias de sus secuencias pueden calificarse de emblemáticas. 
Confieso que fui uno de los millones de personas que se echaron las manos a la cabeza al enterarse de que la segunda parte de las aventuras de Rick Deckard y los replicantes desembarcarían de nuevo en la gran pantalla. De hecho, sigo sin entender la necesidad de abordar una iniciativa tan disparatada. Pero, tras apreciar el excelente trabajo de Roger Deakins como director de fotografía, valorar la plasmación contundente del desamparo de los protagonistas y aplaudir sin reparos la capacidad del cineasta canadiense para cautivar los ojos del público, he de situarme del lado de los defensores de este valiente trabajo. 
Un cazador de replicantes conocido como Oficial K descubre en una de sus operaciones un secreto que podría cambiar el destino de la Humanidad. A medida que profundiza en él, comienza a cuestionarse su propia identidad e incluso su propia misión en el Departamento de Policía de Los Ángeles. La investigación le conducirá hasta Rick Deckard, antiguo Blade Runner retirado que no tiene ningunas ganas de que nadie le encuentre. 
Ryan Gosling, actor de moda gracias a su participación en las sobresalientes “La, La Land”, “Drive” y “Los idus de marzo”, agranda su filmografía y su leyenda con este título que, a buen seguro, ocupará un hueco en el ámbito del cine de culto. La española Ana de Armas se enfrenta a un digno papel realizando una interesante actuación y, tras su intervención en la divertida “Juego de armas”, se asienta sólidamente en la complicada industria norteamericana. Referencias indispensables del filme de los ochenta (Harrison Ford, Edward James Olmos) y otros rostros populares (Jared Leto, Robin Wright) también forman parte del reparto. 
Como reflexión final, y a pesar de lo acertado de su resultado, confío en que experimentos de este tipo dejen de emprenderse de ahora en adelante. Sobra, sin duda, la tercera parte de un icono que no tiene nada que mejorar y sobre el que tampoco cabe profundizar más.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Blade Runner 2049
Año: 2017
Duración: 163 min.
País: Estados Unidos
Director: Denis Villeneuve
Guion: Hampton Fancher, Michael Green (Historia: Hampton Fancher. Personajes: Philip K. Dick)
Música Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Mackenzie Davis

martes, 10 de octubre de 2017

30º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE «EL ÚLTIMO EMPERADOR» (30th Anniversary of the Premiere of "The Last Emperor"

Este mes de octubre se cumplen treinta años del estreno mundial de la película “El último emperador” (The Last Emperor), dirigida por Bernardo Bertolucci y protagonizada por John Lone, Joan Chen, Peter O'Toole, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los papeles principales. 

Se trata de una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia que ganó nueve Oscars, treinta y nueve premios más y otras doce candidaturas a diversos galardones. Basado en el libro "Yo fui emperador de China", autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi, fue el primer largometraje que obtuvo permiso de las autoridades chinas para ser rodado en el interior de la Ciudad Prohibida. 

Cuenta la historia de Puyi, el último emperador de China, que subió al trono a los tres años y que fue adorado como un dios por quinientos millones de personas. Gobernó en la Ciudad Prohibida hasta que las fuerzas republicanas, partidarias de abolir la Corte Imperial, le encerraron entre sus murallas. Finalmente, abdicó y se convirtió durante algún tiempo en un títere del ejército japonés de ocupación en Manchuria. Más tarde tuvo lugar la revolución comunista y fue encarcelado para "limpiar" su mente de todo pensamiento capitalista. En la última etapa de su vida trabajó como jardinero en el Parque Botánico de Pekín, llevando una existencia como uno cualquiera de sus paisanos y siendo testigo del culto a Mao y de la Revolución Cultural.

La banda sonora corrió a cargo de Ryuichi Sakamoto, la fotografía, de Vittorio Storaro, y el guión, de Mark Peploe y el propio Bernardo Bertolucci. 



Escenas de la película




viernes, 6 de octubre de 2017

LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS (The Mountain Between Us)

Aunque los cineastas de Oriente Próximo sean muy poco conocidos para el gran público, comienzan cada vez más a manifestar una importante presencia en las ceremonias de entrega de los premios más prestigiosos y de los más populares. Asghar Farhadi ya atesora dos Oscars al mejor film de habla no inglesa, además de haber estado también nominado en la categoría de mejor guion. Asimismo, Abbas Kiarostami ha sido frecuente ganador de los certámenes de Cannes y Venecia. Por su parte, Massy Tadjedin logró debutar con acierto en la pantalla grande con “Sólo una noche”, contando para ello con un plantel de célebres intérpretes y una relevante distribución internacional. Ahora es el realizador palestino con ciudadanía israelí Hany Abu-Assad quien, tras sorprender gratamente con “Paradise Now” (triplemente premiada en el Festival de Cine de Berlín de 2005) y “Omar” (galardonada en Cannes en 2013), aborda el proyecto de “La montaña entre nosotros”, una producción netamente norteamericana distribuida por una de las empresas más potentes del mercado anglosajón. 
La cinta supone una mezcla de géneros entre los que se encuentran aventura y drama, y donde la naturaleza se alza como uno de los protagonistas principales del relato. De hecho, gran parte del metraje recae en la recreación de unos parajes naturales que sirven de reclamo visual para los espectadores. Pese a contar con una narración correcta, una cuidada ambientación y una pareja de solventes actores, flota en el aire una constante y dañina sensación de incredulidad sobre varios aspectos de la relación personal que proponen, así como sobre el ritmo y la intensidad narrativa necesarios que requiere una propuesta como ésta (que incluye dosis de acción). Transmite cierta artificialidad que acaba por afectar sin remedio a la proyección. La diversidad de orígenes de los personajes principales y su aparente incompatibilidad no evoluciona de un modo adecuado hacia esa química final que, conforme avanza el metraje, tiende incluso al romance. 
En nada se asemeja a los anteriores trabajos de Abu-Assad. Aquí no existe la visión política, reivindicativa y de denuncia social que ha marcado sus éxitos de antaño. Tal vez sea ese alejamiento de su esencia lo que explique la orfandad del guion en cuanto a intensidad y verosimilitud, características habituales de sus títulos pretéritos que le han reportado la merecida fama. Aun así, y pese a que se evidencia la falta de implicación entre el creador y la obra, “La montaña entre nosotros” posee alguna virtud que merece ser resaltada y que reside principalmente en los imponentes escenarios naturales y en las dos interesantes actuaciones de la pareja protagonista. 
Un cirujano que ha de desplazarse a Baltimore para realizar una operación de urgencia y una mujer que se dirige a contraer matrimonio coinciden en el mismo aeropuerto. Ambos sufren problemas en sus respectivos vuelos, siendo esta circunstancia el único punto que les une. En vista de la situación, deciden alquilar una avioneta para llegar a sus destinos con éxito. Sin embargo, la nave sufre un accidente y termina estrellándose en unas montañas nevadas e inhóspitas. Incomunicados y con la mujer herida, se enfrentarán al reto de la supervivencia y poco a poco surgirá entre ellos una inesperada atracción. 
Idris Elba (Globo de Oro por la serie televisiva “Luther” y nominado por “Beasts of no Nation” y “Mandela: Del mito al hombre”) y Kate Winslet (actriz británica que cuenta en su haber con la estatuilla dorada por la devastadora y emocional “El lector” y con otras seis nominaciones al premio de la Academia de Hollywood) forman tan singular pareja. Ambos llevan a cabo dos interpretaciones meritorias que ayudan a mejorar el resultado final del largometraje.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film:
Título original: The Mountain Between Us 
Año: 2017
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos
Director: Hany Abu-Assad
Guion: Chris Weitz, J. Mills Goodloe (Novela: Charles Martin)
Fotografía: Mandy Walker
Reparto: Idris Elba, Kate Winslet, Dermot Mulroney, Beau Bridges

martes, 3 de octubre de 2017

SUSAN SARANDON

Susan Sarandon nació en Nueva York el 4 de octubre de 1946. Actriz y productora de teatro, cine y televisión, su verdadero apellido es Tomalin, pero lo cambió en 1968 tras casarse con el también intérprete Chris Sarandon. Pese a su posterior divorcio, lo ha seguido conservando durante el resto de su carrera. 

En la década de los setenta participó en “Primera plana” (1974), película de Billy Wilder co-protagonizada por Jack Lemmon y Walter Matthau, “El carnaval de las águilas” (1975), junto a Robert Redford, “La pequeña” (1978), del francés Louis Malle -en cuyo reparto participaba una jovencísima Brooke Shields- y, sobre todo, “The Rocky Horror Picture Show” (1975), musical realizado por Jim Sharman con Tim Curry formando parte del elenco. 

Ya en los años ochenta intervino en “Atlantic City” (1980), de nuevo a las órdenes de Malle, y que le reportó una nominación al Oscar a la mejor actriz, “El ansia” (1981), de Tony Scott, “La tempestad” (1982), del cineasta italiano Franco Amurri, “Las brujas de Eastwick” (1987), junto a Jack Nicholson, Michelle Pfeiffer y Cher, “Los Búfalos de Durham” (1988), con Kevin Costner o “Una árida estación blanca” (1989), compartiendo casting con Donald Sutherland y Marlon Brando. 

Sus mayores éxitos llegaron en los noventa. Fue nominada de nuevo a la estatuilla de Hollywood de forma casi consecutiva por sus actuaciones en “Thelma y Louise” (1991), de Ridley Scott, “El aceite de la vida” (1992), de George Miller y “El cliente” (1994), film de Joel Schumacher que adapta una novela de John Grisham. El preciado galardón lo consiguió finalmente gracias a su papel en “Pena de muerte” (1995), título filmado por su compañero sentimental, Tim Robbins. De esa época son asimismo sus apariciones en “Mujercitas” (1994), de Gillian Armstrong y “Al caer el sol”, (1998) de Robert Benton. 

Posteriormente, ha rodado “A cualquier otro lugar” (2000), de Wayne Wang, “El compromiso” (2002), de Brad Silberling, “Elizabethtown” (2005), de Cameron Crowe, “Irresistible” (2006), drama psicológico en compañía de Sam Neill, “Encantada” (2007), fantasía en la que encarna a la bruja del cuento, “En el valle de Elah” (2007), donde da vida a la esposa de Tommy Lee Jones, “El fraude” (2012), como mujer de Richard Gere y “Una madre imperfecta” (2015).


Escena de "Thelma & Louise"




Escena de "Pena de muerte"



domingo, 1 de octubre de 2017

FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN 2017


La película "The Disaster Artist", del actor y director estadounidense James Franco, encabeza el palmarés del 65 Festival de Cine de San Sebastián, con la Concha de Oro a la Mejor Película. 

Los premios de Zinemaldia se han repartido de la siguiente manera: 

Concha de Oro a la Mejor Película: The Disaster Artist, de James Franco. 
Premio Especial del Jurado: Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño. 
Concha de Plata al Mejor Director: Anahí Berneri por Alanis. 
Concha de Plata al Mejor Actor: Bogdan Dumitrache por Pororoca. 
Concha de Plata a la Mejor Actriz: Sofía Gala por Alanis. 
Premio a la Mejor Fotografía: Florian Ballhaus por The Captain. 
Premio al Mejor Guión: Diego Lerman y María Meira por Una especie de familia. 
Premio Nuevos Directores: Le semeur, de Marine Francen. 
Premio del Público: Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, de Martin McDonagh. 
Premio Horizontes Latinos: Los perros, de Marcela Said. 
Premio de la Juventud: Matar a Jesús, de Laura Mor. 
Premio Cine en Construcción: Ferrugem, de Aly Muritiba. 
Premio Zabaltegi Tabakalera: Braguino, de Clément Cogitore. 
Premio "Otra mirada", de TVE: Custodia compartida, de Xavier Legrand. 
Premio Irízar del Cine Vasco: Handia. de Aitor Arregi y Jon Garaño. 
Premio del Público a la Mejor Película Europea: Custodia compartida, de Xavier Legrand. 
Premio Feroz Zinemaldia: The Disaster Artist, de James Franco. 
Premio Cooperación Española: Alanis, de Anahí Berneri. 
Premio Sebastiane: 120 pulsaciones por minuto, de Robin Campillo.

viernes, 29 de septiembre de 2017

MADRE! (Mother!)

Asistir a la proyección de la última película de Darren Aronofsky es como acudir a una feria y adentrarse en la “Casa del Terror”. Mientras estás dentro te sientes atrapado por ese miedo prefabricado y sugestionado por los trucos y la oscuridad. Te dejas llevar por la histeria colectiva y lo pasas muy bien. Sin embargo, cuando sales te das cuenta de lo ridículo ha sido todo y de que el pánico provocado era artificial y vacío de contenido. Te invade entonces una sensación de la que no te puedes librar, sustentada en la incoherencia inconfesable de haber disfrutado mientras estabas en el interior y, al mismo tiempo, acompañada de cierta vergüenza por haber presenciado en realidad un espectáculo pobre y sin sustancia. 
“Madre!” deslumbra en esa capa superficial construida sobre la estética lúgubre, los escenarios tenebrosos, el sonido inquietante y la recreación sórdida. Pero, tras ese manto externo, no hay enjundia y sí, por contra, personajes poco creíbles, intriga alocada y ausencia de trama coherente. Pese a todo, y ante tan escasos y precarios ingredientes, Aronofsky es capaz de preparar un plato sugerente en la presentación, con algunos bocados sabrosos y que no deja indiferente. Su talento y habilidad natural para resultar truculento, pasional, extremo y visceral se refleja casi en cada plano. 
Desde su debut profesional con “Pi” (en alusión al símbolo matemático), este cineasta neoyorkino ha rodado trabajos en los que plasma su particular universo, siempre peculiar, agobiante y poblado por seres que transitan entre el tormento y la extravagancia. Títulos como “Réquiem por un sueño”, “El luchador” y “Cisne negro” (su mejor trabajo hasta la fecha) integran una filmografía que rebosa energía y brillantez. Pocos directores han emprendido viajes interiores como él, desplegando tales dosis de enigma, arrebato y locura, y en “Madre!” le reconocerán sus incondicionales y saciarán sus ansias de visionar una obra diferente, puesto que es ciertamente original. 
No obstante, como ya ocurriera con “Noé”, parece que a Aronofsky no le importa perderse en sus laberintos internos, ni que los espectadores naufraguen en el temporal de sus delirios y visiones. Como artista, es fiel a sí mismo y no se deja arrastrar por modas, estereotipos o popularidad. Y, mientras siga así, yo le defenderé como creador. Cuestión distinta es que algunos de sus proyectos, como en este caso, no me convenzan. Comencé absorto y continué intrigado, pero terminé incrédulo y estupefacto, incapaz de conectar con sus traumas desordenados y sus aportaciones vanguardistas. En ese sentido, el signo de admiración del título bien podría cambiarse por otro de interrogación. 
La pareja que forman un poeta en horas bajas y su mujer viven en una aislada casa de campo. Tanto su relación como su cordura se ponen a prueba cuando reciben la visita inesperada de unos extraños. La presencia de estos improvisados invitados forzosos ayudará al escritor a recobrar su inspiración pero perturbará a su esposa por completo, haciendo añicos la convivencia del matrimonio. 
El reparto se asienta sobre cuatro consolidadas figuras de la interpretación. Jennifer Lawrence, Oscar por “El lado bueno de las cosas”, ha demostrado su brillantez en cintas como “La gran estafa americana” y “Winter´s Bone”. Sugestiona, no sólo a la cámara, sino a cualquier persona que la observe desde la butaca. Javier Bardem, también ganador de la estatuilla dorada por “No es país para viejos”, está desarrollando una sólida carrera de la que destacan sus actuaciones en “Mar adentro” y “Los lunes al sol”. Ed Harris, actor todoterreno que se halla entre mis favoritos, ha sido nominado en cuatro ocasiones al premio de la Academia de Hollywood. Me cautivó en “Las horas”, me sorprendió en “Una historia de violencia” y me impresionó en “Pollock”. Se trata de uno de esos secundarios de lujo que colma por sí solo cualquier elenco. Completa el cuarteto la mítica Michelle Pfeiffer, que en las décadas de los ochenta y noventa maravilló con sus participaciones en “La edad de la inocencia”, “Los fabulosos Baker Boys” o “La casa Rusia”. Todos ellos se encargan de iluminar la oscuridad en la que les sumerge el realizador.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Mother!
Año: 2017
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Director: Darren Aronofsky
Guion: Darren Aronofsky
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris

martes, 26 de septiembre de 2017

GWYNETH PALTROW

Gwyneth Paltrow nació en Los Ángeles el 27 de septiembre de 1972. Actriz y cantante estadounidense, ganadora de un Oscar, un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Actores por su interpretación en "Shakespeare in Love" (1998), desde el año 2010 cuenta con su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. 

Debutó en la gran pantalla con la película “Grita” (1991), dirigida por Jeffrey Hornaday y protagonizada por John Travolta. Tras aparecer en papeles secundarios en “Hook” (1991), de Steven Spielberg, “Malicia” (1993), de Harold Becker o “La señora Parker y el círculo vicioso” (1995), de Alan Rudolph, alcanzó la fama con “Seven” (1995), de David Fincher y “Emma” (1996), de Douglas McGrath. 

1998 fue un año especialmente prolífico para ella. Intervino hasta en cinco largometrajes: “Dos vidas en un instante”, de Peter Howitt, “Grandes esperanzas”, de Alfonso Cuarón, “Relación mortal”, de Jonathan Darby , “Un crimen perfecto”, de Andrew Davis y “Shakespeare in Love (Shakespeare enamorado)”, que le proporcionó numerosos premios y reconocimientos. 

Posteriormente destacó en la muy recomendable “El talento de Mr. Ripley” (1999), de Anthony Minghella, “Los Tenenbaums. Una familia de genios” (2001), de Wes Anderson y “La verdad oculta” (2005), de John Madden. 

En los últimos tiempos se ha encasillado en el papel secundario de Virginia “Pepper” Potts, la secretaria de Tony Stark (Robert Downey Jr.) en “Iron Man” (2008) y sus secuelas, “Iron Man 2” (2010) y “Iron Man 3” (2013), así como en los rodajes de otras entregas de la franquicia, como “Los vengadores” (2012) o “Spider-Man: Homecoming” (2017). Sin embargo, también ha intervenido en la interesante “Contagio” (2011), de Steven Soderbergh y en “Two Lovers” (2008), de James Gray.


Escena de "Shakespeare in Love"




Escena de "Seven"



viernes, 22 de septiembre de 2017

LA REINA VICTORIA Y ABDUL (Victoria and Abdul)

El interesante aunque, en ocasiones, irregular realizador británico Stephen Frears está evolucionando notablemente con el paso del tiempo en su modo de entender el cine. Poco o nada queda de aquel cineasta que, a mediados de los ochenta, sorprendía por su originalidad y su visión artística arriesgada y transgresora. Títulos como “Mi hermosa lavandería”, “Ábrete de orejas” y “Sammy y Rosie se lo montan” dieron a conocer a un creador sin ataduras, dispuesto a desmenuzar la realidad que quería transmitir. Gustase o no, se mantenía fiel a un estilo personal y honesto. Lejos queda ya el director que encandiló sobremanera con la sobresaliente “Las amistades peligrosas”. La frescura de “Alta fidelidad” o el gancho de “Los timadores” pertenecen a otras décadas, casi a otra época, y en el presente milenio Frears se ha convertido en un artista más académico en las formas, más conservador en los planteamientos y mucho más moderado en los impulsos. Aunque trabajos como “La reina” o “Philomena” poseen atractivos y ofrecen grandes interpretaciones, parece haber perdido gran dosis de su instinto para plasmar de manera sugerente las tramas, los conflictos y la complejidad de los personajes. Tal vez sea como consecuencia de cumplir años, pero sus recreaciones resultan más convencionales y, por ello, su trayectoria se resiente. 
La de “La reina Victoria y Abdul” es una hermosa historia, plena de preciosos paisajes, suntuosos decorados, música evocadora y guion bienintencionado. Ahí radica su principal mérito y, asimismo, su mayor demérito. La intensidad narrativa, la utilización del enfrentamiento, el dramatismo como expresión y la ironía ácida como arma cómica han dado paso a una recreación que reside sobre la comodidad del argumento y sobre unos personajes planos, del gusto de los académicos. Por lo tanto, cosechará algunos seguidores devotos, otros detractores acérrimos y una legión de espectadores indiferentes que reconocerán a partes iguales sus virtudes y sus defectos. Gustará sin duda a los aficionados a los melodramas tradicionales, gracias a su ornamentación, vestuario, colorido y toque de bondad. Por el contrario, quienes consideran los rasgos anteriores como una edulcorada sobredosis de dulzura y moralina estarán mirando al reloj desde mitad de la proyección, anhelando su final. Cuestión de gustos. Al público que demanda más contenido y más mordiente en un largometraje, le resultará insulso y anodino. Sin embargo, los incondicionales de las adaptaciones impecablemente presentadas lo considerarán sensible y tierno. En cualquier caso, se trata de un proyecto agradable que contiene secuencias muy conmovedoras. 
Lo mejor de “La reina Victoria y Abdul” tiene un nombre: Judi Dench. Esta extraordinaria actriz, ganadora de un Oscar por su actuación en “Shakespeare in Love“ y nominada en otras seis ocasiones (“Su Majestad Mrs. Brown”, “Chocolat”, “Iris”, “Mrs. Henderson presenta”, “Diario de un escándalo” y la ya citada “Philomena”) interpreta a la perfección su papel, aporta credibilidad al conjunto y lleva sobre sus hombros todo el peso de la película. Incluso aquellos que no aplaudan el film deberán rendirse a la evidencia de la capacidad artística de esta legendaria intérprete que, a sus ochenta y dos años, continúa dando lecciones magistrales y es capaz de eclipsar al resto del reparto. 
Personalmente, me queda cierto regusto amargo ante la tendencia permanente de limitarse a embelesar con la majestuosidad de la realeza británica, sus palacios y sus rituales a la hora del té. Y, si bien la campaña publicitaria del film insiste en que está basado en un hecho real, cabe preguntarse si realmente los sucedidos ocurrieron tal y como se cuentan o se nos trasladan a través de una versión en exceso blanda y virtuosa.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Victoria and Abdul
Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Reino Unido
Director: Stephen Frears
Guion: Lee Hall (Novela: Shrabani Basu)
Música: Thomas Newman
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Judi Dench, Eddie Izzard, Adeel Akhtar, Tim Pigott-Smith, Ali Fazal

martes, 19 de septiembre de 2017

FIMUCITÉ 2017

La undécima edición del evento musical cinematográfico Fimucité se celebrará un año más en la isla de Tenerife, en esta ocasión entre los días 22 y 30 de septiembre y en cuatro sedes diferentes:
-El Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos  (Arona), donde tendrá lugar su inauguración.
- El Teatro Leal de La Laguna.
- El Teatro Guimerá de Santa Cruz.
-El Auditorio capitalino Adán Martín, que acogerá las principales funciones.

Fimucité XXI estará dedicado, principalmente, a la temática de espada y brujería, además de abordar los géneros de aventuras y terror –con una arriesgada y estimulante propuesta que combina la proyección de "El Más Allá" (Lucio Fulci, 1981) con la interpretación en directo del Composer’s Cut de la música de la película, compuesta por Fabio Frizzi, y una sección dedicada al cine español. 

Asimismo se celebrará el quinto Fimucinema, un certamen que pretende estrechar aún más la relación que Fimucité ha establecido entre la música y Séptimo Arte y que le convierte en un festival único, tanto en Canarias como en el resto de España.


PROGRAMA COMPLETO


22 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio Infanta Leonor. Los Cristianos (Arona) 
"EL MÁS ALLÁ" (Lucio Fulci, 1981) – Composer’s Cut 
La "Fabio Frizzi & F2F Band interpretará una versión del compositor de la música que apareció finalmente en el montaje de "El Más Allá" mientras esta película de terror italiana sea proyectada. Concierto no apto para menores por el contenido del film.

23 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:00 y 22:00 horas (doble función) 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
TARANTINO UNCHAINED 
Concierto que recorrerá toda la filmografía de Quentin Tarantino, desde las canciones más clásicas de "Pulp Fiction" (1994) hasta sus últimos títulos, como "Django desencadenado" (2012) o "Death Proof" (2007). 

24 de septiembre de 2017 
Domingo: 19:30 horas
Lugar: Teatro Leal. La Laguna 
TODO SOBRE ALMODÓVAR 
Concierto centrado en la figura del cineasta Pedro Almodóvar y su cine. Esther Ovejero será la voz principal. 

27 de septiembre de 2017 
Miércoles: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
ESPAÑA SONORA
La Banda Sinfónica del Conservatorio Profesional de Santa Cruz de Tenerife ofrecerá un repertorio basado en música compuesta para el cine español, tanto reciente como clásico. 

28 de septiembre de 2017 
Jueves: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
GUERREROS DE LA GRAN PANTALLA 
Uno de los momentos más intensos del festival llegará con esta sesión dedicada al cine histórico y de aventuras, donde se hará un recorrido por el cine actual y por el cine más clásico. La Joven Orquesta Sinfónica Fimucité interpretará temas de películas como -Gladiator- (Ridley Scott, 2000) [música compuesta por Hans Zimmer] -El Cid- (Anthony Mann, 1961) [música compuesta por Miklós Rózsa] -Braveheart- (Mel Gibson, 1995) [música compuesta por James Horner] y -Ben-Hur- (William Wyler, 1959) [música compuesta por Miklós Rózsa]. 

29 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
ESPADA Y BRUJERÍA: CRÓNICAS SINFÓNICAS DE UNA ERA LEGENDARIA
En el día más señalado de la presente edición de Fimucité, la Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretará música de algunas de las películas más famosas del subgénero de "Espada y Brujería", como -Conan, el destructor- (Richard Fleischer, 1984) o -Los Inmortales- (Russell Mulcahy, 1986), con música de Basil Poledouris y Michael Kamen, y canciones de Queen, respectivamente. Además, se presentarán mundialmente temas de largometrajes como -Excalibur- (John Boorman, 1981), cuya banda sonora corrió a cargo de Trevor Jones. 

30 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:30 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
GALERÍA NOCTURNA DE STEPHEN KING 
La despedida de Fimucité 2017 la llevará a cabo la Orquesta Sinfónica de Tenerife, que interpretará música de las adaptaciones cinematográficas de las novelas del famoso autor norteamericano, uno de los maestros modernos del género de terror en la literatura.