LA PELÍCULA DE LA SEMANA

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viernes, 22 de septiembre de 2017

LA REINA VICTORIA Y ABDUL (Victoria and Abdul)

El interesante aunque, en ocasiones, irregular realizador británico Stephen Frears está evolucionando notablemente con el paso del tiempo en su modo de entender el cine. Poco o nada queda de aquel cineasta que, a mediados de los ochenta, sorprendía por su originalidad y su visión artística arriesgada y transgresora. Títulos como “Mi hermosa lavandería”, “Ábrete de orejas” y “Sammy y Rosie se lo montan” dieron a conocer a un creador sin ataduras, dispuesto a desmenuzar la realidad que quería transmitir. Gustase o no, se mantenía fiel a un estilo personal y honesto. Lejos queda ya el director que encandiló sobremanera con la sobresaliente “Las amistades peligrosas”. La frescura de “Alta fidelidad” o el gancho de “Los timadores” pertenecen a otras décadas, casi a otra época, y en el presente milenio Frears se ha convertido en un artista más académico en las formas, más conservador en los planteamientos y mucho más moderado en los impulsos. Aunque trabajos como “La reina” o “Philomena” poseen atractivos y ofrecen grandes interpretaciones, parece haber perdido gran dosis de su instinto para plasmar de manera sugerente las tramas, los conflictos y la complejidad de los personajes. Tal vez sea como consecuencia de cumplir años, pero sus recreaciones resultan más convencionales y, por ello, su trayectoria se resiente. 
La de “La reina Victoria y Abdul” es una hermosa historia, plena de preciosos paisajes, suntuosos decorados, música evocadora y guion bienintencionado. Ahí radica su principal mérito y, asimismo, su mayor demérito. La intensidad narrativa, la utilización del enfrentamiento, el dramatismo como expresión y la ironía ácida como arma cómica han dado paso a una recreación que reside sobre la comodidad del argumento y sobre unos personajes planos, del gusto de los académicos. Por lo tanto, cosechará algunos seguidores devotos, otros detractores acérrimos y una legión de espectadores indiferentes que reconocerán a partes iguales sus virtudes y sus defectos. Gustará sin duda a los aficionados a los melodramas tradicionales, gracias a su ornamentación, vestuario, colorido y toque de bondad. Por el contrario, quienes consideran los rasgos anteriores como una edulcorada sobredosis de dulzura y moralina estarán mirando al reloj desde mitad de la proyección, anhelando su final. Cuestión de gustos. Al público que demanda más contenido y más mordiente en un largometraje, le resultará insulso y anodino. Sin embargo, los incondicionales de las adaptaciones impecablemente presentadas lo considerarán sensible y tierno. En cualquier caso, se trata de un proyecto agradable que contiene secuencias muy conmovedoras. 
Lo mejor de “La reina Victoria y Abdul” tiene un nombre: Judi Dench. Esta extraordinaria actriz, ganadora de un Oscar por su actuación en “Shakespeare in Love“ y nominada en otras seis ocasiones (“Su Majestad Mrs. Brown”, “Chocolat”, “Iris”, “Mrs. Henderson presenta”, “Diario de un escándalo” y la ya citada “Philomena”) interpreta a la perfección su papel, aporta credibilidad al conjunto y lleva sobre sus hombros todo el peso de la película. Incluso aquellos que no aplaudan el film deberán rendirse a la evidencia de la capacidad artística de esta legendaria intérprete que, a sus ochenta y dos años, continúa dando lecciones magistrales y es capaz de eclipsar al resto del reparto. 
Personalmente, me queda cierto regusto amargo ante la tendencia permanente de limitarse a embelesar con la majestuosidad de la realeza británica, sus palacios y sus rituales a la hora del té. Y, si bien la campaña publicitaria del film insiste en que está basado en un hecho real, cabe preguntarse si realmente los sucedidos ocurrieron tal y como se cuentan o se nos trasladan a través de una versión en exceso blanda y virtuosa.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Victoria and Abdul
Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Reino Unido
Director: Stephen Frears
Guion: Lee Hall (Novela: Shrabani Basu)
Música: Thomas Newman
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Judi Dench, Eddie Izzard, Adeel Akhtar, Tim Pigott-Smith, Ali Fazal

martes, 19 de septiembre de 2017

FIMUCITÉ 2017

La undécima edición del evento musical cinematográfico Fimucité se celebrará un año más en la isla de Tenerife, en esta ocasión entre los días 22 y 30 de septiembre y en cuatro sedes diferentes:
-El Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos  (Arona), donde tendrá lugar su inauguración.
- El Teatro Leal de La Laguna.
- El Teatro Guimerá de Santa Cruz.
-El Auditorio capitalino Adán Martín, que acogerá las principales funciones.

Fimucité XXI estará dedicado, principalmente, a la temática de espada y brujería, además de abordar los géneros de aventuras y terror –con una arriesgada y estimulante propuesta que combina la proyección de "El Más Allá" (Lucio Fulci, 1981) con la interpretación en directo del Composer’s Cut de la música de la película, compuesta por Fabio Frizzi, y una sección dedicada al cine español. 

Asimismo se celebrará el quinto Fimucinema, un certamen que pretende estrechar aún más la relación que Fimucité ha establecido entre la música y Séptimo Arte y que le convierte en un festival único, tanto en Canarias como en el resto de España.


PROGRAMA COMPLETO


22 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio Infanta Leonor. Los Cristianos (Arona) 
"EL MÁS ALLÁ" (Lucio Fulci, 1981) – Composer’s Cut 
La "Fabio Frizzi & F2F Band interpretará una versión del compositor de la música que apareció finalmente en el montaje de "El Más Allá" mientras esta película de terror italiana sea proyectada. Concierto no apto para menores por el contenido del film.

23 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:00 y 22:00 horas (doble función) 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
TARANTINO UNCHAINED 
Concierto que recorrerá toda la filmografía de Quentin Tarantino, desde las canciones más clásicas de "Pulp Fiction" (1994) hasta sus últimos títulos, como "Django desencadenado" (2012) o "Death Proof" (2007). 

24 de septiembre de 2017 
Domingo: 19:30 horas
Lugar: Teatro Leal. La Laguna 
TODO SOBRE ALMODÓVAR 
Concierto centrado en la figura del cineasta Pedro Almodóvar y su cine. Esther Ovejero será la voz principal. 

27 de septiembre de 2017 
Miércoles: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
ESPAÑA SONORA
La Banda Sinfónica del Conservatorio Profesional de Santa Cruz de Tenerife ofrecerá un repertorio basado en música compuesta para el cine español, tanto reciente como clásico. 

28 de septiembre de 2017 
Jueves: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
GUERREROS DE LA GRAN PANTALLA 
Uno de los momentos más intensos del festival llegará con esta sesión dedicada al cine histórico y de aventuras, donde se hará un recorrido por el cine actual y por el cine más clásico. La Joven Orquesta Sinfónica Fimucité interpretará temas de películas como -Gladiator- (Ridley Scott, 2000) [música compuesta por Hans Zimmer] -El Cid- (Anthony Mann, 1961) [música compuesta por Miklós Rózsa] -Braveheart- (Mel Gibson, 1995) [música compuesta por James Horner] y -Ben-Hur- (William Wyler, 1959) [música compuesta por Miklós Rózsa]. 

29 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
ESPADA Y BRUJERÍA: CRÓNICAS SINFÓNICAS DE UNA ERA LEGENDARIA
En el día más señalado de la presente edición de Fimucité, la Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretará música de algunas de las películas más famosas del subgénero de "Espada y Brujería", como -Conan, el destructor- (Richard Fleischer, 1984) o -Los Inmortales- (Russell Mulcahy, 1986), con música de Basil Poledouris y Michael Kamen, y canciones de Queen, respectivamente. Además, se presentarán mundialmente temas de largometrajes como -Excalibur- (John Boorman, 1981), cuya banda sonora corrió a cargo de Trevor Jones. 

30 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:30 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
GALERÍA NOCTURNA DE STEPHEN KING 
La despedida de Fimucité 2017 la llevará a cabo la Orquesta Sinfónica de Tenerife, que interpretará música de las adaptaciones cinematográficas de las novelas del famoso autor norteamericano, uno de los maestros modernos del género de terror en la literatura. 

viernes, 15 de septiembre de 2017

DETROIT

El problema racial en los Estados Unidos es algo más que una herida sin cicatrizar del todo. Se trata de una hemorragia que, en pleno siglo XXI, no ha dejado de sangrar y sigue generando una fuente de resquemores, resentimientos y odios latentes en la sociedad norteamericana. Ese conflicto impregna buena parte de su cultura y, por supuesto, también el Séptimo Arte cuenta con multitud de títulos memorables que, en mayor o menor medida, denuncian la discriminación, el racismo y el enfrentamiento ciudadano. “Adivina quién viene esta noche”, “Arde Mississippi”, “Crash”, “12 años de esclavitud”, “Malcolm X”, “En el calor de la noche” o la más reciente “Fences” son algunos ejemplos de cómo el cine se ha visto compelido a abordar el cisma que, a lo largo de la historia estadounidense, separa y divide a las personas a causa del color de su piel. 
Por lo que respecta a la cineasta Kathryn Bigelow, pasará a la Historia por ser la primera mujer ganadora de un Oscar a la mejor dirección. Esta valiente y audaz californiana posee un talento natural para dotar de intensidad y ritmo a sus películas. Incluso cuando rodaba largometrajes de menor calado político e inferior trascendencia cinematográfica destacaba sobre la mayoría de propuestas similares. Personalmente me gustaron “Le llaman Bodhi” y “Días extraños” (cinta, en mi opinión, minusvalorada injustamente) y, aunque en su filmografía figuren trabajos prescindibles, destacan otros como “En tierra hostil” o “La noche más oscura”, muestras más que evidentes de un estilo potente, vehemente y sin remilgos. 
Ahora traslada a la gran pantalla unos hechos reales con el fin de denunciar la situación por la que atraviesa la ciudadanía afroamericana de su país. En el verano de 1967, la Policía llevó a cabo una redada en un local clandestino regentado mayoritariamente por miembros de la comunidad negra. Dicha incursión policial acabó con la muerte de tres hombres afroamericanos y la brutal paliza a otros siete y a dos mujeres de raza blanca. Aquellos sucesos desencadenaron unos violentos disturbios raciales que asolaron la ciudad norteamericana de Detroit y que se saldaron con decenas de fallecidos y numerosos daños materiales. Constituyó uno de los levantamientos ciudadanos más importantes de la historia de los Estados Unidos. 
Pese a estar ambientada en la década de los sesenta, no resulta difícil remover su trama y su acertada recreación de una sociedad violenta a otra época. Dura en su planteamiento y visceral en su forma de ser plasmada, transmite con éxito la pasión que encierra y una especial habilidad para el dinamismo narrativo. Supone una apuesta atrevida y una oportunidad aprovechada para advertir sobre los problemas de convivencia que persisten todavía a día de hoy. Tal vez sea ese claro propósito educativo y acusador el único rasgo que pudiera considerarse un inconveniente, ya que le resta agudeza a la hora de exprimir a personajes y situaciones. Encaja más en el formato de una lección para ser aprendida que en el de una obra para ser disfrutada y eso se percibe a medida que avanza su excesivo metraje. El realismo es de tal magnitud que impide cualquier rastro de recreación artística. En ese sentido, puede criticarse cierto déficit creativo, estético y personal. No obstante, su visión es sumamente aconsejable desde el punto de vista docente, en aras a realizar un análisis reflexivo de nuestro mundo, que dista mucho de avanzar como es debido en materias como los Derechos Humanos y la tolerancia. 
Formando parte de un elenco que se pone en su conjunto al servicio de la credibilidad del relato, destacan los actores John Boyega (“Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza”), Will Poulter (“El renacido”) y Anthony Mackie (“En tierra hostil”, “Million Dollar Baby”).

Trailer en castellano



Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Detroit
Año: 2017
Duración: 143 min.
País: Estados Unidos
Director: Kathryn Bigelow
Guion: Mark Boal
Música: James Newton Howard
Fotografía: Barry Ackroyd Reparto John Boyega, Jack Reynor, Hannah Murray, Anthony Mackie, Will Poulter, Jacob Latimore, Jason Mitchell, Kaitlyn Dever

miércoles, 13 de septiembre de 2017

ANDREW LINCOLN

Andrew Lincoln nació en Londres el 14 de septiembre de 1973. Actor de cine y televisión, asistió a la Escuela de Beechen Cliff, donde consiguió su primer papel dando vida a Jack Dawkins (Dodger) en una versión de la obra “Oliver”. Pasó un verano en el National Youth Theatre londinense y comenzó a interesarse en firme por la interpretación. Tras terminar la etapa escolar, continuó sus estudios en la Real Academia de Arte Dramático. 

Durante unos años trabajó haciendo anuncios publicitarios y como narrador para documentales. Alcanzó la fama gracias a la popular serie británica “This Life”, en el papel de Edgar "Egg" Cook, antes de alcanzar el estrellato en la comedia dramática "Teachers" (de la que dirigió dos episodios de la tercera temporada). En abril de 2010 fue elegido para interpretar a Rick Grimes, el protagonista de la adaptación de cómics de “The Walking Dead”. 

En la pantalla grande ha intervenido en la exitosa cinta “Love Actually” (2003), de Richard Curtis, “El intruso” (2004), de Roger Michell, “Los seductores” (2010), de Pascal Chaumeil o “Pago justo” (2010), de Nigel Cole. 

Estuvo nominado a un BAFTA como mejor director novel por su trabajo en la citada “Teachers”. Ha ganado en dos ocasiones el premio “Saturn Awards” que concede la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, USA, por su labor en “The Walking Dead”.


Escena de "Love Actually"




Película "Los seductores"



domingo, 10 de septiembre de 2017

PALMARÉS FESTIVAL DE CINE DE VENECIA (Biennale di Venezia 2017)



La pasada noche tuvo lugar la entrada de galardones de la 74ª edición de la prestigiosa Mostra de Venecia. El jurado, presidido por la actriz norteamericana Annette Bening y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, han elegido la película de Guillermo del Toro, 'La forma del agua', como la mejor de la Sección Oficial. 


PALMARÉS COMPLETO


SECCIÓN OFICIAL

- León de Oro a la mejor película: 'La forma del agua', de Guillermo del Toro. 
- León de Plata al mejor director: Xavier Legrand, por 'Jusqu'à la garde'. 
- Gran Premio del Jurado: 'Foxtrot', de Samuel Maoz. 
- Copa Volpi al mejor actor: Kamel el Basha por 'The Insult'. 
- Copa Volpi a la mejor actriz: Charlotte Rampling por 'Hannah'. 
- Mejor guión: Martin McDonagh por 'Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri'. 
- Premio especial del Jurado: 'Sweet Country', de Warwick Thornton. 
- Premio Marcelo Mastroianni al intérprete emergente: Charlie Plummer por 'Lean on Pette', de Andrew Haigh. 


SECCIÓN ORIZZONTI

- Mejor película: 'Nico, 1988', de Susanna Nicchiarelli. 
- Mejor director: Vahid Jalilvand por 'No Date, no Signature'. 
- Premio del Jurado: 'Caniba', de Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor. 
- Mejor actriz: Lyna Khoudri, por 'Les bienheureux'. 
- Mejor actor: Navid Mohammadzadeh, por 'No Date, no Signature'. 
- Mejor guión: Dominique Welinski y René Ballesteros por 'Los versos del olvido'. 
- Mejor cortometraje: 'Gros Chagrin', de Céline Devaux. 
- Premio Luigi de Laurentiis a la mejor opera prima: 'Jusqu'à la garde', de Xavier Legrand.

viernes, 8 de septiembre de 2017

IT

Aunque no soy un gran aficionado al género de terror, reconozco que me ha gustado la moderna adaptación cinematográfica que el cineasta argentino Andy Muschietti ha realizado de la célebre obra de Stephen King “It”. He de confesar que mi principal reclamo para ver la película era la participación de Cary Fukunaga como guionista. Este versátil director, productor, fotógrafo y escritor me ganó por completo con su sugerente e intensa revisión del clásico de la literatura universal “Jane Eyre”, interpretado por unos acertados Mia Wasikowska y Michael Fassbender. Desde entonces, cada vez que su nombre figura en un proyecto, incluyo éste en mi lista de visiones obligadas. Esperaba, pues, disfrutar de una correcta ambientación y de una filmación efectiva al servicio de esa imaginación morbosa con la que se suele difundir el suspense propio de este tipo producciones. Sin embargo, “It” ha ido aún más allá, ofreciendo una ecléctica visión que combina la recreación moderna con cierto aire “retro”, lo que otorga un plus al conjunto de la obra. 
En cierta medida, esta versión parece heredera de la popular serie “Stranger Things” y, debido al singular protagonismo que asumen los niños y a la recreación de los lazos de amistad entre ellos, presenta influencias de “Super 8” de J.J. Abrams y, por razones obvias, de “Cuenta conmigo” de Rob Reiner. Por ello, parafraseando el título del largometraje de Chuck Russell de finales de los ochenta, en este caso el terror sí tiene forma, una forma heterodoxa por su voluntaria tendencia a la mezcla de estilos visuales y narrativos que trascienden al horror de la trama que se quiere contar. En 2013 Muschietti ya había rodado junto a la excelente actriz Jessica Chastain “Mamá”, otro experimento terrorífico aunque mucho más convencional y obediente con los cánones y reglas de los manuales más clásicos de esta peculiar modalidad cinematográfica. Por eso ese anterior trabajo puede considerarse prescindible, mientras que el actual será recordado con el paso de los años. 
Se trata de un relato muy conocido de King, un autor especializado en mitificar sus ideas perversas. De hecho, una miniserie televisiva convirtió también en imágenes las páginas de dicha novela. Son los años ochenta. En un pequeño pueblo del estado de Maine, una panda de siete niños conocidos como 'El club de los perdedores' se enfrenta a sus problemas cotidianos con otros chicos de la escuela. Esa rutina, marcada por su condición de marginados, se verá alterada por una oleada de extrañas muertes que provocarán el pánico entre los habitantes del pueblo. Los chavales decidirán buscar al asesino, pero sus descubrimientos les harán entender que se enfrentan a algo más perverso que a un simple delincuente.
Nos hallamos ante una cinta que hará las delicias de los incondicionales del género, pero que también ofrecerá atractivos a esos espectadores no tan proclives a pasar miedo en una sala de proyección. El prolífico currículum del famoso escritor ha dado lugar a multitud de films, algunos de dudosa calidad y, en ese sentido, yo sitúo a “It” entre los mejores, sin duda muy superior al reciente estreno de “La torre oscura”, por ejemplo. De hecho, creo que hay que remontarse a “Eclipse total” (1995), de Taylor Hackford, para encontrar otro trabajo tan sugerente basado en un texto del archiconocido novelista norteamericano. 
El elenco de intérpretes es en su mayor parte desconocido. A Jaeden Lieberher le vimos fugazmente en “Aloha”, de Cameron Crowe. Jeremy Ray Taylor participó en “Ant-Man”. Finn Wolfhard actuó en la televisiva “Stranger Things” y Wyatt Oleff intervino en “Guardianes de la galaxia”. Por último, Bill Skarsgård visitó recientemente la cartelera con “Atómica” y rodó algunas secuencias de la acertada “Anna Karenina”, de Joe Wright. Juntos forman un compacto y creíble grupo juvenil al servicio de algo más que una simple película de terror.

Trailer en castellano


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Datos del film

Título original: It
Año: 2017
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos
Director: Andrés Muschietti
Guion: Chase Palmer, Cary Fukunaga, Gary Dauberman (Libro: Stephen King)
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Chung-hoon Chung
Reparto: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert

martes, 5 de septiembre de 2017

20 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE «L.A. CONFIDENTIAL»

La película «L.A. Confidential» se estrenó comercialmente en  Estados Unidos el 19 de septiembre de 1997. Por lo tanto se cumple en estos días su vigésimo aniversario. Fue dirigida por Curtis Hanson, quien también participó en la elaboración del guión junto a Brian Helgeland, basándose para ello en la novela homónima de James Ellroy. Estuvo protagonizada por los actores Guy Pearce, Kevin Spacey, Russell Crowe, Kim Basinger, James Cromwell y Danny DeVito. 

En 2015, la cinta fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso estadounidense y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Obtuvo dos Oscars (mejor actriz secundaria para Kim Basinger y mejor guion adaptado para los citados Hanson y Helgeland) y recibió además otras siete nominaciones (película, director, fotografía, dirección artística, sonido, banda sonora y montaje).

Brilló asimismo en la edición de los Globos de Oro, en la que partía con cinco candidaturas (película dramática, director, guión, banda sonora y actriz secundaria), alzándose nuevamente Kim Basinger con el galardón por su actuación. 

La historia se desarrolla en la ciudad californiana de Los Ángeles durante la década de los cincuenta. El agente Ed Exley es un hombre que cree ciegamente en la justicia y a quien no le importa arruinar la vida de otros policías si se prueba que hicieron algo incorrecto. Este rasgo le genera el odio de la mayoría de los miembros de su departamento. Bud White es más brusco en el desempeño de su trabajo y se obsesiona con los sujetos que maltratan a las mujeres. Por su parte, Jack Vincennes ejerce como detective de narcóticos pero su verdadera vocación se centra en el mundo del espectáculo. Tras un asesinato en un café, comienza a revelarse una red de engaños y traiciones dentro de las fuerzas del orden. 

Se trata, sin duda, de una de las mejores muestras de cine negro y policiaco de los últimos tiempos,   así como de uno de los mejores títulos rodados en los años noventa.


Escenas de la película





viernes, 1 de septiembre de 2017

BARRY SEAL: EL TRAFICANTE (American Made)

Doug Liman es un interesante cineasta que ha realizado obras sobresalientes (“El caso Bourne”) y notables (“Caza a la espía”) y que, en general, domina con soltura el género de acción (“Al filo del mañana”), incluso cuando lo combina con un desenfadado toque cómico (“Sr. y Sra. Smith”). Aunque cuente en su haber con algún título claramente prescindible, se ha ganado a pulso un nombre dentro de la industria del Séptimo Arte, de tal manera que su participación en un proyecto supone aval suficiente para prestarle atención. Ahora estrena “Barry Seal: El traficante”, nueva incursión en esa modalidad que mezcla la recreación humorística con la intensidad narrativa de la aventura y que ya abordó en el largometraje citado anteriormente y protagonizado por la otrora pareja sentimental formada por Angelina Jolie y Brad Pitt. Lo cierto es que el producto final resulta entretenido y efectivo, en el sentido de dejarse llevar por un relato sostenido sobre la comicidad y el ritmo ágil. 
Del mismo modo que Steven Spielberg narró con un tono divertido y una brillantez indiscutible la historia real del estafador Frank W. Abagnale en “Atrápame si puedes”, Liman, con menor genialidad pero suficiente habilidad, aborda la biografía de Barry Seal, un expiloto reconvertido en importante narcotraficante del cartel de Medellín que acabó siendo reclutado por la CIA y por el Departamento de Inteligencia de la DEA. Pese a que se hayan adaptado convenientemente unos hechos ciertos para presentarlos ante el público con un envoltorio osado y gracioso, el resultado final funciona. Los espectadores se darán cuenta de esa voluntaria tergiversación destinada a lograr un toque más descarado y comercial de la cinta, pero a buen seguro la perdonarán, ya que recibirán a cambio un pasatiempo amable y entretenido. 
Tal y como ocurría en “Sr. y Sra. Smith” (sus primeros veinte minutos me parecen geniales, si bien dan paso después a una proyección más irregular), en sus casi dos horas de duración hay lugar para todo. Se percibe tanto la superficialidad del tratamiento de la trama como la innegable efectividad de la mezcla entre acción y diversión. Si uno renuncia a encontrar las pegas y se limita a disfrutar del dinamismo del metraje y de la narración desenvuelta, termina por pasar un buen rato. Sin ser en absoluto su mejor trabajo, Liman continúa sumando como profesional. 
Desde luego, Tom Cruise no es Brad Pitt (éste posee una mayor capacidad para dotar a su personaje de ese toque gamberro pero adorable) pero, tras una década concatenando malas interpretaciones en proyectos mediocres, por fin afronta una interpretación mínimamente acertada. Creo que Cruise es un buen actor y parte de su filmografía lo acredita sin discusión. Sin embargo, desde la ya lejana “Leones por corderos” había entrado en una espiral de actuaciones centradas en dar una imagen de héroe de acción que le estaban arrastrando al desastre. Por fin aquí se ha decantado por un papel más elaborado, aunque alejado aún de su mejor nivel. Por desgracia, da la sensación de no ser consciente de su deriva, habida cuenta que sus próximos estrenos serán la sexta entrega de “Misión imposible” y la continuación de “Top Gun”. 
Me gustaría recuperar al intérprete de “El color del dinero”, “Rain man”, “Nacido el 4 de julio”, “Algunos hombres buenos” o “Collateral” pero, engullido por el terrible agujero negro de la falta de creatividad, sigue rodando secuelas y optando por perfiles destinados a actores quince años más jóvenes que él. Una lástima.

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martes, 29 de agosto de 2017

74 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA (Biennale di Venezia 2017)

El Festival de Cine de Venecia se celebrará entre los próximos días 30 de agosto y 9 de septiembre. Los cineastas estadounidenses George Clooney y Darren Aronofsky competirán en esta 74 edición con “Suburbicon” y “Mother!”, respectivamente. En su cinta, Clooney cuenta con un reparto compuesto por Matt Damon, Julianne Moore, Noah Jupe y Oscar Isaac, mientras que el film de Aronofsky está protagonizado por Jennifer Lawrence y Javier Bardem. 

En la Sección Oficial de este año competirán por el León de Oro, el máximo galardón del certamen veneciano, un total de 21 películas, entre ellas “The Shape of Water”, del mexicano Guillermo del Toro, cuyo elenco encabezan los actores Sally Hawkins y Michael Shannon. 



SECCIÓN OFICIAL 

'Human Flow,' de Ai Weiwei 
'Mother!', de Darren Aronofsky 
'Suburbicon', de George Clooney 
'La forma del agua', de Guillermo del Toro 
'L'insulte', de Ziad Doueiri 
'La villa', de Robert Guédigian 
'Lean on Pete', Andrew Haigh 
'Mektoub, my love: Canto uno', de Abdellatif Kechiche 
'Sandome no satsuji', de Kirozaku Koreeda 
'Jusqu'à la garde', de Xavier Legrand 
'Amore e malavita', de los hermanos Manetti 
'Foxtrot', de Samuel Maoz 
'Three Billboards Outside Ebbing, Missouri', de Martin McDonagh 
'Downsizing', de Alexander Payne 
'Jia Nian Hua', de Vivian Qu 
'Una familia', de Sebastiano Riso 
'First Reformed', de Paul Schrader 
'Sweet Country', de Warwick Thornton 
'The Leisure Seeker', de Paolo Virzi 
'Ex Libris: New York Public Library', de Frederick Wiseman 


EVENTOS ESPECIALES 

'Casa d'altri', de Gianni Amelio 
'Michael Jackson's Thriller 3D' de John Landis 
'Making of Michael Jackson's Thriller', de Jerry Kramer 


FUERA DE COMPETICIÓN 

'Our Souls at Night', de Ritesh Batra 
'Il signor Rotpeper', de Marina 
'La reina Victoria y Abdul', de Stephen Frears 
'La mélodie', de Rachid Hami 
'Outrage Coda', de Takeshi Kitano 
'Loving Pablo', de Fernando León de Aranoa 
'Diva!', de Francesco Patierno 
'Le fidèle', de Michaël R. Roskam 
'Il colore nascosto delle cose', de Silvio Soldini 
'The Private Life of a Modern Woman', de James Toback 
'Brawl in Cell Block 99', de S. Craig Zahler
'Wormwood', de Errol Morris 
'Zama', de Lucrecia Martel 
'Cuba and the Cameraman'. de Jon Alpert 
'My Generation', de David Batty 
'The Devil and Father Amorth', de William Friedkin 
'Ryuichi Sakamoto: Coda', de Stephen Nomura Schible 
'Jim & Andy: The Great Beyond', de Chris Smith 
'This is Congo', de Daniel McCabe 
'Piazza Vittorio', de Abel Ferrara


SECCIÓN ORIZZONTI 

'Napadid Shodan', de Ali Asgari 
'Espèces menacées',de Gilles Bourdos 
'The Rape of Recy Taylor', de Nancy Buirski 
'Canibal', de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel 
'Les bienheureux', de Sofia Djama 
'Marvin', de Anne Fontaine 
'Invisible', de Pablo Giorgelli 
'Brutti e cattivi', de Cósimo Gómez 
'The Testament', de Amichai Greenberg 
'Ha Ben Dod', de Tzahi Grad 
'Bedoune tarikh, bedoune emza', de Vahid Jalilvand 
'Los versos del olvido', de Alireza Khatami 
'La nuit ou j´ai nagé', de Damien Manivel y Kohei Igarashi 
'Krieg', de Rick Ostermann 
'West of Sunshine', de Jason Raftopoulos 
'Undir trénu', de Hafsteinn Gunnar Sigurdsson 
'La vita in comune', de Edoardo Winspeare 
'Gatta cenerentola', de Alessandro Rak, Ivan Cappielo, Marino Guarneri y Dario Sansone 


CINEMA NEL GIARDINO 
'Manuel', de Dario Albertini 
'Controfigura', de Rä di Martino 
'Woodshock', de Kate Mulleavy y Laura Mulleavy 
'Nato a casal di principe', de Bruno Oliviero 
'Suburra, la serie', Michele Placido, Andrea Molaioli y Giuseppe Capotondi 
'Tueurs', de François Troukens y Kean-François Hensgens

martes, 15 de agosto de 2017

JAMES CAMERON

James Cameron nació en la ciudad canadiense de Ontario el 16 de agosto de 1954. Director, guionista y productor de cine, ha sido galardonado con tres Oscar y cuatro Globos de Oro, así como nominado a seis premios BAFTA. Trabajó como camionero y mecánico hasta que, inspirado por el cineasta Stanley Kubrick, comenzó a rodar cortometrajes en la década de los 70. “Xenogenesis” (1978), corto de ciencia-ficción co-dirigido con Randall Frakes, fue su primera incursión en la gran pantalla y ya en 1981 estrenó su primer largometraje, “Piraña 2”. 

Con “Terminator” (1984), film de ciencia-ficción en el que Arnold Schwarzenegger daba vida a un cyborg en una historia de saltos en el tiempo, Cameron alcanzó el éxito internacional y compartió créditos con la también guionista y productora Gale Anne Hurd, que se convertiría en su esposa en 1985.

Más tarde realizó “Aliens” (1986), secuela de la popular “Alien, el octavo pasajero” de Ridley Scott y “Abyss” (1989), aventura submarina protagonizada por Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio. Posteriormente, filmó “Terminator 2” (1991), de nuevo con Schwarzenegger, con quien volvería a colaborar en “Mentiras arriesgadas” (1994). 

En 1997 se encargó del rodaje de “Titanic”, superproducción basada en el desastre marítimo del famoso trasatlántico, para la que contó con los actores Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. La cinta cosechó un rotundo éxito comercial en todo el mundo, logrando once estatuillas de Hollywood, entre ellas las de mejor película y mejor director. Doce años después afrontó el proyecto de “Avatar” (2009), otra muestra del género de ciencia-ficción con Sam Worthington al frente del reparto y por la que Cameron aspiró de nuevo al Oscar en la categoría de  mejor dirección.


Escena de "Terminator 2"




Escena de "Abyss"



martes, 1 de agosto de 2017

PETER O´TOOLE

Peter O'Toole nació el día el 2 de agosto de 1932 y falleció en Londres el 14 de diciembre de 2013. Su lugar de nacimiento es objeto de controversia. Según algunas fuentes, habría venido al mundo en Connemara (Condado de Galway, Irlanda), mientras que otras apuntan a la ciudad inglesa de Leeds. Actor con ocho nominaciones a los Oscar (que se le concedió a título honorífico en el año  2003), debutó en la pantalla grande en 1960 con “Kidnapped” (Secuestrado), película de Robert Stevenson en la que compartió cartel con Peter Finch.

Su trabajo revelación llegó con “Lawrence de Arabia” (1962), superproducción de David Lean en la que interpretó a T. E. Lawrence. Por este film recibió su primera candidatura a la estatuilla dorada de Hollywood. De esa misma época sobresalió en “Becket” (1964), junto a Richard Burton. Encarnó al rey Enrique II y volvió a optar al Oscar. Curiosamente, fue también candidato al mismo premio interpretando al citado monarca en “El león en invierno” (1968), acompañado de Katharine Hepburn. Se hizo acreedor de una cuarta nominación por su interpretación de Arthur Chipping en el drama musical “Adiós, Mr. Chips” (1969), de Herbert Ross. 

Otros títulos reseñables que O’Toole protagonizó durante la década de los sesenta son “¿Qué tal, Pussycat?” (1965), de Clive Donner con guion de Woody Allen, “Cómo robar un millón y…” (1966), la parodia Bond “Casino Royale” (1967) o el thriller ambientado en la Segunda Guerra Mundial “La noche de los Generales” (1967), en compañía de su amigo Omar Sharif. 

En los años 70 aspiró nuevamente al Oscar por “La clase dirigente” (1972), sátira dirigida por Peter Medak. Aún le esperaban dos candidaturas más al prestigioso premio de la Academia. La primera, por “Profesión: el especialista” (1980), comedia dramática a las órdenes de Richard Rush y la segunda por “Mi año favorito” (1982), otra comedia de Richard Benjamin. Participó también en los rodajes de “El último Emperador” (1987), de Bernardo Bertolucci y de “El hotel de los fantasmas” (1988), fantasía cómica dirigida por Neil Jordan. Finalmente, en 2006 asumió su última candidatura al Oscar por “Venus”, de Roger Michell.


Escena de "Lawrence de Arabia"





Escena de "Adios, Mr. Chips"



viernes, 28 de julio de 2017

DUNKERQUE (Dunkirk)

No soy un gran aficionado al cine bélico. Su temática me produce una desazón que ahonda en el desapego hacia la especie humana. No obstante, existen películas del género que considero imprescindibles: “Black Hawk derribado”, de Ridley Scott, las dos obras magnas de Steven Spielberg (“Salvar al soldado Ryan” y “La lista de Schindler”) o “Enemigo a las puertas”, de Jean-Jacques Annaud, serían algunas de ellas. A partir de ahora, en el pódium de ese listado que recopila lo mejor de tan singular modalidad, habrá que hacerle un sitio a “Dunkerque”, excepcional largometraje que refleja a la perfección las miserias y heroicidades que acompañan a los seres humanos y que supone, además, una lección magistral sobre cómo narrar una historia desde un punto de vista artístico y cinematográfico. 
Considero a Christopher Nolan una figura señera de nuestro tiempo que ocupa por méritos propios un espacio en la Historia del Séptimo Arte. Su particular estilo, su constante intensidad narrativa, su valentía y originalidad a la hora de profundizar en las oscuridades del alma humana, su capacidad para entretener, su habilidad para usar el aspecto visual y convertirlo en una herramienta que da una nueva perspectiva a la trama y la trascendencia filosófica y hasta onírica de la mayoría de sus escenas le elevan al Olimpo de cineastas visionarios y fuera de serie. Ha sido capaz de revolucionar la ciencia ficción tanto con “Interstellar” como con “Origen”, sobresalientes trabajos que marcan un antes y un después dentro del citado género. Su trilogía sobre “Batman”, con Christian Bale como protagonista, alzó las películas de superhéroes a unos niveles de calidad insólitos hasta aquel momento. Con la sórdida, extraña y asombrosa “Memento”, diecisiete años atrás, ya logró su primera nominación al Oscar. 
Ahora, con “Dunkerque”, demuestra que ni se encasilla ni se acomoda. Muy al contrario, explora nuevos temas pero permaneciendo fiel a su esencia. Sin duda, es un genio. Sin embargo, conviene indicar que aquellos espectadores que no toleren las prolongadas secuencias sobre la guerra, con la desesperación y deshumanización que conlleva, la cinta les podrá resultar un tanto indigesta. La violencia y la crueldad no son sencillas de visionar. Acostumbrados a la aparición en todo tipo de pantallas de peleas, ensañamiento y ferocidad como mera fórmula de entretenimiento (incluso, en ocasiones, para proporcionar una visión distorsionada de la diversión), esta recreación del miedo, la brutalidad y la muerte como parte de nuestra naturaleza y de nuestra Historia nos conmueve y nos avergüenza, aunque, por otro lado, nos recuerda también el sacrificio, la entrega, la vocación de servicio y el heroísmo de determinadas personas. Por lo tanto, no se trata solamente de una plasmación de acontecimientos reales que no deben ser olvidados, sino de una sólida, hábil y certera reproducción de imágenes y sonidos que conectan directamente con el cine entendido como lo que es en realidad: un arte. 
En plena Segunda Guerra Mundial, cientos de miles de británicos y de tropas aliadas se encuentran rodeados por las fuerzas enemigas en la ciudad francesa de Dunkerque. Atrapados en la playa con el mar a sus espaldas, se enfrentan a un destino aciago con el ejército enemigo cada vez más cerca. A finales de mayo de 1940 se pone en marcha una complicada operación de evacuación que permitirá el rescate de unos trescientos mil soldados, aunque muchos de ellos perderán la vida en el intento. Presentado como un largometraje coral que ofrece la batalla y el rescate desde tierra, mar y aire, es imposible no conmoverse y no sentirse removido por dentro, en mi opinión un logro nada sencillo. 
Entre los actores que forman parte del elenco no hay ninguno que pueda ser considerado como principal. Destacan Mark Rylance (Oscar por “El puente de los espías”), Tom Hardy (“El renacido”, “Origen”, “El caballero oscuro: La leyenda renace”), Cillian Murphy (“Batman Begins”, “El viento que agita la cebada”) y Kenneth Branagh (más memorable por sus inicios como director). Junto a ellos, figuran otros jóvenes intérpretes desconocidos, como Fionn Whitehead y Aneurin Barnard.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Dunkirk
Año: 2017
Duración: 107 min.
País: Estados Unidos
Director: Christopher Nolan
Guion: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Reparto: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D'Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel

martes, 25 de julio de 2017

STANLEY KUBRICK

Stanley Kubrick nació en Nueva York el 26 de julio de 1928 y falleció en la localidad británica de St Albans el 7 de marzo de 1999. Director de cine, guionista, productor y fotógrafo, es considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. Debutó como realizador con una serie de documentales rodados a comienzos de los años cincuenta, los cortos “Day of the Fight” (1951), “Flying Padre” (1951) y “The Seafarers” (1953). Su primer trabajo de ficción fue “Fear and Desire” (1953), drama bélico de bajo presupuesto en el que aparecía como actor su posteriormente colega Paul Mazursky. 

Más tarde rodaría “Atraco perfecto” (1956), cinta protagonizada por Sterling Hayden y Coleen Gray. El film antibélico “Senderos de gloria” (1957) adaptaba una novela de Humphrey Cobb y le puso en contacto por primera vez con Kirk Douglas, quien demandó la presencia de Kubrick para sustituir a Anthony Mann en “Espartaco” (1960), fenomenal peplum basado en la obra de Howard Fast. Por esta película recibió una nominación a los Globos de Oro en la categoría de mejor director, candidatura que volvió a lograr con “Lolita” (1962), adaptación del texto homónimo del autor ruso Vladimir Nobokov, quien también asumiría facetas de guionista y optaría al Oscar de Hollywood. Encabezaron el reparto James Mason -como el profesor Humbert Humbert- y Sue Lyon, en el papel de Lolita. 

“¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú” (1964) era una sátira sobre la guerra fría por la que Kubrick fue candidato a la estatuilla dorada. Cuatro años después  retornó a la gran pantalla con uno de sus proyectos más ambiciosos, “2001: Una odisea del espacio” (1968), en colaboración con el escritor Arthur C. Clarke, que pivotaba en uno de sus relatos, titulado “El centinela”. Curiosamente, se alzó con el Oscar a los mejores efectos especiales. 

En “La naranja mecánica” (1971) se basó en el libro de Anthony Burgess y su siguiente trabajo le retrotrajo a la Inglaterra del siglo XVIII gracias a William Makepeace Thackeray y su “Barry Lyndon” (1975), con Ryan O’Neal al frente del reparto. En la década de los ochenta estrenó dos largometrajes, “El resplandor” (1980), muestra de terror de Stephen King con Jack Nicholson como estrella, y “La chaqueta metálica” (1987), donde volvía a recalcar sus postulados contrarios al belicismo desarrollando la acción en la Guerra del Vietnam y con la que fue nominado de nuevo como mejor guionista.  

Tras muchos años de reclusión, terminó realizando “Eyes Wide Shut” (1999), drama psicológico protagonizado por la pareja Tom Cruise–Nicole Kidman, que llegó a las carteleras después de su fallecimiento a la edad de 70 años. 


Escena de "Espartaco"




Escena de "Eyes Wide Shut"



viernes, 21 de julio de 2017

A 47 METROS (47 Meters Down)

Resulta sorprendente el número de películas relacionadas con tiburones que se han estrenado en la gran pantalla, casi suficiente para formar un subgénero cinematográfico. Además de la saga iniciada por el magistral cineasta Steven Spielberg en el año 1975, las producciones con dichos animales como hilo conductor se cuentan ya por centenares. Rodadas en dos o en tres dimensiones, la fuente de títulos es inagotable: “Deep Blue Sea”, “Open Water”, “Marea letal”, “Muerte en las profundidades” y, así, un largo etcétera a los que cabe añadir todos los que incluyen el nombre del escualo: “Tiburón, la venganza”, “El ataque del tiburón de dos cabezas” (y su secuela, “El ataque del tiburón de tres cabezas”), “Tiburones en Malibú” o “El ataque de los tiburones”. Tampoco hay que olvidar los que abordan el tema desde el punto de vista de la evolución de las especies: “Jurassic Shark” o “Megatiburón contra pulpo gigante”, entre otros. Juro que no me invento los nombres de los filmes. Búsquenlos y los encontrarán. Incluso figuran algunos más sorprendentes aún. 
El director español Jaume Collet-Serra rodó el pasado año “Infierno azul”, con la actriz Blake Lively al frente del elenco, y ahora llega a las carteleras “A 47 metros”, de Johannes Roberts, responsable de la mediocre “El otro lado de la puerta” y de las lamentables “Darkhunters” y “Hellbreeder”, a las que hasta el calificativo de “serie B” les viene demasiado grande. La única baza de este último largometraje consiste en exprimir la misma fórmula que otros de sus antecesores han esquilmado durante décadas. Después de visionar decenas de ejemplos que centran la intriga y la tensión en unas fauces que se zampan a los bañistas de turno, la reiteración de la receta deja de resultar efectiva. Las pequeñas variaciones existentes (en vez de nadadores, buceadores; en lugar de en la superficie, en las profundidades) apenas aportan cambios. Es más de lo mismo, una y otra vez. 
En esta ocasión, dos hermanas quedan atrapadas en el océano mientras realizan una expedición de buceo con el fin de observar a los tiburones. Cuando el cable que mantiene sujeta su jaula metálica se rompe, comenzarán un descenso sin freno hacia el fondo del mar. Dará entonces inicio una angustiosa lucha contrarreloj, en la que ambas jóvenes deberán encontrar el modo de sobrevivir a los ataques de las fieras y salir de allí antes de que el oxígeno se agote. 
Pese a que la duración apenas alcanza la hora y media, no logra mantenerse el interés a lo largo de la proyección. El problema no estriba en que se trate de una producción menor, sino en que se aprecia una patente falta de inventiva e ingenio, lo cual condiciona el resultado. De hecho, es más que discutible que pueda encuadrarse en el género de terror, habida cuenta la nula respuesta que provoca lo que muestra. 
La creatividad y la originalidad brillan por su ausencia de tal manera que, medida que avanza el metraje, la historia se hunde a la par que el armazón de inmersión de las protagonistas. Convendría que la industria del Séptimo Arte zanjase de una vez por todas esta variedad de proyectos que acaban por parecer uno solo y que agotan la propuesta de cara a los espectadores. Es verdad que suele tratarse de producciones de bajo presupuesto (en este caso, apenas cinco millones de dólares), pero su supuesta rentabilidad va en detrimento del arte de la cinematografía. Por lo que a mí respecta, estoy dispuesto a encabezar una petición en la plataforma “Change.org” para instar a la erradicación de este tipo de filmaciones, ya sean en celuloide o en formato digital. “No más películas de tiburones”. Sería un lema sencillo y directo, pero contundente. 
La otrora adolescente mediática Mandy Moore (“Dr. Dolittle 2”, “Princesa por sorpresa”, “Todo lo que quiero”, “Deseando libertad”) encabeza el reparto. Le acompaña Claire Holt, conocida por algunas teleseries como “H2O”, “Pequeñas mentirosas” o “Crónicas vampíricas”. Ambas hacen lo que pueden, pero llevar este proyecto a flote es un imposible.

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Datos del film

Título original: 47 Meters Down
Año: 2017
Duración: 87 min.
País: Reino Unido
Director: Johannes Roberts
Guion: Johannes Roberts, Ernest Riera
Fotografía: Mark Silk
Reparto: Mandy Moore, Claire Holt, Chris Johnson, Yani Gellman, Santiago Segura, Matthew Modine, Mayra Juarez, Axel Mansilla

martes, 18 de julio de 2017

BENEDICT CUMBERBATCH

Benedict Cumberbatch nació en Londres el 19 de julio de 1976. Galardonado actor británico de televisión, teatro y cine, alcanzó la fama gracias a su interpretación de Stephen Hawking en el telefilm "Hawking" (2004). Posteriormente, interpretó al célebre detective Sherlock Holmes en una adaptación moderna del personaje de Sir Arthur Conan Doyle en la serie televisiva “Sherlock”. 

Debutó en la pantalla grande con la cinta “Matar a un rey” (2003), de Mike Barker. En el año 2006 estrenó dos títulos: “Un chico listo”, de Tom Vaughan y “Amazing Grace”, de Michael Apted. Su salto cualitativo comenzó con “Expiación. Más allá de la pasión” (2007), magnífica película de Joe Wright, a la que siguió “Las hermanas Bolena” (2008), de Justin Chadwick. 

Los papeles protagonistas le llegaron con “Burlesque Fairytales”, (2009) de Susan Luciani, aunque los siguió compaginando con otros secundarios como el de “La duda de Darwin” (2009), de Jon Amiel.

 En 2010 protagonizó “Third Star”, de Hattie Dalton y “La verdad oculta”, de Larysa Kondracki. Uno de sus largometrajes más aclamados fue “El topo” (2011), de Tomas Alfredson. Trabajó con Steven Spielberg en “War Horse” (2011) y, acto seguido, intervino en dos de las sagas más exitosas de los últimos tiempos: “El Hobbit” (“El Hobbit: Un viaje inesperado” -2012-, “El Hobbit: La desolación de Smaug” -2013-; “El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos” -2014-) y “Star Trek” (“Star Trek: En la oscuridad” -2013-). Entre medias, participó en la oscarizada “12 años de esclavitud”, de Steve McQueen, “Agosto” (2013), de John Wells y “El quinto poder” (2013), de Bill Condon. 

En 2014 abordó su trabajo más destacado hasta la fecha, en “The Imitation Game (Descifrando Enigma)”, que le proporcionó una nominación al Oscar como mejor actor principal. Dos años después estrenó “Doctor Strange (Doctor Extraño).

Escena de "Descifrando enigma"



Escena de "Agosto"



viernes, 14 de julio de 2017

LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes)

En el lustro comprendido entre 1968 y 1973 se estrenaron hasta cinco películas de la saga de “El planeta de los simios”. El éxito de su primera entrega, dirigida por Franklin J. Schaffner y protagonizada por Charlton Heston, motivó la proliferación posterior de aquellos títulos que, a la postre, terminaron reflejando una decadencia bastante más que evidente. Veintiocho años después, el peculiar cineasta Tim Burton filmó un “remake” tan fallido como innecesario. Y a partir de 2011 dio comienzo una nueva trilogía, que se completa ahora con “La guerra del planeta de los simios”. Pero los nueve largometrajes estrenados resultan demasiados. 
Sin entrar en el debate sobre cuál de ellos es el mejor, creo que estas tres últimas producciones rodadas en 2011, 2014 y 2017 mantienen e, incluso, superan su inicial nivel de calidad. Así como las cintas de la década de los setenta fueron perdiendo categoría con respecto a la original de un modo irrefutable, no se ha repetido el mismo fenómeno con los tres films rodados recientemente, que conforman un proyecto facturado con corrección y que ofrece unas dosis muy aceptables de acción, aventura y entretenimiento. 
Mis primeras referencias de Matt Reeves se remontan veinte años atrás, cuando ejercía como guionista, productor y director de la serie de televisión “Felicity”, de la que yo era espectador. Ya por aquel entonces me pareció un buen profesional. Por eso, me sorprendió que diera el salto a la pantalla grande con algunos trabajos enmarcados en el género apocalíptico y de terror, como “Monstruoso” o “Déjame entrar” y que, pese a ciertos elementos de interés, no llamaron demasiado mi atención. Sin embargo, cuando se encargó de la realización de “El amanecer del planeta de los simios”, quedó patente su habilidad para el cine de acción y ciencia ficción. De hecho, es el responsable del próximo rodaje de Batman, interpretado por Ben Affleck. Ojalá su progresión continúe a buen ritmo y no termine resultando previsible y repetitivo. En todo caso, sería deseable verle involucrado en algunos proyectos más personales y dramáticos, acordes con sus orígenes televisivos, ya que capacidad le sobra. 
Es obvio que a un potencial espectador de “La guerra del planeta de los simios” le ha de gustar la saga de antemano y, tanto la lucha entre primates y humanos como la propuesta evolutiva que lleva implícita, deben generarle un interés manifiesto. De lo contrario, la trama puede parecerle absurda, el metraje, excesivo y la cualificación técnica, insuficiente. Dicho esto, los amantes de la peculiar franquicia encontrarán aquí una entrega sólidamente construida, bien relatada y con sobrada altura de efectos especiales. 
Narra la cruenta guerra entablada entre los animales y las personas que todavía quedan en el mundo y que deberán enfrentarse a un despiadado Coronel. Después de sufrir un importante número de bajas, los simios comenzarán la fanática misión de vengar a los de su especie. La épica batalla final determinará el destino de los supervivientes y el futuro del planeta. 
Cinta trepidante, intensa y con un toque de reflexión introspectiva, toma prestadas de otros géneros -como el bélico y el western- algunas de sus fórmulas más características para estructurar un espectáculo audaz, demostrando cómo se puede rescatar un serial de su ocaso creativo y revitalizarlo con ideas adecuadas. En ocasiones, segundas y terceras partes sí son buenas. 
Además del actor Andy Serkis, habituado a ocultar su rostro para dar vida a seres como “Gollum” de “El señor de los anillos”, forma parte del elenco un cada vez más prolífico Woody Harrelson, aunque la protagonista por excelencia es la acción en sí misma.

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Datos del film
Título original: War for the Planet of the Apes
Año: 2017
Duración: 142 min.
País: Estados Unidos
Director: Matt Reeves
Guion: Mark Bomback, Matt Reeves (Novela: Pierre Boulle)
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Michael Seresin
Reparto: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Judy Greer, Gabriel Chavarria, Max Lloyd-Jones, Terry Notary, Sara Canning, Ty Olsson, Devyn Dalton

miércoles, 12 de julio de 2017

CAMERON CROWE

Cameron Crowe nació en la localidad californiana de Palm Springs el 13 de julio de 1957. Director y guionista estadounidense, ganador de un Oscar,  antes de dedicarse al Séptimo Arte colaboraba como columnista en la popular revista musical Rolling Stone. 

Comenzó su andadura en la pantalla grande escribiendo los guiones de algunos títulos como “Aquel excitante curso” (1982), de Amy Heckerling o “Jóvenes alocados” (1984), de Art Linson.

Debutó como director con la cinta “Un gran amor” (1989), protagonizada por John Cusack y Ione Skye, y logró cierto éxito con su segunda película, “Solteros” (1992), cuyo reparto encabezaban Bridget Fonda, Campbell Scott y Kyra Sedgwick.

 En 1996 obtuvo gran repercusión gracias a “Jerry Maguire”, con Tom Cruise, Cuba Gooding Jr. y Renée Zellweger al frente del elenco. El film recibió cinco nominaciones a la estatuilla dorada, haciéndose acreedora a la de mejor actor secundario. 

En el año 2000, Crowe firmó uno de sus mejores trabajos con “Casi famosos” (2000), ganando el prestigioso premio de la Academia de Hollywood gracias a su excelente guion, además de obtener otras tres candidaturas. Tras la más fallida “Vanilla Sky” (2001), versión del largometraje de Alejandro Amenábar “Abre los ojos”, escribió y realizó la pequeña joya “Elizabethtown” (2005), en la que actuaban Orlando Bloom, Kirsten Dunst y Susan Sarandon. 

Posteriormente, rodó las más irregulares “Un lugar para soñar” (2011), con Matt Damon y Scarlett Johansson,  y “Aloha” (2015), junto a Bradley Cooper, Rachel McAdams y Emma Stone. 

Aunque sin figurar en los créditos, participó como actor en la visionaria “Minority Report”, de Steven Spielberg.


Escena de "Elizabethtown"




Escena de "Casi famosos"



lunes, 10 de julio de 2017

30 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "EL FESTÍN DE BABETTE" (30th Anniversary of the Premiere of "Babette´s Feast")

Se cumplen treinta años del estreno en España de la película danesa “El festín de Babette”, escrita y dirigida por Gabriel Axel y basada en un relato de Isak Dinesen (Karen Blixen), escritora a quien dio vida Meryl Streep en la inolvidable cinta “Memorias de África”.

Producida por Just Betzer, Bo Christensen y Benni Korzen con fondos del Instituto del Cine de Dinamarca. se trata del primer largometraje de dicho país en ganar el Oscar al mejor film de habla no inglesa. 

Ambientada en el siglo XIX en una remota aldea dominada por el puritanismo, cuenta la historia de dos hermanas ancianas que han permanecido solteras y que recuerdan con nostalgia su lejana juventud y la rígida educación que las obligó a renunciar a la felicidad. La llegada de Babette, que viene de París huyendo de la guerra civil, cambiará sus vidas.

La forastera pronto tendrá ocasión de corresponder a la bondad y al calor con los que ha sido acogida, ya que un premio de lotería le permitirá organizar una opulenta cena con los mejores platos y vinos de la gastronomía francesa. Todos los vecinos aceptan la invitación, aunque previamente se ponen de acuerdo para no dar muestras de una satisfacción que resultaría pecaminosa. Sin embargo, poco a poco, en un ceremonial intenso y emotivo, van cediendo a los placeres de la cocina gala. 

Además de la estatuilla de Hollywood, obtuvo también una nominación al Globo de Oro en la misma categoría y se alzó asimismo con el premio BAFTA británico.

Escena de la película




viernes, 7 de julio de 2017

BABY DRIVER

Definir una película como “Baby Driver” resulta bastante complicado. Con esencia cómica, cuerpo de cinta de acción alocada y aureola de extraño musical, su resultado final es ecléctico y en ocasiones volátil, pero a menudo divertido. Por lo tanto, no se trata de un largometraje apto para espectadores clásicos que sólo toleran propuestas reconocibles y cumplidoras de las normas sagradas del cine más convencional. Cabría calificar de experimento raro su condición si no fuera porque está dirigido por Edgar Wright, un cineasta cuyas señas de identidad son el toque irreverente y la comicidad incontrolada. De los títulos de sus anteriores trabajos (“Zombies Party”, “Arma fatal”, “Scott Pilgrim contra el mundo”, “Bienvenidos al fin del mundo” o su participación en la obra colectiva “Grindhouse”) se deduce ese estilo gamberro e inofensivo, entretenido y sarcástico, cuyo aparente desorden no es tal, sino que consiste en una estudiada y meditada forma de narrar cinematográficamente las historias. 
Así pues, para ver este film es preciso acudir a la sala de proyección con ánimo descarado y juvenil. De lo contrario, la actitud chulesca, la estética macarra y el humor desvergonzado de los personajes sacarán sólo a relucir los errores de una obra que, como muestra del género de acción, resulta mediocre, poco rigurosa y bastante increíble. Sin embargo, si “Baby Driver” funciona, es por ese toque gracioso, transgresor y faltón que marca toda la narración, de modo que se puede disfrutar de un rato de entretenimiento ágil y atrayente siempre que se conecte previamente con su contexto desenfadado y travieso. 
Un joven piloto domina la conducción con inusitada habilidad. Trabaja para un mafioso pero, cansado de su estilo de vida y de cumplir las normas de su jefe atracador, decide cumplir una última misión antes de retirarse, aunque el delincuente en cuestión no va a dejarle libre tan fácilmente. 
Heredero del carácter de otros realizadores como Guy Ritchie (“RocknRolla”) o Matthew Vaughn (“Kick-Ass: Listo para machacar”), la oferta de Wright tal vez lleve al público a identificarla con “Drive”, de Nicolas Winding Refn. Sin embargo, poco hay en “Baby Driver” del icónico referente protagonizado por Ryan Gosling. El silencio, la cámara lenta, la expresión contenida y el ritmo pausado que encandiló en aquella da paso aquí a una total falta de moderación y a un semblante irrespetuoso que pretende inundar de alegría el metraje. Pese a todo, el resultado final es correcto y, en mi opinión, constituye el mejor proyecto de su realizador hasta la fecha. Aunque su estilo no se encuentre entre mis preferencias, le reconozco efectividad y autenticidad. 
Con un toque musical, una pizca de dulzura, algún condimento romántico, un tono bravucón y un ingenioso hilo conductor, desarrolla una sinopsis burda en la forma pero creativa y, a ratos, brillante en el fondo. Una fórmula fresca y por momentos original, revestida de un divertimento sin pretensiones que consigue hacer olvidar lo artificioso que es todo. Probablemente, no es casual que a la sombra se sitúe el gran productor Tim Bevan, con múltiples reconocimientos y nominaciones gracias a algunas excelentes películas más acordes con el gusto de críticos y académicos, como “Expiación”, “La teoría del todo” o “Elizabeth”. Sin embargo, sus aportaciones más corrosivas (“Fargo”, “El gran Lebowski”) enlazan a la perfección con “Baby Driver”. 
El actor Ansel Elgort, visto en “Bajo la misma estrella” y en la saga “Divergente”, encabeza el reparto. Le acompañan pesos pesados de la profesión como Kevin Spacey (ganador de dos Oscars por “American Beauty” y “Sospechosos habituales” y con numerosos títulos de visión imprescindible), Jamie Foxx (estatuilla dorada por “Ray”) o Jon Hamm (célebre por la serie televisiva “Mad Men”). También este casting coral resulta altamente llamativo. Como la película.

Trailer en castellano


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Datos del film

Título original: Baby Driver
Año: 2017
Duración: 115 min.
País: Reino Unido
Director: Edgar Wright
Guion: Edgar Wright
Música: Steven Price
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González, Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer, Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk

miércoles, 5 de julio de 2017

TAQUILLA EN EL PRIMER SEMESTRE DE 2017 ( Box Office in the First Half of 2017)





Acaba de concluir el primer semestre del año 2017, cuyos títulos más populares de la cartelera se ha visto invadidos por las segundas, terceras y posteriores entregas de sagas conocidísimas. 


PELÍCULAS CON MAYOR RECAUDACIÓN EN EL MERCADO NORTEAMERICANO 

(en dólares)


  1.  Beauty and the Beast (2017) $503,708,499
  2.  Guardians of the Galaxy Vol. 2 $380,644,568
  3.  Wonder Woman $321,178,658
  4.  Logan $226,264,245
  5.  The Fate of the Furious $225,220,660
  6.  The LEGO Batman Movie $175,750,384
  7.  Get Out $175,484,140
  8.  The Boss Baby $173,129,113
  9.  Kong: Skull Island $168,052,812
  10.  Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales $160,863,912
  11.  Split $138,141,585
  12.  Fifty Shades Darker $114,434,010
  13.  Cars 3 $101,691,169
  14.  John Wick: Chapter Two $92,029,184
  15.  Power Rangers (2017) $85,364,450
  16.  Alien: Covenant $73,375,551
  17.  Transformers: The Last Knight $73,193,872
  18.  The Mummy (2017) $69,518,575
  19.  Captain Underpants: The First Epic Movie $66,325,982
  20.  A Dog's Purpose Uni. $64,321,890


PELÍCULAS CON MAYOR RECAUDACIÓN A NIVEL MUNDIAL

(en dólares)


  1.  Beauty and the Beast (2017) $1,257.0
  2.  The Fate of the Furious $1,238.2
  3.  Guardians of the Galaxy Vol. 2 $851.9
  4.  Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales $680.0
  5.  Wonder Woman $657.0
  6.  Logan $618.0
  7.  Kong: Skull Island $566.2
  8.  The Boss Baby $493.4
  9.  Fifty Shades Darker $378.8
  10.  Your Name. $354.4
  11.  xXx: The Return of Xander Cage $346.1
  12.  The Mummy (2017) $344.7
  13.  The Great Wall $332.0
  14.  Resident Evil: The Final Chapter $312.2
  15.  The LEGO Batman Movie $310.9
  16.  Split $276.9
  17.  Transformers: The Last Knight $272.4
  18.  Kung Fu Yoga $254.2
  19.  Get Out $251.8
  20.  Journey to the West: The Demons Strike Back $246.6
  21.  Alien: Covenant $227.9
  22.  Smurfs: The Lost Village $194.7
  23.  A Dog's Purpose $193.1
  24.  Ghost in the Shell (2017) $169.8
  25.  John Wick: Chapter Two $166.8

lunes, 3 de julio de 2017

EVA MARIE SAINT

La actriz estadounidense Eva Marie Saint nació en Nueva Jersey el 4 de julio de 1924.

Cursó  Interpretación en la Universidad de Bowling Green y, terminados sus estudios, trabajó durante algún tiempo en radio y televisión, hasta que en 1953 actuó en la obra teatral “The Trip to Bountiful”, por cuya interpretación obtuvo el Premio de los Críticos de Teatro. 

Debutó en la pantalla grande en 1954 con la magnífica película “La ley del silencio”, dirigida por Elia Kazan y en la que estuvo acompañada por el actor Marlon Brando. Este papel le proporcionó la consecución del Oscar a la mejor actriz secundaria. 

Pese a su brillante comienzo en el Séptimo Arte, nunca se prodigó profesionalmente en exceso.  En las décadas de los cincuenta y sesenta intervino en apenas una docena de títulos, como “Un sombrero lleno de lluvia” (1957), de Fred Zinnemann, “El árbol de la vida” (1957), de Edward Dmytryk, “Con la muerte en los talones” (1959), de Alfred Hitchcock, “Éxodo” (1960), de Otto Preminger, “Su propio infierno” (1962), de John Frankenheimer, “Castillos en la arena” (1965), de Vincente Minnelli, “Grand Prix” (1966), de nuevo con Frankenheimer o “¡Que vienen los rusos!”, (1966), una comedia sobre la Guerra Fría realizada por Norman Jewison. 

De entre sus últimos proyectos cabe destacar “Soñé con África” (2000), junto a Kim Basinger y Vincent Perez y la adaptación del cómic “Superman Returns” (2006).


Escena de "Con la muerte en los talones"




Escena de "Éxodo"