viernes, 29 de septiembre de 2017

MADRE! (Mother!)

Asistir a la proyección de la última película de Darren Aronofsky es como acudir a una feria y adentrarse en la “Casa del Terror”. Mientras estás dentro te sientes atrapado por ese miedo prefabricado y sugestionado por los trucos y la oscuridad. Te dejas llevar por la histeria colectiva y lo pasas muy bien. Sin embargo, cuando sales te das cuenta de lo ridículo ha sido todo y de que el pánico provocado era artificial y vacío de contenido. Te invade entonces una sensación de la que no te puedes librar, sustentada en la incoherencia inconfesable de haber disfrutado mientras estabas en el interior y, al mismo tiempo, acompañada de cierta vergüenza por haber presenciado en realidad un espectáculo pobre y sin sustancia. 
“Madre!” deslumbra en esa capa superficial construida sobre la estética lúgubre, los escenarios tenebrosos, el sonido inquietante y la recreación sórdida. Pero, tras ese manto externo, no hay enjundia y sí, por contra, personajes poco creíbles, intriga alocada y ausencia de trama coherente. Pese a todo, y ante tan escasos y precarios ingredientes, Aronofsky es capaz de preparar un plato sugerente en la presentación, con algunos bocados sabrosos y que no deja indiferente. Su talento y habilidad natural para resultar truculento, pasional, extremo y visceral se refleja casi en cada plano. 
Desde su debut profesional con “Pi” (en alusión al símbolo matemático), este cineasta neoyorkino ha rodado trabajos en los que plasma su particular universo, siempre peculiar, agobiante y poblado por seres que transitan entre el tormento y la extravagancia. Títulos como “Réquiem por un sueño”, “El luchador” y “Cisne negro” (su mejor trabajo hasta la fecha) integran una filmografía que rebosa energía y brillantez. Pocos directores han emprendido viajes interiores como él, desplegando tales dosis de enigma, arrebato y locura, y en “Madre!” le reconocerán sus incondicionales y saciarán sus ansias de visionar una obra diferente, puesto que es ciertamente original. 
No obstante, como ya ocurriera con “Noé”, parece que a Aronofsky no le importa perderse en sus laberintos internos, ni que los espectadores naufraguen en el temporal de sus delirios y visiones. Como artista, es fiel a sí mismo y no se deja arrastrar por modas, estereotipos o popularidad. Y, mientras siga así, yo le defenderé como creador. Cuestión distinta es que algunos de sus proyectos, como en este caso, no me convenzan. Comencé absorto y continué intrigado, pero terminé incrédulo y estupefacto, incapaz de conectar con sus traumas desordenados y sus aportaciones vanguardistas. En ese sentido, el signo de admiración del título bien podría cambiarse por otro de interrogación. 
La pareja que forman un poeta en horas bajas y su mujer viven en una aislada casa de campo. Tanto su relación como su cordura se ponen a prueba cuando reciben la visita inesperada de unos extraños. La presencia de estos improvisados invitados forzosos ayudará al escritor a recobrar su inspiración pero perturbará a su esposa por completo, haciendo añicos la convivencia del matrimonio. 
El reparto se asienta sobre cuatro consolidadas figuras de la interpretación. Jennifer Lawrence, Oscar por “El lado bueno de las cosas”, ha demostrado su brillantez en cintas como “La gran estafa americana” y “Winter´s Bone”. Sugestiona, no sólo a la cámara, sino a cualquier persona que la observe desde la butaca. Javier Bardem, también ganador de la estatuilla dorada por “No es país para viejos”, está desarrollando una sólida carrera de la que destacan sus actuaciones en “Mar adentro” y “Los lunes al sol”. Ed Harris, actor todoterreno que se halla entre mis favoritos, ha sido nominado en cuatro ocasiones al premio de la Academia de Hollywood. Me cautivó en “Las horas”, me sorprendió en “Una historia de violencia” y me impresionó en “Pollock”. Se trata de uno de esos secundarios de lujo que colma por sí solo cualquier elenco. Completa el cuarteto la mítica Michelle Pfeiffer, que en las décadas de los ochenta y noventa maravilló con sus participaciones en “La edad de la inocencia”, “Los fabulosos Baker Boys” o “La casa Rusia”. Todos ellos se encargan de iluminar la oscuridad en la que les sumerge el realizador.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Mother!
Año: 2017
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Director: Darren Aronofsky
Guion: Darren Aronofsky
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris

martes, 26 de septiembre de 2017

GWYNETH PALTROW

Gwyneth Paltrow nació en Los Ángeles el 27 de septiembre de 1972. Actriz y cantante estadounidense, ganadora de un Oscar, un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Actores por su interpretación en "Shakespeare in Love" (1998), desde el año 2010 cuenta con su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. 

Debutó en la gran pantalla con la película “Grita” (1991), dirigida por Jeffrey Hornaday y protagonizada por John Travolta. Tras aparecer en papeles secundarios en “Hook” (1991), de Steven Spielberg, “Malicia” (1993), de Harold Becker o “La señora Parker y el círculo vicioso” (1995), de Alan Rudolph, alcanzó la fama con “Seven” (1995), de David Fincher y “Emma” (1996), de Douglas McGrath. 

1998 fue un año especialmente prolífico para ella. Intervino hasta en cinco largometrajes: “Dos vidas en un instante”, de Peter Howitt, “Grandes esperanzas”, de Alfonso Cuarón, “Relación mortal”, de Jonathan Darby , “Un crimen perfecto”, de Andrew Davis y “Shakespeare in Love (Shakespeare enamorado)”, que le proporcionó numerosos premios y reconocimientos. 

Posteriormente destacó en la muy recomendable “El talento de Mr. Ripley” (1999), de Anthony Minghella, “Los Tenenbaums. Una familia de genios” (2001), de Wes Anderson y “La verdad oculta” (2005), de John Madden. 

En los últimos tiempos se ha encasillado en el papel secundario de Virginia “Pepper” Potts, la secretaria de Tony Stark (Robert Downey Jr.) en “Iron Man” (2008) y sus secuelas, “Iron Man 2” (2010) y “Iron Man 3” (2013), así como en los rodajes de otras entregas de la franquicia, como “Los vengadores” (2012) o “Spider-Man: Homecoming” (2017). Sin embargo, también ha intervenido en la interesante “Contagio” (2011), de Steven Soderbergh y en “Two Lovers” (2008), de James Gray.


Escena de "Shakespeare in Love"




Escena de "Seven"



viernes, 22 de septiembre de 2017

LA REINA VICTORIA Y ABDUL (Victoria and Abdul)

El interesante aunque, en ocasiones, irregular realizador británico Stephen Frears está evolucionando notablemente con el paso del tiempo en su modo de entender el cine. Poco o nada queda de aquel cineasta que, a mediados de los ochenta, sorprendía por su originalidad y su visión artística arriesgada y transgresora. Títulos como “Mi hermosa lavandería”, “Ábrete de orejas” y “Sammy y Rosie se lo montan” dieron a conocer a un creador sin ataduras, dispuesto a desmenuzar la realidad que quería transmitir. Gustase o no, se mantenía fiel a un estilo personal y honesto. Lejos queda ya el director que encandiló sobremanera con la sobresaliente “Las amistades peligrosas”. La frescura de “Alta fidelidad” o el gancho de “Los timadores” pertenecen a otras décadas, casi a otra época, y en el presente milenio Frears se ha convertido en un artista más académico en las formas, más conservador en los planteamientos y mucho más moderado en los impulsos. Aunque trabajos como “La reina” o “Philomena” poseen atractivos y ofrecen grandes interpretaciones, parece haber perdido gran dosis de su instinto para plasmar de manera sugerente las tramas, los conflictos y la complejidad de los personajes. Tal vez sea como consecuencia de cumplir años, pero sus recreaciones resultan más convencionales y, por ello, su trayectoria se resiente. 
La de “La reina Victoria y Abdul” es una hermosa historia, plena de preciosos paisajes, suntuosos decorados, música evocadora y guion bienintencionado. Ahí radica su principal mérito y, asimismo, su mayor demérito. La intensidad narrativa, la utilización del enfrentamiento, el dramatismo como expresión y la ironía ácida como arma cómica han dado paso a una recreación que reside sobre la comodidad del argumento y sobre unos personajes planos, del gusto de los académicos. Por lo tanto, cosechará algunos seguidores devotos, otros detractores acérrimos y una legión de espectadores indiferentes que reconocerán a partes iguales sus virtudes y sus defectos. Gustará sin duda a los aficionados a los melodramas tradicionales, gracias a su ornamentación, vestuario, colorido y toque de bondad. Por el contrario, quienes consideran los rasgos anteriores como una edulcorada sobredosis de dulzura y moralina estarán mirando al reloj desde mitad de la proyección, anhelando su final. Cuestión de gustos. Al público que demanda más contenido y más mordiente en un largometraje, le resultará insulso y anodino. Sin embargo, los incondicionales de las adaptaciones impecablemente presentadas lo considerarán sensible y tierno. En cualquier caso, se trata de un proyecto agradable que contiene secuencias muy conmovedoras. 
Lo mejor de “La reina Victoria y Abdul” tiene un nombre: Judi Dench. Esta extraordinaria actriz, ganadora de un Oscar por su actuación en “Shakespeare in Love“ y nominada en otras seis ocasiones (“Su Majestad Mrs. Brown”, “Chocolat”, “Iris”, “Mrs. Henderson presenta”, “Diario de un escándalo” y la ya citada “Philomena”) interpreta a la perfección su papel, aporta credibilidad al conjunto y lleva sobre sus hombros todo el peso de la película. Incluso aquellos que no aplaudan el film deberán rendirse a la evidencia de la capacidad artística de esta legendaria intérprete que, a sus ochenta y dos años, continúa dando lecciones magistrales y es capaz de eclipsar al resto del reparto. 
Personalmente, me queda cierto regusto amargo ante la tendencia permanente de limitarse a embelesar con la majestuosidad de la realeza británica, sus palacios y sus rituales a la hora del té. Y, si bien la campaña publicitaria del film insiste en que está basado en un hecho real, cabe preguntarse si realmente los sucedidos ocurrieron tal y como se cuentan o se nos trasladan a través de una versión en exceso blanda y virtuosa.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Victoria and Abdul
Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Reino Unido
Director: Stephen Frears
Guion: Lee Hall (Novela: Shrabani Basu)
Música: Thomas Newman
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Judi Dench, Eddie Izzard, Adeel Akhtar, Tim Pigott-Smith, Ali Fazal

martes, 19 de septiembre de 2017

FIMUCITÉ 2017

La undécima edición del evento musical cinematográfico Fimucité se celebrará un año más en la isla de Tenerife, en esta ocasión entre los días 22 y 30 de septiembre y en cuatro sedes diferentes:
-El Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos  (Arona), donde tendrá lugar su inauguración.
- El Teatro Leal de La Laguna.
- El Teatro Guimerá de Santa Cruz.
-El Auditorio capitalino Adán Martín, que acogerá las principales funciones.

Fimucité XXI estará dedicado, principalmente, a la temática de espada y brujería, además de abordar los géneros de aventuras y terror –con una arriesgada y estimulante propuesta que combina la proyección de "El Más Allá" (Lucio Fulci, 1981) con la interpretación en directo del Composer’s Cut de la música de la película, compuesta por Fabio Frizzi, y una sección dedicada al cine español. 

Asimismo se celebrará el quinto Fimucinema, un certamen que pretende estrechar aún más la relación que Fimucité ha establecido entre la música y Séptimo Arte y que le convierte en un festival único, tanto en Canarias como en el resto de España.


PROGRAMA COMPLETO


22 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio Infanta Leonor. Los Cristianos (Arona) 
"EL MÁS ALLÁ" (Lucio Fulci, 1981) – Composer’s Cut 
La "Fabio Frizzi & F2F Band interpretará una versión del compositor de la música que apareció finalmente en el montaje de "El Más Allá" mientras esta película de terror italiana sea proyectada. Concierto no apto para menores por el contenido del film.

23 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:00 y 22:00 horas (doble función) 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
TARANTINO UNCHAINED 
Concierto que recorrerá toda la filmografía de Quentin Tarantino, desde las canciones más clásicas de "Pulp Fiction" (1994) hasta sus últimos títulos, como "Django desencadenado" (2012) o "Death Proof" (2007). 

24 de septiembre de 2017 
Domingo: 19:30 horas
Lugar: Teatro Leal. La Laguna 
TODO SOBRE ALMODÓVAR 
Concierto centrado en la figura del cineasta Pedro Almodóvar y su cine. Esther Ovejero será la voz principal. 

27 de septiembre de 2017 
Miércoles: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
ESPAÑA SONORA
La Banda Sinfónica del Conservatorio Profesional de Santa Cruz de Tenerife ofrecerá un repertorio basado en música compuesta para el cine español, tanto reciente como clásico. 

28 de septiembre de 2017 
Jueves: 20:00 horas 
Lugar: Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife 
GUERREROS DE LA GRAN PANTALLA 
Uno de los momentos más intensos del festival llegará con esta sesión dedicada al cine histórico y de aventuras, donde se hará un recorrido por el cine actual y por el cine más clásico. La Joven Orquesta Sinfónica Fimucité interpretará temas de películas como -Gladiator- (Ridley Scott, 2000) [música compuesta por Hans Zimmer] -El Cid- (Anthony Mann, 1961) [música compuesta por Miklós Rózsa] -Braveheart- (Mel Gibson, 1995) [música compuesta por James Horner] y -Ben-Hur- (William Wyler, 1959) [música compuesta por Miklós Rózsa]. 

29 de septiembre de 2017 
Viernes: 20:00 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
ESPADA Y BRUJERÍA: CRÓNICAS SINFÓNICAS DE UNA ERA LEGENDARIA
En el día más señalado de la presente edición de Fimucité, la Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretará música de algunas de las películas más famosas del subgénero de "Espada y Brujería", como -Conan, el destructor- (Richard Fleischer, 1984) o -Los Inmortales- (Russell Mulcahy, 1986), con música de Basil Poledouris y Michael Kamen, y canciones de Queen, respectivamente. Además, se presentarán mundialmente temas de largometrajes como -Excalibur- (John Boorman, 1981), cuya banda sonora corrió a cargo de Trevor Jones. 

30 de septiembre de 2017 
Sábado: 19:30 horas 
Lugar: Auditorio de Tenerife. Santa Cruz de Tenerife 
GALERÍA NOCTURNA DE STEPHEN KING 
La despedida de Fimucité 2017 la llevará a cabo la Orquesta Sinfónica de Tenerife, que interpretará música de las adaptaciones cinematográficas de las novelas del famoso autor norteamericano, uno de los maestros modernos del género de terror en la literatura. 

viernes, 15 de septiembre de 2017

DETROIT

El problema racial en los Estados Unidos es algo más que una herida sin cicatrizar del todo. Se trata de una hemorragia que, en pleno siglo XXI, no ha dejado de sangrar y sigue generando una fuente de resquemores, resentimientos y odios latentes en la sociedad norteamericana. Ese conflicto impregna buena parte de su cultura y, por supuesto, también el Séptimo Arte cuenta con multitud de títulos memorables que, en mayor o menor medida, denuncian la discriminación, el racismo y el enfrentamiento ciudadano. “Adivina quién viene esta noche”, “Arde Mississippi”, “Crash”, “12 años de esclavitud”, “Malcolm X”, “En el calor de la noche” o la más reciente “Fences” son algunos ejemplos de cómo el cine se ha visto compelido a abordar el cisma que, a lo largo de la historia estadounidense, separa y divide a las personas a causa del color de su piel. 
Por lo que respecta a la cineasta Kathryn Bigelow, pasará a la Historia por ser la primera mujer ganadora de un Oscar a la mejor dirección. Esta valiente y audaz californiana posee un talento natural para dotar de intensidad y ritmo a sus películas. Incluso cuando rodaba largometrajes de menor calado político e inferior trascendencia cinematográfica destacaba sobre la mayoría de propuestas similares. Personalmente me gustaron “Le llaman Bodhi” y “Días extraños” (cinta, en mi opinión, minusvalorada injustamente) y, aunque en su filmografía figuren trabajos prescindibles, destacan otros como “En tierra hostil” o “La noche más oscura”, muestras más que evidentes de un estilo potente, vehemente y sin remilgos. 
Ahora traslada a la gran pantalla unos hechos reales con el fin de denunciar la situación por la que atraviesa la ciudadanía afroamericana de su país. En el verano de 1967, la Policía llevó a cabo una redada en un local clandestino regentado mayoritariamente por miembros de la comunidad negra. Dicha incursión policial acabó con la muerte de tres hombres afroamericanos y la brutal paliza a otros siete y a dos mujeres de raza blanca. Aquellos sucesos desencadenaron unos violentos disturbios raciales que asolaron la ciudad norteamericana de Detroit y que se saldaron con decenas de fallecidos y numerosos daños materiales. Constituyó uno de los levantamientos ciudadanos más importantes de la historia de los Estados Unidos. 
Pese a estar ambientada en la década de los sesenta, no resulta difícil remover su trama y su acertada recreación de una sociedad violenta a otra época. Dura en su planteamiento y visceral en su forma de ser plasmada, transmite con éxito la pasión que encierra y una especial habilidad para el dinamismo narrativo. Supone una apuesta atrevida y una oportunidad aprovechada para advertir sobre los problemas de convivencia que persisten todavía a día de hoy. Tal vez sea ese claro propósito educativo y acusador el único rasgo que pudiera considerarse un inconveniente, ya que le resta agudeza a la hora de exprimir a personajes y situaciones. Encaja más en el formato de una lección para ser aprendida que en el de una obra para ser disfrutada y eso se percibe a medida que avanza su excesivo metraje. El realismo es de tal magnitud que impide cualquier rastro de recreación artística. En ese sentido, puede criticarse cierto déficit creativo, estético y personal. No obstante, su visión es sumamente aconsejable desde el punto de vista docente, en aras a realizar un análisis reflexivo de nuestro mundo, que dista mucho de avanzar como es debido en materias como los Derechos Humanos y la tolerancia. 
Formando parte de un elenco que se pone en su conjunto al servicio de la credibilidad del relato, destacan los actores John Boyega (“Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza”), Will Poulter (“El renacido”) y Anthony Mackie (“En tierra hostil”, “Million Dollar Baby”).

Trailer en castellano



Trailer en versión original


Datos del film

Título original: Detroit
Año: 2017
Duración: 143 min.
País: Estados Unidos
Director: Kathryn Bigelow
Guion: Mark Boal
Música: James Newton Howard
Fotografía: Barry Ackroyd Reparto John Boyega, Jack Reynor, Hannah Murray, Anthony Mackie, Will Poulter, Jacob Latimore, Jason Mitchell, Kaitlyn Dever

miércoles, 13 de septiembre de 2017

ANDREW LINCOLN

Andrew Lincoln nació en Londres el 14 de septiembre de 1973. Actor de cine y televisión, asistió a la Escuela de Beechen Cliff, donde consiguió su primer papel dando vida a Jack Dawkins (Dodger) en una versión de la obra “Oliver”. Pasó un verano en el National Youth Theatre londinense y comenzó a interesarse en firme por la interpretación. Tras terminar la etapa escolar, continuó sus estudios en la Real Academia de Arte Dramático. 

Durante unos años trabajó haciendo anuncios publicitarios y como narrador para documentales. Alcanzó la fama gracias a la popular serie británica “This Life”, en el papel de Edgar "Egg" Cook, antes de alcanzar el estrellato en la comedia dramática "Teachers" (de la que dirigió dos episodios de la tercera temporada). En abril de 2010 fue elegido para interpretar a Rick Grimes, el protagonista de la adaptación de cómics de “The Walking Dead”. 

En la pantalla grande ha intervenido en la exitosa cinta “Love Actually” (2003), de Richard Curtis, “El intruso” (2004), de Roger Michell, “Los seductores” (2010), de Pascal Chaumeil o “Pago justo” (2010), de Nigel Cole. 

Estuvo nominado a un BAFTA como mejor director novel por su trabajo en la citada “Teachers”. Ha ganado en dos ocasiones el premio “Saturn Awards” que concede la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, USA, por su labor en “The Walking Dead”.


Escena de "Love Actually"




Película "Los seductores"



domingo, 10 de septiembre de 2017

PALMARÉS FESTIVAL DE CINE DE VENECIA (Biennale di Venezia 2017)



La pasada noche tuvo lugar la entrada de galardones de la 74ª edición de la prestigiosa Mostra de Venecia. El jurado, presidido por la actriz norteamericana Annette Bening y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, han elegido la película de Guillermo del Toro, 'La forma del agua', como la mejor de la Sección Oficial. 


PALMARÉS COMPLETO


SECCIÓN OFICIAL

- León de Oro a la mejor película: 'La forma del agua', de Guillermo del Toro. 
- León de Plata al mejor director: Xavier Legrand, por 'Jusqu'à la garde'. 
- Gran Premio del Jurado: 'Foxtrot', de Samuel Maoz. 
- Copa Volpi al mejor actor: Kamel el Basha por 'The Insult'. 
- Copa Volpi a la mejor actriz: Charlotte Rampling por 'Hannah'. 
- Mejor guión: Martin McDonagh por 'Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri'. 
- Premio especial del Jurado: 'Sweet Country', de Warwick Thornton. 
- Premio Marcelo Mastroianni al intérprete emergente: Charlie Plummer por 'Lean on Pette', de Andrew Haigh. 


SECCIÓN ORIZZONTI

- Mejor película: 'Nico, 1988', de Susanna Nicchiarelli. 
- Mejor director: Vahid Jalilvand por 'No Date, no Signature'. 
- Premio del Jurado: 'Caniba', de Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor. 
- Mejor actriz: Lyna Khoudri, por 'Les bienheureux'. 
- Mejor actor: Navid Mohammadzadeh, por 'No Date, no Signature'. 
- Mejor guión: Dominique Welinski y René Ballesteros por 'Los versos del olvido'. 
- Mejor cortometraje: 'Gros Chagrin', de Céline Devaux. 
- Premio Luigi de Laurentiis a la mejor opera prima: 'Jusqu'à la garde', de Xavier Legrand.

viernes, 8 de septiembre de 2017

IT

Aunque no soy un gran aficionado al género de terror, reconozco que me ha gustado la moderna adaptación cinematográfica que el cineasta argentino Andy Muschietti ha realizado de la célebre obra de Stephen King “It”. He de confesar que mi principal reclamo para ver la película era la participación de Cary Fukunaga como guionista. Este versátil director, productor, fotógrafo y escritor me ganó por completo con su sugerente e intensa revisión del clásico de la literatura universal “Jane Eyre”, interpretado por unos acertados Mia Wasikowska y Michael Fassbender. Desde entonces, cada vez que su nombre figura en un proyecto, incluyo éste en mi lista de visiones obligadas. Esperaba, pues, disfrutar de una correcta ambientación y de una filmación efectiva al servicio de esa imaginación morbosa con la que se suele difundir el suspense propio de este tipo producciones. Sin embargo, “It” ha ido aún más allá, ofreciendo una ecléctica visión que combina la recreación moderna con cierto aire “retro”, lo que otorga un plus al conjunto de la obra. 
En cierta medida, esta versión parece heredera de la popular serie “Stranger Things” y, debido al singular protagonismo que asumen los niños y a la recreación de los lazos de amistad entre ellos, presenta influencias de “Super 8” de J.J. Abrams y, por razones obvias, de “Cuenta conmigo” de Rob Reiner. Por ello, parafraseando el título del largometraje de Chuck Russell de finales de los ochenta, en este caso el terror sí tiene forma, una forma heterodoxa por su voluntaria tendencia a la mezcla de estilos visuales y narrativos que trascienden al horror de la trama que se quiere contar. En 2013 Muschietti ya había rodado junto a la excelente actriz Jessica Chastain “Mamá”, otro experimento terrorífico aunque mucho más convencional y obediente con los cánones y reglas de los manuales más clásicos de esta peculiar modalidad cinematográfica. Por eso ese anterior trabajo puede considerarse prescindible, mientras que el actual será recordado con el paso de los años. 
Se trata de un relato muy conocido de King, un autor especializado en mitificar sus ideas perversas. De hecho, una miniserie televisiva convirtió también en imágenes las páginas de dicha novela. Son los años ochenta. En un pequeño pueblo del estado de Maine, una panda de siete niños conocidos como 'El club de los perdedores' se enfrenta a sus problemas cotidianos con otros chicos de la escuela. Esa rutina, marcada por su condición de marginados, se verá alterada por una oleada de extrañas muertes que provocarán el pánico entre los habitantes del pueblo. Los chavales decidirán buscar al asesino, pero sus descubrimientos les harán entender que se enfrentan a algo más perverso que a un simple delincuente.
Nos hallamos ante una cinta que hará las delicias de los incondicionales del género, pero que también ofrecerá atractivos a esos espectadores no tan proclives a pasar miedo en una sala de proyección. El prolífico currículum del famoso escritor ha dado lugar a multitud de films, algunos de dudosa calidad y, en ese sentido, yo sitúo a “It” entre los mejores, sin duda muy superior al reciente estreno de “La torre oscura”, por ejemplo. De hecho, creo que hay que remontarse a “Eclipse total” (1995), de Taylor Hackford, para encontrar otro trabajo tan sugerente basado en un texto del archiconocido novelista norteamericano. 
El elenco de intérpretes es en su mayor parte desconocido. A Jaeden Lieberher le vimos fugazmente en “Aloha”, de Cameron Crowe. Jeremy Ray Taylor participó en “Ant-Man”. Finn Wolfhard actuó en la televisiva “Stranger Things” y Wyatt Oleff intervino en “Guardianes de la galaxia”. Por último, Bill Skarsgård visitó recientemente la cartelera con “Atómica” y rodó algunas secuencias de la acertada “Anna Karenina”, de Joe Wright. Juntos forman un compacto y creíble grupo juvenil al servicio de algo más que una simple película de terror.

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Datos del film

Título original: It
Año: 2017
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos
Director: Andrés Muschietti
Guion: Chase Palmer, Cary Fukunaga, Gary Dauberman (Libro: Stephen King)
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Chung-hoon Chung
Reparto: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert

martes, 5 de septiembre de 2017

20 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE «L.A. CONFIDENTIAL»

La película «L.A. Confidential» se estrenó comercialmente en  Estados Unidos el 19 de septiembre de 1997. Por lo tanto se cumple en estos días su vigésimo aniversario. Fue dirigida por Curtis Hanson, quien también participó en la elaboración del guión junto a Brian Helgeland, basándose para ello en la novela homónima de James Ellroy. Estuvo protagonizada por los actores Guy Pearce, Kevin Spacey, Russell Crowe, Kim Basinger, James Cromwell y Danny DeVito. 

En 2015, la cinta fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso estadounidense y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Obtuvo dos Oscars (mejor actriz secundaria para Kim Basinger y mejor guion adaptado para los citados Hanson y Helgeland) y recibió además otras siete nominaciones (película, director, fotografía, dirección artística, sonido, banda sonora y montaje).

Brilló asimismo en la edición de los Globos de Oro, en la que partía con cinco candidaturas (película dramática, director, guión, banda sonora y actriz secundaria), alzándose nuevamente Kim Basinger con el galardón por su actuación. 

La historia se desarrolla en la ciudad californiana de Los Ángeles durante la década de los cincuenta. El agente Ed Exley es un hombre que cree ciegamente en la justicia y a quien no le importa arruinar la vida de otros policías si se prueba que hicieron algo incorrecto. Este rasgo le genera el odio de la mayoría de los miembros de su departamento. Bud White es más brusco en el desempeño de su trabajo y se obsesiona con los sujetos que maltratan a las mujeres. Por su parte, Jack Vincennes ejerce como detective de narcóticos pero su verdadera vocación se centra en el mundo del espectáculo. Tras un asesinato en un café, comienza a revelarse una red de engaños y traiciones dentro de las fuerzas del orden. 

Se trata, sin duda, de una de las mejores muestras de cine negro y policiaco de los últimos tiempos,   así como de uno de los mejores títulos rodados en los años noventa.


Escenas de la película





viernes, 1 de septiembre de 2017

BARRY SEAL: EL TRAFICANTE (American Made)

Doug Liman es un interesante cineasta que ha realizado obras sobresalientes (“El caso Bourne”) y notables (“Caza a la espía”) y que, en general, domina con soltura el género de acción (“Al filo del mañana”), incluso cuando lo combina con un desenfadado toque cómico (“Sr. y Sra. Smith”). Aunque cuente en su haber con algún título claramente prescindible, se ha ganado a pulso un nombre dentro de la industria del Séptimo Arte, de tal manera que su participación en un proyecto supone aval suficiente para prestarle atención. Ahora estrena “Barry Seal: El traficante”, nueva incursión en esa modalidad que mezcla la recreación humorística con la intensidad narrativa de la aventura y que ya abordó en el largometraje citado anteriormente y protagonizado por la otrora pareja sentimental formada por Angelina Jolie y Brad Pitt. Lo cierto es que el producto final resulta entretenido y efectivo, en el sentido de dejarse llevar por un relato sostenido sobre la comicidad y el ritmo ágil. 
Del mismo modo que Steven Spielberg narró con un tono divertido y una brillantez indiscutible la historia real del estafador Frank W. Abagnale en “Atrápame si puedes”, Liman, con menor genialidad pero suficiente habilidad, aborda la biografía de Barry Seal, un expiloto reconvertido en importante narcotraficante del cartel de Medellín que acabó siendo reclutado por la CIA y por el Departamento de Inteligencia de la DEA. Pese a que se hayan adaptado convenientemente unos hechos ciertos para presentarlos ante el público con un envoltorio osado y gracioso, el resultado final funciona. Los espectadores se darán cuenta de esa voluntaria tergiversación destinada a lograr un toque más descarado y comercial de la cinta, pero a buen seguro la perdonarán, ya que recibirán a cambio un pasatiempo amable y entretenido. 
Tal y como ocurría en “Sr. y Sra. Smith” (sus primeros veinte minutos me parecen geniales, si bien dan paso después a una proyección más irregular), en sus casi dos horas de duración hay lugar para todo. Se percibe tanto la superficialidad del tratamiento de la trama como la innegable efectividad de la mezcla entre acción y diversión. Si uno renuncia a encontrar las pegas y se limita a disfrutar del dinamismo del metraje y de la narración desenvuelta, termina por pasar un buen rato. Sin ser en absoluto su mejor trabajo, Liman continúa sumando como profesional. 
Desde luego, Tom Cruise no es Brad Pitt (éste posee una mayor capacidad para dotar a su personaje de ese toque gamberro pero adorable) pero, tras una década concatenando malas interpretaciones en proyectos mediocres, por fin afronta una interpretación mínimamente acertada. Creo que Cruise es un buen actor y parte de su filmografía lo acredita sin discusión. Sin embargo, desde la ya lejana “Leones por corderos” había entrado en una espiral de actuaciones centradas en dar una imagen de héroe de acción que le estaban arrastrando al desastre. Por fin aquí se ha decantado por un papel más elaborado, aunque alejado aún de su mejor nivel. Por desgracia, da la sensación de no ser consciente de su deriva, habida cuenta que sus próximos estrenos serán la sexta entrega de “Misión imposible” y la continuación de “Top Gun”. 
Me gustaría recuperar al intérprete de “El color del dinero”, “Rain man”, “Nacido el 4 de julio”, “Algunos hombres buenos” o “Collateral” pero, engullido por el terrible agujero negro de la falta de creatividad, sigue rodando secuelas y optando por perfiles destinados a actores quince años más jóvenes que él. Una lástima.

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