EL BECARIO (The Intern)

Por alguna razón que no acierto a comprender, el actor Robert De Niro ha encauzado su carrera profesional de los últimos años hacia ese subgénero de comedias norteamericanas ausentes de gracia que, incluso, rozan el ridículo. Insulsas, basadas en un humor básico cercano a la ordinariez y sin genialidad alguna, asientan sus opciones de éxito sobre el reclamo en taquilla de los integrantes de sus repartos. Hasta en sus títulos más relevantes, como “El lado bueno de las cosas”, su actuación resultaba exagerada e histriónica, desluciendo el conjunto del proyecto más que aportándole virtudes, si bien han sido sus intervenciones en “Plan en Las Vegas”, “La gran boda” o “Ahora los padres son ellos” las que han encendido todas las alarmas sobre el criterio de quien fuese en el pasado siglo un referente indiscutible del arte de la interpretación. Además, sus próximos estrenos (“The Comedian”, con Jennifer Aniston, y “Dirty Grandpa”, junto a Zac Efron) no auguran un futuro tranquilizador para una trayectoria que alcanzó su cima con los dramas, dentro de aquel cine transgresor que definió la década de los setenta. Constatar su involución en “El becario” e intuir el declive del otrora icono de la gran pantalla, ahora en total decadencia, produce un hondo pesar, siendo preciso recurrir a sus títulos del pasado para disfrutar de aquel talento que le aupó a la cumbre de la profesión. 

Por su parte, la realizadora Nancy Meyers inició su andadura en el Séptimo Arte con acierto. De hecho, en 1980 recibió una nominación al Oscar por su debut como guionista en la divertida “La recluta Benjamín”. Sin embargo, el recorrido de sus diversas facetas de producción, dirección y escritura lo ha trazado en el marco de unas comedias bienintencionadas, tan blandas como sosas, que le han acompañado de manera constante. “No es tan fácil”, “Cuando menos te lo esperas” o su versión de “Tú a Boston y yo a California” definen a la perfección su sello personal. Se trata de historias planas, inundadas de personajes previsibles y aliñadas con ese pegajoso tono de permanente espíritu navideño (sea cual sea la época del año en la que se desarrollen). Desde el mismo comienzo de la proyección anuncia con luces de neón un final feliz, dulcificando las partes del metraje llamadas a reflejar los conflictos y los problemas cotidianos. En mi opinión, dedicar una carrera profesional a rodar en exclusiva esta clase de largometrajes es un error y, de cara al espectador, resulta soporífero. 

Una joven y exitosa empresaria que dirige un sofisticado negocio online del sector de la moda se cruza con un ex jubilado de 70 años, que retoma su vida laboral como becario. Las diferencias generacionales y de estilo deberían suponer el fracaso de tan peculiar alianza pero, por el contrario, el hombre se irá convirtiendo poco a poco en una persona indispensable para ella, no sólo en el ámbito laboral sino también en el personal, como su consejero y confidente. 

Pese a su intento por resultar divertida y entrañable, la cinta se limita a ofrecer alguna escena graciosa, sobre todo por lo chocante del planteamiento. Lamentablemente, ello sólo basta para aguantar la proyección un máximo de media hora, lapso a todas luces insuficiente para resistir los casi ciento veinte minutos de proyección. Sin enjundia en los diálogos, sin mordiente en las interpretaciones, sin originalidad en la narración, con suerte interesará a un público proclive a esos films amables que garantizan la dicha y la redención de sus protagonistas. 

Acompañando a De Niro en el reparto, figuran las también desaprovechadas Anne Hathaway y Rene Russo, dos notables actrices que necesitan rodajes de mayor nivel para poder brillar.

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Trailer en versión original

Datos del film

Película: El becario.
Título original: The Intern.
Dirección y guion: Nancy Meyers.
País: USA. Año: 2015. Género: Comedia.
Reparto: Robert De Niro, Anne Hathaway, Rene Russo, Nat Wolff, Adam DeVine.
Producción: Suzanne McNeill Farwell, Nancy Meyers y Scott Rudin.
Música: Theodore Shapiro.
Fotografía: Stephen Goldblatt.
Montaje: Robert Leighton.

JOAQUIN PHOENIX

El actor estadounidense Joaquin Phoenix nació en San Juan de Puerto Rico el 28 de octubre de 1974. Nominado en tres ocasiones al Oscar, ha ganado un Globo de Oro y un Grammy. Es uno de los hermanos de River Phoenix, famoso intérprete juvenil desaparecido trágicamente de forma prematura. 

Después de años de intervenciones en series televisivas, debutó en la pantalla grande a mediados de los ochenta utilizando el seudónimo de “Leaf” Phoenix en la película de Harry Winer “S.O.S. Equipo Azul” (1986), junto a Kate Capshaw, Lea Thompson y Kelly Preston.

Ya con su nombre actual participó en la más relevante “Todo por un sueño” (1995), de Gus Van Sant y, con relativo éxito, en “El secreto de los Abbott” (1997), de Pat O´Connor, “Giro al infierno” (1997),  de Oliver Stone y “Asesinato en 8 mm” (1999), de Joel Schumacher. 

Su reconocimiento y verdadero salto cualitativo a la fama le llegaron con su papel en la magnífica “Gladiator” (2000), de Ridley Scott, por el que fue nominado al Oscar y al Globo de Oro como mejor actor secundario, dando vida al emperador romano Commodo. 

Posteriormente intervino en “Quills" (2000), de Philip Kaufman, "Buffalo Soldiers" (2001), de Gregor Jordan, "Señales" (2002) y "El bosque", (2004) ambas de M. Night Shyamalan. 

En 2005 obtuvo finalmente el Globo de Oro por su trabajo en “En la cuerda floja" (Walk The Line), de James Mangold, biopic del popular cantante norteamericano Johnny Cash.

Otros títulos de su filmografía son  “La noche es nuestra” (2007), de James Gray y, a las órdenes del mismo realizador, “Two Lovers” (2008). En la cinta de Paul Thomas Anderson “The Master” (2012), encarnó a un veterano de la Segunda Guerra Mundial atraído por un líder religioso (Philip Seymour Hoffman). Más tarde, volvió a ponerse a las órdenes de Anderson en “Puro vicio” (2014),  protagonizó el film de Spike Jonze “Her” (2013) y se convirtió en el peculiar profesor de filosofía de “Irrational Man” (2015), último largometraje del prolífico Woody Allen.

Escena de "Gladiator"

Escena de "Her"

BLACK MASS

Existen numerosas y sobresalientes películas que tratan de la mafia, el crimen organizado, las bandas y las familias que controlan esos submundos situados al margen de la ley. Dentro de este específico subgénero, pueden citarse decenas de títulos que forman parte de la Historia del Cine con mayúsculas, acaparando las alabanzas de la crítica y los aplausos del público, como la saga de “El padrino”, “Uno de los nuestros”, “American Gangster”, “Atrapado por su pasado”, “Infiltrados”, “L.A. Confidential” o “Cotton Club”, entre otros de una larga y muy recomendable lista. Los mejores directores, actores, productores y guionistas se han dejado tentar por estas historias de corrupción, violencia, poder y dinero, tan consustanciales -al parecer- al género humano. Por ello, resulta tan difícil rodar a día de hoy un largometraje rompedor de esta temática, que destaque por su originalidad. Con tantas obras maestras como referentes, y con tramas, personajes y hasta secuencias similares almacenadas en las retinas de los espectadores, no es nada fácil presentar un proyecto sugerente y novedoso que no destile cierto tufillo a “más de lo mismo”. 

Quizás esa sea la razón por la que la temporada pasada me gustó tanto la cinta “El año más violento” que, aunque pasó bastante desapercibida -en mi opinión, de forma injusta-, lograba aunar la típica estética setentera del género con unos toques inusitados y atrayentes de estilo y modernidad. Por el contrario, como regla general, lo habitual es toparse con títulos como “Black Mass”, ejemplo de corrección narrativa y pulcritud técnica, pero que no termina de despuntar por culpa de la influencia que ejercen sobre ella las grandes muestras del cine negro. Situaciones, protagonistas e incluso planos que recuerdan a otros tantos ya vistos en el pasado, constituyen un lastre que impide al público más versado en el Séptimo Arte engancharse a la filmación de una historia demasiado reiterativa. Y no deja de ser una lástima, ya que las labores desarrolladas por su director, Scott Cooper -que saltó a la fama con “Corazón rebelde”, por cuyo papel principal Jeff Bridges ganó el Oscar al mejor actor-, y por el elenco son efectivas y dignas de elogio. 

Basada en hechos reales, la acción se desarrolla en Boston en la década de los setenta. La relación entre un agente del FBI y un mafioso irlandés (James “Whitey” Bulger) les permite eliminar a un enemigo común, la mafia italiana. Sin embargo, no impide una espiral de violencia de la que se aprovecha Whitey para construir su propio imperio y convertirse en uno de los más implacables y poderosos criminales de la historia de esa ciudad norteamericana. 

La violencia, la maldad y la ética fraudulenta de la delincuencia organizada para con los suyos y sus objetivos quedan bien reflejadas. La ambientación y la mayor parte de las interpretaciones son, asimismo, notables. Por lo tanto, su recomendación debería ser evidente si no fuera por la continua y pegajosa sensación de “dejà vu” y la ausencia de diálogos memorables y de escenas cumbre. 

El reparto, digno de mención, aporta gran calidad al resultado final. Aunque son muchos quienes destacan el acertado trabajo de Johnny Depp (no tanto por alcanzar aquí un gran registro interpretativo como por neutralizar sus últimas y calamitosas apariciones en esperpentos como “Mortdecai”, “Transcendence” o “Sombras tenebrosas”), yo me decanto por resaltar la labor de un Benedict Cumberbatch en estado de gracia y la de algún participante secundario, como Kevin Bacon.

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Datos del film

Película: Black Mass
Dirección: Scott Cooper.
País: USA. Año: 2015. Género: Biopic, thriller.
Reparto: Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon, Jesse Plemons, Peter Sarsgaard, Dakota Johnson, Corey Stoll, Juno Temple, Adam Scott.
Guion: Jez Butterworth y Mark Mallouk; basado en el libro de Dick Lehr y Gerard O’Neill.

25º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "BAILANDO CON LOBOS" (25th anniversary of the premiere of the movie Dances With Wolves)

Esta semana se cumplen veinticinco años del estreno mundial de la película “Bailando con lobos”. Fue un 18 de octubre de 1990, en una premier celebrada en Washington D.C. Posteriormente llegaría a las pantallas de Los Ángeles el 4 de noviembre, hasta que se distribuyó por todas las carteleras estadounidenses el 21 de dicho mes. Con el título original de “Dances with Wolves”,  fue dirigida y protagonizada por Kevin Costner, sobre la novela homónima de Michael Blake, y obtuvo siete Oscar de Hollywood. 

La acción tiene lugar durante la Guerra de Secesión, cuando el teniente John J. Dunbar (Kevin Costner) es enviado por el mayor Fambrough (Maury Chaykin) a un puesto en la frontera del territorio indio, sin ningún tipo de compañía. A medida que avanzan los días, traba amistad con un lobo al que llama "Calcetines" y que lo acompaña en sus patrullas, además de entablar una relación amistosa con un líder sioux llamado "Pájaro Guía" (Graham Greene). Así, Dunbar va conociendo más profundamente la cultura de sus rivales y descubre que la enemistad no debería existir entre ambos bandos. 

Este largometraje supuso la revitalización de un género (el western) que se hallaba en situación de letargo. Su éxito fue tan sorprendente como espectacular. Con un presupuesto de 22 millones de dólares, recaudó más de 184 sólo en Estados Unidos, y más de 420 en todo el mundo. Recibió los máximos galardones de la Academia a mejores película, director, guión adaptado, fotografía, banda sonora, montaje y sonido, además de tres Globos de Oro (película, director y guión). 

Se trata de una excelente obra que resiste el paso del tiempo y continúa recibiendo elogios. Sin duda, es el mejor trabajo de Kevin Costner en su faceta de realizador. Su inolvidable música, compuesta y dirigida por John Barry, reportó al renombrado compositor su cuarta estatuilla dorada, constituyendo una de sus obras más valoradas por el público. La aceptación del film fue tal que, pese a su larga duración, todavía se estrenó una versión extendida de 233 minutos, 53 más que el formato inicial.

Escenas de la película (en versión original)

MARTE (The Martian)

A punto de cumplir los setenta y ocho años y con medio siglo de carrera profesional, el cineasta británico Ridley Scott se encuentra todavía en una fase de pleno rendimiento creativo. Sumando sus facetas de director y productor, trabaja actualmente en diez largometrajes pendientes de estreno, a los que se añaden algunos proyectos televisivos. Su filmografía le ha hecho acreedor con todo merecimiento de un puesto de honor en el Séptimo Arte, gracias a obras maestras como “Alien”, “Blade Runner”, “Telma & Louise”, “Gladiator” o “Black Hawk derribado” y a películas tan notables como “American Gangster” o “Los duelistas”, argumentos más que suficientes para demostrar su talento y oficio. No se puede negar que ha rodado también otros títulos bastante prescindibles que no han alcanzado el nivel de calidad de los anteriores. Asimismo, algunos de sus planes de revisión de sus films más míticos despiertan más alarma que expectación. Pero todo ello no es óbice para alabar su versatilidad y solvencia a la hora de enfrentar con garantía géneros cinematográficos muy diversos.  

Ahora retorna al espacio y a la ciencia ficción -ámbitos que le hicieron saltar a la fama- con una cinta que es más una lección de amor a la ciencia que al propio cine. Porque el principal mérito de “Marte” es, al mismo tiempo, su principal hándicap, ya que su colosal y exquisita precisión técnica y científica posterga casi por completo a las vertientes artística e imaginativa. El doble objetivo que presenta la trama (por un lado, el del tripulante abandonado que trata de sobrevivir en un planeta hostil y, por el otro, el de la NASA en su afán de rescatarlo) acapara el guion de tal manera que frena el desarrollo efectivo de los personajes, impidiéndoles ser los auténticos dueños de la acción. 

No esperen pues encontrar la riqueza visual, la originalidad estética ni los diálogos emblemáticos de “Blade Runner”, porque “Marte” se ha ideado como una loa al virtuosismo de los hombres y mujeres entregados al conocimiento y a la conquista del universo. En ese sentido, cumple su misión a la perfección. Personalmente, confiaba en conectar emocionalmente con los protagonistas, como me sucedió con la ya citada “Blade Runner” o la magnífica “Interstellar” de Christopher Nolan, pero sus dos horas y cuarto de proyección no dan tregua a la tarea constante de divulgación científica. Por lo demás, tanto su impecable acabado como su eficaz final épico son dignos de elogio y, en conclusión, se trata de un buen trabajo con elevadas dosis de entretenimiento. Sin embargo, yo esperaba más, porque siempre se espera más de quien ha logrado elevar el cine a la categoría de arte. 

Durante una misión tripulada a Marte y tras una devastadora tormenta, el astronauta Mark Watney es dado por muerto y abandonado por el resto de la tripulación. Pero, contra todo pronóstico, sobrevive, encontrándose solo y atrapado en el Planeta Rojo. Con los escasos suministros de que dispone, deberá recurrir a su instinto, su ingenio y sus conocimientos para conservar su vida el tiempo necesario hasta contactar con la Tierra y solicitar su rescate, que será complejo y peligroso. 

El reparto de lujo está encabezado por el excelente actor Matt Damon, que asume casi todo el peso del relato. Junto a él figuran la siempre interesante Jessica Chastain, el resucitado (tras su paso por la excelente serie “The Newsroom”) Jeff Daniels y el emergente intérprete de “12 años de esclavitud”, Chiwetel Ejiofor.

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Datos del film

Película: Marte (The Martian).
Dirección: Ridley Scott.
País: USA. Año: 2015. Género: Ciencia-ficción.
Reparto: Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Peña, Kate Mara, Sean Bean, Sebastian Stan, Aksel Hennie, Donald Glover, Mackenzie Davis, Chiwetel Ejiofor.
Guion: Drew Goddard; basado en la novela de Andy Weir.

PELÍCULAS PRESELECCIONADAS AL OSCAR AL MEJOR FILM DE HABLA NO INGLESA (Selected Films to Academy Award for Best Foreign Language Film 2016)

Estos son los largometrajes elegidos por sus respectivos países para optar al Oscar 2016 en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

La Academia de Hollywood anunciará a finales de año las películas que pasan el corte de nueve cintas, de cara a conseguir la nominación el próximo 14 de Enero de 2016. 

Este 1 de octubre concluía el plazo para que cada país presentase su candidatura a esta catagoría en la 88ª edición de los prestigiosos premios,  que se celebrará el 28 de febrero de 2016.

España acude a la selección con "Loreak" (José María Goenaga y Jon Garaño), presentada el año pasado en el Festival de San Sebastián, donde quedó injustamente excluida del palmarés. Se trata de un excelente título que, a pesar de sus escasos medios, transmite mucho. Desde aquí le deseamos la mayor de las suertes. 

LISTADO COMPLETO DE PELÍCULAS PRESELECCIONADAS

(Entre paréntesis, director o directores y Estado al que representan)

■ Utopía (Hassan Nazer, Afganistán). 

■ Bota (Iris Elezi y Thomas Logoreci, Albania). 

■ La conspiración del silencio (Giulio Ricciarelli, Alemania). 

■ El clan (Pablo Trapero, Argentina). 

■ Goodnight Mommy (Severin Fiala y Veronika Franz, Austria). 

■ Jalal’s Story (Abu Shahed Emon, Bangladesh). 

■ El nuevo nuevo testamento (Jaco Van Dormael, Bélgica). 

■ Our Everyday Life (Ines Tanovic, Bosnia). 

■ Una segunda madre (Anna Muylaert, Brasil).

■The Judgement (Stephan Komandarev, Bulgaria). 

■ The Last Reel (Kulikar Sotho, Camboya). 

■ Félix y Meira (Maxime Giroux, Canadá).

■ El club (Pablo Larraín, Chile). 

■ El último lobo (Jean-Jacques Annaud, China). 

■ El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra, Colombia). 

■ The Throne (Lee Joon-Ik, Corea del Sur). 

■ Presos (Esteban Ramírez, Costa Rica). 

■ The High Sun (Dalibor Matanic, Croacia). 

■ A War (Tobias Lindholm, Dinamarca). 

■ Goat (Ivan Ostrochovský, Eslovaquia). 

■ The Tree (Sonja Prosenc, Eslovenia). 

■ Loreak (José María Goenaga y Jon Garaño, España). 

■ 1944 (Elmo Núganen, Estonia). 

■ General Luna (Jerrold Tarog, Filipinas). 

■ The Fencer (Klaus Härö, Finlandia). 

■ Mustang (Deniz Gamze Ergüven, Francia). 

■ Moira (Levan Tutberidze, Georgia). 

■ Xenia (Panos H. Koutras, Grecia). 

■ Ixcanul (Jayro Bustamante, Guatemala). 

■ To the Fore (Dante Lam, Hong Kong). 

■ El hijo de Saúl (László Nemes, Hungría). 

■ Court (Chaitanye Tamhane, India). 

■ Memories on Stone (Shawkat Amin Korki, Irak). 

■ Muhammad (Majid Majidi, Irán). 

■ Viva (Paddy Breathnach, Irlanda). 

■ Rams: El valle de los carneros (Grímur Hákonarson, Islandia). 

■ Baba Joon (Yuval Delshad, Israel). 

■ Non essere cattivo (Claudio Caligari, Italia). 

■ 100 Yen Love (Masaharu Take, Japón). 

■ Theeb (Naji Abu Nowar, Jordania). 

■ Stranger (Ermek Tursunov, Kazajistán). 

■ Heavenly Nomadic (Mirlan Abdykalykov, Kirguistán). 

■ Babai (Visar Morina, Kosovo). 

■ Modris (Juris Kursietis, Letonia). 

■ Void (Tarek Korkomaz y otros, Líbano). 

■ The Summer of Saingale (Alanté Kavaïté, Lituania). 

■ Baby(a)lone (Donato Rotunno, Luxemburgo). 

■ Honey Night (Ivo Trajkov, Macedonia). 

■ Men Who Save the World (Seng Tat Liew, Malasia). 

■ Aida (Driss Mrini, Marruecos). 

■ 600 Millas (Gabriel Ripstein, México). 

■ You Carry Me (Ivona Juka, Montenegro). 

■ Talakjung vs Tulke (Nischal Basnet, Nepal). 

■ The Wave (Roar Uthaug, Noruega). 

■ The Paradise Suite (Joost van Ginkel, Países Bajos). 

■ Moor (Jami, Pakistán). 

■ The Wanted 18 (Paul Cowan y Amer Shomali, Palestina). 

■ Caja 25 (Mercedes Arias y Delfina Vidal, Panamá). 

■ El tiempo nublado (Arami Ullon, Paraguay). 

■ NN (Héctor Gálvez, Perú). 

■ 11 minutos (Jerzy Skolimowski, Polonia). 

■ Las mil y una noches: Volumen 2, El desolado (Miguel Gomes, Portugal). 

■ Home Care (Slávek Horák, República Checa). 

■ Dólares de arena (Laura Amelia Guzmán e Israel Cardenas, República Dominicana). 

■ Aferim! (Radu Jude, Rumanía). 

■ Sunstroke (Nikita Mikhalkov, Rusia). 

■ Enclave (Goran Radovanovic, Serbia). 

■ Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia (Roy Andersson, Suecia). 

■ Thina Sobabili: The Two of Us (Ernest Nkosi, Sudáfrica). 

■ Iraqi Odyssey (Samir, Suiza). 

■ How To Win At Checkers (Every Time) (Josh Kim, Tailandia). 

■ The Assassin (Hou Hsiao-Hsien, Taiwan). 

■ Sivas (Kaan Müjdeci, Turquía). 

■ Una noche sin luna (Germán Tejeira, Uruguay). 

■ Dauna. Lo que lleva el río (Mario Crespo, Venezuela). 

■ Jackpot (Dustin Nguyen, Vietnam).

REGRESIÓN (Regression)

Cuando afirmo que Alejandro Amenábar es el mejor realizador español, muchas personas consideran que exagero y que se trata de una manifestación poco reflexiva, más propia de un fan enloquecido que de un crítico de cine. Obviamente, para gustos, colores. Pero, aunque considere que esta última película sea el peor de sus trabajos, me reafirmo en mi postura. Sus cinco anteriores largometrajes constituyen un compendio de genialidad y de amor por el Séptimo Arte que no resiste la comparación con los inicios de ningún otro cineasta de nuestro país. Su capacidad para asustar, hacer reír, conmover y agradar a todos los sentidos (desde el oído, con sus bandas sonoras, hasta la vista, con su creación de imágenes) es admirable. Basta con escuchar sus declaraciones en programas televisivos y en documentales, hablando de sus colegas de profesión y de su visión sobre el cine, para constatar que detrás de Amenábar se encuentra algo más que un gran cineasta que domina su oficio. Existe un artista entregado, que se manifiesta a través de su obra con pasión y sentimiento. 

Con “Regresión” retorna al terror y al suspense, los géneros que le catapultaron a la fama y le llevaron a conquistar un sinfín de premios y reconocimientos desde su debut. Y es partiendo de un listón tan elevado, por lo que “Regresión” puede considerarse su título menos notable, sin que ello signifique ni mucho menos que se trate de una cinta mala. Simplemente, no supera (ni siquiera iguala) a sus antecesoras, si bien mantiene las habituales corrección técnica y habilidad narrativa del autor. El ambiente y la escenografía son propicias para generar la tensión requerida. Los efectos de sonido, la música y la iluminación se utilizan con acierto y ofrece un puñado de excelentes escenas. Y, sobre todo, consigue incrementar el nivel de calidad a medida que avanza el metraje, siendo el resultado final muy superior a la media de las demás muestras del género que llegan a nuestras pantallas. 

No obstante, se percibe cierta “americanización” (dicho sea en sentido peyorativo) en la forma de abordar este proyecto. Se aproxima en exceso a un estilo narrativo más corriente y, por ende, menos artístico, y el constante tono de intriga e intensidad de la narración resta credibilidad a la historia. Si en “Tesis” combinaba con astucia situaciones terroríficas con momentos hilarantes y diálogos cómicos, si en “Abre los ojos” enlazaba con maestría la expectación y el misterio con los aspectos más ordinarios y cotidianos de los personajes, dotándoles de autenticidad, en “Regresión” dedica cada minuto de la proyección al complot y al miedo, lo que resta coherencia y verosimilitud al conjunto. Además, abusa de algunos tópicos propios de esta clase de films y que recuerdan a maestros como Kubrick o Hitchcock que, como otros, también se sirvieron de ellos. Si a todo lo anterior se añade la referencia a un tema (el satanismo) difícil de gestionar sin caer en el esperpento, la conclusión es que el guion flojea y el desenlace resulta irregular. 

Los hechos tienen lugar en Minnesota a principio de los años noventa. Un detective investiga el caso de Ángela, una joven que acusa a su padre de cometer abusos sobre ella. El acusado, de forma inesperada y sin siquiera recordar lo sucedido, admite su culpa. Ante eso, se recurre a un psicólogo para que le ayude revivir una sucesión de recuerdos reprimidos, saliendo de ese modo a la luz una serie de rituales satánicos en los que se invoca al diablo. 

Integran el reparto unos acertados Ethan Hawke y David Thewlis y una desaprovechada Emma Watson. El largometraje inauguró la reciente edición del Festival de Cine de San Sebastián, para ser posteriormente exhibido en Zurich.

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Datos del film

Película: Regresión.
Título original: Regression.
Dirección y guion: Alejandro Amenábar.
Países: España y Canadá. Año: 2015. Duración: 106 min. Género: Thriller, policiaco, terror.
Reparto: Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Devon Bostick, David Dencik, Lothaire Bluteau.
Producción: Alejandro Amenábar, Fernando Bovaira y Christina Piovesan.
Música: Roque Baños.

20º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "LOS PUENTES DE MADISON" (20th anniversary of the premiere of the movie The Bridges of Madison County)

Esta semana se cumplen veinte años del estreno en España de "Los puentes de Madison" (The Bridges of Madison County), película estadounidense dirigida por Clint Eastwood e interpretada por el propio Eastwood junto a Meryl Streep, Annie Corley, Victor Slezaky y Jim Haynie, entre otros. El guion, escrito por Richard LaGravenese, es una adaptación de la novela homónima de Robert James Waller. El film llegó a las pantallas hispanas el 11 de octubre de 1995, habiéndose estrenado con antelación en los Estados Unidos el día 2 de junio. 

La trama se desarrolla en 1965 y relata la conmovedora historia de Francesca (Meryl Streep), una solitaria ama de casa residente en Iowa pero nacida en Italia que, tras casarse con un soldado norteamericano, emigra con él a su país de origen. Mientras su esposo  y sus hijos se encuentran de viaje, conoce a un fotógrafo de la revista National Geographic, Robert Kincaid (Clint Eastwood), que ha llegado al condado de Madison para realizar una serie fotográfica sobre los puentes cubiertos de la zona. Entre ambos surge una intensa relación afectiva  y los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida.

El largometraje brindó una nueva nominación al Oscar a Meryl Streep, además de sendas candidaturas en los Globos de Oro a mejor actriz  y mejor drama. El título fue acogido con grandes elogios de crítica y público y, con un presupuesto de apenas veinticuatro millones de dólares, recaudó más de ciento ochenta en todo el mundo. "Los puentes de Madison" resiste a la perfección el paso del tiempo y, de hecho, se hace cada vez más presente en las listas que recopilan las mejores obras del Séptimo Arte, así como lo más destacado de la filmografía de Clint Eastwood como director.

Varias escenas de la película

HITMAN: AGENTE 47 (Hitman: Agent 47)

Siendo benévolos, podríamos concluir que “Hitman: Agente 47” es una mala película. Sin embargo, siendo más estrictos, podríamos afirmar que nos coloca ante la negación del cine como arte y frente a un mero cúmulo de trucos manidos, gastados, rancios y, a estas alturas, muy amortizados en el género de acción. Lo más triste es sospechar cómo ha llegado este film a nuestras pantallas, a buen seguro en virtud de algún acuerdo entre la distribuidora y los exhibidores que incluye la adquisición de un conjunto de títulos. Para que se proyecten los largometrajes más esperados por el público, es preciso adquirir otros productos de inferior nivel que, de otro modo, nunca hallarían hueco en una sala de proyección. De modo que, para que la cinta que nos ocupa llegue hasta nosotros, otras muchas han tenido que quedar relegadas por los distribuidores, aunque atesoren numerosos méritos artísticos o notable ingenio cinematográfico. Se trata del lado oscuro del negocio del entretenimiento, la que se encuentra lejos de los focos y de la genialidad, del arte con mayúsculas. 

“Hitman: Agente 47” constituye el enésimo intento, confío que frustrado, de iniciar una saga. Ya en 2007 se estrenó “Hitman”, con Timothy Olyphant y una incipiente Olga Kurylenko. Dirigida por el francés Xavier Gens y producida por el musculoso actor Vin Diesel, no pasó de ser un trabajo torpe que pretendía entretener a los aficionados a ese cine entendido como sucesivas inyecciones de adrenalina a través de las escenas. Su modesto resultado en taquilla, unido al transcurso del tiempo, hacían presagiar un olvido seguro, si bien se llegó a comercializar un videojuego alrededor del personaje protagonista. Sin embargo ahora, con el debutante Aleksander Bach detrás de la cámara, se retoma idéntico modelo sin nada nuevo que aportar, puesto que ya lo había ofrecido todo hace ocho años. 

Cuenta la historia de un asesino de élite, creado mediante una complicada ingeniería genética, cuyo objetivo consiste en ser una máquina de matar perfecta. Conocido por el número 47 que luce en su nuca, posee un grado de fuerza, velocidad, resistencia e inteligencia superior al resto. Su misión se centra en aniquilar a una corporación que planea diseñar otro ejército de asesinos cuyos poderes le superen incluso a él. 

Carente por completo de originalidad y de creatividad artística, la película se ciñe a una sucesión de secuencias supuestamente electrizantes y vertiginosas en las que fracasa sin paliativos. La ausencia de unos protagonistas interesantes (no digamos ya creíbles), de un guión mínimamente elaborado (no ya riguroso) y de una narración eficaz (no ya audaz), la sitúa al mismo nivel de cualquier telefilm casposo de madrugada en una cadena local. 

La mínima calidad técnica que se le presupone a cualquier título con semejante presupuesto sí está garantizada en este caso, lo que llevará a algunos a considerar exagerada mi comparación anterior. Pero hablo de lo que tristemente se logra sólo con dinero, al margen de la imaginación y de las cualidades artísticas. 

El apartado interpretativo corre a cargo de Rupert Friend -a quien hemos visto en las cintas de época “Orgullo y prejuicio” y “La reina Victoria”, así como en la exitosa serie televisiva “Homeland”-, Zachary Quinto -que ha participado en las últimas entregas de “Star Trek” de J.J. Abrams- y Hannah Ware -con una pequeña intervención en la interesante cinta “Shame”-.

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Datos del film

Película: Hitman: Agente 47.
Dirección: Aleksander Bach.
País: USA. Año: 2015. Duración: 96 min. Género: Acción.
Reparto: Rupert Friend (Agente 47), Zachary Quinto (John Smith), Hannah Ware (Katia), Ciarán Hinds (Litvenko), Thomas Kretschmann (Le Clerq), Jürgen Prochnow (Tobias).
Música: Marco Beltrami.