FIMUCITÉ 2015 (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife)

El compositor y director de FIMUCITÉ, Diego Navarro, volverá a ponerse al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y del Tenerife Film Choir en los monográficos dedicados a obras emblemáticas de los años ochenta y a compositores franceses de música para el cine, programados para el viernes 10 y el sábado 11 de julio de 2015 en el Auditorio de la capital santacrucera y cuyas entradas se pondrán a la venta a partir de la próxima semana. 

El festival propone para su primera jornada el concierto titulado 'The French Connection', en el que se rendirá homenaje a los más célebres autores galos de bandas sonoras, como los ya fallecidos Maurice Jarre (ganador del Oscar por 'Lawrence de Arabia', ' Doctor Zhivago', 'Pasaje a la India', 'Witness' y 'Gorilas de la niebla') y George Delerue (estatuilla por 'Un pequeño romance' y reconocido por algunas míticas partituras de la cinematografía de Francois Truffaut, como 'La noche americana', 'Jules y Jim' o 'El último Metro'). 

GALA DE APERTURA

Entrega de los Premios de la Crítica Española

"Loreak / Lasa y Zabala" - Pascal Gaigne (Mejor compositor 2015)

"Autómata" - Zacarías M. De La Riva (Mejor banda sonora 2015)

Homenaje a François Truffaut

Tirad sobre el pianista / El amor a los veinte años / Jules y Jim / La piel suave / Las dos inglesas y el Amor / Una chica tan decente como yo / Vivement dmanche / La noche americana / La mujer de al lado/ El último metro) - GEORGES DELERUE

Un hombre y una mujer (Main Theme)/ Love Story (Main Theme) - FRANCIS LAI

En busca del fuego (Suite)/ Fort Saggane (Suite)/ Tess (Suite) - PHILIPPE SARDE

Los paraguas de Cherburgo (Concierto para Arpa y Orquesta) - MICHEL LEGRAND

Human Nature ("Here With You")/ La ciencia del sueño (Suite)/ Rebobine, por favor (Suite)/ - JEAN MICHEL BERNARD 

Lawrence de Arabia (Overture)/ Villa Cabalga (Suite)/ Un paseo por las nubes/ El príncipe y el mendigo/ Doctor Zhivago (Suite)/ - MAURICE JARRE

The Artist (Suite) - LUDOVIC BOURCE

Gran Hotel Budapest (Suite) - ALEXANDRE DESPLAT

El reconocido compositor y pianista francés Jean-Michel Bernard, autor de la música de películas de Michel Gondry, como 'Rebobine, por favor', 'La ciencia del sueño' o 'Human Nature', y Philippe Sarde, nominado al Oscar por 'Tess' de Roman Polanski en 1981, son los primeros invitados confirmados del evento. Varias de sus composiciones formarán parte del concierto inaugural, que se completará con piezas de otros grandes autores del país vecino, como Alexandre Desplat ('El discurso del rey', 'El curioso caso de Benjamin Button', 'Argo').

Bajo el lema 'Back in Time, 1985 Live', la gala de clausura de la novena edición de Fimucité estará dedicada a la celebración de un año irrepetible para la música de cine, gracias a las memorables partituras de 'Regreso al futuro', 'Los Goonies', 'Legend', 'El color púrpura', 'Cocoon' y 'Único testigo'. 

GALA DE CLAUSURA

Regreso al Futuro (Theme) - ALAN SILVESTRI

Los Goonies (Fratelli Chase) - DAVE GRUSIN 

Legend (Re-United) - JERRY GOLDSMITH

Oz, un mundo fantástico (End Credits) - DAVID SHIRE

La prometida (End Credits) - MAURICE JARRE

Cocoon (Cocoon Theme) - JAMES HORNER

El caballero del dragón (Suite) - JOSÉ NIETO

Monsignor Quixote (Theme) - ANTÓN GARCÍA ABRIL

Panorama para matar (Suite) - JOHN BARRY

El secreto de la pirámide (Suite) - BRUCE BROUGHTON

Silverado (Themes) - BRUCE BROUGHTON

EL color púrpura (Theme) - QUINCY JONES, ARR. JOHN WILLIAMS 

Único testigo (Building The Barn) - MAURICE JARRE

Agnes de Dios (End Title) - GEORGES DELERUE

Lady Halcón (Will Etienne and Isabeau Never Meet?) - ANDREW POWELL

 Lifeforce - Fuerza vital (Theme) - HENRY MANCINI

La gran aventura de Pee Wee (End Title) - DANNY ELFMAN

Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno (We Don’t Need Another Hero) - TINA TURNER

Brazil (Suite) - MICHAEL KAMEN

Rocky IV (Burning Heart) - SURVIVOR

Rambo: Acorralado - Parte 2 (Home Flight) - JERRY GOLDSMITH

Regreso al futuro (Back In Time) - HUEY LEWIS & THE NEWS

Asimismo, y tras el arrollador éxito de “Back to the 80’s” en la pasada Fimucité 8, vuelve The Pop Culture Band con “Back to the 90’s”, que interpretará los siguientes temas:

"The One and Only" - Buddy's Song

"I'll Be There For You" - Friends

"I'm Always Here" - Los vigilantes de la playa

"It Must Have Been Love" - Pretty Woman

"Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me" - Batman Forever

"Turn The Beat Around" - El especialista

"I Have Nothing" - El guardaespaldas

"Deeper Underground" - Godzilla

"I Don't Want To Miss A Thing" - Armageddon

"(Everything I Do) I Do it For You" - Robin Hood, príncipe de los ladrones

"My Heart Will Go On" - Titanic

- Hip Hop Medley - Mentes peligrosas/El príncipe de Bel Air/ Prêt‐à-porter

"That Thing You Do" - The Wonders

"Blaze Of Glory" - Intrépidos forajidos

"Vogue" - Dick Tracy

"Mustang Sally" - The Commitments

"Love is all around" - Cuatro bodas y un funeral

"You Could Be Mine" - Terminator 2: el juicio final

"Finally" - Las aventuras de Priscilla, reina del desierto

"You Never Can Tell" - Pulp Fiction

SAN ANDRÉS (San Andreas)

El denominado “cine de catástrofes” es un subgénero plagado de títulos y presente casi desde los inicios del Séptimo Arte. Ya en 1936 Clark Gable y Spencer Tracy protagonizaron “San Francisco”, cinta que recreaba el legendario terremoto que asoló dicha ciudad en 1906. Hasta la actual “San Andrés”, las más variadas calamidades naturales han sido llevadas con mayor o menor fortuna a la gran pantalla. Meteoritos que se aproximan a la Tierra (en 1951, “Cuando los mundos chocan”, en 1998, “Deep Impact” y “Armageddon”). Incendios devastadores (en 1974, “El coloso en llamas”, en 1996 , “Pánico en el túnel”). Volcanes exterminadores (en 1980, “El día del fin del mundo”, en 1997, “Un pueblo llamado Dante´s Peak” y “Volcano”). Tragedias marítimas (en 1972, 1979, 2005 y 2006, las cuatro versiones de “Poseidón” se llevan la palma, junto a la de “Titanic” de 1997). Accidentes aéreos (con especial protagonismo para la saga de “Aeropuerto”, que en los años setenta estrenó hasta cinco títulos). Y, finalmente, movimientos de tierra espectaculares, los que más veces han acaparado las carteleras, siendo el más popular de todos ellos “Terremoto” (1974) con Charlton Heston, Ava Gardner y Geneviève Bujold al frente de un extenso reparto plagado de estrellas. 

Por lo tanto, resulta sumamente complicado ser original y creativo si se opta por rodar una película sobre un gran terremoto. Como mucho, la máxima sorpresa puede residir en la magnitud de la destrucción reflejada en imágenes, la devastación filmada a lo grande o la desproporción absoluta del caos servida en bandeja al espectador (rascacielos hechos añicos, carreteras destrozadas, puentes caídos, trasatlánticos empotrados tierra adentro…) En esos apartados, los responsables pueden presumir sin duda de los progresos tecnológicos y recurrir a ellos para rodar secuencias sorprendentes y marcadamente realistas. El problema radica en que, a la par de esos insuperables efectos especiales que recrean los estragos de la Naturaleza, se ofrecen en el mismo plano las discutibles habilidades del musculoso protagonista de turno, combinación que resulta demasiado errática. Precisamente son las heroicidades del personaje principal y la increíble capacidad del resto del elenco para esquivar la muerte las que neutralizan ese supuesto rigor en la plasmación del movimiento de tierra. 

En el fondo, se trata de una nueva concepción del cine asociada al formato de videojuego, en la que el público, como si manejara un mando de la “play station”, viaja en un helicóptero sorteando los edificios mientras se derrumban. Si se adquiere la entrada en base a esas expectativas, el disfrute está garantizado, ya que da acceso a un largometraje formalmente correcto y pleno de intensidad y acción desde el primer minuto. Por el contrario, si se busca algo más, es muy probable que, tras los seis primeros planos espectaculares, el hastío haga mella y se comience a consultar el reloj. En definitiva, llevar al límite la grandilocuencia visual equivale a abandonar el género de catástrofes para adentrarse en el de la ciencia ficción, que nada tiene que ver con aquel. 

En esta ocasión, es la famosísima falla de San Andrés la que vuelve a temblar, desencadenando en el estado de California una sacudida de magnitud 9. Ante la extrema peligrosidad, un piloto de helicópteros de rescate en pleno proceso de divorcio viaja junto a su todavía esposa desde Los Ángeles hasta San Francisco con el fin de salvar a la única hija de la pareja. A lo largo de dicho trayecto, el destino les reserva un cúmulo de situaciones complicadísimas de las que irán saliendo indemnes. 

Dwayne Johnson, alias “La Roca”, otrora luchador y culturista, y mundialmente conocido gracias a la saga “Fast and Furious” -cuya octava entrega está prevista para 2017- encabeza el reparto. Le acompañan interpretando papeles secundarios los actores Carla Gugino y Paul Giamatti, y la cantante Kylie Minogue.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film

Película: San Andrés.
Título original: San Andreas.
Dirección: Brad Peyton.
País: USA. Año: 2015. Duración: 114 min. Género: Acción.
Reparto: Dwayne Johnson, Alexandra Daddario, Paul Giamatti, Ioan Gruffudd, Carla Gugino, Colton Haynes, Kylie Minogue.
Guion: Carlton Cuse.

HOMENAJE A "REGRESO AL FUTURO" EN EL 30º ANIVERSARIO DE SU ESTRENO (Tribute to the film "Back to the Future" in the 30th anniversary of his premiere)

La película "Regreso al futuro" (Back to the Future) se estrenó el 3 de julio de 1985. En estos días se cumplen treinta años de su llegada a las pantallas. Escrita y dirigida por Robert Zemeckis, contó entre sus productores con el célebre cineasta Steven Spielberg. Está interpretada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover y Thomas F. Wilson y cuenta las aventuras de Marty McFly, un adolescente que es trasladado accidentalmente en el tiempo, desde 1985 a 1955. Tras alterar los sucesos ocurridos en el pasado, concretamente los relacionados con el noviazgo de sus padres, Marty debe intentar reunir de nuevo a sus progenitores para garantizar su posterior venida al mundo. La cinta fue un rotundo éxito ya que, pese a su escaso presupuesto de apenas veinte millones de dólares, logró recaudar casi cuatrocientos en todo el mundo, una cifra impresionante para mediados de los ochenta y que le aupó a la cima de los films más taquilleros de aquel año. Junto al beneplácito del público, obtuvo también los premios Hugo (Science Fiction Achievement Awards) en la categoría de «mejor producción dramática», Saturn (galardones entregados anualmente por la Academia de Cine de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror) a la «mejor película de ciencia ficción» y Oscar (de un total de cuatro nominaciones, incluida la de mejor guión), además de optar a cuatro Globos de Oro (entre ellos, mejor película cómica y mejor actor de comedia). 

La banda sonora corrió a cargo de Alan Silvestri, siendo su melodía central una de las más aclamadas de dicho compositor. Con motivo de este aniversario tan redondo, la productora ya ha anunciado su reestreno en las salas de proyección, acompañado de un documental especial de homenaje. 

El largometraje alcanzó la posición número 28 en la lista elaborada por la revista "Entertainment Weekly". El 27 de diciembre de 2007 fue seleccionada para su preservación en el "National Film Registry" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, debido a ser «estética, cultural e históricamente importante». Un año antes, en 2006, su libreto original fue escogido por la "Writers Guild Award" como el 56º mejor guión de la historia del Séptimo Arte. En 2008, se colocó en el puesto 23 de las «mejores películas jamás rodadas» en opinión de los lectores de la publicación británica "Empire". Asimismo, figuró en las estadísticas de los 1.000 títulos de "The New York Times". En enero de 2010, "Total Film" la incluyó entre "las 100 mejores películas de todos los tiempos". A su vez, ostenta la décima posición del listado del canal británico Channel 4 "50 películas que deberías ver antes de morir". De forma similar, la citada revista "Empire" eligió a Marty como uno de los cien mejores personajes del cine y el American Film Institute catalogó a "Back to the Future" como la décima mejor película de ciencia ficción.

Escenas de la película

Tema principal de la banda sonora

EL NIÑO 44 (Child 44)

Pese a lo que pudiera suponerse al comprobar su nombre, Daniel Espinosa es un joven director de cine sueco que comenzó su carrera profesional en el país nórdico, filmando algunos títulos de complicada pronunciación que ni siquiera fueron estrenados en España. En 2011 llegó a nuestras pantallas “Dinero fácil” una de sus producciones de relativo éxito. De hecho, se rodó una segunda parte en la que intervino únicamente como productor ejecutivo. Ya por aquel entonces denotaba sus preferencias por el thriller de acción. Posteriormente, dio el salto a la industria norteamericana y filmó al año siguiente su largometraje más conocido, “El invitado”, en unión a dos estrellas tan mediáticas como Denzel Washington y Ryan Reynolds. Se trataba de una cinta heredera de la estética de Tony Scott, en la que pretendía compaginar la intriga con la acción. Contó con un elevado presupuesto de ochenta y cinco millones de dólares y consiguió una recaudación aceptable, aunque menor de la esperada (doscientos millones a nivel mundial). 

Después de tres años alejado de las cámaras, estrena ahora “El niño 44”, nuevo intento de reincidir en el género del thriller, pero despojándolo de su habitual ritmo trepidante y ágil para convertirlo en un producto más reflexivo y melodramático. Ambientado en la Rusia comunista de mediados del siglo pasado, se evidencia su empeño por crear una atmósfera realista, sobria y envolvente, así como su deseo de apostar por una narración centrada en los personajes y en la dramatización de las secuencias. Es obvio que en el fondo subyace ese objetivo de abandonar la etiqueta de realizador de obras de entretenimiento vulgar, susceptibles de ser vistas con una bolsa de palomitas, y poder aspirar a la cima de los cineastas que trascienden gracias a sus mensajes creativos y realistas. 

Sin embargo, me temo que, de ambas pretensiones, tan sólo ha logrado la primera, quedando muy lejos de la segunda. Cierto es que no nos hallamos ante la típica muestra de acción veraniega pero la trama simple, la narración pesada, el ritmo lento, los personajes planos y la historia previsible han pesado como una losa en el resultado final. Tanto el vestuario como la dirección artística y la fotografía pretenden revestir de solemnidad el proyecto, pero no consiguen neutralizar el aburrimiento durante buena parte del metraje. En este caso, el afán por desmarcarse de su estilo de antaño ha puesto de manifiesto las carencias de Espinosa en lo relativo a una forma de narrar que no domina. 

Un antiguo héroe de guerra venido a menos decide investigar una serie de asesinatos de niños. Sin embargo, las autoridades rechazan la notoriedad que puede generar una noticia de ese tipo para la imagen de su aparentemente perfecta sociedad comunista, de modo que relegan al interesado hasta su completo arrinconamiento. El prometedor comienzo del film se enreda en sus propios propósitos, hasta el punto de demostrar a las claras la ignorancia del realizador acerca de cómo continuar la narración. Las intrigas políticas, criminales y personales son demasiado convencionales y no están bien entrelazadas, de tal manera que a la media hora la proyección ya no puede ocultar sus fallos. 

Además de su cuidada ambientación, y aunque los verdaderos protagonistas son el británico Tom Hardy y la sueca Noomi Rapace, destaca la presencia de otros actores conocidos y solventes, como el siempre interesante Gary Oldman (un profesional que es siempre una garantía de mejora para cualquier reparto) y el inquietante Vincent Cassel, muy bregado en papeles turbios y enigmáticos. Todos ellos realizan su labor con corrección y se alzan como lo mejor de “El niño 44”.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film

Película: El niño 44.
Título original: Child 44.
Dirección: Daniel Espinosa.
País: USA. Año: 2015. Género: Drama, thriller.
Interpretación: Tom Hardy (Leo Demidov), Noomi Rapace (Raisa), Gary Oldman (Mikhail Nesterov), Paddy Considine (Vladimir), Joel Kinnaman (Vasili), Jason Clarke (Anatoly).
Guion: Richard Price; basado en la novela de Tom Rob Smith.
Producción: Ridley Scott, Greg Shapiro y Michael Schaefer.

KEN LOACH

El director de cine y televisión Ken Loach nació en Inglaterra el 17 de junio de 1936. Conocido por cultivar un estilo de marcado realismo social, comenzó los estudios de Derecho, que finalmente abandonó para volcarse como intérprete en las tablas, al hacerse miembro de un grupo teatral estudiantil de la Universidad de Oxford.  

En la década de los sesenta trabajó fundamentalmente para la pequeña pantalla, empezando a mostrar desde entonces su vena realista y sus preocupaciones sociales. Uno de sus títulos más relevantes fue “Cathy Come Home” (1966), centrado en una familia sumida en una profunda decadencia económica a causa de la falta de empleo. Debutó en el cine con “Poor Cow” (1967), un drama social protagonizado por Carol White, Terence Stamp y John Bindon. En los años 70 y 80 se dedicó, sobre todo, al medio televisivo, dejando poco espacio a su actividad cinematográfica (apenas el drama familiar e iniciático “Kes” (1970), sobre un adolescente que padece abusos dentro y fuera de su casa, y “Looks and Smiles” (1981), otro drama de corte psicológico protagonizado por Graham Green). 

A partir del éxito trascendental de su thriller político “Agenda oculta” (1990), ganador del Premio del Jurado en el Festival de Cannes, la carrera de Loach conoció uno de sus períodos más fecundos gracias a cintas como la comedia dramática de corte social “Riff-Raff” (1991), “Lloviendo piedras” (1993), historia de un hombre de escasos recursos económicos empeñado en comprarle un traje de Primera Comunión a su hija, o “Ladybird, Ladybird” (1994), docudrama acerca de una madre soltera  interpretada por Crissy Rock, que es víctima de agresiones y lucha por la custodia de sus hijos. 

Otros ejemplos de su filmografía son “Tierra y libertad” (1995), film ambientado en la Guerra Civil Española, “La canción de Carla” (1996) con Robert Carlyle, Oyanka Cabezas y Scott Glenn, el drama romántico “Mi nombre es Joe” (1998), “La cuadrilla” (2001), incidiendo de nuevo en el eje temático del paro y de las relaciones laborales,  y “El viento que agita la cebada” (2006), que obtuvo la Palma de Oro de Cannes y en la retomaba el conflicto irlandés reflejado en “Agenda oculta”. 

Sus últimas obras han sido “Buscando a Eric” (2009), una comedia dramática en la que un cartero pierde a su mujer y vive una profunda crisis personal, mientras el fantasma del ex futbolista Eric Cantona intentará ayudarle a reconquistar a su esposa, y “Jimmy´s Hall” (2014), con la que acudió de nuevo al certamen francés de Cannes.

Escena de "Agenda oculta"

Escena de "Ladybird, Ladybird"

JURASSIC WORLD

Las grandes productoras de Hollywood están sufriendo una evolución en la que el progreso tecnológico es inversamente proporcional a la creatividad artística y cinematográfica. Cada vez se ruedan películas más impecables en cuanto a precisión técnica y meticulosidad en la producción pero, por el contrario, cuesta encontrar historias originales, puestas en escena arriesgadas y rompedoras y verdadera inventiva. La imaginación se ha sustituido por la grandilocuencia y la capacidad artística por la rentabilidad económica. 

Las carteleras están copadas por precuelas, secuelas, sagas numeradas y revisiones de títulos del pasado. Casi todo son segundas, terceras o cuartas partes de algún éxito de antaño y, cuando no se atreven a numerarlo (como el título que nos ocupa, “Parque Jurásico 4”) disfrazan el producto con la excusa de ser una revisión actualizada (“Jurassic World”) que sirva para reiniciar el contador, a poco que los ciento cincuenta millones de dólares de presupuesto se traduzcan en una rentabilidad financiera digna de seguir alargando la franquicia. 

Reconozco abiertamente todos los méritos de los que la cinta es acreedora. Comparada con la obra de Steven Spielberg de 1993, cuenta con unos efectos especiales muy superiores, la plasmación visual resulta más lograda y la agilidad narrativa es también más marcada. No obstante, la práctica totalidad de tales logros es fruto de los más de veinte años de progreso informático transcurridos desde entonces y cuya responsabilidad recae en un equipo de profesionales desconocidos para el gran público que figuran en una interminable lista de títulos de crédito. Sin embargo, tanto la idea central como algunas de sus secuencias son prácticamente un calco de su antecesora y, aunque esta versión está realizada de manera sobresaliente y logra indudablemente entretener a los espectadores, ni contiene nada propio ni aporta nada original. Su esencia al completo es heredada. Por esa razón, cuando se diluye el efecto narcotizante de esa fastuosidad y pomposidad proyectadas en imágenes, sólo queda lo que Spielberg ya exprimió en su momento, es decir, los peligros de la experimentación genética. En todo caso, me gustaría remarcar, a título personal, la responsabilidad de este tipo de estrenos en la involución del Séptimo Arte. 

Tras los sucesos acaecidos en Jurassic Park, la isla Nublar se ha convertido en un gran parque temático que atrae a miles de turistas, entusiasmados ante la perspectiva de tener al alcance de la mano el atractivo universo de los dinosaurios. Nada hace presagiar peligro alguno hasta que, una vez más, la tendencia de los científicos de jugar a ser dioses provoca la creación de un dinosaurio más inteligente, mortífero e incontrolable, lo que deriva en el más absoluto caos. 

El desconocido y casi debutante realizador Colin Trevorrow se sitúa detrás de la cámara, aunque en el equipo artístico sí figuran algunos rostros populares. A su protagonista, Chris Pratt, le hemos visto en la divertida “Guardianes de la galaxia” y en las interesantes “La noche más oscura” y “Moneyball: rompiendo las reglas”. Cumple correctamente con las exigencias de su papel, algo plano pero muy habitual dentro del género de acción. Junto a él participa la versátil Bryce Dallas Howard, hija del oscarizado director Ron Howard, que ya nos ha regalado notables actuaciones en “Criadas y señoras” y “Más allá de la vida”. Les acompaña el actor francés Omar Sy, la gran revelación del éxito de la cinematografía gala, “Intocable”.

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Trailer en versión original

Datos del film 

Película: Jurassic World.
AKA: Parque Jurásico 4.
Dirección: Colin Trevorrow.
País: USA. Año: 2015. Duración: 124 min. Género: Acción, ciencia-ficción.
Reparto: Chris Pratt (Owen Grady), Bryce Dallas Howard (Claire Dearing), Ty Simpkins (Gray), Nick Robinson (Zach), Irrfab Khan (Simon Masrani), Vincent D’Onofrio (Vic Hoskins), Jake Johnson (Lowery), Omar Sy (Barry), BD Wong (Henry Wu), Courtney James Clark (Sarah). Producción ejecutiva: Steven Spielberg.

NATALIE PORTMAN

La bellísima Natalie Portman, sin duda una de las mejores actrices de su generación, nació en Jerusalén el 9 de junio de 1981. Única hija del médico Avner Herslah y de la artista Shelley Herslah, pasó su infancia en Nueva York, donde cursó estudios de danza. A los once años se inició como modelo, actividad que la derivó al mundo del cine, cuando el director francés Luc Besson se fijó en ella para otorgarle un papel en su thriller de acción “El profesional (Leon)” (1994), que co-protagonizó  con unos magníficos Jean Reno y Gary Oldman. 

En los años siguientes, Portman intervino en "Beautiful Girls" (1995) de Ted Demme, "Heat"(1995) de Michael Mann (junto a Al Pacino), "Mars Attacks" (1996) de Tim Burton (en compañía de,Jack Nicholson y Glenn Close), "Todos dicen I Love You" (1996) de Woody Allen y "A cualquier otro lugar" (1999) de Wayne Wang. Por este último papel fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz de reparto, galardón que recayó finalmente en Angelina Jolie. 

La intérprete israelí actuó en los tres primeros episodios de la saga "Star Wars" de George Lucas. En 2003, inmersa en la finalización de sus estudios superiores de Psicología, participó en "Cold Mountain" de Anthony Minghella, dando vida a una mujer abandonada con un hijo pequeño. En aquel verano llegó "Algo en común", un inesperado éxito de público y crítica en Estados Unidos, donde demostró que también era capaz de participar en películas independientes, aunque tendría que esperar a finales de año, con el estreno de "Closer" de Mike Nichols, para alcanzar su confirmación como estrella y, sobre todo, como gran actriz. Gracias a esta cinta sí consiguió finalmente el Globo de Oro a la mejor actriz secundaria. Y no sería esta su última alegría, puesto que optó asimismo al Oscar por dicho papel.  

En el 2005 interpretó a Evey Hammond en "V de Vendetta" de James McTeigue y un año después participó como musa del magistral pintor aragonés en el rodaje de "Los fantasmas de Goya", que tuvo lugar en España a las órdenes de Miloš Forman, con Javier Bardem y Stellan Skarsgard. Posteriormente rodó con Wong Kar Wai -creador del film "2046"-"My Blueberry Nights" y con el debutante Justin Chadwick "Las hermanas Bolena", acompañada por Scarlett Johansson. 

En 2010 presentó en el Festival de Venecia "Cisne negro" de Darren Aronofsky, drama ambientado en el mundo del ballet, una especialidad artística que ya había practicado en la niñez y que retomó para el  rodaje de este film. Su actuación le reportó la estatuilla de oro a mejor actriz principal, además de otro Globo de Oro y un premio SAG.


Escena de "El profesional (Leon)"

Escena de "Closer"




Escena de "Cisne negro"

TOMORROWLAND

Brad Bird es un auténtico virtuoso del cine de animación, que ya ha logrado cuatro nominaciones a los Oscar, obteniendo sendas estatuillas por “Los Increíbles” y “Ratatouille”, dos joyas de la magnífica productora Pixar que derrochan ingenio, agilidad y brillantez. Pese a estos éxitos, abandonó los dibujos animados para dedicarse a la filmación con imágenes reales, en mi opinión perdiendo por el camino buena parte de su genialidad. Primero se encargó de la cuarta entrega de “Misión imposible” (cinta habilidosa aunque reiterativa dentro de una saga que comienza a resultar cansina) y ahora presenta “Tomorrowland”. Ambos largometrajes, aunque rodados con impecable precisión técnica, carecen de ese elemento invisible que genera la transmisión de magia a los espectadores y que los convierte en obras maestras. 

En esta ocasión, ha destinado su proyecto a entretener y a proporcionar aventuras y diversión. Logra ambos objetivos, pero tan solo a ratos y no siempre con el mismo nivel de calidad. Da la impresión de que pretende homenajear un género de aventuras propio de épocas pasadas (cierto toque infantil, una acción desenfrenada, grandes dosis de fantasía e innegable corrección formal), cuando las familias acudían en bloque a las salas de proyección. Sin embargo, esa opción ya no se da en la actualidad y el hipotético público al que va dirigido este film es bastante más difuso, entre otras razones porque su trama es excesivamente fantasiosa e ingenua para jóvenes y adultos y demasiado elaborada para niños. Muchas de sus secuencias me recordaron a cintas como “Jumanji”, cuya historia no encajaba en absoluto con los indudables méritos de sus efectos especiales y que, más que acción, provocaba precipitación y ansiedad por filmar el “más difícil todavía”. 

Volviendo a “Tomorrowland”, la parte en la que los protagonistas huyen en una bañera convertida en improvisada nave que aterriza en un lago, me produce un cúmulo de sensaciones encontradas. De un lado, el reconocimiento de un impecable plasmación en pantalla de tan desbordante imaginación. Pero, de otro, un moderado rechazo ante la forma pueril de abordar el relato. Ese desequilibrio entre las virtudes técnicas y las deficiencias de guion queda puesto plenamente de manifiesto. Y es que, tal y como se afirmaba en “The International: dinero en la sombra”, "la diferencia entre ficción y realidad es que la ficción ha de tener lógica" y, en este caso, no se ha cuidado este aspecto suficientemente, centrándose los esfuerzos en conseguir unas imágenes impresionantes en detrimento de una elaboración más sólida del libreto y de los diálogos. 

Una avispada y curiosa adolescente, llena de ansias científicas, y un antiguo niño prodigio inventor lastrado por las desilusiones, se embarcan en una peligrosa misión para descubrir los secretos de un enigmático lugar llamado “Tomorrowland”, que, perdido en algún lugar del tiempo y del espacio, esconde demasiados misterios.

El excelente actor y cineasta George Clooney, ganador de dos Oscar de un total de ocho nominaciones, da vida a un personaje que no está a la altura de su filmografía. Le acompañan Hugh Laurie, el popular Doctor House televisivo, y la joven Britt Robertson, todavía en cartelera con el reciente estreno de “El viaje más largo”.

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Trailer en versión original

Datos del film

Película: Tomorrowland: El mundo del mañana.
Dirección: Brad Bird.
País: USA. Año: 2015. Género: Ciencia-ficción.
Reparto: George Clooney (Frank Walker), Hugh Laurie (David Nix), Britt Robertson (Casey Newton), Raffey Cassidy (Athena).
Guion: Damon Lindelof y Brad Bird.

HOMENAJE A "TIBURÓN" EN EL 40º ANIVERSARIO DE SU ESTRENO (Tribute to the film "Jaws" in the 40th anniversary of his premiere)

La popular película de Steven Spielberg "Tiburón" cumple 40 años, ya que se estrenó comercialmente el 20 de junio de 1975. Basada en la novela homónima del escritor Peter Benchley, cuenta los ataques de un enorme tiburón blanco  contra los bañistas de las playas de Amity Island. Tales sucesos llevan al jefe de la Policía Local, Martin Brody, a enfrentarse con las demás autoridades, muy reacias a espantar a los turistas de la zona. El citado personaje está interpretado de modo sobresaliente por el actor Roy Scheider, a quien acompañan Richard Dreyfuss (el oceanógrafo Matt Hooper), Robert Shaw (el cazatiburones Quint), Murray Hamilton (el alcalde de la población afectada) y Lorraine Gary (su esposa Ellen). 

Se filmó en su mayor parte en la isla de Martha's Vineyard, estado de Massachusetts. El departamento de efectos especiales tuvo problemas con la réplica mecánica del animal y el realizador se vio obligado en muchas de las escenas a sugerir su presencia en lugar de mostrarla, apoyándose para ello en un inquietante tema musical que indica las inmediatas apariciones del depredador, compuesto por el maestro John Williams. Se ha comparado este enfoque tan sugestivo con el de los clásicos filmes del mago del suspense, Alfred Hitchcock. 

La productora Universal Pictures puso en marcha una enorme y efectiva campaña publicitaria  de promoción, con un estreno simultáneo en más de 450 salas norteamericanas de proyección.  Recibida con alabanzas por la crítica especializada, la cinta fue largamente galardonada en las categorías de banda sonora y montaje y a menudo es incluida entre los mejores títulos de la historia del Séptimo Arte. Hasta 1977 ostentó el récord mundial de taquilla, del que fue desbancado por "La guerra de las galaxias". 

El compositor John Williams ganó el Oscar por este trabajo, calificado como el sexto más importante del listado del American Film Institute, al que sumó el Grammy, el BAFTA y el Globo de Oro. Su celebérrima sintonía principal consiste en una simple alternancia de dos notas musicales, convertida ya en una pieza clásica del suspense, como sinónimo de peligro inminente. La pieza en cuestión fue interpretada a la tuba por Tommy Johnson .

"Tiburón" obtuvo dos estatuillas más, para Verna Fields por el mejor montaje y para Robert Hoyt, Roger Heman, Earl Madery y John Carter por el mejor sonido. Optó asimismo al premio a la mejor película, que recayó finalmente en la dramática "Alguien voló sobre el nido del cuco" y fue elegido como el film favorito de los People's Choice. En varias de sus categorías aspiró a los BAFTA y a los Globos de Oro, y Steven Spielberg optó al máximo galardón del Sindicato de Directores de Estados Unidos, mientras que el de Guionistas hizo lo propio con Peter Benchley y Carl Gottlieb.  

Escenas de la película