LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (The Secret Life of Walter Mitty)

Mientras veía “La vida secreta de Walter Mitty” tenía la sensación de estar contemplando la típica película de Navidad, no porque la trama estuviese vinculada a dicho período, o porque entre sus personajes apareciese Papá Noel, sino por estar revestida de positividad, superación, buenas intenciones y nobleza de corazón. Es el título de la actual cartelera con una mayor dosis de espíritu navideño, pese a lo atípico de su propuesta. En el fondo, se nota que Ben Stiller recurre a fórmulas que han dado éxito en el pasado para abordar este proyecto. De hecho, bebe de demasiadas fuentes, de modo que su principal defecto es una originalidad precaria y una limitada capacidad de riesgo. Aunque se trata de un “remake” de 1947, le encuentro más influencias de “Forrest Gump” de Robert Zemeckis, de “Big Fish” de Tim Burton e, incluso, (aunque suene a sacrilegio) de “¡Qué bello es vivir!” de Frank Capra. En definitiva, una delicia de cinta para los espectadores que acuden a una sala de proyección con el ánimo de dejarse llevar por la bondad y el romanticismo más etéreos. El problema es que el nivel de “La vida secreta de Walter Mitty” queda siempre por debajo de esos citados largometrajes cuyos méritos aspira a heredar. 

Stiller es un cómico muy célebre en Estados Unidos. Sin embargo, para mí no dejaba de ser una joven promesa que con el paso del tiempo no terminó de cuajar. No acababa de convencerme ni como actor ni como director. Tan sólo aprecié en gran medida (aunque formando parte de una minoría) una de sus primeras incursiones en la gran pantalla: “Reality Bites” (“Bocados de realidad”), con secuencias y diálogos magníficos a cargo de unos jovencísimos Ethan Hawke y Winona Ryder. Posteriormente, se decantó por un tipo de humor más vulgar y facilón y, en consecuencia, dejó de interesarme por completo. Sin embargo, he de confesar que, contra todo pronóstico, con este último trabajo me ha agradado en la doble faceta de intérprete y realizador. 

Cuenta la historia del tímido empleado de una editorial, sin demasiada suerte y con escasas relaciones tanto sociales como personales, que consigue evadirse de su monótona y gris existencia imaginándose protagonista de trepidantes aventuras. Ayudado por esa imaginación y por sus impulsos de superación, acabará viviendo situaciones, en principio, impensables. 

Una puesta en escena atrayente, una realización técnica impecable, una sobresaliente fotografía de Stuart Dryburgh y una notable banda sonora de Theodore Shapiro se unen al servicio de un relato que pretende conmover y, a ratos, lo consigue, pero que, en todo caso, entretiene. Eso sí, el público tiene que poner algo de su parte, básicamente una mente abierta y cierta predisposición a la fantasía. De lo contrario, es posible que la narración se le atragante y que la permanente expresión de buenazo del protagonista termine por resultarle insufrible. Pero quien se deje llevar por la espiral de bondad y altruismo que se le brinda, disfrutará de un digno espectáculo, pleno de dosis de optimismo y pasión por la vida que todos necesitamos de vez en cuando. 

Forman parte del elenco, si bien con papeles secundarios, figuras tan relevantes como Shirley MacLaine o Sean Penn, aunque Ben Stiller asume el peso principal de la interpretación y da vida a su personaje con soltura. Confío en que este título marque su cambio de rumbo profesional y el futuro nos depare un artista más completo y maduro, no necesariamente serio pero sí más equilibrado.

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Datos del film

Película: La vida secreta de Walter Mitty.
Título original: The secret life of Walter Mitty.
Dirección: Ben Stiller.
País: USA. Año: 2013. Duración: 114 min. Género: Comedia dramática, aventuras.
Interpretación: Ben Stiller (Walter Mitty), Kristen Wiig (Cheryl), Shirley MacLaine (Edna), Adam Scott (Ted Hendricks), Sean Penn (Sean O’Connell), Patton Oswalt (Todd Mahar), Kathryn Hahn (Odessa).
Guion: Steve Conrad; basado en el relato corto de James Thurber.
Producción: Stuart Cornfeld, Samuel Goldwyn Jr., John Goldwyn y Ben Stiller.
Música: Theodore Shapiro.
Fotografía: Stuart Dryburgh.
Montaje: Greg Hayden.
Diseño de producción: Jeff Mann.
Vestuario: Sara Edwards.

HUMPHREY BOGART

Humphrey De Forest Bogart nació en Nueva York el 25 de diciembre de 1899 y falleció en Los Ángeles el 14 de enero de 1957. Mítico actor de cine y teatro, caracterizado por su estilo cínico, es según la lista del American Film Institute una de las estrellas masculinas más importante de los primeros cien años del cine norteamericano. Su padre, DeForest Bogart, era un importante cirujano y su madre, Maud, una conocida ilustradora de revistas. Cuando estaba luchando en la Primera Guerra Mundial, Bogart sufrió un accidente en una embarcación que dejó paralizado su labio superior, convirtiendo esta tara física en una significativa manera de hablar. Después de concluir la guerra,  regresó a la Gran Manzana y comenzó su carrera teatral junto a William S. Brady. Tras pasar por Broadway sin demasiado éxito se trasladó a Hollywood para intentar buscar fortuna en el cine, consiguiendo debutar en un corto musical llamado "Broadway's Like That" (1930), al que seguirían películas como "A Devil with Women" (1930) y "Río arriba" (1930), una comedia carcelaria dirigida por John Ford. 

Participó en películas como "Bullets or Ballots" (1936), film de William Keighley co-protagonizado por Edward G. Robinson, "El bosque petrificado", (1936), un film de Archie Mayo en el que también intervenían Bette Davis y Leslie Howard, "Dead End" (1937), dirigida por William Wyler, "Marked Woman" (1937) de Lloyd Bacon, con Bette Davis, "The Amazing Dr. Clitterhouse" (1938), un curioso y magnífico título dirigido por Anatole Litvak, en el que compartía créditos de nuevo con Edward G. Robinson, "Ángeles con caras sucias" (1938) de Michael Curtiz, con James Cagney y Pat O'Brien como compañeros de reparto o "The Roaring Twenties" (1939), a las órdenes de Raoul Walsh y junto a Cagney. Antes de protagonizar los dos títulos que le elevaron al estrellato, Bogart apareció en "La pasión ciega" (1940), de Raoul Walsh, interpretando al hermano transportista de George Raft. 

Con Walsh protagonizó también "El último refugio" (1941), espléndido título que se convertiría en uno de los trabajos más aclamados de su protagonista, aclamación confirmada por su protagonismo en el debut como director de John Huston, "El halcón maltés" (1941), donde dio vida al detective Sam Spade. A partir de este período, el actor neoyorquino se convirtió en uno de los grandes iconos del cine. Al año siguiente, "Casablanca" (1942) de Michael Curtiz haría de él un ídolo y un mito para todas las generaciones cinéfilas. Allí compartió reparto con Ingrid Bergman y Claude Rains. Con Rains y Michael Curtiz volvió a coincidir en "Pasaje a Marsella" (1944), cinta antinazi en la que  interpretó a un periodista francés. La cantidad de magistrales títulos que protagonizó en la década de los 40 es abrumadora: "Sahara" (1943) de Zoltan Korda, "Tener y no tener" (1944), título clave de Howard Hawks que le sirvió para conocer al amor de su vida, Lauren Bacall, "El sueño eterno" (1946), también dirigido por Hawks, "La senda tenebrosa" (1947), de Delmer Daves, en la que cambiaba de rostro tras una operación de cirugía estética, "Callejón sin salida" (1947) de John Cromwell, "Cayo Largo" (1948) de John Huston, "El tesoro de Sierra Madre" (1948) de nuevo con Huston o "Llamad a cualquier puerta" (1949), película co-protagonizada por John Derek y dirigida por Nicholas Ray.

Si los años cuarenta fueron buenos para su carrera cinematográfica, los cincuenta continuaron por la misma senda. "En un lugar solitario" (1950) de Nicholas Ray, "La reina de Africa" (1951) dirigida por su amigo John Huston, "El cuarto poder" (1952), una historia sobre periodismo firmada por Richard Brooks, "La condesa descalza" (1954) de John L. Mankiewicz, "La burla del diablo" (1954) de John Huston, "El motín del Caine" (1954), título dirigido por Edward Dmytryk, "Sabrina" (1954) de Billy Wilder, "Horas desesperadas" (1955) de William Wyler y su último film, la obra maestra de Mark Robson ambientada en el mundo del boxeo, "Más dura será la caída" (1956), suponen los últimos títulos de una filmografía extraordinaria. 

En esta etapa protagonizó junto a Peter Ustinov la comedia dirigida por Michael Curtiz "No somos ángeles" (1955), en la que interpretó a un preso escapado de la Isla del Diablo. Por su actuación en "La reina de África" (1951), Humphrey Bogart conseguiría el Oscar el mejor actor, teniendo como compañeros de nominación a Montgomery Clift por "Un lugar en el sol", Marlon Brando por "Un tranvía llamado deseo", Fredric March por "Muerte de un viajante" y Arthur Kennedy por "Nuevo amanecer". Su última nominación sería por "El motín del Caine", consiguiendo el premio Marlon Brando por "La ley del silencio".


Escena de la película "Casablanca"




Escena de la película "La Reina de África"

LLUVIA DE ALBÓNDIGAS 2 (Cloudy with a Chance of Meatballs 2)

Parece que fue ayer, pero ya han pasado veintidós años desde que, por primera vez en la historia del Séptimo Arte, un largometraje de dibujos animados fue nominado al Oscar a la mejor película. En 2014 se cumplirá en vigésimo aniversario del enorme éxito de taquilla de “El rey león” y en 2015 lo hará “Toy Story”. Fue una época maravillosa en la que se fusionaron los géneros del musical y de la animación. La productora Walt Disney disfrutó de su etapa más gloriosa en la gran pantalla, alcanzando altísimas cotas de triunfo gracias a sus bandas sonoras. Más tarde se creó Pixar, que trasladó una modalidad cinematográfica reservada en principio a los niños a los índices más altos de calidad, conmoviendo a millones de espectadores de todas las edades. El fenómeno se expandió a otras compañías centradas en la imagen real y así pudimos disfrutar de la comicidad de “La edad de hielo” y otras cintas emblemáticas que relataban historias entrañables. 

Sin embargo, considero que dicha etapa en la que las grandes productoras se centraron en este subgénero y apostaron por él ya ha pasado. Si en la década de los setenta no había presencia de dibujos animados en las carteleras y en los ochenta fue mínima, en los noventa se produjo el despegue y, desde entonces, no es inusual que, coincidiendo con las vacaciones escolares, las salas exhiban coloridos carteles publicitando las cintas destinadas al público infantil, donde los actores de carne y hueso son sustituidos por otros seres nacidos de la creatividad de dibujantes e informáticos. No obstante, en este negocio la cantidad está reñida con la calidad, de tal manera que la avalancha de proyectos nos ha obligado a volver la vista atrás para recordar tiempos mejores. 

Hay que situar “Lluvia de albóndigas 2” en este contexto, junto a recientes producciones como “Lorax: En busca de la trúfula perdida” o Megamind”, cuya gran precisión técnica e ingente presupuesto no bastan para esconder cierta mediocridad, a años luz de aquellos films anteriores que encandilaron a crítica y público. Y esa evidente disminución cualitativa ha contagiado a otras sagas que, en sus inicios, se situaron en la cresta de la ola, pero que han terminado por acusar el declive (sin ir más lejos, las últimas entregas de “Madagascar” o “Kung Fu Panda). 

“Lluvia de albóndigas 2” arranca exactamente donde terminaba su antecesora. El genial inventor protagonista es invitado por el científico al que idolatró desde la infancia para trabajar junto a él. Pero este gran sueño se desvanece al descubrir que su máquina –la que convierte el agua en alimentos- se destina ahora a una creación de híbridos de animales que amenaza el mundo. Tramas absurdas, personajes sin interés, diálogos vulgares y una recreación visual que, tal vez, encandile a los más pequeños durante algunos minutos. Personalmente, no sólo me aburrí sino que pasé un considerable tramo de la proyección recordando el pasado con nostalgia y constatando cómo, por enésima vez, un sector de la industria cinematográfica dedicada a la animación es capaz de acabar con el arte que reside en ésta. 

El próximo año está previsto el estreno de “Río 2”, “Las aventuras de Tadeo Jones 2”, “Cómo entrenar a tu dragón 2”, “Aviones 2” y “Tarzán 3D”. Ojalá me equivoque pero el panorama no tiene visos de experimentar ninguna mejoría. Quizá tengan razón quienes afirman que es necesaria una gran crisis para asistir después a un gran resurgimiento. Y que la Historia es una sucesión de ciclos. En tal caso, habrá que esperar.

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Datos del film
Película: Lluvia de albóndigas 2.
Título original: Cloudy with a chance of meatballs 2.
Dirección: Cody Cameron y Kris Pearn.
País: USA. Año: 2013. Género: Animación, comedia.
Guion: John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein; basado en los personajes creados por Judi Barrett y Ron Barrett.
Producción ejecutiva: Christopher Miller y Phil Lord.
Diseño de producción: Justin Thompson.

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG (The Hobbit: The Desolation of Smaug)

Cuando estudiaba en el instituto me regalaron “El señor de los anillos” y en un principio me afané en su lectura con ilusión, alentado por el mito que rodeaba a la novela. Pero, sin entrar a discutir su innegable nivel literario y su encomiable labor creativa, terminé por perderme en sus interminables páginas, en su variedad de criaturas y en una trama que, pese a su pretensión de trascendencia, ni me cautivó ni me interesó. Cuando varios lustros después de mi primer y fracasado intento de adentrarme en este universo de Hobbits, Elfos, Enanos y Maiars, Peter Jackson decidió llevarla a la gran pantalla, también acudí a la sala de proyección con la mejor de las predisposiciones. Como buen amante del cine, vi la trilogía al completo pero me dejó similar sensación que los libros en los que se basa. Más de quinientos cincuenta minutos en los que reconozco grandes méritos artísticos y técnicos pero cuya historia, personajes y estilo narrativo se me atragantan irremediablemente. 

No voy a discutir ninguno de los diecisiete Oscar, ni de los diez BAFTA, ni de los cuatro Globos de Oro que recayeron en la saga en su conjunto. Es más, reitero y amplifico mis alabanzas por lo respecta a diseño de producción, decorados, fotografía, vestuario, sonido y efectos especiales. Me descubro ante el realizador neozelandés por su precisión a la hora de recrear un mundo tan complejo y por su exceso de celo en la puesta en escena pero soy incapaz de ir más allá. La triste realidad es que no termina ni de emocionarme ni de entretenerme. No conecto con los personajes y me quedo únicamente en el aplauso visual y técnico, sin descartar que esta actitud sea un defecto mío. 

No obstante, puedo comprender que otros espectadores sí lleguen a conmoverse con el relato, incluso hasta a interactuar con él y con sus protagonistas. Para ellos, al exquisito mimo de la producción se añade una implicación emocional de la que yo carezco y, por lo tanto, consideran que están delante de un proyecto sobresaliente y de visión obligada. Cuando me enteré de que Jackson también sería el responsable de “El Hobbit” (narración anterior a “El señor de los anillos” y de la que ésta hereda una buena parte de sus personajes y ambientes) pensé que yo estaría abocado a repetir experiencia y no me he equivocado. Una vez más, el cineasta ha rodado la adaptación literaria en tres partes, de las cuales ha estrenado dos y tiene prevista la llegada de la tercera a las pantallas el próximo año. Casi tres horas de duración por cada entrega y, de nuevo, un espectáculo visual, técnico y artístico sobresaliente para una fábula que me es demasiado extraña, para un argumento sobre la base de conjuros mágicos y de diversas especies de seres vivos que, francamente, me sobrepasa. 

Aun así, invito a quienes se sientan sugestionados por este tipo de historias a que vayan a verla porque no encontrarán una producción cinematográfica más acertada que esta apuesta de Peter Jackson.

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Datos del film:
Película: El hobbit: La desolación de Smaug.
Título original: The hobbit: The desolation of Smaug.
Dirección: Peter Jackson.
Países: USA y Nueva Zelanda. Año: 2013. Duración: 161 min. Género: Aventuras, fantástico.
Interpretación: Martin Freeman (Bilbo Bolsón), Ian McKellen (Gandalf el Gris), Richard Armitage (Thorin, Escudo de Roble), Cate Blanchett (Galadriel), Andy Serkis (Gollum), Luke Evans (Bardo), Lee Pace (Thranduil), Orlando Bloom (Legolas), Evangeline Lilly (Tauriel), Stephen Fry (gobernador de Ciudad del Lago), Mikael Persbrandt (Beorn).
Guion: Peter Jackson, Guillermo del Toro, Philippa Boyens y Fran Walsh; basado en el libro de J.R.R. Tolkien.
Producción: Peter Jackson, Carolynne Cunningham, Zane Weiner y Fran Walsh.
Música: Howard Shore.
Fotografía: Andrew Lesnie.
Montaje: Jabez Olssen.
Diseño de producción: Dan Hennah.
Vestuario: Bob Buck, Ann Maskrey y Richard Taylor.

12 AÑOS DE ESCLAVITUD (12 Years a Slave)

Cuando terminé de ver “12 años de esclavitud” me quedó la ambigua, casi contradictoria, sensación de haber presenciado una muy buena película que no querría ver otra vez. Resulta muy arriesgado juntar por un lado a un notable cineasta que pretende reflejar la crueldad humana sin edulcorantes y con el mayor realismo posible y por otro a unos espectadores cuyo nivel de saturación ante las injusticias es limitado. No quiero insinuar en modo alguno que Steve McQueen se recree en la violencia ni se regodee en la vileza del racismo. Por desgracia, las imágenes de la gran pantalla son una plasmación fiel y rigurosa de la sinrazón esclavista que asoló parte de Norteamérica como si de una plaga se tratara. Puede que ni siquiera reflejen en toda su intensidad la maldad y la barbarie que tuvieron que soportar millones de personas a causa del color de su piel. Pero, en cualquier caso, semejante exceso de penurias y de atrocidades deja una sensación tan amarga que la posibilidad de un segundo visionado se aventura difícil. Aun así, considero que es una cinta de visión obligada con el fin de no repetir los errores del pasado, no olvidarlo y no mirar hacia otro lado ante situaciones actuales que se asemejan peligrosamente a otras que, en teoría, quedaron abolidas hace décadas. 

Su realizador, que comparte nombre con el popular actor de cine de los años setenta, tan solo ha dirigido tres largometrajes pero ha dado en la diana con todos ellos, acumulando premios y reconocimientos. Debutó en 2008 con “Hunger”, obteniendo galardones en los BAFTA británicos, en el Festival de Cannes y en los Premios de la Academia del Cine Europeo, entre otros. Se consagró en 2011 gracias a “Shame”, film que le proporcionó otro aluvión de distinciones, sobre todo para su protagonista Michael Fassbender. Y ahora, en vísperas de las candidaturas a los principales premios de la industria cinematográfica, “12 años de esclavitud” es el título que reúne mayor número de nominaciones a los "Independent Spirit Awards". 

No es un profesional que se limite a dar al espectador lo que éste quiere ver, sino un hombre fiel a sí mismo que ofrece al espectador lo que él desea filmar, diferencia esencial a la hora de hablar de un artista con mayúsculas. Ahora bien, su cine no es para todos los públicos ni para todos los estómagos, ya que se interna en temas escabrosos, desagradables y molestos. Otorga el protagonismo a personajes complejos y oscuros y rueda a través de largas secuencia escenas que impactan, no por sus efectos especiales, su ambientación o sus decorados, sino por trasladar los perfiles más primitivos e insufribles del ser humano. Entenderán esta valoración quienes contemplen la eterna secuencia del intento de ahorcamiento del esclavo que, aunque finalmente no culmina, le mantiene colgado de la soga en posición de puntillas, impidiendo así el fatal desenlace. El realizador utiliza este recurso porque está empeñado en que seamos conscientes de la barbarie. Me recordó a “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick, donde se obligaba a las personas a presenciar la crueldad como el mejor antídoto para erradicarla. 

Dentro del reparto destaca el casi desconocido actor Chiwetel Ejiofor (con pequeñas apariciones en “American Gangster” y “Plan oculto”), a quien comenzaremos a ver con asiduidad sobre las alfombras rojas a medida que se acerquen las ceremonias de entrega de premios. Le acompaña el anteriormente citado Michael Fassbender, un intérprete todo terreno que va sumando a su filmografía interesantes papeles a un ritmo envidiable. Participan asimismo, aunque de modo secundario, el inquietante Paul Dano, el siempre eficaz Paul Giamatti y hasta el mismísimo Brad Pitt, con una breve pero importantísima aparición y que, además, ejerce aquí su faceta de productor.

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Datos del film
Película: 12 años de esclavitud.
Título original: Twelve years a slave.
Dirección: Steve McQueen.
País: USA. Año: 2013. Duración: 133 min. Género: Biopic, drama.
Interpretación: Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Michael Fassbender (Edwin Epps), Brad Pitt (Bass), Paul Dano, Alfre Woodard, Paul Giamatti, Benedict Cumberbatch (Ford), Sarah Paulson (Srta. Epps).
Guion: John Ridley; basado en la autobiografía de Solomon Northup.
Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Anthony Katagas, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Arnon Milchan y Steve McQueen.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Sean Bobbit.
Montaje: Joe Walker.
Diseño de producción: Adam Stockhausen.
Vestuario: Patricia Norris.

NOMINACIONES A LOS "GLOBOS DE ORO" 2014 (2014 Golden Globes Nominations)

Las películas '12 años de esclavitud' y 'La gran estafa americana' acaparan el mayor número de nominaciones, siete cada una de ellas, a los prestigiosos "Globos de Oro". La cinta de David O. Russell vuelve a colocar a sus actores en todas las categorías, mientras que 'Nebraska', 'Mandela, del mito al hombre' y 'Rush' ganan peso gracias a algunas candidaturas inesperadas.

La ceremonia de entrega de estos galardones, considerados la antesala de los Oscar, tendrá lugar el próximo 12 de enero en el Beverly Hilton Hotel de Beverly Hills y dará lugar a la primera gran alfombra roja del año.

Aziz Ansari, Olivia Wilde y Zoe Saldana han sido los encargados de leer la lista de nominados:

CINE

MEJOR PELÍCULA- drama
12 años de esclavitud
Capitán Phillips
Gravity
Philomena
Rush

MEJOR PELÍCULA - comedia o musical
La gran estafa americana
Her
A propósito de Llewyn Davis
Nebraska
El lobo de Wall Street

MEJOR DIRECTOR
Alfonso Cuarón por 'Gravity'
Paul Greengrass por 'Capitán Phillips'
Steve McQueen por '12 años de esclavitud'
Alexander Payne por 'Nebraska'
David O. Russell por 'La gran estafa americana'

MEJOR ACTOR - drama
Chiwetel Ejiofor por '12 años de esclavitud'
Idris Elba por 'Mandela, del mito al hombre'
Tom Hanks por 'Capitán Phillips'
Matthew McConaughey por 'Dallas Buyers Club'
Robert Redford por 'Cuando todo está perdido'

MEJOR ACTOR - comedia o musical
Christian Bale por 'La gran estafa americana'
Bruce Dern por 'Nebraska'
Leonardo DiCaprio por 'El lobo de Wall Street'
Oscar Isaac por 'A propósito de Llewyn Davis'
Joaquin Phoenix por 'Her'

MEJOR ACTRIZ - drama
Cate Blanchett por 'Blue Jasmine'
Sandra Bullock por 'Gravity'
Judi Dench por 'Philomena'
Emma Thompson por 'Al encuentro de Mr. Banks'
Kate Winslet por 'Una vida en tres días'

MEJOR ACTRIZ - comedia o musical
Amy Adams por 'La gran estafa americana'
Julie Delpy por 'Antes del anochecer'
Greta Gerwig por 'Frances Ha'
Julia Louis-Dreyfus por 'Sobran las palabras'
Meryl Streep por 'Agosto'

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Barkhad Abdi por 'Capitán Phillips'
Daniel Brühl por 'Rush'
Bradley Cooper por 'La gran estafa americana'
Michael Fassbender por '12 años de esclavitud'
Jared Leto por 'Dallas Buyers Club'

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Sally Hawkins por 'Blue Jasmine'
Jennifer Lawrence por 'La gran estafa americana'
Lupita Nyong'o por '12 años de esclavitud'
Julia Roberts por 'Agosto'
June Squibb por 'Nebraska'

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
'Los Croods'
'Gru 2. Mi villano favorito'
'Frozen: El reino del hielo'

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
'La vida de Adèle'
'La gran belleza'
'La caza'
'The Past'
'Se levanta el viento'

MEJOR GUION
'Her'
'Nebraska'
'Philomena'
'12 años de esclavitud'
'La gran estafa americana'

MEJOR BANDA SONORA
'Cuando todo está perdido'
'Mandela, del mito al hombre'
'Gravity'
'La ladrona de libros'
'12 años de esclavitud'

MEJOR CANCIÓN
"Atlas" de 'Los Juegos del Hambre: En llamas'
"Let it Go" de 'Frozen: El reino del hielo'
"Ordinary Love" de 'Mandela, del mito al hombre'
"Please, Mr. Kennedy" de 'A propósito de Llewyn Davis'
"Sweeter than Fiction" de 'One Chance'

PREMIO CECIL B. DeMILLE
Woody Allen

TELEVISIÓN

MEJOR DRAMA
Breaking Bad
The Good Wife
House of Cards
Masters of Sex
Downton Abbey

MEJOR ACTOR-drama
Bryan Cranston ('Breaking Bad')
Liev Schreiber ('Ray Donovan')
Michael Sheen ('Masters of Sex')
Kevin Spacey ('House of Cards')
James Spader ('The Blacklist')

MEJOR ACTRIZ-drama
Julianna Margulies ('The Good Wife')
Tatiana Maslany ('Orphan Black')
Kerry Washignton ('Scandal')
Robin Wright ('House of Cards')
Taylor Schilling ('Orange is the New Black')

MEJOR COMEDIA  
The Big Bang Theory
Brooklyn Nine-Nine
Parks and Recreation
Girls
Modern Family

MEJOR ACTOR- comedia
 Jason Bateman ('Arrested Development')
Don Cheadle ('House of Lies')
Michael J. Fox ('The Michael J. Fox Show')
Andy Samberg ('Brooklin Nine-Nine)
Jim Parsons ('The Big Bang Theory')

MEJOR ACTRIZ -comedia
Zooey Deschanel ('New Girl')
Lena Dunham ('Girls')
Edie Falco ('Nurse Jackie')
Amy Phoehler ('Parks and Recreation')
Julia Louis-Dreyfus ('Veep')

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
John Voight ('Ray Donovan')
Josh Charles ('The Good Wife')
Rob Lowe ('Behind the Candelabra')
Aaron Paul ('Breaking Bad')
Corey Stalls ('House of Cards')

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Monica Potter ('Parenthood')
Sofía Vergara ('Modern Family')
Hayden Panettiere ('Nashville')
Jacqueline Bisset ('Dancing on the Edge')
Janet McTeer ('The White Queen')

MEJOR MINISERIE O TV MOVIE
Top of The Lake
American Horror Story: Coven
Behind the Candelabra
Dancing on the Edge
White Queen

MEJOR ACTOR DE MINISERIE O TV MOVIE
Matt Damon ('Behind the Candelabra')
Michael Douglas ('Behind the Candelabra')
Idris Elba ('Luther')
Al Pacino ('Phil Spector')
Chiwetel Ejiofor ('Dancing on the Edge')

MEJOR ACTRIZ DE MINISERIE O TV MOVIE
Helena Bonham Carter ('Burton and Taylor')
Rebecca Ferguson ('The White Queen')
 Jessica Lange ('American Horror Story: Coven')
Helen Mirren ('Phil Spector')
Elisabeth Moss ('Top of the Lake')

GANADORES DE LOS PREMIOS DE LA ACADEMIA DE CINE EUROPEO (The 26th European Film Awards)

En una edición que coronó a la cinta italiana “La gran belleza” como gran triunfadora de la temporada (mejor película, mejor dirección para Paolo Sorrentino, mejor actor para Toni Servillo y mejor montaje para Cristiano Travaglioli), la Academia de Cine Europeo acaba de entregar en Berlín su Premio de Honor a Pedro Almodóvar por su "contribución al cine mundial", después de que un coro integrado por algunos de sus actores fetiche, entre ellos Rossy de Palma y Javier Cámara, interpretase la canción "I'm so excited" (título elegido en inglés para la exhibición internacional de "Los amantes pasajeros").

No fue el único español premiado en la gala celebrada en la Haus der Berliner Festspiele de la capital alemana (y de cuyo palmarés, por cierto, la cinta francesa "La vida de Adèle" de Abdellatif Kechiche resultó la gran ausente). El figurinista Paco Delgado recibió el Premio del Cine Europeo al mejor vestuario por su trabajo en "Blancanieves" de Pablo Berger, por el que ya recibió el Goya en España.

Aparte de la veterana actriz francesa Catherine Denueve que, como Almodóvar, alzó otro galardón honorífico en reconocimiento a su trayectoria, la Academia del Cine Europeo distinguió también a Ennio Morricone (mejor música por "La mejor oferta" de Giuseppe Tornatore),  François Ozon (mejor guión por "En la casa", adaptación de la obra teatral  "El chico de la última fila"de nuestro compatriota Juan Mayorga, la belga Veerle Baetens (mejor actriz por su papel en "Alabama Monroe", Joshua Oppenheimer (mejor película documental por "The Act of Killing"), y Ari Folman (mejor título de animación por The Congress).

La lista completa de galardonados es la siguiente:

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

LA GRANDE BELLEZZA (The Great Beauty)

Dirigida por Paolo Sorrentino

MEJOR COMEDIA EUROPEA

DEN SKALDEDE FRISØR (Love Is All You Need)

Dirigida por Susanne Bier

MEJOR DIRECTOR EUROPEO

Paolo Sorrentino por LA GRANDE BELLEZZA (The Great Beauty)

MEJOR ACTRIZ EUROPEA

Veerle Baetens por THE BROKEN CIRCLE BREAKDOWN

MEJOR ACTOR EUROPEO

Toni Servillo por LA GRANDE BELLEZZA (The Great Beauty)

MEJOR GUIÓN DE UNA PELÍCULA EUROPEA

François Ozon por DANS LA MAISON (In the House)

MEJOR FILM EUROPEO DE ANIMACIÓN

THE CONGRESS

Israel/Germany/Poland/Luxembourg/France/Belgium, 120 min

MEJOR DOCUMENTAL EUROPEO

THE ACT OF KILLING

Denmark/Norway/UK, 159 min

MEJOR CORTOMETRAJE EUROPEO

DOOD VAN EEN SCHADUW (Death of a Shadow)

Dirigida por Tom Van Avermaet

MEJOR DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA  

Asaf Sudry por LEMALE ET HA’HALAL FILL THE VOID

MEJOR MONTAJE

Cristiano Travaglioli por LA GRANDE BELLEZZA (The Great Beauty)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Sarah Greenwood por ANNA KARENINA

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Paco Delgado por BLANCANIEVES

MEJOR BANDA SONORA

Ennio Morricone por THE BEST OFFER

MEJOR SONIDO

Matz Müller & Erik Mischijew por PARADIES: GLAUBE (Paradise: Faith)

PREMIOS ESPECIALES

EUROPEAN FILM ACADEMY LIFETIME ACHIEVEMENT AWARD

Catherine Deneuve

EUROPEAN ACHIEVEMENT IN WORLD CINEMA

Pedro Almodóvar 

Trailer de la película ganadora

CARRIE (2013)

¿Había alguna necesidad de rodar un remake de la película “Carrie”? Obviamente no. Pero a la crisis de creatividad de los guionistas se suma la carencia de valentía de los productores que, antes de apostar por proyectos novedosos, optan por echar la vista atrás y, bajo el falaz argumento de “actualizar los clásicos”, se limitan a copiar o a retocar otras creaciones. Si bien es cierto que año tras año llegan a las carteleras este tipo de largometrajes, desde hace algún tiempo su progresión ha aumentado a un ritmo preocupante y en 2014 no irá a mejor. Ya se han anunciado nuevas versiones de “La historia interminable”, “El cuervo”, “Los inmortales”, “El chip prodigioso” y “Dirty Dancing”. Del mismo modo que sufrimos innecesariamente con unos nuevos “Conan” y “Desafío total”, la próxima temporada nos depara una plaga de revisiones de títulos de antaño. Porque así se debe calificar este fenómeno, como una grave enfermedad que está matando al Séptimo Arte en beneficio de una televisión que le gana la partida. Los guiones de series como “The Newsroom”, “Homeland” o “The Americans” son claramente mejores que los de la mayor parte de las producciones destinadas a la gran pantalla. Si a esta circunstancia se añade el ingente aumento de secuelas y precuelas, habrá que concluir que las ideas creativas y originales son una especie en peligro de extinción. 

Los virtuales espectadores de esta nueva versión de “Carrie” son básicamente de dos tipos. Los que ya han visto la cinta original de Brian de Palma de los años setenta y los que no. Los primeros no encontrarán en esta propuesta de 2013 ningún argumento que les haga preferirla a la anterior adaptación de la célebre novela de Stephen King. De Palma inauguraba con ella un estilo dentro del cine de terror, que perfeccionaría a posteriori en otros films como “La furia”, “Vestida para matar” o “Impacto”. Allí, unas jovencísimas Sissy Spacek y Amy Irving se unían a un debutante John Travolta en una obra que, aunque personalmente no me cautivó, logró un notable éxito y marcó sin duda un antes y un después dentro de este género cinematográfico. En cuanto a los segundos, tal vez valoren en esta moderna versión una estética cuidada y una puesta en escena correcta, pero en ningún caso les servirán para presenciar una buena película de terror. 

Y es que este relato, como la mayor parte de los que pueblan el universo del novelista Stephen King, vincula su acierto a la retrospectiva de una época ya acabada, de tal manera que, lo que hace tiempo aterrorizaba a los adultos, a día de hoy no asusta ni siquiera a los niños. Yo mantengo la teoría de que quienes siguen disfrutando con estas películas setenteras y padeciendo con esta clase de suspense anticuado, son víctimas de la nostalgia y del recuerdo y no reaccionan con autenticidad ante la recreación cinematográfica del horror y el miedo. Dicho de otra manera, la “Carrie” rodada en 1976 seguirá ocupando un hueco (pequeño, en mi opinión, pero hueco al fin y al cabo) en la Historia del Séptimo Arte. Sin embargo, su “remake” de 2013 resultará efímero y su repercusión se extinguirá en cuanto abandone las salas de proyección. Tal es su fragilidad. 

Además, considero que la realizadora Kimberly Peirce traiciona en parte su estilo personal, marcado hasta la fecha por el tono reivindicativo y rebelde de “Boys don´t cry”, cuya protagonista Hilary Swank obtuvo su primer Oscar. Encabezan el reparto la veterana Julianne Moore y la joven Chloë Grace Moretz, dando vida respectivamente a los personajes que hace treinta y siete años interpretaron Piper Laurie y Sissy Spacek. Las dos son actrices versátiles atrapadas en un proyecto fallido. Moore no ha rodado nada relevante desde “Las horas” o “Lejos del cielo” y Moretz ha dejado por el camino su frescura de “500 días juntos” y su desparpajo de “Kick-Ass”. Confío en que ambas recuperen pronto el rumbo.

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Datos del film
Película: Carrie (2013).
Dirección: Kimberly Peirce.
País: USA. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Terror.
Interpretación: Chloë Grace Moretz (Carrie White), Julianne Moore (Margaret White), Gabriella Wilde (Sue), Portia Doubleday (Chris Hargensen), Judy Greer (Srta. Dejardin), Alex Russell (Billy Nolan), Gabriella Wilde (Sue Snell), Ansel Elgort (Tommy).
Guion: Lawrence D. Cohen y Roberto Aguirre-Sacasa; basado en la novela de Stephen King.
Producción: Kevin Misher.
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Steve Yedlin.
Montaje: Lee Percy y Nancy Richardson.
Dirección artística: Carol Spier.
Vestuario: Luis Sequeira.

PLAN DE ESCAPE (Escape Plan)

Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger debieron pasárselo muy bien juntos rodando la segunda parte de “Mercenarios” porque, en apenas un año, han compartido dos proyectos, una circunstancia impensable en aquellos tiempos en los que estos dos musculosos actores rivalizaban en las carteleras con sus cintas de acción, el primero con las sagas de “Rocky” y “Rambo” y el segundo con las de “Conan” y “Terminator”, amén de otros muchos títulos cuyos principales reclamos eran lucir el resultado de horas y horas de gimnasio y recrear combates y peleas imposibles. Desde entonces han transcurrido décadas, aunque ambos intérpretes se nieguen a aceptarlo y continúen, a sus 66 y 67 primaveras respectivamente, empeñados en hacer de tipos duros protagonizando escenas de acción. 

De modo que, quienes acudan a ver “Plan de escape”, se dividirán en dos grupos. Por un lado, los que reconozcan el desfase manifiesto entre la edad de los protagonistas y el tipo de personajes que insisten en interpretar. Por otro, los que, en pleno ataque de nostalgia, asuman semejante desajuste e, impulsados por los recuerdos ochenteros, estén dispuestos a olvidar los lógicos estragos físicos asociados al paso del tiempo y se limiten a disfrutar del espectáculo, resulte o no creíble. En cualquiera de los casos, es evidente que quienes pasen por taquilla son aficionados a este concreto género cinematográfico, eminentemente de músculos y de contacto, en el que la testosterona reescribe el guión y el éxtasis visual se logra a través de las secuencias de lucha. Personalmente pertenezco al primer segmento. Por ello, pasé buena parte del metraje preguntándome si ningún participante del guion o de la producción se percató de la falta de credibilidad que preside todo el largometraje. 

Cuenta la historia de un experto en seguridad de prisiones (Stallone) que se enfrenta a su mayor reto: escapar de la prisión que él mismo ha diseñado. Pero las cosas se complican cuando presencia algo que no debería haber visto y que le hace pasar de ser un infiltrado con una misión a estar realmente atrapado, como cualquier otro preso. Para los amantes del cine de acción que se rodaba hace décadas, el film resultará entretenido a ratos. Más allá, no merece especial relevancia ni dentro del citado género ni tampoco en el del subgénero carcelario. 

La dirección corre a cargo del realizador sueco Mikael Håfström, responsable de las películas “Sin control”, cuyo reparto encabezaban Clive Owen y Jennifer Aniston, “1408”, con John Cusack y Samuel L. Jackson y la más reciente “El rito”, con Anthony Hopkins. Prosigue en su misma línea de corrección formal pero de ausencia de brillantez.

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Datos del film
Película: Plan de escape.
Título original: Escape plan.
Dirección: Mikael Håfström.
País: USA. Año: 2013. Género: Acción, thriller.
Interpretación: Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Jim Caviezel, Vinnie Jones, Curtis “50 Cent” Jackson, Amy Ryan, Vincent D’Onofrio, Sam Neill.
Guion: Miles Chapman y Jason Keller.
Producción: Robbie Brenner, Mark Canton, Randall Emmett, George Furla y Kevin King Templeton.
Música: Alex Heffes.
Fotografía: Brendan Galvin.
Montaje: Elliot Greenberg.
Diseño de producción: Barry Chusid.
 Vestuario: Lizz Wolf.

EL CONSEJERO (The Counselor)

No es extraño que los grandes cineastas cuenten en sus filmografías con títulos que desentonan por completo con el resto de su obra. Mantener en lo más alto el nivel de excelencia es muy complicado, sobre todo en carreras profesionales que ya duran cuatro décadas. Es el caso del director y productor británico Ridley Scott, que ha rodado obras maestras como Alien, Blade Runner, Telma & Louise y Gladiador y películas notables como American Gangster, Los duelistas y Black Hawk derribado, pero también cintas tan prescindibles como La teniente O,Neill, sumamente alejada de los mejores filmes del realizador. Sin embargo, esos trabajos de peor calidad son de tal nimiedad numérica que quedan diluidos entre sus sobresalientes contribuciones ya citadas, de modo que cada vez que estrena un nuevo proyecto es conveniente prestarle la atención que merece. Además, si hay algo que destaca en Scott, es su versatilidad a la hora de afrontar con garantías géneros cinematográficos de lo más diverso. Del cine de romanos al bélico, del drama al thriller, puede enorgullecerse de haber contribuido a escribir con todos ellos una parte de la historia del Séptimo Arte. 

Desgraciadamente, con “El consejero” aumenta esa pequeña cuota reservada a los largometrajes fallidos. Con él intenta adentrarse en el suspense, la mafia y el erotismo y fracasa uno a uno en los tres terrenos. De hecho, la parte pretendidamente erótica está integrada en el metraje con calzador. Cuenta la historia de un próspero abogado que decide probar suerte como narcotraficante, en la convicción de que podrá manejar la situación. Sin embargo, pronto comprobará que se ha introducido en un mundo más incontrolable y peligroso de lo que había previsto. 

En mi opinión, se ha incidido más en la estética visual que en el rigor e intensidad del relato y en la credibilidad de los personajes. Para colmo, el aire de modernidad y superficialidad que preside la proyección lastra cualquier posibilidad de que el guion y los actores ganen en consistencia. Así, el intento de apelar al espíritu de “Corrupción en Miami” pero en una versión más contemporánea no prospera. Se reduce exclusivamente a un constante devenir de secuencias con estética de videoclip musical y a looks de lo más “cool”, pero a base de desatender la esencia de este tipo de películas. Por lo tanto, el resultado final es una suma de escenas que, aisladamente, pueden conformar un tráiler muy atrayente pero que, vistas en conjunto y por orden, resultan decepcionantes. Algo sorprendente, habida cuenta que el consagrado novelista Cormac McCarthy ha sido el encargado de elaborar el guion. 

El equipo artístico está formado por destacados intérpretes que realizan su labor con corrección. Tanto Michael Fassbender como Javier Bardem, Brad Pitt, Cameron Diaz o Penélope Cruz integrarían el casting de lujo de cualquier producción y a ninguno de ellos se le puede achacar el incumplimiento de las expectativas creadas. Bien es cierto que los papeles masculinos están mejor perfilados que los femeninos (relegados a un segundo plano y sin posibilidad alguna de lucimiento por parte de las actrices), con unos diálogos destacados que les convierten en el centro de gravedad. Aun así, los actores están lejos de sus mejores registros. Bardem continúa por la senda de los aspectos físicos estridentes, pero sin más similitudes con los anteriores personajes que le han proporcionado fama y reconocimiento. Pitt mantiene el listón a la suficiente altura como para salvarse él de la quema. Y Fassbender sigue lanzando destellos de su gran potencial, que sin duda apreciaremos de nuevo en sus próximos proyectos, como “12 años de esclavitud” de Steve McQueen (acompañado también por Brad Pitt), a cuyas órdenes trabajó en “Shame”, y que ya se perfila como uno de los títulos llamados a acaparar en breve los listados de premios. De hecho el miércoles se dieron a conocer las nominaciones para los “Independent Spirit Awards” y es la cinta con más candidaturas.

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Datos del film

Película: El consejero
Título original: The counselor.
Dirección: Ridley Scott.
País: USA. Año: 2013. Género: Drama.
Interpretación: Michael Fassbender (el consejero), Brad Pitt (Westray), Javier Bardem (Reiner), Penélope Cruz (Laura), Cameron Diaz (Malkina).
Guion: Cormac McCarthy.
Producción: Ridley Scott, Paula Mae Schwartz, Steve Schwartz y Nick Wechsler.
Música: Daniel Pemberton.
Fotografía: Dariusz Wolski.
Montaje: Pietro Scalia.
Vestuario: Janty Yates.
Diseño de producción: Arthur Max.

NOMINADOS A LOS "INDEPENDENT SPIRIT AWARDS" 2014

Se acaba de dar a conocer la lista de los nominados a la 29ª edición de los premios  "Independent Spirit Awards", cuya entrega tendrá lugar el 1 de marzo de 2014. La película de Steve McQueen "12 años de esclavitud" ("12 Years a Slave") la lidera con siete candidaturas. Cada año por estas fechas, el anuncio de estas nominaciones supone el pistoletazo de salida a la temporada de premios cinematográficos, que culminará con la ceremonia de entrega de los Oscar de Hollywood.

Este último trabajo del director de "Shame" y "Hunger" parte como máximo favorito, por delante de "Nebraska" de Alexander Payne -que opta a seis premios- y de "Cuando todo está perdido" (All is Lost), cinta protagonizada por Robert Redford y que acumula cuatro candidaturas Estos tres títulos aspiran al triunfo en la categoría de mejor película, junto con "A propósito de Llewyn Davis" (Inside Llewyn Davis) de los hermanos Coen y la comedia dramática sobre baile "Frances Ha". En cuanto al reconocimiento al mejor director, se decidirá entre Shane Carruth ("Upstream Color"), J.C. Chandor ("Cuando todo está perdido"), Jeff Nichols ("Mud"), Alexander Payne ("Nebraska") y Steve McQueen ("12 años de esclavitud"). 

La lista completa de nominados es la siguiente:

- Mejor película:
12 años de esclavitud
Cuando todo está perdido
Frances Ha
A propósito de Llewyn Davis
Nebraska

- Mejor dirección:
Shane Carruth por “Upstream Color”
J.C. Chandor por “Cuando todo está perdido”
Steve McQueen por “12 años de esclavitud”
Jeff Nichols por “Mud”
Alexander Payne por “Nebraska”

- Mejor actor:
Bruce Dern por “Nebraska”
Chiwetel Eijofor por "12 años de esclavitud”
Oscar Isaac por “A propósito de Llewyn Davis”
Michael B. Jordan por “Fruitvale Station”
Matthew McConaughey por “Dallas Buyers Club”
Robert Redford por “Cuando todo está perdido”

- Mejor actriz:
Cate Blanchett por “Blue Jasmine”
Julie Delpy por “Antes del anochecer”
Gaby Hoffman por “Crystal Fairy”
Brie Larsson por “Short Term 12″
Shailene Woodley por “The Spectacular Now”

-Mejor actor de reparto:
Michael Fassbender por “12 años de esclavitud”
Will Forte por “Nebraska”
James Gandolfini por “Enough Said”
Jared Leto por “Dallas Buyers Club”
Keith Stanfield por “Short Term 12″

- Mejor actriz de reparto:
Melonie Diaz por “Fruitvale Sation”
Sally Hawkins por “Blue Jasmine”
Lupita Nyong’o por “12 años de esclavitud”

- Mejor guión:
Blue Jasmine
Antes del anochecer
Enough Said
12 años de esclavitud
The Spectacular Now

- Mejor ópera prima:
“Blue Caprice” de Alexandre Moors
“Fruitvale Station” de Ryan Coogler
“Una noche” de Lucy Mulloy
“La bicicleta verde” de Haifaa Al Mansour
“Concussion” de Stacie Passon

- Mejor guión novel:
Don Jon
In a world
Nebraska
Afternoon Delight
The Inevitable Defeat of Mister and Pete

- Mejor documental:
20 Feet from Stardom
After Tiller
Gideon’s Army
The Act of Killing
The Square

- Mejor película extranjera:
A Touch of Sin (China)
La vida de Adèle (Francia)
Gloria (Chile)
La gran belleza (Italia)
La caza

- Mejor fotografía:
12 años de esclavitud
A propósito de Llewyn Davis
Nebraska
Afternoon Delight
Spring Breakers

- Mejor montaje:
Upstream Color
Museum Hours
Cuando todo está perdido
Computer Chess

 - Premio a los productores:
Toby Halbrooks & James M. Johnston
Jacob Jaffke
Andrea Roa
Frederick Thornton

 - Premio Someone to Watch (Director que aún no ha sido reconocido):
“My Sister’s Quinceañera” de Aaron Douglas Johnston
“Newlyweeds” de Shaka King
“The Foxy Merkins” de Madeline Olnek

 - Premio Truer than fiction (A un largo documental que merece ser descubierto):
Toby Halbrooks & James M. Johnston
Jacob Jaffke
Andrea Roa
Frederick Thornton

 - Premio Robert Altman:
  Al director de casting y al reparto de "Mud" de Jeff Nichols

KATHRYN BIGELOW

La directora, guionista y productora estadounidense Kathryn Bigelow nació en la ciudad californiana de San Carlos el 27 de noviembre de 1951.
Hija del responsable de una fábrica de pintura y de una bibliotecaria, Bigelow quería ser pintora en su adolescencia. Tomó clases en el San Francisco Art Institute y llegó a trabajar en el Whitney Museum de Nueva York y con el grupo británico Art and Language. Asimismo, estudió cine en la Universidad de Columbia y acudió al California Institute of Arts. 

A finales de los años 70 comenzó a rodar cortometrajes. Su primer largo, “The Loveless” (1982), film sobre el mundo de las motos protagonizado por Willem Dafoe, lo codirigió con Monty Montgomery. Debutó en solitario con el singular western de vampiros “Los viajeros de la noche” (1987).
En la década de los 80 realizó además algunos videoclips musicales, como los del grupo New Order, y se casó con su colega de profesión James Cameron. En 1991, apenas dos años                                                                   después del enlace, la pareja se divorció. 

Ya en los 90, en el thriller policial “Acero Azul” (1989), con la actriz Jamie Lee Curtis, la cineasta demostró sus dotes para crear tensas escenas de acción. Posteriormente, “Le llaman Bodhi” (1991) se convirtió en uno de sus títulos más conocidos. Con Patrick Swayze y Keanu Reeves al frente del equipo artístico, mezclaba el suspense con la acción y el surf. En la intriga de ciencia-ficción “Días extraños” (1995) contó con Ralph Fiennes para el papel principal y con su ex marido James Cameron asumiendo las labores de guionista y productor.
Iniciado el nuevo siglo, en el drama psicológico “El peso del agua” (2000) adaptó una novela de Anita Shreve y encargó los personajes centrales a Sean Penn y Elizabeth Hurley, mientras que en “K-19” (2002) fue Harrison Ford el encargado de encabezar el reparto de una historia de submarinos en tiempos de la Guerra Fría.
Se trata de la primera mujer que ha obtenido una estatuilla a la mejor dirección, así como el "Directors Guild of America Award for Outstanding Directing–Feature Film", galardón del Sindicato de Realizadores de Estados Unidos, ambos por la cinta "En tierra hostil" (2008), ganadora de seis Oscars de la Academia de Hollywood y que refleja las vicisitudes de un grupo de élite militar dedicado a desactivar explosivos en Iraq. También fue reconocida por ella como mejor productora. Más tarde filmó la captura y muerte de Osama Bin Laden en "La noche más oscura" (2012), volviendo a optar una vez más a la popular estatuilla dorada.

Secuencia de "Le llaman Bodhi" (versión original)




Secuencia de "En tierra hostil" (versión original)





Secuencia de "La noche más oscura" (versión original)

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS (The Hunger Games: Catching Fire)

No he leído ninguno de los libros de Suzanne Collins que forman la trilogía “Los juegos del hambre”. Por eso, tras visionar el año pasado su adaptación a la gran pantalla y asistir al anuncio del rodaje de la segunda parte en plena promoción de la primera, presupuse el enésimo intento de los productores de exprimir al máximo la fórmula de éxito aun a riesgo de esquilmar lo que pudiera aportar al cine que, dicho sea de paso, no sé si es mucho o poco. La versión cinematográfica de “Los juegos del hambre” estaba especialmente destinada a un público adolescente y juvenil, con el que conectó mayoritariamente. Se trataba de un film correcto, ágil y visualmente atractivo que, pese a todo, no lograba desprenderse de la etiqueta de producto menor, de creación prefabricada en función del deseo del público y no del mensaje que el artista deseaba trasmitir. En definitiva, destilaba cierto tufillo de falsedad, heredero de un estilo marcado por una generación influenciada en demasía por la cadena televisiva MTV. Sin entusiasmarme en absoluto, sí creo que la mayoría de sus críticas negativas eran excesivas y que, sin alcanzar un nivel superior, ofrecía propuestas interesantes. 

El caso es que destinar determinado producto a un público muy concreto presenta ventajas e inconvenientes. En este caso, nos hallamos ante un título ideado y publicitado para el segmento juvenil de la población y que, por lo tanto, elimina de entrada un porcentaje de espectadores, de tal manera que su finalidad consiste en agradar a ese concreto perfil de consumidor. Este razonamiento, impecable desde un punto de vista comercial pero muy discutible desde un punto de vista artístico, continúa presidiendo la continuación del relato. Así, gustará mucho a sus fieles seguidores pero continuará resultando artificial e incompresible a otros. Aun así, su éxito está asegurado y la tercera entrega puesta en marcha. Al tratarse de la última del formato literario, los avispados productores han decidido dividirla en dos entregas cinematográficas (“Los juegos del hambre 3” parte 1 y “Los juegos del hambre 3” parte 2), cuyo estrenos están previstos para 2014 y 2015 respectivamente, lo que constituye una conducta cada vez más común de las grandes productoras en los últimos años y que, pese a su mal gusto, se ha generalizado sin aparente oposición. Personalmente, yo me rebelo, obviamente sin éxito. 

No obstante, considero que esta segunda entrega es claramente mejor que su antecesora, quebrándose así el dicho de que “segundas parte nunca fueron buenas” y la tendencia bastante consolidada que impone la decadencia y la mediocridad a estas trilogías que terminan por eternizarse. Está bien realizada y es más osada y valiente en sus planteamientos y críticas. Mejora en los aspectos de la recreación artística y de la técnica, llegando incluso a contar con un guión más elaborado. Narra cómo la protagonista, Katniss Everdeen, vuelve a casa sana y salva tras ganar los 74º Juegos del Hambre anuales. Ha tenido que dejar atrás a su familia y amigos para llevar a cabo el denominado “Tour de la Victoria” por los diferentes distritos del recorrido. Es entonces cuando vislumbra que se está gestando una rebelión, aunque en el Capitolio todo sigue aparentemente bajo control, mientras el Presidente organiza los 75º Juegos del Hambre. 

La protagonista absoluta de este elenco lleno de actores famosos (Woody Harrelson, Donald Sutherland, Stanley Tucci y Philip Seymour Hoffman, entre otros) es Jennifer Lawrence, a quien considero una muy buena actriz, con suficiente calidad tanto para sostener una superproducción de este tipo como para abordar otra clase de papeles con versatilidad y brillantez. Ganadora de un Oscar por “El lado bueno de las cosas”, su capacidad artística para asombrarnos en el futuro es innegable. Por mi parte, espero que el triunfo de esta saga le sirva como trampolín definitivo.

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Datos del film
Película: Los Juegos del Hambre: En llamas.
Título original: The Hunger Games: Catching fire.
Dirección: Francis Lawrence.
País: USA. Año: 2013. Duración: 145 min. Género: Drama, ciencia-ficción.
Interpretación: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Elizabeth Banks (Effie), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Liam Hemsworth (Gale), Lenny Kravitz (Cinna), Stanley Tucci (Caesar), Toby Jones (Claudius), Philip Seymour Hoffman (Plutarch), Jena Malone (Johanna Mason), Amanda Plummer (Wiress), Sam Claflin (Finnick Odair), Jeffrey Wright (Beetee), Donald Sutherland (presidente Snow).
Guion: Simon Beaufoy y Michael Arndt; basado en la novela de Suzanne Collins.
Producción: Nina Jacobson y Jon Kilik.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Jo Willems.
Montaje: Alan Edward Bell.
Diseño de producción: Philip Messina.
Vestuario: Trish Summerville.

HOMENAJE A LA PELÍCULA "EL GOLPE" EN EL 40º ANIVERSARIO DE SU ESTRENO (Tribute to the movie "The Sting" on the 40th anniversary of its release)

El próximo mes de diciembre se celebra el 40 aniversario del estreno mundial de la película “El Golpe” (The Sting), dirigida por George Roy Hill y cuyo cartel reunió de nuevo a Paul Newman y Robert Redford, tras haber protagonizado conjuntamente y bajo las órdenes del mismo realizador la cinta “Dos hombres y un destino”. El film obtuvo siete Oscars (película, director, guion original, dirección artística, diseño de vestuario, montaje y  banda sonora) y acumuló otras tres nominaciones (actor principal para Robert Redford, fotografía y sonido). 

Cuenta la historia de unos estafadores de poca monta que roban una gran cantidad de dinero al correo de un importante jefe mafioso. Uno de ellos es asesinado por los secuaces de éste, el más poderoso gangster de la ciudad, Doyle Lonnegan (Robert Shaw), en venganza por el robo del que ha sido objeto. Tras el revuelo generado por el asesinato de su compañero, Johnny Hooker (Robert Redford) decide mudarse a otra ciudad. Será allí donde, junto con una leyenda del mundo de la estafa, Henry Gondorff (Paul Newman), y otros colegas preparará «el golpe» que vengará a su amigo muerto. 

"El golpe" figura de forma permanente en las listas de mejores títulos de la historia del cine, suponiendo un formidable entretenimiento y una lección de interpretación y puesta en escena. Además, su banda sonora contiene una de las melodías más recordadas y celebradas del Séptimo Arte. El largometraje consiguió un rotundo éxito de taquilla y sirvió para mostrar una vez más en las pantallas la extraordinaria química existente entre sus dos estrellas protagonistas, Robert Redford y Paul Newman.







Algunas escenas de la película

MALAVITA (The Family)

Reconozco que durante las primeras escenas de “Malavita” pensé que Luc Besson había retornado al estilo de sus películas de principios de los noventa cuando, tras asombrar con la inclasificable y magnética “El gran azul”, revitalizó el cine de acción europeo con “Nikita: Dura de matar” y, sobre todo, con “León: El profesional”, auténtica obra de culto que, además de ser la carta de presentación de la maravillosa Natalie Portman, supuso una visión diferente para un género muy proclive al encasillamiento y a la reiteración de tópicos. De modo que comencé a visionar su último trabajo con ilusión, deseando encontrar en él los valores y las señas de identidad que antaño hicieron de su director un cineasta singular y brillante. Por desgracia, mis expectativas pronto se vieron frustradas y aquel arranque prometedor se tornó en meramente correcto para, finalmente, derivar en un producto final más bien mediocre.

En mi opinión, Besson se ha americanizado en el peor sentido de la expresión. Su propuesta de combinar acción y comedia encaja en ese estilo vulgar de las producciones llegadas del otro lado del Atlántico y que, por regla general, pecan de una clase de humor que, lejos de favorecer la intensidad y emoción de las narraciones, las lastran. Es verdad que algunas secuencias aisladas sí funcionan pero, en su conjunto, conforman una obra menor y, por ende, prescindible dentro de la filmografía del realizador francés. De hecho, su carrera profesional comenzó a zigzaguear cuando se encargó de la trilogía infantil de Arthur (Arthur y los Minimoys, Arthur y la venganza de Maltazard y Arthur 3: La guerra de los mundos), manifestando una evidente pérdida de la frescura, originalidad y valentía que definían sus primeros títulos. No sé si fue noticia o mero rumor pero en su día se publicó que el director parisino abandonaría las cámaras después de rodar diez largometrajes. Aquel límite numérico se cumplió precisamente mientras estaba inmerso en el citado mundo fantástico destinado a los niños pero, por lo visto, ha roto su promesa y me temo que ese cambio de criterio no ha sido para bien.

“Malavita (The Family)” cuenta la historia de la familia de un mafioso supuestamente retirado que se traslada a Normandía dentro de un programa de protección de testigos. El curioso grupo tratará de hacer todo lo posible por encajar en su nuevo barrio y con sus recién conocidos vecinos pero les resultará una misión muy difícil, ya que sus viejos hábitos y antiguas costumbres delictivas quedarán al descubierto en la tranquila región gala.

El elenco de actores destaca por su brillantez. Sin embargo, es innegable que hay que remontarse varios años para encontrar un buen papel de Tommy Lee Jones, una década para uno de Michelle Pfeiffer y, en el caso de Robert de Niro, retornar directamente al siglo pasado. Todos ellos son extraordinarios intérpretes y cuentan con una plaza reservada entre los grandes del Séptimo Arte. Juntos suman tres Oscars y catorce nominaciones a la estatuilla dorada pero, bien sea por no disponer de personajes adecuados, bien sea por haber orientado mal sus carreras, lo cierto es que hay que retrotraerse largo y tendido para admirar sus mejores interpretaciones. Este film tampoco les servirá para repuntar sus trayectorias. Eso explica que sean dos jóvenes tan poco conocidos como Dianna Agron (una de las participantes de la serie televisiva “Glee”) y John D'Leo (que actuó como secundario en “El luchador” de Darren Aronofsky) quienes protagonicen las mejores escenas y se esfuercen en neutralizar el tedio.

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Datos del film
Película: Malavita.
Título original: The family.
Dirección: Luc Besson.
Países: USA y Francia. Año: 2013. Duración: 111 min. Género: Comedia negra.
Interpretación: Robert De Niro (Fred Blake / Giovanni Manzoni), Michelle Pfeiffer (Maggie), Tommy Lee Jones (Robert Stansfield), Dianna Agron (Belle), John D’Leo (Warren).
Guion: Luc Besson y Michael Caleo; basado en la novela de Tonino Benacquista.
Producción: Luc Besson, Ryan Kavanaugh y Virginie Silla.
Música: Evgueni Galperine y Sacha Galperine.
Fotografía: Thierry Arbogast.
Diseño de producción: Hugues Tissandier.
Vestuario: Aude Bronson-Howard y Olivier Bériot.

NOMINACIONES DE LA ACADEMIA DE CINE EUROPEO (Nominations for the European Film Awards 2013)

Los realizadores españoles Pablo Berger y Pedro Almodóvar optarán a los grandes premios que la Academia de Cine Europeo (EFA) entregará el próximo día 7 de diciembre en Berlín. "Blancanieves", el film en blanco y negro dirigido por Berger, es uno de los seis candidatos a mejor película europea de esta edición, mientras que la última historia de Almodóvar, "Los amantes pasajeros", luchará por el galardón a la mejor comedia de 2013, una categoría que se estrena en esta 26ª gala. El manchego recibirá, asimismo, un reconocimiento honorífico “por su contribución europea al cine mundial”. Pablo Berger también es candidato a mejor director, mientras que Paco Delgado ha resultado el ganador de mejor diseño de vestuario por su peculiar "Blancanieves".

El anuncio de las nominaciones, que serán votadas por los 2.900 académicos europeos, se acaba de hacer público en Sevilla, en el marco del Festival de Cine Europeo. La participación española se completará con la candidatura de la actriz Naomi Wats por su interpretación en "Lo imposible" de Juan Antonio Bayona y con la cinta "La plaga", dirigida por Neus Ballús, que opta al Premio del Descubrimiento junto con otros cuatro realizadores noveles.

Nominados a mejor película:

La mejor oferta (Giuseppe Tornatore).

Blancanieves (Pablo Berger).

The Broken Circle Breakdown (Felix van Groeningen).

La gran belleza (Paolo Sorrentino).

Oh Boy¡ (Jan Ole Gerster).

La vida de Adèle (Adelatiff Kechiche).

Nominados a mejor comedia:

Los amantes pasajeros (Pedro Almodóvar).

Benvenuto presidente! (Riccardo Milani).

Amor es todo lo que necesitas (Susanne Bier).

Svecenikova (Vinko Bresan).

Nominados a mejor director:

Pablo Berger (Blancanieves).

Felix van Groeningen (The Broken Circle Breakdown).

Abdellatif Kechiche (La vida de Adèle).

François Ozon (En la casa).

Paolo Sorrentino (La gran belleza).

Giuseppe Tornatore (La mejor oferta).

Nominadas a mejor actriz:

Keira Knightley (Anna Karenina).

Veerle Baetens (The Broken Circle Breakdown).

Barbara Sukowa (Hannah Arendt).

Naomi Watts (Lo imposible).

Luminita Gheorghiu (Pozitia Copilului).

Nominados a mejor actor:

Jude Law (Anna Karenina).

Johan Heldenbergh (The Broken Circle Breakdown).

Fabrice Luchini (En la casa).

Toni Servillo (La gran belleza).

Tom Schilling (Oh Boy!).

Nominados a mejor guion:

Tom Stoppard (Anna Karenina).

Giuseppe Tornatore (La mejor oferta).

Carl Joos y Felix van Groeningen (The Broken Circle Breakdown).

François Ozon (En la casa).

Paolo Sorrentino y Umberto Contarello (La gran belleza).