RESACÓN 3 (The Hangover Part III)

Decía Winston Churchill que "el humor es una cosa muy seria", seguramente por la importancia que tiene afrontar la vida con una buena dosis de comicidad. Abundando en esa idea, rodar una comedia es un propósito que, para que salga bien, debe tomarse muy en serio. Del mismo modo que un buen musical no se reduce a juntar unas canciones con otras, una buena comedia no consiste en una simple concatenación de “gags”, dejando al margen si las situaciones plasmadas en la pantalla son graciosas o no. Cada persona tiene su particular sentido del humor y lo que a algunas les hace reír, a otras les produce la indiferencia más absoluta. Me refiero a narrar una buena historia con maestría, contando con personajes interesantes y, además, provocando risas y sonrisas durante buena parte del metraje. En definitiva, divirtiendo al público. Sin embargo en este caso, como en tantos otros, no se parte de una idea brillante que, una vez desarrollada, se convierta en largometraje. Aquí, simplemente, se reitera la intención de utilizar una fórmula que años atrás ya generó cuantiosos beneficios. Se trata de exprimir al máximo la gallina de los huevos de oro, aun a riesgo de que el animal fallezca. 

En el año 2009, los inesperados y deslumbrantes resultados de “Resacón en Las Vegas” sorprendieron incluso a sus propios creadores. Con un coste de apenas treinta y cinco millones de dólares, recaudaron mundialmente más de cuatrocientos sesenta, además de obtener el prestigioso Globo de Oro a la mejor película en la categoría de comedia. Visto lo visto, su segunda parte apenas tardó un par de años en llegar a las salas de proyección. En aquella ocasión, y pese a contar con el doble de presupuesto, redujo sus ingresos en el mercado estadounidense, si bien su rentabilidad continúo siendo muy elevada. Por eso, y sólo por eso, se estrena ahora el tercer “Resacón”, con el triple de inversión (sí, han leído bien, más de cien millones de dólares ha costado su rodaje) y con unas cifras en taquilla nuevamente a la baja tras su primer fin de semana de exhibición. No obstante, sospecho que hasta que los productores no vislumbren los números rojos, no estarán por la labor de frenar sus aspiraciones de hacer caja. 

Reconozco que algunas escenas tienen su gracia pero son cada vez más escasas y con peor fortuna. Rozan el ridículo con mayor frecuencia y su contenido carece de importancia e interés. La única pretensión se centra en reunir a los mismos personajes de antaño con la esperanza de que, llevados por la inercia, los espectadores adquieran de nuevo una entrada. Se juega con la baza de que vayan con la sonrisa puesta de antemano, animados por el recuerdo de las dos primeras entregas, pero la decadencia se ha adueñado de forma innegable de esta última parte de la trilogía. Por ello, aventuro que la sensación de la inmensa mayoría al salir del cine será peor que al entrar. 

El equipo artístico repite, con Todd Phillips como guionista y director y con los actores Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis dando vida al alocado trío protagonista. También aparecen en papeles secundarios John Goodman y Heather Graham. Ninguno de ellos consigue evitar el regusto a refrito, similar al que resulta de cocinar la cena con las sobras del almuerzo. “La vida tiene un pésimo sentido del humor” decía Patrick Swayze al final de "Le llaman Bodhi". En mi opinión, algunos cineastas también.

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Datos del film:
Película: Resacón 3. Título original: The hangover: Part 3.
Dirección: Todd Phillips.
País: USA. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Comedia.
Interpretación: Bradley Cooper (Phil), Ed Helms (Stu), Zach Galifianakis (Alan), Justin Bartha (Doug), Ken Jeong (Sr. Chow), Heather Graham (Jade), Mike Epps (Black Doug), Jamie Chung (Lauren), John Goodman (Marshall), Jeffrey Tambor (Sid).
Guion: Todd Phillips y Craig Mazin; basado en los personajes creados por Jon Lucas y Scott Moore.
Producción: Daniel Goldberg y Todd Phillips.
Música: Christophe Beck.
Fotografía: Lawrence Sher.
Montaje: Jeff Groth y Debra Neil-Fisher.
Diseño de producción: Maher Ahmad.
Vestuario: Louise Mingenbach.

ANNETTE BENING

La actriz estadounidense Annette Carol Bening nació en Topeka, Kansas, el 29 de mayo de 1958. Candidata al Oscar en cuatro ocasiones y al Globo de Oro en otras siete, ha obtenido dos de estos galardones. Siendo niña se trasladó con su familia a la localidad californiana de San Diego, donde comenzó a interesarse por la interpretación. Terminados sus estudios, actuó en el Teatro Conservatorio de San Francisco y posteriormente se trasladó a Nueva York para profundizar en experiencia y conocimientos teatrales. En los escenarios de la Gran Manzana alcanzó un éxito considerable, hasta el extremo de ser nominada a un premio Tony por su interpretación en la obra "Coastal Disturbances".

Antes de debutar en 1988 en la pantalla grande en la película "Dos cuñados desenfrenados", participó en un capítulo de la célebre serie de televisión "Corrupción en Miami". Más tarde formó parte del elenco de “Valmont” (1989), una versión de “Las amistades peligrosas” dirigida por Milos Forman y de “Postales desde el filo” (1990) de Mike Nichols. La cinta "Los timadores" (1990), co-protagonizada por Anjelica Huston y John Cusack, le catapultó a la fama y le supuso su primera nominación a la estatuilla de Hollywood en la categoría de mejor actriz secundaria. 

En la década de los noventa intervino en largometrajes notables como "Bugsy" (1991), que le reportó su primera candidatura al Globo de Oro, “A propósito de Henry” (1991) nuevamente a las órdenes de Mike Nichols, “Un asunto de amor (Love Affair)” (1994) de Glen Gordon Caron, "El Presidente y Miss Wade" (1995), comedia dirigida por Rob Reiner, "Mars Attacks" (1996) de Tim Burton, “Estado de sitio” (1998) de Edward Zwick o "American Beauty" (1999), film de Sam Mendes por el que optó nuevamente al Oscar, en esta ocasión como mejor actriz principal. 

En 1992 contrajo matrimonio con el polifacético cineasta Warren Beatty, con quien ha tenido cuatro hijos: Kathlyn, Benjamin, Isabel y Ella Corinne. 

Otros títulos de su filmografía son "Open Range" (2003), western dirigido y protagonizado por Kevin Costner, "Conociendo a Julia" (2004), junto a Jeremy Irons -por él fue nuevamente nominada al Oscar, aunque obtuvo finalmente el Globo de Oro como mejor actriz de comedia- y "Recortes de mi vida" (2006), donde compartió cartel con Alec Baldwin. En "The Women" (2008) interpretó el papel de Sylvia Fowler, mientras que en "Madres e hijas" (2010) dio vida a la madre de Naomi Watts. Acreedora de otro Golden Globe por "The Kids Are Allright" (2010), todavía atesora otra candidatura más al Oscar.


Escena de la película "Bugsy" (en versión original)





Escena de la película "American Beauty" (en versión original)

A TODO GAS 6 (Fast & Furious 6)

Decía Truman Capote que “el buen gusto es la muerte del arte”. Llevada esta literalidad al extremo se podría afirmar que la sexta entrega de “Fast & Furious” es arte en estado puro. Las bases sobre las que se construye la saga “A todo gas” son bastante primitivas pero, quizá por eso mismo, resultan muy efectivas. Chicos musculosos, chicas despampanantes y coches deportivos. Estos ingredientes bastan para atraer a la mayoría de su público, al estilo de las ferias de automóviles donde las modelos se montan sobre las carrocerías para vender mejor el producto, o de los videojuegos en los que se acumulan puntos ganando carrera a base de derrapes imposibles y choques devastadores, o de los espectáculos de lucha cuyos participantes hacen disfrutar a los espectadores gracias a puñetazos falsos y golpes coreografiados. Es evidente que, pese a su éxito, son ofertas que no pueden deshacerse de ese componente hortera. 

Existen pequeñas diferencias entre las seis cintas estrenadas hasta la fecha (ya está en marcha el rodaje de la séptima, que se estrenará en el 2014) que benefician a unas respecto de otras, pese a que en todas ellas los elementos comunes ya descritos son permanentes e inalterables. En concreto, la que ahora llega a las pantallas es una de las mejores. Una correcta realización, unas buenas escenas de acción y un montaje ágil potencian sus aspectos más positivos, aunque no prescinda de esa esencia de vulgaridad sobre la que, a modo de consigna, se cimienta la historia. Por ello, no es descabellado augurar que el film gustará e, incluso, entusiasmará a los incondicionales de la saga, teniendo en cuenta que el nivel no sólo se mantiene sino que aumenta, superando así cualquier expectativa. Quienes consideramos que los largometrajes anteriores no cumplían con los requisitos mínimos exigibles para una crítica positiva, estas mejoras realizadas en las secuencias de acción son insuficientes para reflotar una franquicia que nació hundida, de la misma manera que multiplicar no implica un aumento del resultado cuando la cifra a la que se aplica el factor multiplicador es cero. 

En esta ocasión, la pareja protagonista se ha retirado tras hacerse con un botín de cien millones de dólares. Pese a estar huidos y escondidos como prófugos de la justicia, el agente interpretado por Wayne Johnson recurre a ellos para que le ayuden a atrapar a una banda de conductores mercenarios. A cambio, dejarán de estar perseguidos por la ley. A partir de ahí, carreras y persecuciones sobre ruedas vuelven a ser el fundamento de esta, por poco tiempo, última aventura. 

Rodada parcialmente en la isla de Tenerife, los habitantes de la isla podrán reconocer fácilmente varias localizaciones que aparecen en la proyección. El archipiélago canario se ha convertido en un plató de rodaje muy solicitado por las grandes productoras. Tras “Furia de Titanes” y “Fast & Furious 6”, el mismísimo Ridley Scott ha escogido a las Afortunadas para uno de sus próximos proyectos.

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Datos del film

Película: Fast & furious 6.
Dirección: Justin Lin. País:
USA. Año: 2013. Duración: 130 min. Género: Acción.
Interpretación: Vin Diesel (Dominic Toretto), Paul Walker (Brian O’Conner), Dwayne Johnson (Luke Hobbs), Luke Evans (Owen Shaw), Michelle Rodriguez (Letty), Jordana Brewster (Mia), Michelle Rodriguez (Letty), Elsa Pataky (Elena), Sung Kang (Han Lue), Tyrese Gibson (Roman), Gal Gadot (Gisele), Ludacris (Tej Parker), Gina Carano (Riley).
Guion: Chris Morgan; basado en los personajes creados por Gary Scott Thompson.
Producción: Vin Diesel, Neal H. Moritz y Clayton Townsend.
Música: Lucas Vidal.
Fotografía: Stephen F. Windon.
Montaje: Kelly Matsumoto y Christian Wagner.
Diseño de producción: Jan Roelfs.
Vestuario: Sanja Milkovic Hays.

STOKER

El surcoreano Chan-wook Park es uno de esos cineastas orientales que ha llamado la atención de la industria y del público occidental. Muy alejado de otros directores de las mismas latitudes que han orientado sus carreras por potenciar las escenas coreografiadas, en las que se ruedan las secuencias, ya sean de acción o no, como si de un baile se tratase, este todavía gran desconocido para la mayoría del público comenzó a impresionar con “Old Boy” una cinta inclasificable en la que la intriga y la violencia se mostraba de forma cruda en ese ambiente de constante de intensidad mística en el que tanto se recrean los directores de esas culturas lejanas. El anterior título, junto con “Sympathy for Mr. Vengeance” y “Sympathy for Lady Vengeance” forman una inusual y extravagante trilogía con la que comenzó a hacerse con un grupo de seguidores. 

Ahora ha dado el salto al mundo anglosajón y estrena su primera película rodada bajo una productora estadounidense, pero Chan-wook Park no abandona su estilo de intriga sugerente y con gran protagonismo para los silencios sobre los diálogos, para lo que se intuye sobre lo que se muestra abiertamente, dejando margen al espectador para que rellene las “lagunas” que ese aparente vacío deja. Siempre quedará la duda de si esta técnica de jugar con este peculiar estilo narrativa esconde una creatividad intencionada o responde más bien a cierta cobardía para no ser más explícito y mostrar sin reparos al público lo que tiene en su mente pero, conociendo un poco a Chan-wook Park, yo apuesto más por lo primero. Cuenta la historia de una joven que pierde a su padre en un accidente de coche justo el día en que cumple 18 años. A partir de ese momento, su existencia da un vuelco. Su carácter complejo parecía que sólo su padre podía comprenderlo. De forma sorpresiva aparece su tío, el cual decide hacerse cargo de ella y de su inestable madre. Entorno a ellos comienza a tejerse una extraña relación que evoluciona desde la desconfianza inicial hacia otra en la que parece haber más afinidades. 

Rodada con un estilo muy pausado, es posible que pueda aburrir a los amantes de las intrigas basadas en la acción. Pese a poder clasificarse este largometraje como un thriller o como una cinta de intriga, se aleja por completo de las clásicas apuestas de estos géneros, para adentrarse en tramas más psicológicas y descriptivas que las típicas derivadas de la acción intensa basadas en secuencias de gran fuerza visual. El realizador sí prescinde de la violencia más explícita que uso sin reparos en sus primeros trabajos para potenciar los aspectos más dramáticos de los personajes. He leído en algunas otras críticas que Alfred Hitchcock estaría orgulloso de esta obra. Quizá sea muy aventurado afirmarlo pero, desde luego, es una película interesante y original que invita a seguir más de cerca la carrera de este director. 

Muy destacadas son las interpretaciones de sus dos protagonistas. Mia Wasikowska haciendo de la adolescente y Nicole Kidman de su madre. La primera ya ha demostrado que tiene potencial en la versión de “Jane Eyre” de Cary Fukunaga o en la visionaria obra de Tim Burton sobre “Alicia en el país de las maravillas”. De Nicole Kidman poco hay que decir, sus apariciones en títulos como “Las horas”, “Cold Mountain”, “Moulin Rouge” o “Los otros” la hacen ya merecedora de ser tratada como una de las grandes de la escena internacional.

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Datos del film

Película: Stoker.
Dirección: Park Chan-wook.
País: USA. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Drama, suspense.
Interpretación: Mia Wasikowska (India Stoker), Matthew Goode (Charles Stoker), Nicole Kidman (Evelyn Stoker), Dermot Mulroney (Richard Stoker), Jacki Weaver (Gwendolyn Stoker), Lucas Till (Pitts), Alden Ehrenreich (Whip), Phyllis Somerville (Sra. McGarrick), Ralph Brown (sheriff), Judith Godrèche (Dra. Jacquin).
Guion: Wentworth Miller.
Producción: Ridley Scott, Tony Scott y Michael Costigan.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Chung Chung-hoon.
Montaje: Nicolas De Toth.
Diseño de producción: Thérèse DePrez.
Vestuario: Kurt Swanson y Bart Mueller.

EL GRAN GATSBY (The Great Gatsby)

De las diferentes clasificaciones de cineastas, una es la que los agrupa en función de su grado de apego a la narración realista o, por el contrario, de su predisposición a la irrealidad de las historias que cuentan. No estoy hablando de ciencia ficción ni de ningún otro género por el estilo. Tanto los dramas como las comedias se pueden filmar con estilos diversos para, así, ofrecer al espectador imágenes creativas y situaciones no tan fieles a lo cotidiano sin por ello transmitir un mensaje menos certero. En la película de Clint Eastwood “Medianoche en el jardín del bien y del mal” se afirmaba que “la verdad, igual que el arte, está en el ojo del que la mira”. Pues bien, en el cine -como en la pintura- existen unos artistas que se acercan al hiperrealismo mientras que otros se elevan y ofrecen un universo alternativo. En ese sentido, Bazz Luhrmann es el Salvador Dalí del Séptimo Arte. 

Quien haya visto su versión de “Romeo y Julieta” sabrá perfectamente de lo que hablo. Posiblemente no exista una adaptación más alejada de lo que desprende la simple lectura de la obra de Shakespeare. Sin embargo, y aunque cueste creerlo, no se aleja de la esencia del libreto. En cuanto a “Moulin Rouge”, se rodó con fórmulas más cercanas al cómic y al género de animación que a las del musical tradicional. Dejando al margen el largometraje “Australia”, que desentona en su filmografía de forma evidente, los títulos de Luhrmann constituyen una permanente loa a la imaginación y a la intensidad visual. En ellos el rojo es más rojo, el azul es más azul y, contemplados en su conjunto, se traducen en espectáculos mentirosos al servicio de la verdad. 

Por lo tanto, advierto que nadie espere ver con este último proyecto ni una recreación fiel de la novela de Scott Fitzgerald ni una visión más aproximada que la rodada por Jack Clayton en 1974, con un extraordinario Robert Redford dando vida a su protagonista. Quien caiga en ese error, saldrá decepcionado. Aquí el realizador juega literalmente con la cámara, es decir, se divierte y ejecuta su misión de forma desenfadada y alejada de imposiciones académicas. Por ello, quienes opten por criticar su estilo lo tendrán muy fácil. Bastará con que afirmen que utiliza los efectos visuales para desviar la atención de lo realmente importante: la trama y los personajes. En otras palabras, que potencia el envoltorio en detrimento del fondo. De modo que, todos aquellos que desaprueben esa variante narrativa y la consideren una ofensa al texto original, encontrarán argumentos de sobra para desacreditar la cinta. 

Pero, si quieren saber mi opinión, no sólo me ha gustado mucho sino que, al contrario de lo que pudiera pensarse, no creo que se aleje tanto de su antecesora de la década de los setenta. Simplemente, es otro estilo de contar la misma historia y lo cierto es que se agradece. Creo que no hubiera tenido ningún sentido repetir el formato de hace cuarenta años, por más que tanto el film como el guion de Francis Ford Coppola y el equipo artístico fuesen espléndidos. A poco que el público sea capaz de abrir su mente, podrá disfrutar de esta recreación plena de fantasía. 

Los actores merecen una especial mención. Leonardo DiCaprio sigue atesorando interpretaciones memorables. Tras sus magníficas participaciones en “El aviador”, “Infiltrados”, “Diamantes de sangre” u “Origen”, por citar solo algunas, vuelve a demostrar las sobradas razones que le convierten en uno de los grandes. Le acompañan, aunque un tanto eclipsados por el protagonista, los también acertados Tobey Maguire (“Jóvenes prodigiosos”, “Las normas de la casa de la sidra”, “Spiderman”) y Carey Mulligan ( “An Education”, “Drive”, “Shame”).

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Making of de la película

Datos del film
Película: El gran Gatsby (3D). Título original: The great Gatsby (3D).
Dirección: Baz Luhrmann.
Países: Australia y USA. Año: 2013. Duración: 143 min. Género: Drama, romance.
Interpretación: Leonardo DiCaprio (Jay Gatsby), Tobey Maguire (Nick Carraway), Carey Mulligan (Daisy Buchanan), Joel Edgerton (Tom Buchanan), Isla Fisher (Myrtle Wilson), Jason Clarke (George Wilson), Elizabeth Debicki (Jordan Baker).
Guion: Baz Luhrmann y Craig Pearce; basado en la novela “El gran Gatsby”, de F. Scott Fitzgerald.
Producción: Baz Luhrmann, Catherine Martin, Douglas Wick, Lucy Fisher y Catherine Knapman.
Música: Craig Armstrong.
Fotografía: Simon Duggan.
Montaje: Jason Ballantine, Matt Villa y Jonathan Redmond.
Diseño de producción: Catherine Martin.

FESTIVAL DE CANNES 2013 (The Cannes International Film Festival 2013)

El Festival de Cannes, que se celebra en la ciudad francesa que le da nombre, está acreditado por la FIAPF en la categoría "A",  junto a los certámenes de Berlín, San Sebastián, Mar del Plata, Karlovy Vary y Venecia, entre otros. Esta edición de 2013 se desarrolla entre los días 15 y 26 mayo.

Se ha reducido a 19 el número de películas que compiten por la codiciada Palma de Oro, máximo premio que puede impulsar significativamente el triunfo en cuanto a taquilla y a reconocimientos de crítica y público. Entre ellas se halla la adaptación en francés de la otra de teatro "Venus in Fur" por parte de Roman Polanski, en cuyo reparto se encuentra su esposa Emmanuelle Seigner. Le acompañan el largometraje de HBO de Steven Soderbergh "Behind the Candelabra", protagonizado por Michael Douglas como Liberace y Matt Damon como su amante, y el film "Inside Llewyn Davis" de Joel e Ethan Coen. 

Tal y como se había anunciado, la muestra arrancará con "El gran Gatsby", versión libre del cineasta australiano Baz Luhrmann con un elenco encabezado por Leonardo DiCaprio, que vuelve a la localidad de la Costa Azul por primera vez desde 2007.  Interpreta a Jay Gatsby en este remake en 3D basado en el libro de F. Scott Fitzgerald y en el que Carey Mulligan interpreta a Daisy Buchanan y Tobey Maguire al narrador, Nick Carraway. 

Sección oficial a competición: 

BEHIND THE CANDELABRA Dirigida por Steven SODERBERGH 

BORGMAN Dirigida por Alex VAN WARMERDAM 

GRIGRIS Dirigida por Mahamat-Saleh HAROUN 

HELI Dirigida por Amat ESCALANTE 

INSIDE LLEWYN DAVIS Dirigida por Ethan COEN y Joel COEN 

JEUNE &JOLIE (YOUNG & BEAUTIFUL) Dirigida por François OZON 

JIMMY P. (PSYCHOTHERAPY OF A PLAINS INDIAN) Dirigida por Arnaud DESPLECHIN 

LA GRANDE BELLEZZA (THE GREAT BEAUTY) Dirigida por Paolo SORRENTINO 

LA VÉNUS À LA FOURRURE (VENUS IN FUR) Dirigida por Roman POLANSKI 

LA VIE D'ADÈLE - CHAPITRE  12 (BLUE IS THE WARMEST COLOUR) Dirigida por Abdellatif KECHICHE 

LE PASSÉ (THE PAST) Dirigida por Asghar FARHADI 

MICHAEL KOHLHAAS Dirigida por Arnaud DES PALLIÈRES 

NEBRASKA Dirigida por Alexander PAYNE 

ONLY GOD FORGIVES Dirigida por Nicolas WINDING REFN 

ONLY LOVERS LEFT ALIVE Dirigida por Jim JARMUSCH 

SOSHITE CHICHI NI NARU (Like Father, Like Son) Dirigida por KORE-EDA Hirokazu 

THE IMMIGRANT Dirigida por James GRAY 

TIAN ZHU DING (A TOUCH OF SIN) Dirigida por JIA Zhangke 

UN CHÂTEAU EN ITALIE (A CASTLE IN ITALY) Dirigida por Valeria BRUNI TEDESCHI 

WARA NO TATE (Shield of Straw) Dirigida por Takashi MIIKE 

El Presidente del Jurado es Steven Spielberg, uno de los cineastas más emblemáticos e influyentes de la industria del Séptimo Arte. Director y productor de algunos de los mayores éxitos de taquilla de todos los tiempos -como "Parque Jurásico", "E.T. el extraterrestre" o "Tiburón"- tiene en su haber tres Oscar de Hollywood: mejor director y mejor película por "La lista de Schindler" y mejor director por "Salvar al soldado Ryan". Ha recibido asimismo tres premios de la Directors Guild of America (DGA) por sus trabajos en "El color púrpura", "La lista de Schindler" y "Salvar al soldado Ryan". Ha sido igualmente nominado en numerosas ocasiones a la mejor dirección - "E.T. el extraterrestre", "En busca del arca perdida", "Encuentros en la tercera fase", "Munich" y "Lincoln"-. El Lifetime Achievement Award de la DGA ha reconocido su trayectoria profesional, así como el David O. Selznick en la categoría de dine de la Producers Guild of America (PGA), el Lifetime Achievement Award concedido por el American Film Institute, el prestigioso premio Irving G. Thalberg de la Academia estadounidense de las Artes y las Ciencias del Cine (AMPAS) y el Kennedy Center Honor.

Finalmente, el domingo 26 de mayo se dio a conocer el Palmarés del Festival que fue el siguiente:

Sección oficial
Palma de Oro - La vie d'Adele (Abdellatif Kechiche)
Premio especial del jurado - Like Father, Like Son (Hirokazu Kore-Eda)
Cámara de Oro - Ilo Ilo (Anthony Chen)
Grand Prix - Inside Llewelyn Davies (Ethan y Joel Coen)
Mejor Director - Amat Escalante (Heli)
Mejor Guión - Jia Zhangke (A Touch of Sin)
Mejor Actor - Bruce Dern (Nebraska)
Mejor Actriz - Bérénice Bejo (The Past)
Palma de Oro al Mejor Cortometraje - Safe (Moon Byoung-On)
Mención especial al Mejor Cortometraje (I) - Hvalfjourdur (Gudmundur Arnar Gundmundonn)
Mención especial al Mejor Cortometraje (II) - 37º 4 S (Adriano Valerio)
Sección 'Un certain regard'
Premio Un certain regard - L'image manquante (Rithy Panh)
Premio de la puesta en escena - Alain Giraudie, por L'inconnu du lac
Premio del jurado - Omar (Hany Abu-Assad)
Premio del porvenir - Fruitvale Station (Ryan Coogler)
Premio Un certain talent - al reparto de La jaula de oro (Diego Quemada Díez)

Vídeo promocional

OBJETIVO: LA CASA BLANCA (Olympus Has Fallen)

La lista de películas estadounidenses en las que el Presidente de la nación es su protagonista o una de sus piezas esenciales es muy significativa. Analizando el fenómeno desde la proporcionalidad, se abre un abismo en comparación con el resto de cinematografías internacionales. Sin embargo, pese a que la industria norteamericana ha producido magníficos títulos de trasfondo político, no ha hecho lo mismo al abordar el tema a través del género de acción. La única excepción que me viene a la memoria es la del notable “En la línea de fuego” de Wolfgang Petersen, con unas magníficas interpretaciones de Clint Eastwood y John Malkovich. Todos los demás, desde “Independence Day” hasta “Air Force One”, desde “Deep Impact” hasta “2012”, han rozado la mediocridad. Pero, por lo visto, es cierto que siempre se puede ir a peor. 

Hasta la fecha me había resultado complicado calificar al director Antoine Fuqua ya que, aunque ninguno de sus trabajos me ha gustado al cien por cien, les he llegado a encontrar algún detalle positivo. “Training Day” aportó un gran duelo interpretativo entre el siempre eficaz e imponente Denzel Washington (en mi opinión, uno de los mejores actores del panorama actual, si bien yo no le hubiera dado el Oscar por este papel, teniendo en cuenta que tenía enfrente la espectacular recreación del boxeador Muhammad Alí a cargo de un magistral Will Smith) y un resolutivo Ethan Hawke. Su versión de “El Rey Arturo”, pese a desentonar a causa del moderno estilo narrativo que le impuso, resultó entretenida, sobre todo gracias a la participación de otras dos figuras tan atractivas como Clive Owen y Keira Knightley. En definitiva, podría catalogar todos sus proyectos como una combinación entre aciertos y errores, lo que le ha mantenido en ese grupo de realizadores que, sin destacar, aprueban cada examen. 

Sin embargo, con la trama que ha pretendido urdir en “Objetivo: La Casa Blanca” ha terminado por bordear el ridículo de forma inequívoca. En un guiño evidente a la conflictiva situación actual, los coreanos asumen el papel de malos y, tras asaltar la residencia presidencial, secuestran al máximo mandatario con el fin de poner en marcha un siniestro plan de destrucción. Ante semejante amenaza, será un solo hombre quien se enfrente a decenas de terroristas, mientras retransmite sus progresos por radio a las fuerzas leales situadas fuera del recinto. La última parte es una copia bastante burda de “Jungla de Cristal”, con el insalvable matiz de que la cinta protagonizada por Bruce Willis es, probablemente, la mejor muestra de cine de acción de la década de los ochenta y una de las mejores de la historia del Séptimo Arte. En compensación, ésta que ahora llega a nuestras pantallas pasará por ellas sin pena ni gloria y será olvidada con rapidez. 

De entrada, un largometraje de estas características no puede permitirse el lujo de perder sus primeros veinte minutos de proyección sin abordar la intriga y la acción que la sustentan. Pero es que, además, cuando por fin arranca de verdad, no debe ofrecer al espectador una secuencia como la del ataque aéreo enemigo que termina con un avión estrellándose contra el monumento a Washington. Estas ocurrencias sólo pueden funcionar en sátiras como la irreverente “Mars Attacks” de Tim Burton. De otro modo, cualquier pretensión de verosimilitud o trascendencia dramática resulta enormemente desafortunada. 

Tampoco el protagonista, Gerard Butler, termina de encontrar su sitio en el género de acción y, a pesar de que, en principio, el equipo artístico es interesante, tanto Morgan Freeman como Aaron Eckhart, Angela Bassett y Ashley Judd se pierden en una realización que no cubre ninguna de las expectativas generadas.

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Datos del film:

Película: Objetivo: La Casa Blanca. Título original: Olympus has fallen.
Dirección: Antoine Fuqua.
País: USA. Año: 2013. Duración: 119 min. Género: Acción, thriller.
Interpretación: Gerard Butler (Mike Banning), Aaron Eckhart (presidente Benjamin Asher), Morgan Freeman (Trumbull), Radha Mitchell (Leah), Dylan McDermott (Forbes), Angela Bassett (Lynn Jacobs), Cole Hauser (Roma), Melissa Leo (Ruth), Ashley Judd (Margaret Asher), Rick Yune (Kang).
Guion: Katrin Benedikt y Creighton Rothenberger.
Producción: Antoine Fuqua, Gerard Butler, Ed Cathell III, Mark Gill, Alan Siegel y Danny Lerner.
Música: Trevor Morris.
Fotografía: Conrad W. Hall.
Montaje: John Refoua.
Diseño de producción: Derek R. Hill.
Vestuario: Doug Hall.

JAMES L. BROOKS

James L. Brooks nació el 9 de mayo de 1940 en el estado norteamericano de Nueva Jersey. Productor, guionista y director, también ha triunfado en el mundo de la televisión, principalmente gracias a su trabajo en la serie de animación  "Los Simpson". A lo largo de su prolífica carrera ha ganado tres Oscar de Hollywood como director, productor y guionista de “La fuerza del cariño" y ha estado nominado a la preciada estatuilla en otras ocho ocasiones. Asimismo, cuenta en su haber con diecinueve premios Emmy.

Comenzó su carrera escribiendo guiones televisivos y ayudó a crear varios hits como "Taxi", "La chica de la tele", "Rhoda", "Lou Grant", "Room 222", "El Show de Tracey Ullman" y el ya citado "Los Simpson". Debutó en la pantalla grande en 1983 con el film que mayor gloria le proporcionaría: “La fuerza del cariño”. Junto a los tres galardones al propio cineasta, la cinta obtuvo dos más para sus protagonistas Jack Nicholson y Shirley MacLaine, de entre un total de once nominaciones, además de cuatro Globos de Oro. Tras el enorme éxito de su primera incursión cinematográfica, Brooks esperó hasta 1987 para estrenar “Al filo de la noticia” que, pese a que no conseguir tanto éxito ni reconocimientos (ningún Oscar de siete posibilidades), es una excelente comedia que cuenta con unas grandes interpretaciones de Holly Hunter, William Hurt y Albert Brooks. Tras la fallida “Aprendiendo a vivir” retornó a los primeros puestos de la taquilla y de las ceremonias de entrega de premios con “Mejor… imposible”. Una vez más, Jack Nicholson se alzó con la estatuilla a mejor actor principal, mientras que su compañera de reparto Helen Hunt se  hizo acreedora a la de mejor actriz. Se trata de otra comedia genial, con un guión original, ingenioso y divertido y unas actuaciones sensacionales. Por todo lo expuesto anteriormente, la figura de su realizador está asociada a lo mejor del género.

Sus siguientes trabajos, no obstante, fueron bastante decepcionantes. Ni “Spanglish” -con un muy limitado Adam Sandler y una desangelada Paz Vega- ni “¿Cómo sabes si…?” -repitiendo con Jack Nicholson y contando con Reese Witherspoon, pero sin el guión mordaz, divertido y audaz de otras ocasiones- lograron acercarse a los niveles alcanzados en el pasado.

 

MEJOR... IMPOSIBLE





LA FUERZA DEL CARIÑO

LA GRAN BODA (The big wedding)

Mientras veía “La gran boda” no pude evitar que mi mente asociase a la mayoría de sus actores con otros personajes interpretados en comedias de antaño por ellos mismos y con idéntica fortuna. Es decir, ninguna. Para dar vida al sacerdote, Robin Williams se habrá basado en su desesperante recreación del religioso de la insoportable “Hasta que el cura nos separe”, cinta en la que demuestra que, sin un director capaz de frenar unos impulsos más propios de Jim Carrey, termina por convertirse en una mala caricatura. A su vez, Robert de Niro debió pensar que, dejándose barba, evitaría ser comparado con otro progenitor como el de “Los padre de él”, “Los padres de ella” o “Ahora los padres son ellos”. Pese a ser uno de los mejores actores de la historia del cine, no descubro nada nuevo al afirmar con rotundidad que el género cómico no es precisamente su especialidad. Por lo que se refiere a Diane Keaton, le han obligado a repetir diez años después “Cuando menos te lo esperas”, mientras que Susan Sarandon, que hasta ahora no había caído en la tentación de hacer el ridículo en filmes pseudo humorísticos y no tenía pasado del que echar mano, se deja arrastrar por la decadencia de este elenco de primeras figuras de Hollywood que, rozando la setentena, han optado por llenar de borrones sus cuasi impolutas filmografías. Sus jóvenes compañeros de reparto están bastante mejor, sin duda porque, al no contar con el glorioso pasado de sus colegas, tampoco se exponen a unas comparaciones tan odiosas. 

Se trata de un título plagado de buenas intenciones, pero también de tópicos, reiteraciones, copias, plagios y referencias a otros que en su momento ya exprimieron una fruta a la que no le queda apenas jugo. Narra la historia de un matrimonio maduro que ha fracasado por la infidelidad y posterior enlace del esposo con la mejor amiga de su mujer. Ante el inminente enlace de su hijo adoptado, tratarán de hacer creer a su madre biológica -que acudirá a la ceremonia y que mantiene unas profundas creencias religiosas- que continúan felizmente casados. Partiendo de estas premisas, el realizador y guionista Justin Zackham intenta componer situaciones graciosas, hilarantes, irónicas que fracasan en su mayor parte. Además, la sensación de falta de originalidad y de creatividad es patente. Estamos nuevamente ante el enésimo ejemplo de copia disfrazada, unida a la mediocridad de unos gags que pretenden sin éxito concatenar unos fotogramas con otros. 

En resumen, la comedia americana persiste en su particular camino hacia la autodestrucción y, aun con el precipicio delante, acelera. De eso sabe mucho Susan Sarandon desde que participó en “Thelma & Louise”. Y eso que, aunque la mítica película que rodó Ridley Scott de 1991 no era una comedia, contaba con algunas escenas que consiguieron arrancarme la risa y también el aplauso. Claro que estoy hablando de otra clase de cine, otra categoría, otro nivel. 

Entre los integrantes más jóvenes del reparto se salva la actriz Katherine Heigl, una habitual de la comedia que, aunque a veces participa en largometrajes regulares, completa su trayectoria profesional con otros más dignos como “27 vestidos”. Le acompaña la cada vez más popular Amanda Seyfried (“Mamma Mía, Los Miserables). En definitiva, un reparto de primera fila desaprovechado por culpa de un pobre guión que refleja una buena idea mal desarrollada.

Trailer en castellano


Trailer en versión original


Datos del film

Película: La gran boda. Título original: The big wedding.
Dirección: Justin Zackham.
País: USA. Año: 2013. Duración: 90 min. Género: Comedia.
Interpretación: Robert De Niro (Don), Robin Williams (padre Moinighan), Amanda Seyfried (Missy), Katherine Heigl (Lyla), Topher Grace (Jared), Diane Keaton (Ellie), Susan Sarandon (Bebe), Ben Barnes (Alejandro).
Guion: Justin Zackham; basado en la película “Mon frère se marie”.
Producción: Anthony Katagas, Clay Pecorin, Richard Salvatore, Harry J. Ufland y Justin Zackham.
Música: Nathan Barr.
Fotografía: Jonathan Brown.
Montaje: Jon Corn.
Diseño de producción: Andrew Jackness.
Vestuario: Aude Bronson-Howard.