HILLBILLY, UNA ELEGÍA RURAL (HILLBILLY, ELEGY)

Considero a Ron Howard un director notable, si bien en ocasiones me sorprenda desagradablemente con algunas propuestas y proyectos incomprensibles. Sin embargo, su versatilidad para abordar diferentes géneros y su brillantez puntual garantizan mi atención a cada uno de sus trabajos. Desde sus agradables aunque insustanciales primeros éxitos de los ochenta (“Un, dos tres… Splash”, “Cocoon”) a su consolidación en la década posterior (“The Paper -Detrás de la noticia-“, “Apolo 13”) y su gran eclosión coincidiendo con la llegada del nuevo milenio (“Una mente maravillosa”, “Cinderella Man”, “El desafío, Frost contra Nixon”), este cineasta que comenzó ejerciendo como actor en infinidad de series de televisión y en largometrajes como “American Graffiti” se ha ganado un puesto en el mundo del Séptimo Arte.

Aun así, presenta en el debe numerosas obras fallidas y desconcertantes. Por ejemplo, su versión de “El Grinch” o la supuesta comedia “¡Qué dilema!” evidencian irregularidad y cierta tendencia hacia el desastre. “Hillbilly, una elegía rural” pertenece también a esa categoría de filmes huecos y distantes rodados sin interés ni pasión. Se trata de un drama abordado desde la distancia, sin implicación emocional ni conexión narrativa con los personajes llamados a impulsar la historia, lo que redunda en una filmación bastante aburrida y con escaso gancho para el espectador. La plataforma digital Netflix ha sido la vía elegida para su difusión, dado que en estos tiempos de pandemia las salas de proyección están cerradas por decreto.

Un joven ex marine de los Estados Unidos, ahora estudiante de Derecho de la Universidad de Yale, pretende abrirse camino en la vida, no sin antes alejarse lo más posible de su niñez y las duras condiciones familiares. Sin embargo, una crisis en el seno de la familia  le obliga a regresar a esa América rural y profunda de la que reniega para reencontrarse con las precarias condiciones enraizadas todavía en aquel lugar. Para empezar, deberá enfrentarse a la complicada relación que mantiene con su madre y a la influencia ejercida por su abuela.

Pese a poseer elementos más que suficientes para construir un drama sólido,  en el film sólo se aprecian las buenas intenciones, pero no los resultados. Transita por esa peligrosa frontera entre la artificialidad y la indiferencia y, aunque cuenta con unas interpretaciones consistentes, la trama permanece desprovista de la calidez y la emoción necesarias para conmover e interesar. Definitivamente, “Hillbilly, una elegía rural” ha de integrarse en la lista de experimentos fallidos de Ron Howard.

Formando parte de un casting de altura destacan dos pesos pesados de la interpretación cuyos nombres deslumbran en el cartel y en los títulos de crédito. Glenn Close, actriz nominada en siete ocasiones al Oscar, puede presumir de haber participado en títulos tan relevantes como “Reencuentro”, “Las amistades peligrosas”, “El misterio Von Bulow” o “Nueve vidas”. Algunas de sus actuaciones han marcado profundamente a los aficionados al cine. Aquí interpreta con rigor a su personaje y realiza una meritoria labor. Amy Adams, a pesar de su juventud, también ha sido seis veces candidata a la estatuilla dorada, estadística si cabe más contundente que las de su compañera de reparto. Sus apariciones en “La duda”, “Julie y Julia”, “La gran estafa americana”, “La llegada, “El vicio del poder” o “The Fighter” la convierten en una apuesta segura para cualquier reparto. Ambas son, sin duda, lo mejor de esta producción algo desnortada. Les acompañan Gabriel Basso (“Super 8”) y Haley Bennett (“La chica del tren”).

NOMINACIONES A LOS PREMIOS GOTHAM

Los ganadores de los Gotham Awards se darán a conocer el próximo lunes 11 de enero de 2021 en una ceremonia virtual desde Cipriani Wall Street en Nueva York.

LISTADO COMPLETO DE NOMINACIONES

Mejor Película

• The Assistant
• First Cow
• Never Rarely Sometimes Always
• Nomadland
• Relic

Mejor Documental

• 76 Days
• City Hall
• Our Time Machine
• A Thousand Cuts
• Time

Mejor Película Internacional

• Bacurau
• Beanpole
• Martin Eden
• Mignonnes
• Sin señas particulares
• Wolfwalkers

Mejor Actor

• Riz Ahmed – Sound of Metal
• Chadwick Boseman – Ma Rainey’s Black Bottom
• Jude Law – The Nest
• John Magaro – First Cow
• Jesse Plemons – I’m Thinking of Ending Things

Mejor Actriz

• Nicole Beharie – Miss Juneteenth
• Jessie Buckley – I’m Thinking of Ending Things
• Carrie Coon – The Nest
• Frances McDormand – Nomadland
• Yuh-jung Youn – Minari

Actor Revelación

• Jasmine Batchelor – The Surrogate
• Kingsley Ben-Adir – One Night in Miami
• Sidney Flanigan – Never Rarely Sometimes Always
• Orion Lee – First Cow
• Kelly O’Sullivan – Saint Frances

Mejor Guion

• Mike Makowsky – Bad Education
• Jon Raymond y Kelly Reichardt – First Cow
• Radha Blank – The Forty-Year-Old Version
• Dan Sallitt – Fourteen
• James Montague y Craig W. Sander – The Vast of Night

Premio Bingham Ray al Director Revelación

• Radha Blank – The Forty-Year-Old Version
• Channing Godfrey Peoples – Miss Juneteenth
• Carlo Mirabella-Davis – Swallow
• Andrew Patterson – The Vast of Night
• Alex Thompson – Saint Frances

Serie de formato largo

• The Great (Hulu)
• Immigration Nation (Netflix)
• P-Valley (STARZ)
• Unorthodox (Netflix)
• Watchmen (HBO)

Serie de formato corto

• Betty (HBO)
• Dave (FX)
• I May Destroy You (HBO)
• Taste the Nation with Padma Lakshmi (Hulu)

KATHERINE HEIGL

Katherie Heigl nació en Washington D. C. el 24 de noviembre de 1978. Actriz estadounidense de cine y televisión, comenzó su carrera profesional en el cine con papeles secundarios en las cintas “Aquella noche” (1992) y “El rey de la colina” (1993). 

Su primer personaje protagonista lo desarrolló en “Mi padre, ¡qué ligue!” (1994) junto a Gérard Depardieu, para después participar en “Alerta máxima 2” (1995). Otras de sus películas fueron “Las aventuras del Príncipe Valiente” (1997) y “La novia de Chucky” (1998).

Ya en el nuevo milenio comenzó a despuntar en el medio televisivo gracias a la serie “Anatomía de Grey” y en la gran pantalla con “Lío embarazoso” (2007), “27 vestidos” (2008) o “La cruda realidad” (2009). 

Entre sus últimos trabajos figuran “Como la vida misma” (2010), “Noche de fin de año” (2011) y “Hogar no tan dulce hogar” (2015).

FOR SAMA

 

No me consta que un documental haya estado nunca nominado a un galardón en la categoría de mejor película. Nunca hasta el año pasado, en el que “For Sama” logró en los BAFTA de la Academia de Cine Británica, además del premio al mejor documental, sendas candidaturas en los apartados de mejor film británico del año y mejor largometraje en lengua extranjera. En los “British Independent Film Awards” sí triunfó sin discusión, alzándose con los reconocimientos a mejor dirección, película, montaje y documental. Estuvo asimismo a punto de llevarse el Oscar de la Academia de Hollywood y fue reconocido, entre otros certámenes, en el Festival de Cannes. Por lo tanto, el aplauso y la valoración en torno a este trabajo han resultado prácticamente unánimes. Ahora, aunque con notable retraso, llega a la cartelera española, si bien se ha podido ver con anterioridad en contadas proyecciones.

“For Sama” refleja una experiencia vital muy dolorosa, desgarradora y realista, hasta el punto de que, por momentos, supone un gran esfuerzo mantener la vista en la pantalla. Los titulares de los periódicos y las breves conexiones televisivas con los corresponsales en los conflictos armados nos proporcionan información pero, al mismo tiempo, nos ahorran el mal trago de compartir las imágenes más crudas de la barbarie, la desesperación y la desnortada deriva de esta raza humana empeñada en autodestruirse. Sin embargo este documental, con escasos medios y a través de precarias secuencias, consigue sacudir esa parte de la consciencia adormilada a veces por las comodidades de las sociedades modernas,  tan alejadas de los combates, los ataque aéreos y los escombros como escenario cotidiano.

La narración se construye sobre la fortaleza de una mujer que se enfrenta al amor y a la maternidad en el contexto de la guerra que le rodea. La filmación se desarrolla sobre el trasfondo de una carta escrita por una madre a su hija. En ella, se relata la vida de Waad al-Kateab durante los cinco años del conflicto en Siria, etapa en la que la joven se enamora de un estudiante de Medicina, se casa con él y da a luz a Sama. Mientras todo el pueblo sirio trata de escapar del país, el matrimonio decide quedarse al frente de un hospital de voluntarios construido para curar a los heridos de guerra. La historia de Waad revela el verdadero dilema que se le plantea a la protagonista cuando se halla en la tesitura de una difícil elección: abandonar la ciudad para mantener a su hija a salvo, aunque ello acarree abandonar su propia lucha por la libertad.

La guerra de Siria, iniciada en 2011, ya no ocupa portadas ni ocupa minutos en los noticieros. Tras casi una década, se ha aceptado como un lejano enfrentamiento, permanente y constante, similar al de Yemen u otros destinos igualmente desdichados. Y ante este panorama, “For Sama”, por muchas carencias que presente, impacta vivamente por su forma de presentar la terrible realidad con intensidad e interés. No conmoverse es completamente imposible, tan imposible como no indignarse. En mi opinión, no existe documento ni cinta que iguale su capacidad de agitar conciencias. Hora y media de proyección es tiempo más que suficiente para saturar al público con un dechado de tristeza y desesperación, así que no puedo siquiera imaginar qué tiene que ser vivirlo en primera persona durante años y años.

A cargo de la dirección y la interpretación destaca Waad Al-Kateab en el que, por ahora, constituye su único trabajo para la pantalla grande. Desconozco si en el futuro volverá a colocarse delante o detrás de una cámara pero, desde luego, su debut no ha podido cosechar mayor número de alabanzas. Sin duda, un merecido consuelo para una existencia tan amarga y devastada. Le acompaña en la realización Edward Watts, con una incursión profesional previa en el cortometraje “Oksijan”. En este caso, hablar de actores resulta totalmente improcedente por razones obvias, puesto que los protagonistas se interpretan a sí mismos. La pequeña Sama, por fortuna, ya podrá contemplar para siempre este testimonio único sobre su experiencia familiar en forma de incomparable legado.

MARY ELIZABETH MASTRANTONIO

Mary Elizabeth Mastrantonio nació en Illinois el 17 de noviembre de 1958. Actriz y cantante estadounidense, aunque llevó a cabo un cameo no acreditado en los títulos de crédito en “El rey de la comedia” (1982) de Martin Scorsese, debutó oficialmente en “El precio del poder” (1983) de Brian de Palma. Posteriormente, volvió a coincidir con Scorsese en “El color del dinero” (1986) y también participó en “Abyss” (1989) de James Cameron.

En la década de los noventa intervino en “Acción judicial” (1991) de Michael Apted, “Robin Hood: Príncipe de los ladrones” (1991) de Kevin Reynolds, “Arenas blancas” (1992) de Roger Donaldson o “Dobles parejas” (1992) de Alan J. Pakula.

Ya iniciando el nuevo siglo la pudimos ver en “La tormenta perfecta” (2000) de Wolfgang Petersen, su último éxito más destacado. Más tarde ha dado el salto a la televisión actuando en series como “Ley y orden”, “Sin rastro” y “The Punisher”.

BRONX (Rogue City)

El actor y director galo Olivier Marchal es conocido en España por su faceta interpretativa en comedias como “Un verano en Ibiza” o la recomendable “No se lo digas a nadie”, película que en 2007 obtuvo cuatro premios César de la Academia del Cine Francés. Su labor detrás de la cámara, sin embargo, resulta más desconocida y de menor repercusión. Como realizador se ha especializado en ese género de acción vinculado a las mafias y los cuerpos policiales. Largometrajes como “Gangsters” (2002) y “Asuntos pendientes” (2004) son buena prueba de ello. Ahora estrena en Netflix “Bronx” (cuyo título original es “Rogue City”), otra cinta de policías, corrupción y delincuencia rodada con corrección, pero que termina por caer en la reiteración y la redundancia.

En sus casi dos horas de duración utiliza todas las herramientas clásicas del género -persecuciones, violencia, oscuridad y bajos instintos-, suficientes  para captar el interés durante un tiempo de la proyección pero que, a medida que avanza el film, lo configuran como un mero entretenimiento repetitivo y sin sustancia, confuso y con un desarrollo irregular. Los personajes no están bien perfilados (probablemente porque ni  se consideran importantes ni se les ha dedicado el tiempo necesario para su evolución en el guion) y la trama resulta plana y lineal (a buen seguro por el mismo motivo). Se han centrado todos los esfuerzos en la recreación visual, la aparatosidad de algunas secuencias y la intensidad asociada a estas historias de policías y ladrones donde ambos perfiles se confunden.

“Bronx” narra las peripecias de fuerzas del orden y criminales en Marsella, ciudad muy acostumbrada a brindar escenarios a mafias, contrabando y crimen. Allí existe una unidad formada por duros y correosos agentes especializados en la lucha contra las bandas organizadas. En una investigación relacionada con el tráfico de drogas la deriva comienza a descontrolarse y las personas en quienes confiar desaparecen, mezclándose ambos lados, supuestamente separados por la línea de la ley.

Para hacer avanzar el proyecto Marchal recurre a la violencia, consiguiendo recrear el sórdido y peligroso mundo de los barrios marginales y logrando con ello conectar con el formato más básico del entretenimiento. No obstante, mantiene el interés sólo a medias y cualquiera que busque algo más que un simple “tira y afloja” entre buenos y malos se sentirá decepcionado. Se cuentan por centenares los títulos sobre este tema así que, de no ofrecer alguna aportación innovadora, original o artísticamente relevante, la sensación de estar viendo más de lo mismo se torna inevitable.

Sobresale dentro del elenco Jean Reno, uno de los intérpretes más internacionales del país vecino. Nacido en Marruecos y de ascendencia española, posee una filmografía muy interesante en la que destacan un puñado de obras imprescindibles, varias de ellas bajo la batuta de Luc Besson -“El gran azul”, “Nikita: dura de matar”, “Leon: el profesional”-. Su salto a la industria norteamericana le llevó a participar en la saga “Misión imposible” y a actuar junto a Robert de Niro en “Ronin” y, aunque se trata de un buen actor, aquí asume un papel sin posibilidades para el lucimiento.

Sus compañeros son bastante desconocidos para el gran público, aunque cabe citar entre ellos a Stanislas Merhar -que intervino en “La carta” de Manuel de Oliveira, premiada en 1999 en el Festival de Cannes- y a David Belle -que participó en “Colombiana”, protagonizada por  Zoe Saldana-.

NOMINACIONES DE LA ACADEMIA DE CINE EUROPEO (EFA Awards 2020)

Se acaban de anunciar las nominaciones a los premios de la Academia de Cine Europeo (EFA).

LISTADO COMPLETO

Mejor Film Europeo
Another Round - Thomas Vinterberg (Dinamarca/Países Bajos/Suecia)
Berlin Alexanderplatz - Burhan Qurbani (Alemania/Países Bajos)
Corpus Christi- Jan Komasa (Polonia/Francia)
Martín Eden- Pietro Marcello (Italia/Francia)
The Painted Bird - Václav Marhoul (República Checa/Ucrania/Eslovaquia)
Undine - Christian Petzold (Alemania/Francia)

Mejor Documental Europeo
Acasa - My Home - Radu Ciorniciuc (Rumania/Alemania/Finlandia)
Collective - Alexander Nanau (Rumania/Luxemburgo)
Gunda - Victor Kossakovsky (Noruega/USA)
Little Girl - Sébastien Lifshitz (Francia)
Saudi Runaway - Susanne Regina Meures (Suiza)
The Cave- Feras Fayyad (Siria/Dinamarca/Alemania/USA/Qatar)

Mejor Director Europeo
Agnieszka Holland - Charlatan
Jan Komasa - Corpus Christi
Pietro Marcello - Martín Eden
François Ozon - Verano del 85
Maria Sødahl - Hope
Thomas Vinterberg - Another Round

Mejor Actriz Europea
Paula Beer - Undine
Natasha Berezhnaya - DAU. Natasha
Andrea Braein Hovig - Hope
Ane Dahl Torp - Charter
Nina Hoss - My Little Sister
Marta Nieto - Madre

Mejor Actor Europeo
Bartosz Bielenia - Corpus Christi
Goran Bogdan - Father
Elio Germano - Martin Eden
Luca Marinelli - Volevo nascondermi
Mads Mikkelsen - Another Round
Viggo Mortensen - Falling

Mejor Guion
Martin Behnke, Burhan Qurbani - Berlin Alexanderplatz
Costa-Gavras - Adults in the Room
Damiano & Fabio D'Innocenzo - Favolacce
Pietro Marcello, Maurizio Braucci - Martín Eden
Mateusz Pacewicz - Corpus Christi
Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm - Another Round

Mejor Corto Europeo
All Cats Are Grey in the Dark - Lasse Linder (Suiza)
Genius Loci - Adrien Mérigeau (Francia)
Past Perfect - Jorge Jácome (Portugal)
Sun Dog - Dorian Jespers (Bélgica/Rusia)
Uncle Thomas, Accounting for the Days - Regina Pessoa (Portugal/Canadá/Francia)

Mejor Comedia
The Big Hit - Emmanuel Courcol (Francia)
Ladies of Steel - Pamela Tola (Finlandia)
Ventajas de viajar en tren - Aritz Moreno (España)

Mejor Film Animado
Josep - Aurel (Francia/Bélgica/España)
Calamity: A Childhood of Martha Jane Cannary - Rémi Chayé (Francia/Dinamarca)
The Nose or the Conspiracy of Mavericks - Andrey Khrzhanovsky (Rusia)
Klaus - Sergio Pablos (España)

European Discovery - Prix FIPRESCI
Full Moon - Nermin Hamzagic (Bosnia & Herzegovina)
Gagarin - Fanny Liatard & Jérémy Trouilh (Francia)
Instinct - Halina Reijn (Países Bajos)
Isaac - Jurgis Matulevičius (Lituania)
Jumbo - Zoé Wittock (Francia/Bélgica/Luxemburgo)
Sole - Carlo Sironi (Italia/Polonia)

LEONARDO DICAPRIO

Leonardo DiCaprio nació en Los Ángeles el 11 de noviembre de 1974. Actor y productor estadounidense, ha recibido numerosos premios entre los que destacan un Oscar, un Globo de Oro y un premio BAFTA por su actuación en “El renacido” (2015), otro Globo de Oro por su interpretación en el drama “El aviador” (2004) y otro más por la comedia “El lobo de Wall Street” (2013).

Debutó en la pantalla grande con “Critters 3” (1991), después de intervenir en varias series de televisión. A esa década pertenecen “Vida de este chico” (1993), junto a Robert de Niro, “¿A quién ama Gilbert Grape?” (1993), con Johnny Depp, “Rápida y mortal” (1995), en compañía de Sharon Stone y Gene Hackman o “Romeo y Julieta de William Shakespeare” (1996), dando la réplica a Claire Danes. En 1997 estrenó “Titanic”, formando pareja con Kate Winslet y logrando un gran éxito mundial.

Ya en el nuevo milenio encadenó destacadas películas, entre ellas “Gangs of New York” (2002), “El aviador” (2004) e “Infiltrados” (2006), dirigidas por Martin Scorsese. Protagonizó asimismo “Atrápame si puedes” (2002), de Steven Spielberg, “Diamante de sangre” (2006), de Edward Zwick, “Red de mentiras” (2008), de Ridley Scott y “Revolutionary Road” (2008), de Sam Mendes. 

Siguió con su progresión triunfal de crítica y público gracias a “Origen” (2010), de Christopher Nolan, “J. Edgar” (2011), de Clint Eastwood, “Django desencadenado” (2012), de Quentin Tarantino o “El gran Gatsby” (2013), de Baz Luhrmann.

En 2015 dio vida a “El renacido”, de Alejandro G. Iñárritu, papel que le reportó su estatuilla dorada de Hollywood y más recientemente ha repetido colaboración con Tarantino en “Érase una vez en... Hollywood” (2019).

LAS BRUJAS DE ROALD DAHL (The Witches)

Viendo “Las brujas (de Roald Dahl)” confieso que no he sido capaz de reconocer a Robert Zemeckis detrás de la cámara. Me considero un admirador del popular realizador nacido en Chicago, “la ciudad de los vientos”, desde que, siendo yo un adolescente, me divertí sobremanera con su primera entrega de “Regreso al futuro”. Desde sus trabajos en “Forrest Gump”, “Contact” o “Náufrago” hasta sus incursiones más alocadas e hilarantes en “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” o “La muerte os sienta tan bien”, ha ido reuniendo en su filmografía excelentes momentos cinematográficos. Se trata de un cineasta intrépido, ingenioso y sumamente hábil a la hora de combinar emotividad, entretenimiento y comicidad. Sin embargo, en “Las brujas (de Roald Dahl)” ofrece un artificio sobrecargado y sin sustancia con el que ni ha captado mi interés ni me ha aportado esa dosis de evasión fantasiosa a la que me tenía acostumbrado.

El célebre escritor galés de ascendencia noruega Roald Dahl cuenta con numerosos libros llevados a la gran pantalla. “Matilda” de Danny de Vito, “Fantástico Sr. Fox” de Wes Anderson, “James y el melocotón gigante” de Henry Selick, “Charlie y la fábrica de chocolate” de Tim Burton o “Mi amigo el gigante” de Steven Spielberg dan sobradas muestras de su imaginativo universo infantil. De hecho, en 1990 ya se estrenó “La maldición de las brujas”, dirigida por Nicolas Roeg, producida por Jim Henson y protagonizada por Anjelica Huston y Rowan Atkinson. Su prolífica producción literaria se traduce en destacadas aportaciones visuales, puesto que todas sus adaptaciones incluyen secuencias relevantes desde el punto de vista artístico. Sin embargo, esta reciente versión de Zemeckis resulta sobreactuada, postiza y artificial, no pudiendo los colores llamativos, los alocados giros y las exageradas muecas esconder cierto vacío creativo.

A finales de los años sesenta, un pequeño huérfano se va a vivir con su abuela a un pueblo de Alabama. El niño y la anciana mantienen extraños encuentros con unas brujas aparentemente glamurosas pero, en realidad, malvadas, así que la mujer decide quitarse de en medio y llevarse al chico a un hotel de lujo en la costa. Sin embargo, no consigue con su cambio de aires despistar a la Gran Bruja, empeñada en lograr sus maquiavélicos planes.

Tal vez haya perdido una parte de mi espíritu de niño, muy necesario para apreciar este tipo de propuestas, aunque dudo que se encuentre ahí la explicación al hecho de que la cinta no me haya gustado. A menudo me deleito y me río con títulos destinados a los más pequeños de la casa e, incluso, reviso algunos de los largometrajes ya mencionados con una imaginación que me retrotrae a etapas tempranas de mi vida. Mi decepción radica, por lo tanto, en la sobrevenida carencia de personalidad y creatividad que manifiesta el director, así como en su utilización de trucos y efectos especiales superfluos, destinados exclusivamente a alargar un tiempo de proyección de por sí ajustado.

Guillermo del Toro, polifacético profesional mejicano muy acostumbrado a desenvolverse en las creaciones fantásticas, firma el guion junto al propio Zemeckis, no habiendo mejorado ni el original literario ni la anterior versión cinematográfica. Aun así, cabe destacar el esfuerzo del equipo artístico por apuntalar este proyecto. Queda patente su dedicación y empeño en aportar grandeza a la filmación, si bien dicho afán, en mi opinión, no resulta provechoso. Anne Hathaway sostiene sobre sus espaldas gran parte del peso interpretativo, que resuelve con corrección. Personalmente, prefiero sus papeles en “Interstellar”, “El caballero oscuro: La leyenda renace”, “One Day” o “La boda de Rachel”, habida cuenta que su nivel como actriz lo manifiesta mejor a través del drama. Octavia Spencer encarna a la abuela con su pulcritud habitual. Sus personajes de “Criadas y señoras”, “Figuras ocultas” y “La forma del agua” la avalan como uno de los nombres más competentes del panorama actual del Séptimo Arte. Les acompañan, entre otros, los populares Stanley Tucci y Chris Rock.

MATTHEW McCONAUGHEY

El actor y productor Matthew McConaughey nació en Texas el 4 de noviembre de 1969. Tras finalizar su etapa en el instituto y antes de iniciar sus estudios universitarios, vivió en Australia durante algún tiempo. Al regresar a los Estados Unidos, estudió Cine en la Universidad de Austin. En esa época rodó un corto titulado “Chicano Chariots” (1992) y años más tarde volvió a realizar el también cortometraje “The Rebel” (1998).

Debutó en la pantalla grande con la película “Movida del 76” (1993), dirigida por Richard Linklater, con quien repetiría en “The Newton Boys” (1998). Linklater había conocido a McConaughey en su periplo estudiantil. Después intervino en títulos de destacados realizadores como “Lone Star” (1996) de John Sayles, “Tiempo de matar” (1996) de Joel Schumacher, “Contact” (1997) de Robert Zemeckis, “Amistad” (1997) de Steven Spielberg y “EdTV” (1999) de Ron Howard.

Posteriormente, acumuló cintas de calidad indudablemente inferior, como “Sahara” (2005) de Breck Eisner, “Novia por contrato” (2006) de Tom Dey, “Como locos a por el oro” (2008) de Andy Tennant o “Los fantasmas de mis ex novias” (2009) de Mark Waters.

Cuando ya parecía que había perdido el rumbo de su carrera al decantarse por las comedias más insulsas y las aventuras más mediocres, volvió a dar un giro inesperado gracias al thriller “El inocente” (2011) de Brad Furman. No obstante, su verdadero despunte interpretativo se hizo patente en la muy recomendable “Mud” (2012) de Jeff Nichols y, sobre todo, en “Dallas Buyers Club” (2013) de Jean-Marc Vallée (por cuya actuación ganó el Oscar de Hollywood y el Globo de Oro) e “Interstellar” (2014) de Christopher Nolan, un sobresaliente film de ciencia ficción.

Sin duda, estos últimos trabajos le han catapultado artísticamente, revelándole como un actor versátil y de deslumbrante potencial, condición a la que también ha ayudado su participación en la primera temporada de la prestigiosa serie televisiva  “True Detective”.

Más recientes son sus actuaciones en “Los hombres libres de Jones” (2016) y “The Gentlemen: Los señores de la mafia” (2019).