miércoles, 30 de mayo de 2018

CLINT EASTWOOD

Clint Eastwood nació en San Francisco el 31 de mayo de 1930. Actor, director, productor, músico y compositor estadounidense, alcanzó la popularidad en 1959 gracias a su personaje televisivo de Rowdy Yates, en la serie “Rawhide”. Su actuación llamó la atención del realizador italiano Sergio Leone, que creó junto al intérprete un subgénero cinematográfico denominado popularmente “spaghetti western”. Su primer título conjunto fue “Por un puñado de dólares” (1964), al que siguieron “La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno, el feo y el malo” (1966). A finales de los años sesenta colaboró con otro de sus maestros, Don Siegel, filmando con él “La jungla humana” (1968), “Dos mulas y una mujer” (1969), “Harry el sucio” (1971), “El seductor” (1971) y “Fuga de Alcatraz” (1979). 

En 1971, tras aparecer en famosas cintas como el musical “La leyenda de la ciudad sin nombre” (1969), de Joshua Logan o “Los violentos de Kelly” (1970), de Brian G. Hutton, Eastwood dio el salto a la dirección, debutando con “Escalofrío en la noche” (1971), a la que siguieron “Infierno de cobardes” (1972) y “Ruta suicida” (1977). A continuación participó en films como “El jinete pálido” (1985), “El sargento de hierro” (1986), “Cazador blanco, corazón negro” (1990) y, sobre todo, “Bird” (1988), biopic sobre el músico de jazz Charlie Parker. 

En los noventa termina de alcanzar por fin la gloria gracias a “Sin perdón” (1992), obra crepuscular del Oeste por la que ganó el Oscar al mejor director y a la mejor película, además de ser nominado como mejor actor. Otras muestras de su filmografía son “En la línea de fuego” (1993), de Wolfgang Petersen, “Un mundo perfecto” (1993), “Los puentes de Madison” (1995), “Medianoche en el jardín del bien y del mal” (1997), “Space Cowboys” (2000), “Mystic River” (2003) y “Million Dollar Baby” (2004), ya detrás de las cámaras. Por “Million Dollar Baby” fue galardonado de nuevo con la estatuilla dorada y con el Globo de Oro a la mejor dirección. 

Entre sus rodajes más recientes destacan “Banderas de nuestros padres” (2006) y “Cartas desde Iwo Jima” (2006), donde ofrecía desde diferentes perspectivas dos versiones de una batalla de la Segunda Guerra Mundial que aconteció en la citada isla japonesa. También sobresalió en “Gran Torino” (2008), “Invictus” (2009), con Morgan Freeman dando vida a Nelson Mandela, la historia sobrenatural de “Más allá de la vida” (2010), protagonizada por Matt Damon, y “J. Edgar” (2011), biografía de J. Edgar Hoover, director del FBI, con Leonardo DiCaprio como estrella. Más tarde realizó “Jersey Boys” (2014), otro biopic del grupo pop Four Seasons y “El francotirador” (2014), basada en las experiencias auténticas del militar Chris Kyle -encarnado por Bradley Cooper.- Posteriormente, Eastwood eligió otro personaje real, el piloto aéreo Chesley “Sully” Sullenberger, interpretado por Tom Hanks, para rodar “Sully” (2016), donde recrea un accidente aéreo sobre el río Hudson de Nueva York en el mes de enero de 2009. Su último trabajo hasta la fecha es “15:17 – Tren a París” (2018), basado en un suceso ocurrido en 2015, cuando tres soldados estadounidenses impidieron un atentado terrorista en un ferrocarril francés.

Escena de "Sin perdón"




Escena de "Million Dollar Baby"



viernes, 25 de mayo de 2018

HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS (Solo: A Star Wars Story)

Hay desastres que se ven venir de lejos. Desde un principio, la producción de “Han Solo: Una historia de Star Wars” parecía estar gafada. La propuesta de contar la historia de uno de los personajes icónicos y con mayor carisma de la saga espacial más emblemática del Séptimo Arte ya era, en sí misma, una osadía. Phil Lord y Chris Miller, responsables de “LEGO: La película”, comenzaron siendo los directores del proyecto, pero las diferencias creativas con los productores y algunos miembros del elenco artístico dieron lugar a que, en mitad del rodaje y con buena parte del mismo ya filmada, se cambiase tanto a la pareja de cineastas como al editor contratado. Para minimizar el impacto de semejante descalabro, se mantuvo a Lord y Miller como productores ejecutivos, asumiendo la labor detrás de la cámara Ron Howard y Pietro Scalia el montaje. Como en otras ocasiones, no ha quedado claro qué concreto material rodado debería contener la firma de los despedidos. En todo caso, no hay duda de que nos hallamos ante un trabajo que carece de una autoría clara. Se trata de una película huérfana y desangelada que emborrona el prestigio cinematográfico que Han Solo exhibía hasta la fecha. 
Es verdad que la altura del listón era muy elevada. Se partía de un papel estelar caracterizado por su chispa irónica y su magnetismo natural. El potencial del atractivo piloto aventurero se debía en gran medida a la presencia y desparpajo de un joven Harrison Ford, así como al acompañamiento del universo esencial de “Star Wars”. Sin embargo, todo ello desaparece por desgracia en este largometraje. Se sustituye a un peso pesado por un aspirante a peso pluma. Desaparecen Luke Skywalker, la princesa Leia y los legendarios Jedis. Se parte de un guion artificial no ideado por el creador de la verdadera historia. El resultado final, por lo tanto, ha sido más que previsible: una cinta correcta desde el punto de vista técnico, pero carente de alma. Mecánica, pero sin el espíritu inspirador que ha convertido a la saga de “Star Wars” en un indiscutible referente mundial. 
Pese al esfuerzo desplegado, “Han Solo: Una historia de Star Wars” se ve lastrada por unas continuas comparaciones de las que siempre sale perdiendo y por una permanente sensación de representar una copia de segundo nivel. No cuenta ni con la música de John Williams, ni con el personaje originario ni con la esencia verdadera. Parece una de esas falsificaciones de marcas de prestigio realizada en Taiwan. Puntualmente puede dar el pego pero, a la larga, la diferencia resulta evidente. Al final se llega a la conclusión que ya se intuía al oír hablar del proyecto por primera vez. En definitiva, un film prescindible que, tras sobrepasar el presupuesto previsto a causa de los cambios inesperados de producción, deja mucho que desear. 
Alden Ehrenreich ha sido el actor elegido para sustituir a Harrison Ford. Hasta ahora había participado en títulos como “La excepción a la regla”, de Warren Beatty, “Ave, César”, de los hermanos Coen o “Stoker”, de Chan-wook Park. Pese a hacer todo lo que puede, no evita un absoluto descontrol a su alrededor. Le acompañan el polifacético Woody Harrelson, la pujante Emilia Clarke y el irregular Paul Bettany. Menos mal que aparece Chewbacca, de largo el que mejor resiste la comparativa. 
Se rumorea que, tanto Alden Ehrenreich como Emilia Clarke, han firmado sendos contratos que aseguran las secuelas de esta precuela. De ser así, se confirman mis sospechas acerca de la existencia de un peligro claro e inminente que amenaza la supervivencia del cine como arte creativo destinado a contar historias. Definitivamente, habrá que prepararse para la reconversión de la denominada “industria de los sueños” en otra industria más al uso.

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Datos del film:
Título original: Solo: A Star Wars Story
Año: 2018
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ron Howard
Guion: Lawrence Kasdan, Jon Kasdan (Personaje: George Lucas)
Música: John Powell
Fotografía: Bradford Young
Reparto: Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Donald Glover, Woody Harrelson, Thandie Newton, Phoebe Waller-Bridge

miércoles, 23 de mayo de 2018

25 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "LA EDAD DE LA INOCENCIA" (25th Anniversary of the Premiere of The Age of Innocence)

“La edad de la inocencia” (“The Age of Innocence”) es una adaptación cinematográfica de la novela homónima escrita por Edith Wharton en 1920. Fue dirigida por Martin Scorsese, protagonizada por Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, y realizada por Columbia Pictures. Se proyectó por vez primera en el Festival de Cine de Venecia de 1993, por lo que se cumplen ahora 25 años de su estreno mundial. 

La película ganó el Oscar al mejor diseño de vestuario y fue nominada en las categorías de mejor actriz de reparto (Winona Ryder), mejor guión adaptado (Jay Cocks y Martin Scorsese), mejor música original (Elmer Bernstein) y mejor dirección artística (Dante Ferretti y Robert J. Franco).

La historia se desarrolla en el Nueva York de 1870. Newland Archer (Daniel Day-Lewis), un caballero de la alta sociedad neoyorquina, está prometido con May Welland (Winona Ryder), una joven de su misma clase social. Pero sus sentimientos cambian cuando conoce a la poco convencional prima de May, la condesa Olenska (Michelle Pfeiffer). Desde el principio defenderá la difícil posición de ésta, cuya separación de un marido autoritario la ha convertido en una especie de proscrita dentro del estamento al que pertenece. 

La cinta se alzó con un Globo de Oro a la mejor actriz de reparto para Winona Ryder, optando también a los premios de mejor película dramática, mejor director y mejor actriz protagonista.


Escenas de la película










domingo, 20 de mayo de 2018

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2018 (The Cannes International Film Festival 2018)


El 71º Festival de Cannes ha llegado a su fin la pasada noche con el anuncio del palmarés de la Sección Oficial, dado a conocer por el jurado presidido por la actriz australiana Cate Blanchett y que ha concedido la Palma de Oro al japonés Hirokazu Koreeda por la película 'Shoplifters'. 

El listado completo de premios es el siguiente:  
  • Palma de Oro: 'Shoplifters', de Hirokazu Koreeda 
  • Gran Premio del Jurado: 'BlacKkKlansman', de Spike Lee 
  • Premio del Jurado: 'Capharnaüm', de Nadine Labaki 
  • Premio a la mejor dirección: Pawel Pawlikowski, por 'Cold War' 
  • Premio al mejor actor: Marcello Fonte, por 'Dogman' 
  • Premio a la mejor actriz: Samal Yeslyamova, por 'Ayka' 
  • Premio al mejor guion: ex aequo a Alice Rohrwacher, por 'Lazzaro Felice' y Nader Saeivar, por 'Trois visages' 
  • Palma de Oro especial: 'Le livre d'image', de Jean-Luc Godard 
  • Cámara de Oro a la mejor ópera prima: 'Girl', de Lukas Dhont 
  • Palma de Oro al mejor cortometraje: 'All these creatures', Charles Williams 
  • Mención especial de cortometraje: 'On the border', de Shujun Wei

viernes, 18 de mayo de 2018

DEADPOOL 2

Reconozco que en varios momentos de “Deadpool 2” me reí con ganas, ya que mantiene esa irreverencia insolente recubierta con cierta genialidad para burlarse de todo. La combinación de vulgaridad casposa y humor corrosivo funciona en numerosas fases del metraje. Y es precisamente ese aire desenfadado el que salva la película, ya que la acción, los héroes y los villanos solo pueden digerirse porque están rebozados de una picante capa de comicidad. Sin embargo, desde un punto de vista cinematográfico, sus carencias resultan tan evidentes como la desproporción de esta segunda parte. El largometraje es una concatenación de “gags” que resultarían igual de efectivos si se hubiesen equivocado en la sala de montaje al ordenar las escenas. De la misma forma que el tráiler por sí solo ya arrancaba alguna sonrisa, o el famoso vídeo de promoción junto al ex futbolista David Beckham parecía muy divertido, lo mismo sucede con numerosas secuencias del film. En ese sentido, considerando que el divertimento es su principal (más bien, su único) objetivo, justo es reconocerle que lo alcanza. Cuestión distinta supone valorar la historia, la narración, el estilo, el ritmo, la puesta en escena, es decir, el producto cinematográfico. Y en ese ámbito los déficits son importantes. 
Como ya me sucediera con títulos como la primera parte de “Kick-Ass” o alguna de las entregas de “Austin Powers”, la descontrolada furia aderezada de gracia de la una y el desenfreno ocurrente de la otra me hicieron disfrutar durante varias tramos de la proyección, si bien su visión en conjunto me produjo mayor pereza. En el caso de “Deadpool 2”, su afán por la parodia -incluyendo la autoparodia- se agradece y, además, neutraliza el peligro de fomentar la grandilocuencia y el exceso. Explosiones, persecuciones, huidas y peleas se diluyen en su propia desproporción, dado que la sobredosis de chistes y gracias nos recuerda que nada de lo que se ve debe tomarse en serio y que todo está al servicio de una mofa, a veces ingeniosa, a veces chabacana, pero siempre irónica. 
Dirige David Leitch, un experimentado especialista que ha participado coreografiando secuencias de acción y sustituyendo en las escenas peligrosas a los protagonistas de títulos tan destacados como “El ultimátum de Bourne”, “V de Vendetta” o “Sr. y Sra. Smith”. Como realizador ha firmado la decepcionante “Atómica”, junto a Charlize Theron y la irregular “John Wick” (si bien su labor no aparezca reflejada en los títulos de crédito). Consigue adaptarse bien a un producto muy marcado por el descaro. Lo que cuenta, en realidad, da igual. No ofrece una trama convencional, pero tampoco lo pretende. En esta parodia desmesurada lo único que cuenta es la capacidad para provocar. El toque gamberro constituye la auténtica marca que define a una saga que, como ya era previsible, ha anunciado su tercera entrega. 
Ryan Reynolds vuelve a interpretar a la dualidad Wade Wilson/Deadpool. Se trata de un intérprete con muchos y sonoros desatinos en su carrera profesional, pero también con algunos trabajos interesantes (“Buried”, “Definitivamente, quizás”). Su intención de explotar el éxito de esta franquicia en “X-Force” y “Deadpool 3” y de reiterar errores pasados como participar en una segunda parte de “El otro guardaespaldas”, evidencia su errática trayectoria. Le acompañan Josh Brolin (“No es país para viejos”, “Mi nombre es Harvey Milk”, “Sicario”), Morena Baccarin (vista en la serie televisiva “Homeland”), Zazie Beetz (“Geostorm”) y Brianna Hildebrand (“First Girl I Loved”). Todos ellos se entregan a este descaro políticamente incorrecto y cinematográficamente discutible, pero humorísticamente efectivo.

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Datos del film
Título original: Deadpool 2
Año: 2018
Duración: 111 min.
País: Estados Unidos
Dirección: David Leitch
Guion: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds (Cómic: Rob Liefeld, Fabian Nicieza)
Música: Tyler Bates
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Ryan Reynolds, Zazie Beetz, Josh Brolin, Morena Baccarin, T.J. Miller

martes, 15 de mayo de 2018

DEBRA WINGER

Debra Winger nació en Cleveland (Ohio) el 16 de mayo de 1955. Actriz estadounidense nominada en tres ocasiones al Oscar, abandonó el colegio a los dieciséis años y se marchó con su familia a Israel, donde vivió durante un tiempo en un kibbutz. Fue enrolada en las fuerzas de defensa del citado país, lo que marcó su carácter. Ya de vuelta a los Estados Unidos, sufrió un grave accidente automovilístico que la dejó semiparalítica y con pérdida de visión, lo que la obligó a guardar cama durante diez meses. Estudió Criminología y Sociología, aunque al final abandonó dichos estudios. 

Debutó en el cine en 1976 con la cinta “Slumber Party '57”, de William A. Levey. Tras su aparición en algunas series de televisión como “La mujer maravilla” y “La mujer policía”, estrenó “¡Por fin, ya es viernes!” (1978), de Robert Klane. En la década de los ochenta comenzó a despuntar en la pantalla grande, con su participación en “Cowboy de ciudad” (1980), junto a John Travolta y con un cameo no acreditado en “E.T. El extraterrestre”, de Steven Spielberg. 

Su gran éxito llegaría en 1982 con “Oficial y Caballero”, película de Taylor Hackford en la que formó pareja con Richard Gere. Por su papel recibió la primera nominación a la estatuilla dorada. En 1983 estrenó “La fuerza del cariño”, de James L. Brooks, que le proporcionó su segunda candidatura. De esa misma etapa son sus actuaciones en “Peligrosamente juntos” (1986), cinta de Ivan Reitman en la que estaba acompañada por Robert Redford y “El caso de la viuda negra” (1987), de Bob Rafelson. 

Ya en los 90 intervino en “El cielo protector” (1990), de Bernardo Bertolucci, dando la réplica a John Malkovich, “Tierras de penumbra” (1993), de Richard Attenborough, compartiendo cartel con Anthony Hopkins (en la que fue su tercera candidatura al premio de la Academia de Hollywood), y “Olvídate de París” (1995), de Billy Cristal. Poco a poco fue alejándose del mundo del cine. Una de sus últimas apariciones tuvo lugar en “La boda de Rachel” (2008), de Jonathan Demme.

Escena de "La fuerza del cariño"




Escena de "Tierra de penumbra"



viernes, 11 de mayo de 2018

OPERACIÓN: HURACÁN (The Hurricane Heist)

Llevando a cabo un símil con las categorías de los fenómenos meteorológicos, si los fuertes vientos y las adversas condiciones climatológicas que refleja la película “Operación: Huracán” la hacen merecedora de un cinco sobre cinco, desde un punto de vista cinematográfico no pasa de un raquítico uno. He de reconocer que este proyecto previsible, reiterativo y absurdo, de poca fuerza, nula originalidad y escasa inventiva, no fue mi primera opción. Comencé a visionar primero otro de los estrenos de la semana, en concreto “Verdad o reto”, pero no fui capaz de aguantar hasta el final. La trama, diseñada para apaciguar las hormonas adolescentes, resultaba tan precaria y vulgar que no pude resistir demasiado tiempo. Pero como el deber de la crítica se imponía y no contaba con otras alternativas a mi alcance, acabe viendo esta “Operación: Huracán”, a pesar de que ya el propio título no presagiaba nada bueno. Ignoro cómo concluyó la cinta de terror de la que escapé decepcionado. Quizá remontase al final de la proyección. Lo que sí puedo asegurar es que, por desgracia, mi decisión de cambio no mejoró el nivel. 
Su director, Rob Cohen, es habitual de una modalidad dentro del género de acción centrada en inundar de testosterona cualquier plano. Responsable de la primera entrega de la saga “The Fast and the Furious”, de “Pánico en el túnel”, con Sylvester Stallone al frente del reparto, de la tercera parte de “La Momia”, protagonizada por Brendan Fraser, de “xXx”, junto a Vin Diesel o de “Obsesión”, interpretada por Jennifer López, su cine es facilón y mayoritariamente dirigido a un público poco exigente. Las peleas, las persecuciones y el gancho de los actores principales se proyectan en la pantalla sin necesidad de ir acompañados de un guion elaborado. En otras palabras, su filmografía se dirige a un perfil de público que, cuando comienzan las imágenes, desconecta mentalmente hasta tal punto que prescinde de cualquier filtro que detecte una mínima calidad de la narración visual o una lógica en el relato. 
Un grupo de delincuentes pretende robar un botín de cientos de millones de dólares cuando, coincidiendo con la puesta en marcha de su plan, un peligroso huracán de categoría cinco asola el lugar. Ante tal situación, las dos únicas personas con posibilidades de detener a los ladrones son un agente del tesoro y un meteorólogo. 
Ni el aspecto referido al atraco, ni el que se apoya en la catástrofe atmosférica, ni el desarrollo del suspense ni, por supuesto, las pretendidas pinceladas dramáticas, demuestran sentido alguno. Estando relativamente reciente el estreno de la también muy decepcionante “Geostorm”, el presente proyecto ahonda en los defectos más habituales de estas producciones. En todo caso, como ya no pude huir por segunda vez, afronté la proyección mirando continuamente al reloj. Una auténtica pérdida de tiempo. 
Estrenada en los Estados Unidos a principios del mes de marzo, tan solo ha logrado recaudar seis millones de dólares, una cantidad muy inferior a los casi cuarenta que costó su rodaje. El desastre artístico, pues, tampoco se ha visto compensado en esta ocasión por una rentabilidad económica. El fiasco es total y a todos los niveles. 
En el elenco figuran nombres como Toby Kebbell -visto en “La guerra del planeta de los simios”, en su predecesora “El amanecer del planeta de los simios” y en la película española “Un monstruo viene a verme”-, Maggie Grace (que intervino en la serie de televisión “Perdidos” y en las dos entregas de “La saga Crepúsculo: Amanecer”) y Ryan Kwanten (con actuaciones en “Ga'Hoole La leyenda de los guardianes” y “Disparo letal”).

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Datos del film:
Título original: The Hurricane Heist 
Año: 2018
Duración: 100 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Rob Cohen
Guion: Carlos David, Jeff Dixon, Anthony Fingleton, Scott Windhauser (Historia: Carlos David, Anthony Fingleton)
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Shelly Johnson
Reparto: Toby Kebbell, Maggie Grace, Ryan Kwanten, Ralph Ineson

miércoles, 9 de mayo de 2018

JOAN CRAWFORD

Joan Crawford nació en la ciudad tejana de San Antonio el 23 de marzo de 1904 y falleció en Nueva York el 10 de mayo de 1977. Actriz de cine y televisión, ganadora de un Oscar de la Academia en 1945, el American Film Institute la situó en 1999 como la décima estrella femenina del celuloide de todos los tiempos. 

Debutó a mediados de los años veinte en “La dama de la noche” (1925). Durante toda la década posterior se erigió como una de las más populares figuras de la Metro Goldwyn Mayer, formando pareja en muchas ocasiones con Clark Gable y participando en destacados títulos como “Amor en venta” (1931), de Clarence Brown, “Gran Hotel” (1932), de Edmund Goulding, “Así ama la mujer” (1934), también de Brown, o “Mujeres” (1939), de George Cukor. 

Los cuarenta supusieron un cambio de estudio, recalando en la Warner Bros. Sus películas más importantes en esta etapa fueron “Un rostro de mujer” (1941), de nuevo con Cukor, “Bajo sospecha” (1943), de Richard Thorpe y “Alma en suplicio (Mildred Pierce)” (1945), de Michael Curtiz. Por esta actuación recibió la estatuilla dorada de Hollywood.  

Crawford abandonó la Warner en 1951 y participó en films como “La envidiosa” (1950), de Vincent Sherman, “La abeja reina” (1955), de Ronald MacDougall, “Mujeres frente al amor” (1959), de Jean  Negulesco y, sobre todo, “Johnny Guitar” (1954), dirigida por Nicholas Ray. Su último trabajo destacado fue “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962), a las órdenes de Robert Aldrich y donde compartía protagonismo con  una inquietante Bette Davis.


Escena de "Alma en suplicio"




Escena de "Mujeres"



lunes, 7 de mayo de 2018

FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2018 (The Cannes International Film Festival 2018)



El Festival de Cine de Cannes, que se celebrará este año entre los día 8 y 19 de mayo, estará marcada por el regreso a la competición oficial del director estadounidense Spike Lee, con su película "BlacKKKlansman", y del francosuizo Jean-Luc Godard, con "Le livre d'image". 

Los organizadores de la 71ª edición del certamen acaban de revelar en París la lista de las dieciocho películas que serán juzgadas por un jurado presidido por la actriz Cate Blanchett.


Competición oficial:

  • "Todos lo saben", de Asghar Farhadi (apertura).
  • "En guerre", de Stéphane Brizé.
  • "Dogman", de Matteo Garrone.
  • "Le livre d'image", de Jean-luc Godard.
  • "Netemo sametemo (asako i &ii)", de Ryusuke Hamaguchi.
  • "Plaire aimer et courir vite", de Christophe Honoré.
  • "Les filles du soleil", de Eva Husson.
  • "Ash is purest white", de Jia Zhang-ke.
  • "Shoplifters", de Hirokazu Kore-eda.
  • "Capharnaüm", de Nadine Labaki.
  • "Buh-ning", de Lee Chang-Dong.
  • "Blackkklansman", de Spike Lee.
  • "Under the Silver Lake", de David Robert Mitchell.
  • "Three Faces", de Jafar Panahi.
  • "Zimna wojna", de Pawel Pawlikowski.
  • "Lazzaro felice", de Alice Rohrwacher.
  • "Yomeddine", de A.B. Shawky.
  • "Leto" ("El verano"), de Kirill Serebrennikov.

Una cierta mirada:

  • "Gräns", de Ali Abbasi.
  • "Sofia", de Meyem Benm'barek.
  • "Les chatouilles", de Andréa Bescond y Eric Metayer.
  • "Long Day's Journey Into Night", de Gan Bi.
  • "Manto", de Nandita Das.
  • "À genoux les gars", de Antoine Desrosières.
  • "Girl", de Lukas Dhont.
  • "Gueule d'ange", de Vanessa Filho.
  • "Euphoria", de Valeria Golino.
  • "Mon tissu préféré", de Gaya Jiji.
  • "Rafiki", de Wanuri Kahiu.
  • "Die stropers" ("Les moissonneurs"), de Etienne Kallos.
  • "In My Room", de Ulrich Köhler.
  • "El ángel", de Luis Ortega.
  • "The Gentle Indifference Of The World", de Adilkhan Yerzhanov.

 Fuera de competición:

  • "Solo: A Star Wars Story" ("Han Solo: Una historia de Star Wars"), de Ron Howard.
  • "Le grand bain", de Gilles Lellouche.

Sesiones de medianoche:

  • "Arctic", de Joe Penna.
  • "Gongjak", de Jong-Bing Yoon.

Sesiones especiales:

  • "10 Years in Thailand", de Aditya Assarat, Wisit Sasanatieng, Chulayarnon Sriphol y Apichatpong Weerasethakul.
  • "The State Against Mandela And The Others", de Nicolas Champeaux y Gilles Porte.
  • "O grande circo místico" ("El gran circo místico"), de Carlos Diegues.
  • "La traversée", de Romain Goupil.
  • "À tous vents", de Michel Toesca.
  • "Les âmes mortes", de Bing Wang.


viernes, 4 de mayo de 2018

ROMAN J. ISRAEL ESQ.

El actor Denzel Washington es un intérprete todoterreno que ha logrado triunfar con solvencia en diversos géneros cinematográficos. Su capacidad de encandilar a la cámara y de mejorar cada plano con su presencia se ha puesto de manifiesto en numerosos títulos. Ganador de dos Oscars (“Día de entrenamiento” y “Tiempos de gloria”), ha desarrollado sus mejores trabajos en “Grita libertad”, “Malcolm X”, “Huracán Carter”, “American Gangster” o “Fences” (donde también asumió la labor de dirección). Versátil, eficaz y contundente, su participación en cualquier largometraje es garantía de una interpretación creíble y de la construcción de un personaje sólido. Su última nominación al premio de la Academia de Hollywood responde a su participación en “Roman J. Israel, Esq.”, cinta dirigida por Dan Gilroy, quien se dio a conocer con la extraña, original y desconcertante “Nightcrawler”, si bien su carrera más extensa la centre en su faceta de guionista. 
La película constituye la recreación de la vida de un abogado, a modo de auge y caída (o caída y auge, según se mire) y se asienta sobre una gran actuación y una ambientación muy precisa. Su principal mérito, además de la intervención del propio Washington, estriba en algunas secuencias con diálogos mordaces y una filmación acertada. Sin embargo, el conjunto está presidido por un tono monótono que, por desgracia, provoca cierto aburrimiento. Sus más de dos horas de duración resultan excesivamente largas, al tiempo que las escenas brillantes son demasiado breves. Podría compararse con un guiso cuyas materias primas son de primera calidad pero que han sido elaboradas con un inadecuado sistema de cocción. El plato final, pese a ser comestible, dista mucho de poder ser calificado de manjar. 
Un letrado idealista y poco convencional trabaja en un modesto despacho, pero su vida da un giro radical con el fallecimiento de su maestro y mentor. Al cambiar de clientes y de estilo profesional se dará cuenta de que existen otros modos de ejercer la abogacía, poniendo así a prueba aquel activismo que siempre defendió ante los tribunales e introduciéndose en unas esferas peligrosas e incontrolables. 
La cinta engancha en un principio, ya que augura unos personajes interesantes, una trama atractiva y cierta dosis de suspense. Sin embargo, a medida que avanza el metraje, evoluciona a medio gas y deja al espectador con buena parte de sus expectativas frustradas. La combinación entre drama y thriller no termina de convencer, el ritmo narrativo se torna confuso y el pretendido clímax nunca llega a aparecer. Es muy probable que el proyecto contara en su concepción con notables posibilidades y loables intenciones que quedaron por el camino, dando paso tan solo a una realización en exceso sobria y a un guion errático. Otro ejemplo de cómo una magnífica idea inicial queda desdibujada durante su desarrollo y se pierde finalmente en un desenlace huérfano de lógica y distante de su perspectiva de origen. 
El esfuerzo de Denzel Washington se manifiesta de modo patente y su entrega es más que meritoria, hasta el punto de enfrentarse a un papel que será recordado muy por encima de la película. Lástima que los aplausos que sin duda merece queden ensombrecidos por culpa de esa sensación de decepción generalizada. 
Le acompañan en el elenco el actor Colin Farrell, atrapado por sus lineales y previsibles personajes protagonistas, pero que tiende a brillar cuando se le relega a un segundo plano y se le deja experimentar con registros más alejados de lo habitual, Carmen Ejogo (“Selma”, “Alien: Covenant”) y Amanda Warren (vista recientemente en la galardonada y aclamada “Tres anuncios en las afueras”).

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Trailer en versión original


Datos del film:
Título original: Roman J. Israel, Esq.
Año: 2017
Duración: 129 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Dan Gilroy
Guion: Dan Gilroy
Música: James Newton Howard
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Denzel Washington, Colin Farrell, Carmen Ejogo
  

martes, 1 de mayo de 2018

STEPHEN DALDRY

El cineasta Stephen Daldry nació en la ciudad inglesa de Dorset el 2 de mayo de 1961. Productor y director de cine y teatro, ha ganado el premio BAFTA y ha estado nominado a los Oscar de Hollywood y a los Globos de Oro por varios de sus trabajos. Después de pasar por la Universidad de Sheffield, dio inicio a su carrera sobre las tablas participando en los Crucible Theatre, Metro Theatre, Gate Theatre y Royal Court Theatre. También representó con éxito obras en Broadway, entre ellas “An Inspector Calls” y “Vía Dolorosa”. 

Debutó en el cine en el año 2000 con “Billy Elliot”, cinta que obtuvo tres candidaturas a la estatuilla dorada, incluyendo una para el propio Daldry a la mejor dirección. El largometraje fue elegido mejor film británico. 

Posteriormente estrenó “Las horas”, sobresaliente película que optó a nueve premios de la Academia de Hollywood, logrando el de mejor actriz para Nicole Kidman. Se alzó asimismo con el Globo de Oro a la mejor película dramática del año. Su  extenso y brillante casting reunía a pesos pesados de la interpretación, como Meryl Streep, Julianne Moore, Ed Harris, Claire Danes, Allison Janney, Miranda Richardson, Jeff Daniels y John C. Reilly. Daldry continuó su meteórica carrera con “El lector” (2008), por la que Kate Winslet ganó también el Oscar a la mejor actriz, además de aspirar a las estatuillas de mejor película y director. 

Tras las citadas obras maestras, su cine rebajó un tanto el nivel, con las interesantes “Tan lejos, tan cerca” (2011) y “Ladrones de esperanza” (2014). 

Ha sido igualmente responsable de la serie de televisión “The Crown”.


Escena de "Las horas"




Escena de "El lector"