Este 30 de marzo se cumplen treinta y cinco años del estreno mundial en el Royal Command Film Performance de la película británica “Carros de fuego”, dirigida por Hugh Hudson en 1981. Refleja la etapa de dura preparación de los atletas del Reino Unido que compitieron en los Juegos Olímpicos de París 1924.
Cuenta la historia de Harold Abrahams y Eric Liddell, dos deportista extraordinarios, uno judío y otro cristiano, nacidos para correr. Ambos tienen familias, ideas y objetivos distintos, pero ello no les frena para tratar de ser los mejores en la cita olímpica. Resulta admirable su afán de superación para asegurar su plaza en la Universidad de Cambridge, que uno dedica a Dios y otro a un orgulloso reto personal.
El prestigioso productor David Puttnam ("Los duelistas", "La misión", "Los gritos del silencio") brindó una oportunidad al joven y casi debutante realizador Hugh Hudson que éste no desaprovechó, ya que la cinta ganó cuatro Oscar -película, vestuario, inolvidable banda sonora a cargo de Vangelis y guión-.
Con un modesto presupuesto inferior a seis millones de dólares, el film recaudó casi sesenta tan sólo en el mercado norteamericano.
Probablemente Zack Snyder sea el realizador que más se ha especializado en dirigir películas basadas en cómics. Ya sorprendió en su momento con la recreación de los aspectos más oscuros y siniestros de un grupo de héroes en “Watchmen”, cinta muy interesante y en absoluto infantil cuya historia se desarrollaba con una estética visual y un contenido narrativo poco habituales en su género. Además de haber sido el responsable de “300” y “El hombre de acero”, próximamente se hará cargo del rodaje de “La liga de la Justicia” (previsto para 2017). Asimismo, entre sus proyectos más inmediatos se encuentran la producción de “El escuadrón suicida”, “Wonder Woman” y, ya en 2018, “Flash” y “Aquaman”. Por lo tanto, todo parece indicar que nos encontramos ante un avezado erudito de este peculiar universo habitado por villanos y superhéroes.
Ahora presenta el largometraje “Batman vs Superman: El amanecer de la Justicia”, donde combina de nuevo su probada habilidad para plasmar imágenes de mundos de fantasía con una pulcritud técnica envidiable y una constante tendencia a conducir las tramas por los caminos más sombríos. No obstante, la premisa de la que parte implica el quebranto de una de las reglas, en principio, más indiscutibles en esa tradicional lucha del bien contra el mal, puesto que enfrenta a dos figuras que se asociaban al mismo bando y les obliga a transitar por los terrenos pantanosos del odio y la crueldad.
En una de las escenas de “Kill Bill”, de Quentin Tarantino, David Carradine reflexionaba sobre los superhéroes. En el diálogo que mantenía con Uma Thurman apuntaba la gran diferencia que existía entre Superman y el resto de personajes de cómic. Así, mientras que Spiderman y Batman eran seres humanos que, por diversas circunstancias, se convertían en héroes amparándose en un disfraz que les ayudaba a ocultar su verdadera naturaleza, con Superman se producía el efecto contrario. Él se "humanizaba" para disimular su condición sobrenatural. Dicho de otro modo, Peter Parker y Bruce Wayne se escondían tras Spiderman y Batman, pero es Superman quien se ocultaba tras Clark Kent.
Esta enorme diferencia de condición entre el Hombre Murciélago y el extraterrestre llegado del planeta Krypton supone que, al unirlos en un mismo film, en ocasiones chirríe. Creo que el hecho de enfrentarlos entre sí desnaturaliza sus respectivas esencias. Y si, además, los entremezclas con otras creaciones como Wonder Woman, da como resultado un conjunto excesivamente artificial que, por lo que a mí respecta, me invita a seguir prefiriendo a los “Watchmen” de entre toda la filmografía de este singular cineasta norteamericano.
Aun así, reconozco que la corrección formal de “Batman vs Superman: El amanecer de la Justicia” es impecable y que, a pesar de la longitud del metraje, su ritmo narrativo favorece el entretenimiento. Destacan igualmente su notable recreación visual y una historia sorprendente y novedosa que llama la atención del espectador. Por inconexos, tal vez desentonen dentro de ese tono lúgubre y oscuro que impone Snyder ciertos toques de humor a cargo de algunas apariciones de Lex Luthor.
En el apartado interpretativo, el elenco de actores es de primera magnitud: Ben Affleck (ganador de dos Oscars); Amy Adams (con cinco nominaciones al mismo premio); Holly Hunter (un premio de la Academia de Hollywood de cuatro nominaciones); Jeremy Irons (acreedor también de una estatuilla dorada); Laurence Fishburne, Diane Lane, Jesse Eisenberg y Michael Shannon (los cuatro con su respectiva candidatura a ese prestigioso galardón). Todos ellos acompañan en el reparto a Henry Cavill, que vuelve a lucir de nuevo la característica capa roja y la popular letra “S” sobre su pecho.
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Datos del film
Película: Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia.
Título original: Batman v. Superman: Dawn of Justice.
Dirección: Zack Snyder.
País: USA. Año: 2016. Duración: 151 min. Género: Acción, fantástico.
Reparto: Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman), Amy Adams (Lois Lane), Laurence Fishburne (Perry White), Diane Lane (Martha Kent), Gal Gadot (Wonder Woman), Jesse Eisenberg (Lex Luthor), Jeremy Irons (Alfred), Holly Hunter (senadora Finch).
Guion: Chris Terrio y David S. Goyer, basado en los personajes de DC Comics.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Larry Fong.
Joan Crawford, sin duda una de las actrices norteamericanas más glamourosas de todos los tiempos, nació como Lucille Fay LeSueur en la localidad tejana de San Antonio el 23 de marzo de 1904. Gran aficionada al canto y al baile, ganó con 19 años un concurso de charlestón que le otorgó la posibilidad de viajar hasta Hollywood para integrarse como corista y bailarina de la productora Metro Goldwyn Mayer, momento en el que adoptó su definitivo nombre artístico.
Debutó a mediados de la década de los veinte en “Lady of the Night” (1925), pero no fue hasta su aparición en “Vírgenes modernas” (1928) de Harry Beaumont, cuando lograría ser conocida por el público estadounidense. Durante los años 30 se convirtió en una de las estrellas más populares de la Metro, formando pareja en numerosas ocasiones con el galán Clark Gable y participando en títulos tan destacados como “Amor en venta” (1931) de Clarence Brown, “Gran Hotel” (1932) de Edmund Goulding, “Así ama la mujer” (1934), también de Brown, o “Mujeres” (1939) de George Cukor.
Sus siguientes films más importantes fueron “Un rostro de mujer” (1941), de nuevo a las órdenes de George Cukor, “Above Suspicion” (1943) de Richard Thorpe, “Alma en suplicio” (1945), una historia criminal dirigida por Michael Curtiz, con Zachary Scott y Ann Blyth en el reparto y que le reportó el Oscar a la mejor actriz, “De amor también se muere (Humoresque)” (1946) de Jean Negulesco, “El amor que mata” (1947) de Curtis Bernhardt y “Flamingo Road” (1949), también de Curtiz.
Ya en los cincuenta filmó “La envidiosa” (1950) de Vincent Sherman, “Queen Bee” (1955) de Ronald MacDougall, “Mujeres frente al amor” (1959), también con Negulesco y, sobre todo, “Johnny Guitar” (1954) de Nicholas Ray. “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962), extraordinaria cinta de Robert Aldrich en la que aparecía por primera vez con una de sus máximas rivales (se dispensaban un odio mutuo) dentro y fuera de la pantalla, Bette Davis, constituye su último trabajo relevante.
Crawford murió en Nueva York el 10 de mayo de 1977 a consecuencia de un cáncer de páncreas. Tenía 73 años.
El director francés Louis Leterrier ha enfocado su carrera hacia el género de acción, habiendo filmado hasta la fecha las dos primeras entregas de la saga “Transporter”, una versión de “El increíble Hulk”, “Furia de titanes” o la artificial “Ahora me ves”. Con todas ellas ha obtenido unos aceptables resultados en taquilla aunque, a tenor de los elevados presupuestos de los que disponía, no siempre le han resultado proyectos rentables. Responde al modelo de realizador actual que basa el entretenimiento en un ritmo desenfrenado, un montaje frenético y unas tramas rebosantes de adrenalina. Y lo cierto es que gastando (o malgastando, según se mire) millones de dólares en el rodaje de secuencias complicadas, efectos especiales elaborados y explosiones desmesuradas suele lograr sus pretensiones. Sin embargo, las historias distan mucho de ser creíbles o siquiera trabajadas, y las interpretaciones se pierden en unas puestas en escena estereotipadas y simplonas. Como les sucede a otros de sus colegas, se concentra en la forma y desatiende el fondo. Entiende el cine como pulcritud técnica y asombro visual a base de colorido y desenfreno, aparcando por completo a protagonistas, narración y elementos artísticos. En otras palabras, renunciando al cine como arte.
Ahora, tal vez con el intención de dar un pequeño (muy pequeño) giro a su trayectoria profesional, añade una supuesta dosis de humor y comicidad a este “Agente contrainteligente”, una comedia a la medida de consumidores de risas facilonas, chistes vulgares y parodias soeces. Se trata del enésimo intento de extraer el máximo jugo a esas cintas de agentes secretos destinadas a un sector del público que, alternativamente, engulle palomitas y consulta el móvil durante la proyección. Para gustos, los colores. No cabe duda.
El argumento se centra en un torpe agente secreto británico se reencuentra con un hermano mayor, con quien no tiene nada en común. El aparente refinamiento del espía contrasta con el aspecto rural de su familiar, que vive en un modesto pueblo inglés de pescadores en compañía de su rolliza pareja y sus nueve hijos. Ambos colaborarán juntos en la lucha contra un grupo de malvados que están poniendo al mundo en peligro.
En honor a la verdad, hay que decir que no todo en este film es negativo. Cabe destacar como ventaja su escasa duración (apenas una hora y veinte minutos). Salvando ese dato, nos coloca claramente ante el peor trabajo de Leterrier que, habiéndose ganado ya un nombre de cierto respeto, aquí termina por revelarse como un cineasta mediocre.
Por lo que respecta al equipo artístico, acepto y respeto a quienes le ríen las gracias al siempre estridente actor principal, Sacha Baron Cohen. Sin embargo, opino que ninguno de sus títulos anteriores (“Ali G. anda suelto”, “Borat”, “Brüno”, “El dictador”) me transmitió ni una pizca divertimento, hasta el punto de no terminar siquiera su visionado. Le acompaña en el elenco Mark Strong, intérprete notable al que hemos visto en largometrajes tan destacados como “Descifrando Enigma”, “La noche más oscura”, “El topo”, “Red de mentiras” o “La reina Victoria”. No es la primera vez que participa en films que combinan la acción y el humor (RocknRolla, Kick Ass) pero con la enorme diferencia de que en ellos se destilaba gallardía, frescura, originalidad y diversión. En contraposición, “Agente contrainteligente” se queda a medio camino de cualquiera de sus objetivos, ya que no es transgresor, ni irreverente, ni divertido, ni ofrece acción de calidad.
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Datos del film
Película: Agente contrainteligente.
Título original: Grimsby.
Dirección: Louis Leterrier.
País: Reino Unido. Año: 2016. Género: Acción, comedia.
Reparto: Sacha Baron Cohen, Mark Strong, Isla Fisher, Rebel Wilson, Penélope Cruz, Gabourey Sidibe, Ian McShane.
Guion: Sacha Baron Cohen, Phil Johnston y Peter Baynham.
Música: David Buckley y Erran Baron Cohen.
La actriz canadiense Kate Nelligan nació en Ontario el 16 de marzo de 1950. Cursó estudios en el London South Collegiate Institute de su ciudad natal y posteriormente en el Glendon College de Toronto, aunque finalmente no se graduó. Sin embargo, se matriculó en la Central School of Speech and Drama de Londres, decidida a convertirse en actriz.
Comenzó su carrera profesional en el medio televisivo, participando en diversas series y telefilmes, para dar el salto a la pantalla grande con la película de Joseph Losey “Una inglesa romántica” (1975). Más tarde intervino en una versión de “Drácula” (1979), dirigida por John Badham.
En la década de los ochenta siguió compaginando sus apariciones en la pequeña pantalla con largometrajes como “El ojo de la aguja” (1981) de Richard Marquand, “Orden de búsqueda” (1983) de Stanley R. Jaffe y “Eleni” de Peter Yates.
Sus mayores éxitos llegaron en los años noventa, sobre todo en un brillante para ella 1991. Rodó tres títulos magníficos: “Frankie & Johnny” de Gary Marshall (por cuya interpretación ganó el BAFTA británico a la mejor actriz de reparto), “Sombras y niebla” de Woody Allen y, sobre todo, “El príncipe de las mareas” de Barbra Streisand (que le supuso la candidatura al Oscar de Hollywood como secundaria).
De esa misma época son las cintas “Lobo” (1994) de Mike Nichols, “Donde reside el amor” (1995) de Jocelyn Moorhouse e “Íntimo y personal” (1996) de Jon Avnet. En 1999 formó parte del elenco de “Las normas de la casa de la sidra” de Lasse Hallström, en la que fue su última gran aparición cinematográfica, ya que volvió a volcarse en la televisión y tan sólo intervino brevemente en el film “Premonición” (2007) de Mennan Yapo.
"El príncipe de las mareas"
Momento en el que gana el BAFTA por "Frankie & Johnny"
La joven directora turca Deniz Gamze Ergüven ha logrado en Francia, con este primer trabajo tras la cámara, un rotundo y contundente éxito que se está extendiendo a nivel internacional. Después de un par de breves colaboraciones como actriz, debuta como cineasta con “Mustang” y lo hace, sin duda, por la puerta grande. En la reciente edición de los premios Oscar, la cinta estuvo nominada en la categoría de mejor film de habla no inglesa, la misma candidatura que en los Globos de Oro. Y en el país galo se alzó con cuatro premios César de nueve posibles (opera prima, guion, banda sonora y montaje). Además, el trabajo de Ergüven ha sido reconocido en el Festival de Cannes, en los Premios del Cine Europeo y en los Goya españoles -en el apartado de mejor película europea-. Ante tal aluvión de loas y reconocimientos, parece evidente que nos hallamos frente a una artista plena de imaginación y creatividad cuya carrera profesional conviene seguir de cerca a partir de ahora.
El largometraje, rodado con frescura, responde a un tipo de cine reivindicativo y de denuncia social que, debido a su temática y a su limitada distribución, desgraciadamente no llegará a muchas salas de proyección, en otra muestra más de la encorsetada y macabra dictadura que las grandes productoras y distribuidoras imponen a aquellas. Es verdad que en algunas escenas se observa cierta inexperiencia a la hora de narrar, percibiéndose la ficción con excesiva claridad. Sin embargo, dicha carencia se compensa con creces con la espontaneidad de las interpretaciones y con una filmación honesta y ajena a mayores pretensiones.
Cuenta la historia de cinco pequeñas huérfanas de entre doce y dieciséis años que viven en un pequeño pueblo del norte de Turquía. Terminado el curso escolar, se preparan para disfrutar de un verano entre risas, coqueteos y juegos con otros chicos del lugar. Sin embargo, el papel que la tradición les impone por su condición de mujeres coarta sus ansias de libertad. Los rumores de inmoralidad por su comportamiento llegan a oídos de sus familiares, que deciden imponer su férrea moral y prepararlas para su futuro de esposas sumisas.
La realizadora, pese a dotar a la trama de un innegable tono dramático, transmite su mensaje a través de un relato con apariencia de normalidad y salpicado con unas dosis de humor que no restan un ápice su grado de implícita moraleja reivindicativa. Comienza con una visión tradicional sobre el despertar a la vida desde la niñez, en pugna con las generaciones precedentes, y termina resultando una estimulante propuesta cinematográfica de notables resultados. Ni su reparto inexperto, ni su filmación elemental (que, en ocasiones, genera cierta sensación de proyecto amateur poco elaborado) impiden considerarla una obra muy recomendable.
Al margen del entretenimiento asociado al ámbito del Séptimo Arte, se trata de un título que bien pudiera ser utilizado en la esfera educativa para sensibilizar sobre la situación de la mujer en buena parte de este planeta y para denunciar que las tradiciones no siempre son dignas de perpetuarse.
Poco se puede añadir sobre las integrantes del reparto, puesto que son cinco jóvenes de las que cuatro se estrenan en la pantalla grande. La quinta apenas había intervenido en algunos capítulos de una serie de televisión y en un par de películas desconocidas para el gran público. Pero tal vez sea precisamente su falta de experiencia la que dota a esta película de esa aureola de veracidad y cercanía que, contra todo pronóstico, es capaz de enganchar al espectador.
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Datos del film
Película: Mustang.
Dirección: Deniz Gamze Ergüven.
Países: Francia, Alemania, Turquía y Qatar.
Año: 2015. Duración: 97 min. Género: Drama.
Reparto: Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan.
Guion: Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour.
Música: Warren Ellis.
Esta película estadounidense de género policiaco que celebra su vigésimo aniversario, escrita, dirigida y producida por los hermanos Coen, y protagonizada por Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Harve Presnell y Peter Stormare, debe su nombre a la ciudad de Fargo -Dakota del Norte-, si bien la mayor parte de la acción se desarrolla en Minnesota. Se estrenó el 8 de marzo de 1996 y, con un presupuesto de siete millones de dólares, recaudó más de sesenta en todo el mundo.
Recibió siete nominaciones a los Oscar, logrando los de mejor guion original y mejor actriz (Frances McDormand). También ganó el BAFTA y el premio al mejor director en el Festival de Cannes.
Cuenta la historia de Jerry Lundegaard (William H. Macy), que contrata a Carl (Steve Buscemi) y a Gaear (Peter Stormare) para que secuestren a su mujer (Kristin Rudrüd) y exijan una cantidad específica de dinero a su multimillonario y burgués suegro (Harve Presnell). El dinero del rescate se dividirá en dos: el cincuenta por ciento para Jerry y el otro cincuenta por ciento para los secuestradores. Pero todo se complica cuando fallecen tres personas, una de ellas un agente de policía, y su jefa -Marge Gunderson (Frances McDormand)- se centra en investigar el caso. Por si fuera poco, Jerry deberá enfrentarse a un problema más: los secuestradores que él mismo contrató.
Joel Coen manifestó: "Esta es una historia real. Por petición de los supervivientes y por respeto a la víctimas los nombres han sido cambiados. El resto está contado exactamente como ocurrió".
“Fargo” no es sólo uno de los filmes más conocidos de los hermanos Coen, sino que es, además, uno de los principales “clásicos contemporáneos” de la Historia del cine.
John Crowley es un director desconocido todavía para el gran público, pese a contar ya con cinco largometrajes y participar en algunos episodios de series televisivas de fama mundial -como “True Detective”-. Es ahora cuando, gracias a su trabajo en “Brooklyn”, su nombre comienza a sonar con fuerza. En 2008 había alcanzado cierta repercusión mediática con el telefilm “Boy A”, que en España pasó completamente desapercibido pero que le reportó un BAFTA a su director, además de otros galardones en festivales tan prestigiosos como el de Berlín. Sin embargo, con este último estreno ha recibido un verdadero aluvión de reconocimientos, desde el BAFTA a la mejor película británica del año a tres nominaciones a los Oscar (película, actriz y guión adaptado), pasando por diversas candidaturas a los Globos de Oro y a otros certámenes internacionales.
Con “Brooklyn” nos ofrece un relato bello y entrañable a modo de homenaje edulcorado a los miles de emigrantes irlandeses a Norteamérica. Se trata de una cinta correctamente filmada, con una notable ambientación y que responde al formato de melodrama clásico por excelencia, es decir, una suma de tragedia, amor, sufrimiento y final feliz. Sustentado en un guión bienintencionado del gran escritor y cada vez más prolífico guionista Nick Hornby (responsable de guiones tan recomendables como los de “An Education”, “Un niño grande” o “Alta fidelidad”, y de interesantes libros como “Juliet, desnuda” o “Fiebre en las gradas”), respeta la tradicional fórmula del cine de antaño. Por lo tanto, agradará mucho a un público de mediana edad que guste de rememorar épocas pasadas y desee reencontrarse con aquel estilo cinematográfico propio de otros tiempos.
Cuenta la historia de Eilis Lacey, una joven irlandesa de pueblo que decide escapar de un futuro sin expectativas por culpa del ambiente encorsetado de su localidad y trasladarse a la gran ciudad de Nueva York. Nada más llegar, se instala en una casa de huéspedes del popular barrio de Brooklyn, donde también viven otras de sus compatriotas que han emigrado antes que ella. A partir de entonces, comenzará a trabajar como dependienta en unos grandes almacenes, a la par que iniciará estudios de Contabilidad en horario nocturno. Con el tiempo, conocerá a un chico italiano de familia humilde del que se enamorará pero, justo cuando su nueva vida comienza a cobrar sentido, una circunstancia desafortunada la reclamará desde Irlanda y deberá retornar a sus orígenes.
Tal vez el principal inconveniente de esta producción radique en su pretensión de desarrollar la trama sobre un constante tono edulcorado y tierno, demasiado propenso a la lágrima fácil, despojando a la narración de otros elementos que modifiquen un ápice ese toque casto y puro. Aun así, la destacada fotografía, la eficaz banda sonora, el cuidado vestuario y, sobre todo, la impecable interpretación de su protagonista, harán sin duda las delicias de aquellos espectadores más proclives a las crónicas costumbristas. Indudablemente, la cinta, que desprende bondad por los cuatro costados, es una loa al sacrificio como forma de prosperar en la vida.
Pese a haber obtenido una modesta recaudación en taquilla (apenas treinta y cinco millones de dólares en Estados Unidos), el film ha logrado estar en boca de todos los aficionados al cine y colarse en cada una de las listas que recogen los mejores trabajos de 2015.
Dentro de su reparto coral, destaca sobremanera la actriz Saoirse Ronan, que, siendo todavía una niña, asombró a crítica y público con su magnífica interpretación en la intensa “Expiación” (2007) y que, posteriormente, continuó demostrando versatilidad y oficio en largometrajes como “The Lovely Bones” y “Hanna”. A sus veintidós años cuenta ya con el envidiable currículum de dos nominaciones a los Oscar, otras dos a los Globos de Oro y tres a los BAFTA. Le acompañan de modo eficaz el veterano Jim Broadbent (ganador de la estatuilla dorada al mejor actor de reparto en 2001 por “Iris”) y la también curtida en la profesión Julie Walters (aspirante por partida doble al premio de la Academia de Hollywood por “Educando a Rita” y “Billy Elliot”).
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Datos del film
Película: Brooklyn.
Dirección: John Crowley.
País: USA. Año: 2015. Duración: 111 min. Género: Drama.
Interpretación: Saoirse Ronan, Domhnall Gleeson, Emory Cohen, Jim Broadbent, Julie Walters.
Guion: Nick Hornby; basado en la novela de Colm Toibin.
Producción: Finola Dwyer y Amanda Posey.
El productor, director y guionista George Miller nació en la ciudad australiana de Brisbane el 3 de marzo de 1945. Cuenta en su palmarés con un Oscar de Hollywood.
Debutó tras la cámaras en 1979 con la cinta “Mad Max: Salvajes de la autopista”, protagonizada por Mel Gibson, y durante los años siguientes continuó con dicha saga, rodando “Mad Max 2” (1981) y “Mad Max 3: Más allá de la cúpula del trueno” (1985).
En sus siguientes proyectos cambió radicalmente de registro, siendo el realizador de “Las brujas de Eastwick” (1987), junto a Jack Nicholson, Michelle Pfeiffer, Susan Sarandon y Cher, “El aceite de la vida” (1989), con Nick Nolte y, nuevamente, Susan Sarandon y por cuyo guión recibió su primera nominación a la estatuilla dorada, y “Babe, el cerdito valiente” (1998), en compañía de James Cromwell, logrando otras dos candidaturas al preciado galardón de la Academia en las categorías de película y guión adaptado.
Ya en el nuevo milenio estrenó “Happy Feet”, largometraje que se alzó con el Oscar a la mejor película de animación y cuya segunda parte se rodó en 2011.
En 2015 retomó su primera trilogía con “Mad Max: Furia en la carretera”, consiguiendo gracias a este trabajo su primera nominación a la célebre estatuilla dorada como mejor director, además de numerosos premios en otros certámenes especializados.
