KIRSTEN DUNST

Kirsten Dunst nació en Nueva Jersey el 30 de abril de 1982. Actriz, modelo y cantante, su primera aparición cinematográfica tuvo lugar en “Historias de Nueva York” (1989), donde intervino en el episodio dirigido por Woody Allen, aunque sin figurar en los títulos de crédito. Posteriormente participó en “La hoguera de las vanidades” (1990), adaptación de la novela de Tom Wolfe que dirigió Brian de Palma. Asimismo, actuó en otros títulos como “Los codiciosos” (1994) de Jonathan Lynn, “Mujercitas” (1994) de Gillian Armstrong y “Entrevista con el vampiro” (1994), una versión de la obra de Anne Rice que consiguió sacarla por fin del anonimato. De hecho, recibió una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz secundaria. 

En la segunda mitad de la década de los 90, Dunst interpretó un papel en la popular serie televisiva “Urgencias” y formó parte junto a Robin Williams del reparto de “Jumanji” (1995) y al lado de Robert de Niro y Dustin Hoffman en el de “Cortina de humo” (1997), a las órdenes de Barry Levinson. Su consagración definitiva en la gran pantalla le llegó gracias a la ópera prima de Sofía Coppola  "Las vírgenes suicidas" (1999). 

Con posterioridad, protagonizó "Amor loco, amor prohibido" (2001), un drama romántico en el que compartió cartel con Jay Hernández y “Spiderman” (2002) de Sam Raimi, su mayor éxito de público, al que siguieron las secuelas “Spiderman 2” (2004) y “Spiderman 3” (2007). En medio del rodaje de dicha trilogía colaboró en “La sonrisa de Mona Lisa” (2003), realizada por Mike Newell y con Julia Roberts encabezando el elenco. En "María Antonieta" (2006), de nuevo con Sofia Coppola detrás de la cámara, interpretó a la conocidísima reina francesa. 

En “Winmbledon (El amor está en el aire)” (2004) dio vida a una tenista y en la deliciosa “Elizabethtown” (2004) de Cameron Crowe asumió su, en mi opinión, mejor papel -Claire Colburn-, con escenas y diálogos brillantes compartidos con Orlando Bloom. En "Nueva York para principiantes" (2008), cinta con trasfondo periodístico, era Alison Olsen y en "Melancolía" (2011) de Lars von Trier, la hermana de Charlotte Gainsbourg. Finalmente, en el film de fantasía sentimental "Un amor entre dos mundos" (2012) formó pareja con Jim Sturgess.

Escena de la película "Spiderman 2" (en versión original)

Escena de la película "Elizabethtown" (en castellano)

Escena de "Elizabethtown" (en versión original)

POMPEYA (Pompeii)

Los responsables de “Pompeya” idearon este proyecto a lo grande. Presupuesto de cien millones de dólares, imponentes efectos especiales, luchas a muerte, catástrofes naturales y recreaciones de civilizaciones extintas. Y pusieron tanto empeño en construir la carcasa que descuidaron la esencia. La historia, los personajes, el guión… las piezas más relevantes para la elaboración de una buena película quedan aquí en un segundo plano y esa circunstancia pasa factura. Además, aunque reconozcamos sus méritos, la conclusión es que sigue tratándose de una cinta prescindible que no aporta nada interesante a la historia del Séptimo Arte. 

Porque quien haya visto las luchas de gladiadores de “Gladiator” de Ridley Scott o de “Espartaco” de Stanley Kubrick no podrá sentirse atraído por las que propone “Pompeya”, por mucho afán que se haya empleado al filmarlas. Y quien haya presenciado los tsunamis rodados magistralmente por Clint Eastwood en “Más allá de la vida” o por Juan Antonio Bayona en “Lo imposible” tampoco quedará impactado por la gigantesca ola que asimismo todo lo arrasa. Para los habituales de las salas de proyección, esta recreación de la famosa erupción volcánica, siendo muy espectacular, no es argumento suficiente para engancharles durante más de hora y media. 

Nos hallamos sin duda ante una producción cuyos aspectos técnicos son de primera. Pero no es menos cierto que la narración es de segunda y gran parte de la culpa recae sobre unos personajes tan acartonados como los propios decorados de ese Imperio Romano que se nos intenta trasladar en imágenes. Paul W.S. Anderson es un director excesivamente influenciado por la cultura y la estética de los videojuegos. Responsable de “Resident Evil”, “Resident Evil: Ultratumba”, “Resident Evil 5: Venganza” y en pleno rodaje de “Resident Evil 6”, los títulos de su filmografía muestran una línea monótona y decadente. Visto uno, vistos todos. Quizás ahora pretendía dar un giro novedoso y original a su trayectoria profesional pero la única variación ha consistido en que los zombies del futuro ceden el testigo a los romanos del pasado. El resto es muy similar. Acción desenfrenada, construida para convertir al espectador en un jugador de “play station” que disfrute imaginándose que utiliza los botones del mando para aniquilar a cuantos contrincantes se le pongan por delante y, así, poder pasar de fase. 

Por lo tanto, la trama no es lo más importante y se nota. Concebida supuestamente como la recreación de la erupción acaecida en el año 79 después de Cristo en el Monte Vesubio, que desencadenó uno de los mayores desastres de la Historia, no ha obtenido un buen resultado en taquilla. Pese al enorme presupuesto desembolsado, y tras dos meses en las carteleras, ni siquiera ha llegado a los veinticinco millones de dólares de recaudación. Por lo tanto, hasta este momento no ha recuperado la inversión inicial. 

El actor más conocido del reparto es Kiefer Sutherland, quien ya nos tiene acostumbrados a dar lo mejor de sí mismo en el medio televisivo. De hecho, ha ganado un Globo de Oro y un Emmy gracias a su papel en la popular serie “24”. Sin embargo, en su paso por la gran pantalla acumula varias décadas interpretando mayoritariamente personajes malvados que tan sólo le han servido para encasillarle. Los más cinéfilos reconocerán también a Carrie-Anne Moss, la heroína de la saga “Matrix” que contribuyó con una notable intervención en la inquietante “Memento” y a Adewale Akinnuoye-Agbaje, el modelo londinense que participó como secundario en la magnífica “El caso Bourne” y en “La joven de las especias”.

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Datos del film
Película: Pompeya.
Título original: Pompeii.
Dirección: Paul W.S. Anderson.
Países: USA y Alemania. Año: 2014. Género: Acción, aventuras, drama, romance.
Interpretación: Kiefer Sutherland, Carrie-Anne Moss, Kit Harington, Emily Browning, Jessica Lucas, Jared Harris, Adewale Akinnuoye-Agbaje.
Guion: Janet Scott Barchler, Lee Batchler, Julian Fellowes y Michael Robert Johnson.
Producción: Paul W.S. Anderson, Jeremy Bolt, Don Carmody, Robert Kulzer y Martin Moszkowicz.
Fotografía: Glen McPherson.
Diseño de producción: Paul D. Austerberry.
Vestuario: Wendy Partridge.

RENÉE ZELLWEGER

Renée Zellweger nació el 25 de abril de 1969 en Texas. Es una de las pocas actrices que han ganado los cuatro premios cinematográficos más importantes: el Oscar, el BAFTA, el Globo de Oro y el Premio del Sindicato de Actores. Se graduó en la Universidad con excelentes calificaciones en Lengua Inglesa. Su afición por la interpretación proviene precisamente de esta etapa universitaria, durante la cual actuó en diversos grupos teatrales. 

En la década de los 90 participó en cintas como “Bocados de realidad” (1994) de Ben Stiller, “Amor del calibre 45” (1994) de C. M. Talkington, “Empire Records” (1995) de Allan Moyle, “Jerry Maguire” (1996) de Cameron Crowe, “Cosas que importan” (1998) de Carl Franklin o “El soltero” (1999), remake de un film de Buster Keaton que co-protagonizó Chris O’Donnell y dirigió Gary Sinyor. Zellweger se reveló internacionalmente con "Persiguiendo a Betty" (2000), una comedia de Neil LaBute por la que consiguió el Globo de Oro como mejor actriz de comedia. 

Alcanzó el status de estrella con "El diario de Bridget Jones" (2001), película dirigida por Sharon Maguire en la que compartía protagonismo con Hugh Grant y Colin Firth y que se basaba en una novela de Helen Fielding. Por esta interpretación fue nominada al Globo de Oro y al Oscar como mejor actriz principal, aunque la estatuilla dorada recayó finalmente en Halle Berry por “Monster’s Ball”. 

Gracias a "Chicago" (2002), film musical de Rob Marshall, obtuvo su segundo Globo de Oro y volvió a ser nominada al Oscar, logrando el premio de la Academia en aquella ocasión Nicole Kidman por “Las horas”. Su tercer Globo de Oro le llegaría merced a su papel en “Cold Mountain” (2003), drama dirigido por Anthony Minghella que le reportaría asimismo la estatuilla como mejor actriz secundaria. 

Posteriormente intervino en “Bridget Jones: Sobreviviré” (2004), segunda parte del célebre éxito que corrió esa vez a cargo de Beeban Kidron, “Cinderella Man: El hombre que no se dejó tumbar” (2005) de Ron Howard, “Miss Potter” (2006) de Chris Noonan, "Ella es el partido" (2008), una historia sobre fútbol americano en los años 20 que dirigió y co-protagonizó George Clooney, y "Appaloosa" (2008), donde compartía créditos con Ed Harris, Viggo Mortensen y Jeremy Irons. 

En los últimos años ha sufrido cierto declive profesional, figurando en en títulos claramente menores como "Ejecutiva en apuros" (2009), "Expediente 39" (2009) y "Nuestra canción de amor" (2010).
Habrá que confiar en que se trata simplemente de una etapa de transición que toque pronto a su fin.

"Cold Mountain" (Escena en versión original)

"El diario de Bridget Jones" (Escena en versión original)

THE AMAZING SPIDERMAN 2

Hace ya varios años escribí, al comentar alguna de las anteriores películas de Spiderman, que Stan Lee es al cómic lo que William Shakespeare a la literatura: un creador de historias cuyos personajes, situaciones y tramas trascienden por su universalidad a épocas y a modas. Ahora, tras ver la segunda parte de “The Amazing Spiderman” me reafirmo en esa tesis. El “hombre araña” es, sin duda, su obra más completa y lograda y sólo un análisis sesgado y erróneo la calificaría de mero producto infantil. Es verdad que sus ilustraciones cumplen con las reglas de la ciencia ficción y están destinadas mayoritariamente a un público compuesto por niños y jóvenes pero, en el fondo, los asuntos sobre los que profundiza su autor son más propios de un drama teatral desgarrador: el concepto de responsabilidad, la búsqueda de la identidad, el bien, el mal, el destino, la soledad y el amor (o, más bien, las dificultades del amor). También otros personajes de cómic hacen mención a estas cuestiones vitales pero la importancia que Lee les otorga y la intensidad con que las aborda no resisten la comparación. Entre las viñetas y los diálogos,  y entre bromas y golpes, se esconde todo un tratado de ética y, hasta me atrevería a decir, de filosofía. De modo que, como ocurre con el magistral escritor británico del siglo XVI, es adaptado una y otra vez en los medios más diversos (televisivo, teatral o cinematográfico) y por artistas muy diferentes, a quienes ha atraído sobremanera.  Personalmente, la historia de Peter Parker me sugestionó desde muy niño y aún a día de hoy, si me topo por casualidad con sus recreaciones, me sigo quedando prendado de ellas, aunque las haya visto en infinidad de ocasiones.

Lo que hace verdaderamente diferente a Spiderman de Batman o de Superman (por citar a dos de los héroes más populares) es que su vertiente humana posee un protagonismo similar a su “alter ego” enmascarado y, sobre todo, que presenta un cúmulo de matices, dramas interiores y laberintos emocionales que lo convierten en un lujo, circunstancia que no se produce ni con Bruce Wayne ni con Clark Kent, claramente secundarios y mucho más planos frente a su versión heroica (si bien el realizador Christopher Nolan haya corregido dicho aspecto en su magnífica trilogía del “hombre murciélago”).

“The Amazing Spiderman 2” gustará a los amantes del famoso personaje y a los espectadores de las anteriores producciones de la Columbia Pictures. Ágil, divertida y emotiva, cabe mencionar como dato negativo que los villanos no están en esta ocasión a la altura del protagonista, ofreciendo un perfil demasiado caricaturizado. Asimismo, en algunas de las luchas se abusa de los efectos especiales y de una coreografía abrumadora en exceso. Al margen de esa salvedad, los incondicionales del cómic tan sólo tienen que sentarse y disfrutar.

Marc Webb dirige también esta segunda parte. Debutó detrás de la cámara con una de las mejores comedias románticas de los últimos años -la muy recomendable 500 días juntos-, cuyo género se aleja notablemente del que ahora nos ocupa. Sin embargo, ese salto no se ha notado en lo más mínimo, lo cual demuestra la versatilidad y la eficacia de un director al que conviene seguir la pista en el futuro.  El actor Andrew Garfield asume de nuevo el papel central, tras haber destacado en otros filmes muy relevantes como La red social, Nunca me abandones y Leones por corderos. Como ocurre con Webb, vale la pena grabar su nombre en la memoria porque, a buen seguro, nos seguirá deleitando con posteriores interpretaciones.

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Datos del film

Película: The amazing Spider-Man 2: El poder de Electro.
Dirección: Marc Webb.
País: USA. Año: 2014. Duración: 142 min. Género: Acción, fantástico.
Interpretación: Andrew Garfield (Peter Parker / Spider-Man), Emma Stone (Gwen Stacy), Jamie Foxx (Max Dillon / Electro), Dane DeHaan (Harry Osborn / Duende Verde), Paul Giamatti (Aleksei Sytsevich / Rhino), Chris Cooper (Norman Osborn), Campbell Scott (Richard Parker), Embeth Davidtz (Mary Parker), Colm Feore (Donald Menken), Sally Field (tía May).
Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci y Jeff Pinkne; basado en los personajes creados por Steve Ditko y Stan Lee.
Producción: Avi Arad y Matt Tolmach.
Música: Hans Zimmer, Pharrell Williams y Johnny Marr.
Fotografía: Daniel Mindel.
Montaje: Pietro Scalia.
Diseño de producción: Mark Friedberg.
Vestuario: Deborah Lynn Scott.

CHARLES CHAPLIN

Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres. Sus padres se dedicaban al music-hall y, por ello, Charlie debutó con cinco años en las actuaciones de sus progenitores y estuvo durante largo tiempo de gira por Gran Bretaña con su espectáculo. Pero a la muerte  de aquellos,  él y su hermanastro Sydney no cesaron de deambular por orfanatos, conociendo esa soledad y miseria que tan magistralmente retrató con posterioridad en sus películas. Cuando Sydney, que era mayor que Charles, se unió al grupo teatral de Fred Karno, se llevó consigo a su hermano y allí estuvieron hasta que, en una visita profesional a los Estados Unidos, fueron contratados por Mack Sennett para formar parte de la compañía Keystone. En ella tuvo lugar la revelación de Chaplin como cómico, mientras que su hermano, más famoso hasta ese momento, vio disminuida su categoría artística a pesar de interpretar papeles protagonistas en varias películas, convirtiéndose desde entonces en su representante. 

En 1914 debutó en la gran pantalla. Durante sus primeros años en Hollywood, Chaplin intervino en muchos cortos en los que manifestaba la influencia de uno de sus ídolos y principal referente humorístico, Max Linder. En 1915, ya convertido en una estrella, firmó por Essanay, donde dirigió, escribió y protagonizó uno de sus mejores trabajos de esa primera época, "The Tramp/Charlot vagabundo". En 1916 pasó a la Mutual, protagonizando cortos como "Charlot tramoyista de cine", "The Rink" o "Easy Street" (ambas en 1917). En 1918 firmó un contrato multimillonario con la First National, alcanzando un gran éxito con su primer largometraje, "El chico" (1921).

En 1919 fundó junto a otras estrellas de la época -Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith- una compañía independiente denominada United Artists. La inauguró con un pequeño cameo en "Una mujer de París", film cuyo reparto encabezaban Edna Purviance y Adolphe Menjou.
En los años 20, Charles Chaplin produjo una de sus grandes obras maestras, "La quimera del oro" (1925), y dirigió otros títulos como la magnífica aunque subestimada cinta "El circo" (1928).
En 1928 recibió un Oscar especial por su contribución al cine. 

Durante la década de los 30 aportó las dos únicas obras que dirigió en ese decenio, "Luces de la ciudad" (1931), junto a Virginia Cherrill y "Tiempos modernos" (1936), una sátira sobre el avance tecnológico que contenía composiciones musicales del propio Chaplin. 

En los 40 realizó otros dos títulos. El primero fue "El gran dictador" (1940), una crítica al totalitarismo nominada al Oscar y co-protagonizada por Paulette Goddard y Jack Oakie (quien encarnaba a un sosias de Benito Mussolini). Esta fue su primera incursión cinematográfica totalmente hablada, pues era muy reacio al cine sonoro, al que creía perjudicial para el lenguaje de las imágenes. Y el segundo fue "Monsieur Verdoux" (1946), un alegato en contra de la pena de muerte basado en una idea de Orson Welles y que volvía a contar con un acompañamiento musical compuesto por él mismo. 

Sus postreras realizaciones fueron "Candilejas" (1952), en compañía de su gran amigo Buster Keaton, "Un rey en Nueva York" (1957) y "La condesa de Hong-Kong" (1967), tres filmes muy inferiores (especialmente los dos últimos) a sus mejores muestras del pasado.
Charles Chaplin vivió en Suiza desde 1950 y fue nombrado Sir por la Reina Isabel de Inglaterra en 1975. Falleció en la ciudad de Ginebra el 25 de diciembre de 1977. Tenía 88 años.

Película "Tiempos modernos" 

Película "El chico" 

EL PODER DEL TAI CHI (Man of Tai Chi)

Han pasado treinta años desde el estreno de “Karate Kid”. Pese a lograr entretener al público adolescente al que iba dirigida, se trataba de una cinta previsible, huérfana de valentía artística, con unos personajes cuadriculados y maniqueos y cuya acción se centraba en apelar a las emociones más primitivas del espectador. Con el tiempo derivó en una saga y decayó más, si cabe. Sin embargo, después de ver “El poder del Tai Chi”, recuerdo aquellos largometrajes ochenteros como verdaderos prodigios cinematográficos. Las comparaciones producen ese efecto y, en función de las obras comparadas, la conclusión puede ser más benévola o más cruel. Y no es que me invada la nostalgia ni que me vea arrastrado por la moda retro. Lo que ocurre es que “El poder del Tai Chi” es un mal largometraje y hace buenas a las mediocres producciones que le precedieron.  

Keanu Reeves lleva más de una década concatenando trabajos prescindibles. Por lo tanto, su carrera profesional describe una curva con un marcado nivel descendente. Sus apariciones en “Las amistades peligrosas”, “Le llaman Bodhi”, “Mi Idaho privado”, “Drácula, de Bram Stoker” o “Speed” (todas ellas de finales de los ochenta y principios de los noventa) le convertían en un talento joven y prometedor. Y aunque la primera entrega de “Matrix” le proporcionó un gran éxito mundial, revitalizando un género aletargado hasta entonces, tras “Noviembre dulce” y la segunda y tercera desafortunadas entregas de la trilogía de los hermanos Wachowski, no ha vuelto a acertar en la elección de ningún papel. Desconozco si es un problema achacable a él o a su representante artístico pero, en todo caso, evidencia la pérdida de rumbo del actor canadiense. 

Tal vez sea ese el motivo por el que ha dado el salto a la dirección con “El poder del Tai Chi”, pretendido film de acción y aventuras con un cierto toque místico asociado las luchas orientales. Lamentablemente, fracasa en todos los frentes. Por muy elaboradas que resulten las coreografías de las peleas y por muchos elementos contemplativos y reflexivos que quiera reflejar en pantalla, lo cierto es que el resultado final se acerca al ridículo. Cuenta la historia de un empresario que organiza enfrentamientos clandestinos al margen de cualquier regla y que son retransmitidos para apostantes millonarios de forma privada. Pese a estar en el punto de mira policial, un joven muy ambicioso decide participar en estos combates ilegales y no tarda en convertirse en la sensación de estos, emergiendo su lado oscuro, a pesar de la pureza y la espiritualidad que, en sus inicios, le habían conducido a la práctica de las artes marciales. 

Excepción hecha del propio Reeves, los integrantes del equipo artístico son completamente desconocidos para el gran público. En consecuencia, la película sólo suscitará algún interés en quienes disfruten abiertamente con las escenas de enfrentamientos físicos rodadas como si fueran secuencias de baile o en quienes se apunten a recibir unas exiguas pinceladas de filosofía oriental dentro de la trama. Los demás se expondrán a más de hora y media de narración insulsa, poco creíble y alejada de las grandes muestras del género. 

Keanu Reeves asume en el año en curso otra apuesta arriesgada, puesto que que será la estrella de la opera prima de Chad Stahelski y David Leitch, dos especialistas que participaron en “El club de la lucha”, “V de Vendetta” y “300” y que se estrenan como cineastas con el thriller de acción “John Wick”. Ya se verá. Confío en que el famoso intérprete remonte una trayectoria en la que transita perdido y necesitado de rescate.

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Datos del film

Película: El poder del Tai Chi.
Título original: Man of Tai Chi.
Dirección: Keanu Reeves.
Países: USA y China. Año: 2013. Duración: 105 min. Género: Acción, artes marciales.
Interpretación: Keanu Reeves (Donaka Mark), Tiger Chen (Chen Lin-hu “Tigre”), Simon Yam (Wong), Karen Mok (Suen Jing-si), Yu Hai (Maestro Yang), Ye Quing (Ching Sha), Iko Uwais.
Guion: Michael G. Cooney.
Producción: Lemone Syvan y Daxing Zhang.
Fotografía: Elliot Davis.
Montaje: Darek Hui.
Diseño de producción: Yohei Taneda.

FESTIVAL DE CINE DE TRIBECA 2014 (Tribeca Film Festival 2014)

Del 16 al 27 de abril, Nueva York volverá a celebrar su Festival de Cine de Tribeca en su decimotercera edición. Este año se han anunciado las intervenciones de Eva Longoria -que hablará del documental "Food Chains", que ella misma produce-y de Michael Douglas, que comentará el debut en la dirección de Mike Myers con "Supermensch". También Kevin Spacey, triunfando en la serie "House of Cards" , charlará con la audiencia sobre su arte favorito, el teatro, pues con "Now: In the Wings on a World Stage" compone una recreación de "Ricardo III" para el Old Vic Theatre. Aunque sin estrellas, también se estrenará el documental "The Rise and Rise of the Bitcoin" , de Nicholas Mross, así como la comedia "Begin Again", dirigida por John Carney y protagonizada por Keira Knightley, Mark Ruffalo y el cantante Adam Levine. 

La televisión también tendrá su protagonismo gracias a la participación del creador de "The West Wing", Aaron Sorkin, y del cabeza de cartel de "Breaking Bad" , Bryan Cranston. Si bien la tendencia natural de Tribeca es mirar a la producción estadounidense, en esta ocasión la presencia latina es, aunque puntual, destacada. En la sección de competición en ficción, se puede encontrar la mexicana "Güeros", de Alonso Ruizpalacios, que trata sobre la huelga de estudiantes de 1999 en la capital del país. Por su parte, America Ferrara es una de las actrices de "X/Y" , un estudio sobre la modernidad sentimental-sexual dirigido por Ryan Piers Williams. 

En la sección de documental, desde Puerto Rico figura "Mala Mala" , de Dan Sickles y Antonio Santini, una mirada en profundidad a la transexualidad, que competirá con otra cinta de no ficción sobre Christian Dior y con "1971" , acerca de un fenómeno precedente de WikiLeaks que tuvo lugar en dicho año. Además, en la sección Spotlight, reservada a títulos ya exhibidos en otros certámenes, se ha programado el documental colombiano "Manos sucias" , de Josef Wladyka, que aborda el tema del narcotráfico y está producido por Spike Lee. También se programará la comedia "Chef" , de Jon Favreau, con nombres latinos tan célebres como John Leguizamo o Sofía Vergara, compartiendo créditos con Scarlett Johansson y Dustin Hoffman. 

En esa misma sección participará una de las directoras más prestigiosas del cine independiente, Kelly Reichardt, con "Night Moves" , para la que ha contado con Jesse Eisenberg y Dakota Fanning. Asimismo, figurará la nueva heredera del talento Coppola, Gia Coppola, con "Palo Alto", protagonizada por James Franco y Emma Roberts. Franco mantiene su tendencia a la omnipresencia e igualmente aparece en el nuevo film del oscarizado Paul Haggis, "Third Person" , con Liam Neeson y Mila Kunis, mientras que Tribeca repesca el último título de Roman Polanski, "La Vénus a la fourrure",  ya vista en en el Festival de Cannes. 

Finalmente, en una sección paralela dedicada al deporte y que se creó hace siete años, destacan tres documentales hispanos, especialmente "Maradona '86" , sobre la carrera del mítico futbolista que fue ayudado por la "mano de Dios". Le acompañarán "Maravilla" , de Juan Pablo Cadaveira -que repasa la figura del boxeador argentino Sergio "Maravilla" Martínez- y "The Opposition" , de Ezra Edelman, que recuerda el partido de fútbol entre Chile y la Unión Soviética disputado poco después del golpe de Estado del general Augusto Pinochet.

Trailer de "Begin Again"

NOE (Noah)

El cine bíblico nunca me ha llamado la atención. El hecho de que “Jesucristo Superstar”, de Norman Jewison, sea mi largometraje favorito del género (gracias, sin duda, a la magnífica banda sonora del compositor Andrew Lloyd Webber) demuestra a las claras que no es un subgénero que despierte mi interés. De hecho, soy de los que defienden que “Los Diez Mandamientos” es un film mediocre y que Cecil B. DeMille quedó desautorizado como cineasta después de dirigirla. En mi opinión, cintas como “La túnica sagrada” o “La historia más grande jamás contada” representan una forma demasiado artificial de rodar películas, sustentada en interpretaciones muy teatralizadas, recreaciones acartonadas y narraciones poco convincentes. Por ello, comencé a ver “Noé” pleno de reparos, con la única esperanza de contar con el estimulante Darren Aronofsky detrás de la cámara. 

Y es que, si algo caracteriza a este realizador, es su especialidad en rodar filmes intensos y extraños. Desde su debut con “Pi”, en alusión al símbolo matemático, ha rodado trabajos en los que plasma su particular universo, peculiar, agobiante y poblado por seres que transitan entre el tormento y la extravagancia. Títulos como “Réquiem por un sueño”, “El luchador” y “Cisne negro” (su mejor obra hasta la fecha) integran una filmografía que rebosa energía y brillantez. Pocos directores han rodado viajes interiores como él, desplegando tales dosis de intriga, pasión y locura. Sin embargo, no reconozco a Aronofsky en la mayor parte de las escenas de “Noé”. Me temo que, quizá desbordado por la envergadura de esta millonaria superproducción, ha tratado de recuperar la inversión valiéndose de una extraña mezcla de géneros (aventuras, místico, fantástico y familiar), lo que ha dado como desenlace un producto desnortado y mediatizado en exceso por su repercusión. 

Destacan dos aspectos positivos. El primero es su impecable factura técnica. El segundo, un excelente reparto formado por grandes intérpretes, a cuya cabeza se sitúa un imponente Russell Crowe, figura clave de cada uno de sus fotogramas. La abrumadora presencia del actor neozelandés traspasa la pantalla. Desde sus sobresalientes actuaciones en “L.A. Confidential”, “El dilema” o “Gladiator”, Crowe ha ascendido a ese nivel superior en el que su mera participación en una secuencia la dota de mayor calidad. En “Noé”, pese a no dar vida a un personaje con tantas posibilidades para deslumbrar, consigue que de su porte y de la profundidad de su mirada brote toda la intensidad mística sobre la que el realizador pretende construir su historia. 

En el apartado negativo, el eclecticismo de la narración termina por desorientar al espectador. Tan pronto ofrece una batalla que recuerda a “El señor de los anillos” como un plano conmovedor, más propio de un ingenuo cuento infantil. Parece como si quisiera rendir homenaje a diversas maneras de entender el Séptimo Arte, desde la grandilocuencia hueca de Jerry Bruckheimer al estilo poético y filosófico de Terrence Malick. Sin embargo, esa mezcolanza deriva en un resultado, cuando menos, confuso. 

Participan asimismo en el elenco Jennifer Connelly, Emma Watson, Anthony Hopkins y Nick Nolte. Las estrellas de esta superproducción acumulan tres Oscar de Hollywood y diez nominaciones a la estatuilla dorada y desempeñan una labor correcta, aunque siempre a la sombra del eficaz e indiscutible Russell Crowe.

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Datos del film

Película: Noé.
Título original: Noah.
Dirección: Darren Aronofsky.
País: USA. Año: 2014. Género: Drama.
Interpretación: Russell Crowe (Noé), Jennifer Connelly (Naameh), Emma Watson (Ila), Logan Lerman (Ham), Anthony Hopkins (Matusalén), Ray Winstone (Tubal Caín).
Guion: Darren Aronofsky y Ari Handel.
Producción: Darren Aronofsky, Amon Milchan, Scott Franklin y Mary Parent.
Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Andrew Weisblum.
Vestuario: Michael Wilkinson.

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2014

Se acaba de dar a conocer la lista de ganadores de la 17ª edición del Festival de Cine de Málaga. '10.000 Km' ha sido la clara triunfadora de la Sección Oficial, con un total de 4 Biznagas de Plata y una de Oro. 'Ciutat morta' ha resultado la vencedora de la Sección Documental. En ZonaZine, que acoge las películas más arriesgadas y alternativas, se ha alzado con la victoria 'La cueva'. Otros premios ha recaído en las cintas 'Toatmaster (El maestro del brindis)' y 'The Extraordinary Tale (of the Times Table)'.

Sección Oficial

- Biznaga de Oro a la mejor película: "10.000 km", de Carlos Marques-Marcet.


- Biznaga de Plata- Premio especial del jurado: "Todos están muertos", de Beatriz Sanchís.


- Biznaga de Plata a la mejor dirección: Carlos Marques-Marcet por "10.000 km".


- Biznaga de Plata al mejor actor: Juan Diego por "Anochece en la India".


- Biznaga de Plata a la mejor actriz (ex aequo): Natalia Tena por "10.000 km" y Elena Anaya por "Todos       están muertos".


- Biznaga de Plata al mejor actor de reparto (ex aequo): Salva Reina y Héctor Medina por "321 días en         Michigan".


- Biznaga de Plata a la mejor actriz de reparto: Yolanda Ramos por "Carmina y Amén".


- Biznaga de Plata al mejor guión: "Carmina y Amén", de Paco León.


- Biznaga de Plata al mejor guión novel: "10.000 km", de Carlos Marques-Marcet y Clara Roquet.


- Biznaga de Plata a la mejor banda sonora: "Todos están muertos", de Akrobats.


- Biznaga de Plata a mejor fotografía: "No llores, vuela", de Nicolás Bolduc.


- Biznaga de Plata al mejor montaje: "Anochece en la India", de José Manuel García Moyano.


- Biznaga de Plata- Premio especial del Jurado Joven- Universidad de Málaga: "Todos están muertos", de       Beatriz Sanchís.


- Biznaga de Plata- Premio especial del Jurado de la Crítica: "10.000 km", de Carlos Marques-Marcet.


- Biznaga de Plata- Premio del Público – Gas Natural- Fenosa: "321 días en Michigan", de Enrique García.

Documentales

- Biznaga de Plata al mejor documental: "Ciutat morta", de de Xavier Artigas y Xapo Ortega.


- Biznaga de Plata- Premio Especial del Jurado: "Equipo verde", de Alejandra Almirón.


- Biznaga de Plata a la mejor dirección: Sebastián Alfie por "Gabor".


- Premio del Público: "Gabor".

Territorio Latinoamericano

- Biznaga de Plata a la mejor película: "Conducta", de Ernesto Daranas.


- Biznaga de Plata -Premio Especial del Jurado: "Rincón de Darwin", de Diego Fernández Pujol.


- Biznaga de Plata a la mejor dirección: Ernesto Daranas por "Conducta".


- Biznaga de Plata al mejor actor: Carlos Frasca por "Rincón de Darwin".


- Biznaga de Plata a la mejor actriz: Alina Rodríguez por "Conducta".


- Biznaga de Plata- Premio del público: "Conducta", de Ernesto Daranas.

Zonazine

- Biznaga de Plata a la mejor película: "La cueva", de Alfredo Montero.


- Biznaga de Plata a la mejor dirección: Eric Boadella por "Toastmaster" (El maestro del brindis).


- Biznaga de Plata al mejor actor: Marcos Ortiz por "La cueva".


- Biznaga de Plata a la mejor actriz: Eva García por "La cueva".


- Biznaga de Plata al mejor guión: "Toastmaster" (El maestro del brindis).


- Biznaga de Plata- Premio del Público: "The Extraordinary Tale (of the Times Table)", de José F. Ortuño y       Laura Alvea.

-Premio a la mejor película de Zonazine otorgado por el Jurado de Escuelas de Cine: "The Extraordinary         Tale (of the Times Table)".

Sección Oficial de Cortometrajes

- Biznaga al mejor cortometraje, dotado con 3.000 Euros: "Tryouts", de Susana Casares.


- Biznaga de Plata- Premio Especial del Jurado: "Sequence", de Carles Torrens.


- Biznaga de Plata a la mejor dirección: Álvaro Giménez Sarmiento por "Pulse".


- Biznaga de Plata al mejor actor: Oscar Ladoire y Luis Bermejo por "Democracia".


- Biznaga de Plata a al mejor actriz: Natalia Mateo por "Sin respuesta".


- Premio Nuevo Talento FNAC Cortometraje: Miguel A. Carmona por "Subterráneo".


- Biznaga de Plata- Premio del Público: "Closet", de Rakesh B. Narwani.

Cortometrajes Málaga

- Premio a la mejor producción de ficción, dotado con 1.500 Euros: "Mala semilla", de Daniel Martín.


- Premio a la mejor producción de animación o experimentación, dotado con 1.500 Euros: "Wanderlust", de   Denysu.


- Premio a la mejor dirección: Biktor Kero por "Paraíso Beach".

- Premio del público: "Viaje de vuelta", de Alberto Pons.


- Premio Especial del Jurado al reparto de "Deil".

-Mención especial del Jurado: Charo Benítez por su interpretación en "Un día de estos".

Cortometrajes Animazine

- Biznaga de Plata al mejor cortometraje, dotado con 3.000 Euros: "Cuerdas" de Pedro Solís.


- Biznaga de Plata- Premio Especial del Jurado (ex aequo): "Astigmatismo", de Nicolai Troshinsky y               "Órbitas", de Jaime Maestro.


- Biznaga de Plata- Premio del Público: "Sr. Barrientos, fuera de juego", de Kike Florido.

Premios paralelos

- Premio Signis: "Kamikaze", de Álex Pina.


- Premio ASECAN a la opera prima: "321 días en Michigan", de Enrique García.


- Premio Voz Solidaria: A la actriz Lluvia Rojo.