LA ÚLTIMA CARTA DE AMOR (The Last Letter from Your Lover)

Reconozco que “La última carta de amor” es un título edulcorado para una película y supone una cuestionable presentación, si bien en su versión original (“The Last Letter from Your Lover”) tampoco mejora. Sin embargo, disfruté de su narración, tan acertada como convencional, asentada en los cánones clásicos de los largometrajes románticos y en una recreación visual muy sugestiva. El vestuario, el tono de la fotografía o los escenarios conforman un cómodo aposento sobre el que recostarse. Tal vez el guion adolezca de garra y exista un notable desnivel entre las dos historias paralelas que cuenta y la entidad de algunos personajes respecto de otros, pero lo cierto es que me deleitó esa atmósfera cómoda que siempre proporciona el lujo y la belleza dentro de una trama que, aunque se ajusta a los estándares más tradicionales, escasea en el cine de hoy en día. Se trata de la adaptación de un libro de Jojo Moyes, famosa ya por otras como la de “Antes de ti”, llevada a la gran pantalla con Emilia Clarke y Sam Claflin, y que sigue en buena medida la misma línea a la hora de construir sus argumentos.

La cinta presenta dos relatos en dos épocas diferentes. En la actualidad, una impulsiva reportera descubre por casualidad varias cartas amor escritas a mediados de la década de los años sesenta. La curiosidad le impulsa a investigar sobre ellas y se alía para ello con un burocrático y formal trabajador del archivo de su periódico. A medida que avanza en su investigación, descubre el amor clandestino entre una acomodada esposa que empieza a aburrirse de su existencia y un modesto periodista. El romance se mantiene hasta el momento en el que ella debe decidir entre romper con su pasado o conservar su familia unida. La fatalidad se alía en su contra, pero los sentimientos perduran hasta que, décadas después, la pareja vuelve a reencontrarse.

La directora norteamericana Augustine Frizzell aborda aquí su segundo proyecto cinematográfico tras la cámara, después de dirigir varios cortos y algunas series televisivas (entre ellas, “Euphoria”). No obstante, posee un currículum más extenso como actriz, por ejemplo en “The Old Man & the Gun” junto a Robert Redford o, brevemente, en “A Ghost Story”, en compañía de Casey Affleck. Consigue mantener con solvencia el difícil equilibrio entre el relato emotivo y el remilgado y, aunque algún perfil resulta más torpemente tratado (caso del esposo engañado), se compensa con un entramado central sólido y trabajado.

Las localizaciones y la ambientación hacen el resto. Buena parte del éxito del largometraje se basa en que el espectador se deje embriagar por los colores cálidos, la elegancia, el confort y los paisajes. A ello se une una curiosa, pero efectiva, combinación entre drama y amor, sufrimiento y sentimiento, que tan inolvidables momentos ha regalado a la Historia del Séptimo Arte. Sin ser una gran obra, constituye una propuesta muy digna, correctamente realizada y que aporta una considerable dosis de entretenimiento a los amantes de las historias de amor de siempre.

Encabezan el reparto Shailene Woodley y Callum Turner. A ella la hemos visto en “Los descendientes”, la saga “Divergente” y, más recientemente, acompañando a Jodie Foster en “El mauritano”, y a él en la reciente versión de “Emma” protagonizada por Anya Taylor-Joy. La segunda pareja está formada por Felicity Jones y Nabhaan Rizwan. Ella ha intervenido en “Retorno a Brideshead”, “La teoría del todo”, “Un monstruo viene a verme” o “Rogue One: Una historia de Star Wars”, e interpretó a Ruth Bader Ginsburg en “Una cuestión de género”. Él intervino en la premiada “1917”, de Sam Mendes. A cargo de papeles más secundarios les dan la réplica Ben Cross (Carros de fuego, Primer caballero) y Diana Kent (Criatura celestiales, One Day). “La última carta de amor” se puede ver en la plataforma Netflix desde el 23 de julio.

LA PURGA: INFINITA (The Forever Purge)

En el año 2013 se estrenó la película “La purga: La noche de las bestias” que,  sin ser ninguna maravilla, suponía una novedosa propuesta en el cine de terror y ofrecía a los amantes del género unas dosis aptas de entretenimiento e intensidad. Hasta ahí, todo bien. Su problema radicó precisamente en el éxito que obtuvo. Con un reducido presupuesto de apenas tres millones de dólares, recaudó más de sesenta y cuatro tan sólo en el mercado norteamericano. A partir de ese momento, al estilo de los ojos del personaje del “Tío Gilito” reflejando el signo del dólar, los productores decidieron convertir el proyecto en una saga. Ahora se estrena “La purga infinita” y, entre la primera y la última entrega, figuran tres largometrajes más contando la misma historia. Como quien se limita a decir una frase idéntica por activa y por pasiva, sea con un mayor o menor número de adjetivos calificativos, han rodado en menos de una década cinco títulos de los que, a mi juicio, sobran cuatro.

Por mucho que se intente maquillar la oferta con supuestas reflexiones sociológicas sobre la podredumbre humana, nos sitúa ante una narración bastante lineal, básica y violenta. Además, quienes defienden su condición de aguda crítica social o análisis experimental de las sociedades modernas, se quedan en mi opinión con un fino y endeble envoltorio, una excusa débil y fácilmente rebatible. Sospechaba antes de visionar el film que la pérdida de tiempo estaba asegurada pero, como crítico de cine, a veces debo comentar obras por estricta obligación semanal, aunque no sean de mi agrado. Y así ha sido en este previsible caso, que reafirmó todas mis teorías sobre la peligrosa deriva de una industria americana perdida en su empeño de rodar lo mismo una y otra vez, abocándose en la mayoría de los casos a una espiral sin sentido.

La base argumental vuelve a ser calcada. Se implanta un ensayo social denominado “La purga”, consistente en que la criminalidad se considera legal durante 12 horas al año con el fin de que las personas se desfoguen, a condición de que el resto del tiempo sí cumplan las leyes. En esta quinta ocasión no basta una noche de anarquía y crimen, sino que se prolonga ese período de violencia gratuita y aparentemente legal. Fin de la novedad.

No hay duda de que la presencia de la violencia en el Séptimo Arte se alza como una constante a través de hilos argumentales más o menos trabajados, o con superior o inferior calidad artística o brillantez narrativa.  Pero, allende las críticas sobre el vacío de contenido de los relatos, lo que personalmente más me molesta es la ausencia total de originalidad. Las productoras, presas del pánico ante el reto de obtener cada vez mayores beneficios anuales, se limitan a rodar sobre la base de resultados exitosos previos, entendiendo el cine como un serial televisivo con episodios periódicos. Pero lo terrible es que los personajes y las tramas ni siquiera evolucionan o se desarrollan. Viene a ser como comer arroz todos los días, aunque variando solamente las especias que lo condimentan. Y, la verdad, yo ya me he hartado del mismo plato. La purga que debe llegar es la que aniquile esta manera de entender el arte y el entretenimiento.

Se sitúa tras la cámara el director mejicano Everardo Gout, que firma su segunda incursión en la gran pantalla. Dentro del equipo artístico figuran sus compatriotas Ana de la Reguera (de la serie “Narcos”) y Tenoch Huerta, dando vida a la pareja protagonista. Integran también el reparto Josh Lucas (“Una mente maravillosa”, “Sweet Home Alabama”, “Le Mans '66”) y Will Patton (“No hay salida”, “El cliente”).

ROBIN WILLIAMS

Robin Williams nació en Chicago el 21 de julio de 1951 y falleció en California el 11 de agosto de 2014. Ganador de un Oscar al mejor actor secundario por la película “Good Will Hunting”, debutó en el cine con un pequeño papel en “Can I Do It 'Till I Need Glasses?” (1977). Tras participar en muchas series de televisión protagonizó “Popeye” (1980), de Robert Altman y “El mundo según Garp” (1982), de George Roy Hill.

En 1987 logró el éxito, obteniendo su primera nominación a la estatuilla de Hollywood por su actuación en “Good Morning, Vietnam”. Dos años después dio vida a uno de sus personajes más celebrados, que le proporcionó su segunda nominación al Oscar por una de sus películas más icónicas: “El club de los poetas muertos”.

Ya en la década de los noventa protagonizó “Despertares” (1990). 1991 resultó especialmente prolíficos gracias a “Morir todavía”, “El rey pescador” (su tercera nominación) y “Hook”. Puso voz al genio de la lámpara en “Aladdin” (1992) y volvió a cosechar un gran triunfo en taquilla con “Señora Doubtfire, papá de por vida” (1993). A esa época pertenecen también “Nueve meses” (1995), “Jumanji” (1995) y “Jack” (1996). En 1997 estrenó su oscarizada “El indomable Will Hunting”, a la que siguieron “Más allá de los sueños” y “Patch Adams”.

Con el comienzo del nuevo milenio cambió de registro a través de títulos como “Retratos de una obsesión” o “Insomnio” (ambas de 2002) y “August Rush (El triunfo de un sueño)” (2007). Su última aparición tuvo lugar en “Noche en el museo: El secreto del faraón”.

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2021

La edición de 2021 del Festival de Cannes se cierra otorgando su máximo galardón a la cinta “Titane”, de  Julia Ducournau. También se ha premiado el trabajo de autores como el tailandés Apichatpong Weerasethakul, el israelí Nadav Lapid y el japonés Ryusuke Hamaguchi.

PALMARÉS COMPLETO

Sección Oficial

Palma de Oro a la Mejor Película: 'Titane', de Julia Ducournau

Gran Premio del Jurado ex aequo: 'A Hero', de Asghar Farhadi

Gran Premio del Jurado ex aequo: 'Hytti Nro 66 (Compartment No 6)', de Juho Kuosmanen

Premio Internacional del Jurado ex aequo: 'Memoria', de Apichatpong Weerasethakul

Premio Internacional del Jurado ex aequo: 'Ahed's Knee', de Navad Lapid

Mejor Dirección: Leos Carax, por 'Annette'

Mejor Actor: Caleb Landry Jones por 'Nitram'

Mejor Actriz: Renate Reinsve por 'The Worst Person in the World'

Mejor Guion: 'Ryusuke Hamaguchi y Takamasa Oe por 'Drive My Car'

Premio FIPRESCI: 'Drive My Car', de Ryusuke Hamaguchi y Takamasa Oe

 

Un Certain Regard

Mejor Película: 'Unclenching the Fists', de Kira Kovalenko

Premio del Jurado: 'Great Freedom', de Sebastian Meise

Mención Especial del Jurado: 'Noche de fuego', de Tatiana Huezo

Mención Especial del Jurado/Premio al Coraje: 'La civil', de Teodora Mihai

Mención Especial del Jurado/Premio a la Originalidad: 'Lamb', de Vladimir Jóhannsson

Mejor Reparto: 'Good Mother', de Hafsia Herzi

FIPRESCI Un Certain Regard: 'Un Monde', de Laura Wandel

 

Otros Premios

Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima: 'Munira', de Antoneta Alamat Kusijanovic

Palma de Oro al Mejor Cortometraje: 'All The Crows In The World', de Yi Tang

Premio del Jurado en Cortometraje: 'Céu de Agosto', de Jasmin Tenucci

VIUDA NEGRA (Black Widow)

Reconozco mi afición por las películas cuyo origen procede de los comics de la Factoría Marvel. Sin representar ni mucho menos mi género cinematográfico de preferencia, me agradan la primera trilogía de Spiderman que rodó Sam Raimi, algunos títulos de la saga de X-Men (en especial, los centrados en el personaje de Lobezno, así como “X-Men: Primera generación” y “X-Men: Días del futuro pasado”), las tres entregas iniciales de “Capitán América” protagonizadas por Chris Evans e, incluso, buena parte de “Doctor Strange”. Sin embargo no me gustó “Thor”, me agotaron las ofertas de “Los vengadores” y he sentido indiferencia ante variantes como la de “Ant Man”. ¿Dónde encaja entonces “Viuda Negra”? Pues en un punto intermedio entre ambos grupos.

El film posee varios méritos destacables, entre ellos un muy buen comienzo, una acertada realización, unos personajes centrales interesantes y, sobre todo, su intento por crear una trama sólida con la que su heroína eleve la calidad general del producto. Por el contrario, el metraje resulta excesivo y la combinación entre drama y acción no siempre se acompasa con criterio. Ya se sabe que la potencia sin control no sirve de nada, y mucho me temo que aquí sobra de lo primero y falta de lo segundo, al menos en lo que se refiere a los aspectos más visuales y trepidantes. En principio, no parecía que fueran a caer en la trampa de ese reto absurdo consistente en rodar la secuencia más sorprendente e impactante pero, por lo visto, no han sido capaces de evitar dicha competición, que poco o nada tiene que ver con el arte de la cinematografía.

Con un inicio que recuerda a la magnífica serie “The Americans” (una de las mejores que he visto en mi vida), se van relatando las desventuras de una familia de conveniencia, cuna de Natasha Romanoff, alias Viuda Negra. Como ocurre con otros personajes heroicos, ella pretende pasar desapercibida escondiéndose en zonas recónditas del planeta. Sin embargo, su pasado no se lo permite, por lo que terminará embarcada en una cruzada personal que implicará al resto de sus falsos familiares y a la terrible organización que la creó como una herramienta letal.

La cineasta australiana Cate Shortland asume la tarea de dirección. Conocida por las cintas “Lore” (que le reportó en 2012 el premio Pilar Miró del Festival de Cine de Valladolid), “Somersault” y “Berlin Syndrome”, ahora da con solvencia el salto al género de acción y superhéroes. Algunas secuencias muy logradas, unidas a un ritmo y una narración notables, demuestran su capacidad para afrontar un proyecto de esta envergadura. Lástima que al final se deje llevar por la desproporción y la grandilocuencia, desmereciendo de ese modo el estilo originario del largometraje. En mi opinión, tendría que haberse desmarcado y, con su sello personal, configurar una obra más rigurosa y sólida ya que, pese a firmar un trabajo más que aceptable, al final se desvía de su propio camino para ofrecer un tipo de espectáculo que ya hemos visto muchas veces.

Aun así, por momentos coordina con acierto los toques de humor y dramatismo que reflejan los perfiles de Scarlett Johansson y Florence Pugh. Ambas actrices componen unas dignas actuaciones y aguantan con profesionalidad el peso del relato. Johansson dispone de una sólida carrera artística. Sus actuaciones en “Lost in Translation”, “La joven de la perla”, “Match Point” o “Historia de un matrimonio” dan muestra de su versatilidad. Si no me fallan las cuentas, ha interpretado a esta viuda tan particular hasta en ocho ocasiones y, además, de forma muy colorida. Confío en que no se encasille profesionalmente, porque sin duda puede dar mucho más de sí. A Pugh la descubrí en “Lady Macbeth” como una joven llamada a convertirse en intérprete de carácter que encandilaría a la cámara, lo que corroboró en la serie de televisión “La chica del tambor”. Cuenta con un prometedor futuro por delante.      

De manera secundaria y sin sumar grandes aportaciones les acompañan Rachel Weisz (ganadora del Oscar por “El jardinero fiel”), William Hurt (también con una estatuilla dorada por “El beso de la mujer araña”) o Ray Winstone (“Infiltrados”, “Cold Mountain”).

HARRISON FORD

El actor estadounidense Harrison Ford nació en Chicago el 13 de julio de 1942. Su primer papel relevante para la gran pantalla fue en la película “American Graffiti”, de George Lucas (1973). Al año siguiente participó en “La conversación”, de Francis Ford Coppola.

Pero el gran éxito le llegó de nuevo de la mano de Lucas con “La guerra de las galaxias” (1977) y sus secuelas: “El Imperio contraataca” (1980) y “El retorno del Jedi” (1983). A lo largo de ese período intervino también en “La calle del adiós” (1979), “Apocalypse Now” (1979) y en varias de sus cintas más conocidas y alabadas: “Blade Runner” (1982) y “En busca del arca perdida” (1981), que dio inicio a otra exitosa saga: “Indiana Jones y el templo maldito” (1984), “Indiana Jones y la última cruzada” (1989) e “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal” (2008).

A esa época pertenecen asimismo “Único testigo” (1985) -por cuyo papel fue nominado al Oscar-, “Frenético” (1988) y “Armas de mujer” (1988).

Posteriormente protagonizó “Presunto inocente” (1990), “El fugitivo” (1993) o “Caprichos del destino” (1999). Durante la década de los noventa comenzó su tercera saga, dando vida a Jack Ryan en “Juego de patriotas” y “Peligro inminente”.

Ya en 2015 rodó “El secreto de Adeline”, antes de volver a retomar los largometrajes que le dieron la fama. Así, en 2017 actuó en “Blade Runner 2049” y en 2015 y 2019 en “Star Wars: El despertar de la Fuerza” y “Star Wars: El ascenso de Skywalker”.

FAST & FURIOUS 9

Parece ser que una característica del ser humano consiste en intentar superar sus registros vigentes hasta el momento. Visto así, tal afán de superación podría considerarse una noble virtud. Sin embargo, la apreciación se desploma cuando las marcas en cuestión son tan sorprendentes como ridículas, o cuando se alcanza un punto donde la desproporción desnaturaliza la hazaña y la convierte en absurda. El famosísimo Libro Guinness de los Records recoge entre sus páginas competiciones verdaderamente sorprendentes: los pelos de las orejas más largos, el peso superior arrastrado con las cuencas de los ojos, el mayor número de sartenes dobladas o la concentración más multitudinaria de personas disfrazadas de pitufos sirven como ejemplos bastante ilustrativos. Sin duda, sus acreedores presumen de unas gestas insólitas, pero llega un momento en el que esos supuestos méritos devienen en un hecho grotesco.

Abundando en este panorama, la saga “Fast & Furious” presenta su novena entrega con una sorprendente salud en lo que se refiere a la aceptación por parte del público. Las millonarias cifras de taquilla tampoco se quedan atrás. Sin embargo, su pervivencia se basa única y exclusivamente en la grandilocuencia y la exageración reiteradas. Viendo la séptima parte recuerdo haber considerado que sus secuencias tan excesivas traspasaban la ciencia ficción para entrar en la categoría de lo imposible. Y lo cierto es que, tras aquel estreno de 2015, el empeño por mantener los estereotipos y estirar el chicle permanece inalterable.

Reconozco la buena mano del realizador Justin Lin para las escenas de acción, así como su habilidad en la técnica y la narración visual. Lástima que esa cerril insistencia en batir una y otra vez la espectacularidad provoca, al menos en mi caso, un efecto contrario al pretendido. Bastante me cuesta ya soportar la sobredosis de estilo macarra y bravucón. En cualquier caso, la franquicia optó en algún momento por el “más difícil todavía” y degeneró en un circo con el único objetivo de dejar boquiabiertos a los espectadores. Desde una estricta visión del entretenimiento, dicha decisión tal vez albergue algún sentido, pero conviene no olvidar que el cine no sólo es un pasatiempo, máxime ante un metraje de casi dos horas y media.

Dom Toretto lleva una vida tranquila junto a Letty y su hijo, aunque el peligro siempre les acecha. Su equipo se vuelve a reunir para impedir un complot a escala mundial liderado por uno de los mejores conductores y asesinos más peligrosos a los que se han enfrentado. Un hombre que, además, es su propio hermano desaparecido.

El problema estriba en que ya se ha anunciado la décima entrega de la saga, y mucho me temo que andarán maquinando también la undécima. Cuesta imaginar qué mayor sobredimensión y exageración cabe, si bien estos guionistas son muy capaces de ponerles capa a los personajes y echarles a volar. Es bien sabido que el papel lo aguanta todo y, al parecer, la pantalla también.

Vin Diesel encabeza de nuevo el reparto. El peculiar actor ha basado su carrera sobre este serial y está muy mediatizado por él, hasta el extremo de que cuesta creer que su primera aparición en el cine tuviera lugar en “Despertares”, de Penny Marshall o que interviniera en “Salvar al soldado Ryan”. Cuando se habla de Diesel sólo se piensa en Dominic Toretto.

Le acompañan Michelle Rodríguez (“Viudas”, “Avatar”, “En el filo de las olas”) y John Cena, un icono de la lucha libre que terminó adentrándose en el terreno de la interpretación. Figuran asimismo en el equipo artístico Charlize Theron (“Las normas de la casa de la sidra”, “Monster”, “El escándalo”), Helen Mirren (“The Queen”, “Gosford Park”) o Kurt Russell (“Decisión crítica”, “Conexión Tequila”), y en esta ocasión han incorporado al reparto a un par de famosos cantantes: Don Omar y Ludacris.

50 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "THE FRENCH CONNECTION"

Se cumplen 50 años del estreno de la película “The French Connection. Contra el imperio de la droga”, dirigida por William Friedkin y protagonizada por Gene Hackman, Roy Scheider y Fernando Rey. La cinta obtuvo cinco Oscars y tres Globos de Oro​, y recaudó en cines casi 52 millones de dólares con un presupuesto de tan sólo 1,8. 

Jimmy Doyle y Buddy Rosso son dos policías neoyorquinos que siguen la pista de una red de traficantes de drogas. El primero, que confía en su olfato, sospecha que una confitería de Brooklyn está implicada y convence a su jefe para intervenir la línea telefónica. Poco después, Doyle y sus hombres vigilan al dueño del establecimiento, que los conduce hasta Nicoly y Charnier, dos franceses que acaban de llegar a los Estados Unidos.

GEOFFREY RUSH

El actor Geoffrey Roy Rush nació en la ciudad australiana de Queensland el 6 de julio de 1951. Debutó en el cine con la película “Hoodwink” (1981) y al año siguiente participó en “Starstruck”, de Gillian Armstrong. 

Su gran éxito como intérprete lo alcanzó con la cinta “Shine” (1996), de Scott Hicks, que le proporcionó el Oscar al mejor protagonista, el Globo de Oro y el BAFTA. Posteriormente intervino en  “Elizabeth” (1998) y “Shakespeare in Love” (1998), por cuya actuación volvió a optar a la estatuilla dorada en la categoría de mejor actor de reparto.

Más tarde protagonizó “Quills” (2000) -que le reportó su tercera candidatura al premio de la Academia de Hollywood-,  “El sastre de Panamá” (2001) y “Frida” (2002).

En 2003 comenzó su participación en la saga “Piratas del Caribe” con “La maldición de la Perla Negra”. Colaboró después con Steven Spielberg en “Munich” y en 2010 rodó “El discurso del rey”, logrando su, hasta la fecha, cuarta y última nominación al Oscar.

Entre sus trabajos más recientes figuran “La mejor oferta” (2013), “La ladrona de libros” (2013) o “Amigos para siempre” (2019).

THE ICE ROAD

Se dice que la explicación al brusco giro en la carrera profesional de Liam Neeson se halla en la repentina muerte de su mujer, la también actriz Natasha Richardson, en 2009. Hasta aquel momento, el intérprete desarrollaba una carrera que incluía títulos muy destacados. “La misión” de Roland Joffé, “Sospechoso” de Peter Yates, “Maridos y mujeres” de Woody Allen, “La lista de Schindler” de Steven Spielberg, “Michael Collins” de Neil Jordan, “Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma” de George Lucas, “Love Actually” de Richard Curtis o “Kinsey” de Bill Condon reflejaban una variada trayectoria y una notable versatilidad para el drama y la comedia. También figuraban en su filmografía películas de acción -“Batman Begins” de Christopher Nolan constituye una buena muestra-, lo que evidenciaba su condición de actor versátil y capaz de afrontar retos dispares con efectividad. Sin embargo, de un tiempo a esta parte se le asocia a una clase de largometrajes de acción muy convencional, de los que se olvidan pronto y no dejan ninguna huella.

Quien iba a dar vida al “Lincoln” de Steven Spielberg terminó rechazando el papel para satisfacción de Daniel Day-Lewis (que ganó su tercer Oscar gracias al personaje) y a partir de entonces decidió superar el dolor interpretando a individuos justicieros. Alargó “Venganza” hasta convertirla en trilogía y comenzó a acumular participaciones en proyectos de mero entretenimiento y nula repercusión artística. Ahora estrena “The Ice Road”, otra propuesta repetitiva a imagen y semejanza de la reciente “Venganza bajo cero” lo que, francamente, es una verdadera pena. Nadie duda de que su primera desgracia fue la muerte de su esposa a consecuencia de un accidente de esquí. Pero la segunda ha sido su pérdida como buen profesional de la interpretación, por dirigir su carrera de forma errática hacia una espiral nada edificante de golpes, disparos y persecuciones.

Un grupo de mineros ha quedad atrapado en una remota mina de diamantes situada en una lejana y helada región de Canadá.  Formando parte de un equipo contratado para salvarles, el experimentado conductor de un vehículo quita-hielos emprende un rescate imposible, teniendo que luchar contra una carretera de hielo, aguas que se están descongelando y demás amenazas imprevisibles.

El cineasta Jonathan Hensleigh asume las tareas de guion y dirección. “The Ice Road” supone su tercera incursión en la gran pantalla, tras “The Punisher (El castigador)” y “Matar al irlandés” y, por desgracia, se encuentra más cerca de la primera que de la segunda. Como escritor sí posee una mayor experiencia, ya que ha participado en los guiones de “Jungla de cristal: La venganza”, “Armageddon” o “Next”, entre otras. En todo caso, reflejan perfectamente su estilo particular y, en ese sentido, “The Ice Road” no desentona, si bien adolece de menor calidad que el resto.

Laurence Fishburne, habitual asimismo de este tipo de estrenos, acompaña a Neeson en el reparto. El recordado Morpheus de la saga “Matrix” no lo es tanto por sus actuaciones en "Cotton Club”, “El color púrpura”, “Los chicos del barrio”, “Mystic River” o “Contagio”, habida cuenta que el gran público le asocia a perfiles que llaman la atención de los espectadores más jóvenes. Junto a ellos encontramos a Amber Midthunder (“Comanchería”) y Benjamin Walker (“En el corazón del mar”).

Repasando los planes de futuro anunciados por Liam Neeson, se comprueba que todos ellos son thrillers de acción. A lo sumo, el único que despierta cierto interés es un rodaje de Neil Jordan sobre el detective Philip Marlowe, figura asociada a Humphrey Bogart que, al parecer, retomará el irlandés en 2022. No sé si algún día recuperaremos su mejor versión. De momento, le acompañaremos en su duelo visionando filmes que rebajan la temperatura del cine hasta la congelación, al menos para quienes entendemos el Séptimo Arte como algo más que un entretenimiento pasajero y prescindible una vez que nos levantamos de la butaca o del sillón.

FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2021

La 74ª edición del Festival de Cannes se celebrará de nuevo en La Croisette entre los días el 6 y el 17 de julio.

PELÍCULAS A COMPETICIÓN

• Annette - Leos Carax (Francia/Alemania/Bélgica/Suiza/México/Japón) (Película de apertura)
• A Hero - Asghar Farhadi (Irán/Francia)
• Tout s'est bien passé - François Ozon (Francia)
• Tre piani - Nanni Moretti (Italie/Francia)
• Titane - Julia Ducournau (Francia/Bélgica)
• The French Dispatch - Wes Anderson (Estados Unidos/Alemania)
• Red Rocket - Sean Baker (Estados Unidos)
• Petrov's Flu - Kirill Serebrennikov (Rusia/Suiza/Francia/Alemania)
• France - Bruno Dumont (Francia/Bélgica)
• Nitram - Justin Kurzel (Australia)
• Memoria - Apichatpong Weerasethakul (Colombia/México/Francia/Reino Unido/Tailandia/Alemania)
• Lingui - Mahamat-Saleh Haroun (Francia/Alemania/Bélgica)
• Les Olympiades - Jacques Audiard (Francia)
• Les intranquilles - Joachim Lafosse (Bélgica/Francia/Luxemburgo)
• La fracture - Catherine Corsini (Francia)
• The Worst Person in the World - Joachim Trier (Noruega/Francia/Dinamarca/Suecia)
• Compartment No.6 - Juho Kuosmanen (Finlandia/Estonia/Alemania/Rusia)
• Haut et fort - Nabil Ayouch (Marruecos/Francia)
• Ahed’s Knee - Nadav Lapid (Israel/Francia/Alemania)
• Drive My Car - Ryusuke Hamaguchi (Japón)
• Bergman Island - Mia Hansen-Løve (Francia/Bélgica/Suecia/Alemania)
• Benedetta - Paul Verhoeven (Francia)
• The Story of My Wife - Ildikó Enyedi (Hungría/Alemania/Francia/Italia)
• Flag Day - Sean Penn (Estados Unidos)

FUERA DE COMPETICIÓN

• De son vivant - Emmanuelle Bercot (Francia)
• Emergency Declaration - Han Jae-Rim (Corea del Sur)
• The Velvet Underground - Todd Haynes (Estados Unidos)
• Stillwater - Tom McCarthy (Estados Unidos)
• Aline - Valérie Lemercier (Francia)
• BAC Nord - Cédric Jimenez (Francia)

PROYECCIONES DE MEDIANOCHE

• Oranges sanguines - Jean-Christophe Meurisse (Francia)

PROYECCIONES ESPECIALES

• O marinheiro das montanhas - Karim Aïnouz (Brasil/Argelia/Francia)
• Black Notebooks - Shlomi Elkabetz (Israel)
• H6 - Yé Yé (Francia)
• Babi Yar. Context - Sergei Loznitsa (Países Bajos/Ucrania)
• The Year of the Everlasting Storm - Jafar Panahi, Anthony Chen, Malik Vitthal, Laura Poitras, Dominga Sotomayor, David Lowery, Apichatpong Weerasethakul