MANHATTAN SIN SALIDA (21 Bridges)

El actual panorama cinematográfico se sitúa en consonancia con el fatídico año 2020. Con numerosos estrenos postergados hasta la temporada navideña o directamente suspendidos sin fecha prevista de proyección, la cartelera se nutre de reestrenos antiguos y de cintas a las que no se dio cabida en su momento. La incertidumbre y el miedo a no recuperar las inversiones multimillonarias de los proyectos por la imposibilidad de que el público acuda masivamente a las salas hace que se torne cada vez más difícil escribir una crítica semanal de opinión. Ante esta tesitura, una de las alternativas consiste en recurrir a las plataformas digitales donde, a mi juicio, se acentúa aún más si cabe la tendencia de las productoras a ofrecer largometrajes como si fueran piezas idénticas de una cadena de montaje y en su mayoría se trata de propuestas cinematográficas bastante mediocres. 

En esta ocasión es “Manhattan sin salida”, film del año 2019, el que puede verse en Amazon Prime. Tras su visionado se me ocurrió darle como título “El cine, sin salida”, ya que refleja perfectamente esta situación que ahora mismo padece el Séptimo Arte y que merece superar cuanto antes. Supone el debut en la gran pantalla del irlandés Brian Kirk, sin embargo con un bagaje muy considerable en series de televisión como “Juego de tronos” o “Los Tudor”. Más allá de una mera corrección técnica, nada aporta de original, artístico o creativo, calcando un sinfín de propuestas de acción basada en la corrupción policial y recordando casi en cada plano a cientos de títulos de temática similar, interpretaciones incluidas. 

Cuenta la historia de un policía de Nueva york a quien encargan la investigación del asesinato de varios de sus compañeros. Durante la búsqueda a contrarreloj de los responsables (lo que requiere el cierre por vez primera de todos los puentes de acceso al barrio neoyorkino de Manhattan), el detective descubrirá una conspiración en cuyo trasfondo deberá discernir entre aquellos a los que tiene que cazar y aquellos que están tratando de cazarle a él, constatando finalmente que los verdaderos responsables se encuentran a su lado. 

Las escenas de tiroteos con decenas de coches de policía agujereados por las balas, la facilidad con la que los agentes de la ley caen en los enfrentamientos mientras los delincuentes consiguen milagrosamente esquivar los disparos que les dirigen desde tierra y aire, las persecuciones por las calles, incluso el discurso moralista establecido entre el “poli” bueno y el “poli” malo, constituyen un plagio de otras ofertas ya presenciadas en infinidad de ocasiones. Siendo muy generoso, podría calificarla de copia disfrazada. Absolutamente convencional y sin salirse un milímetro de lo esperado, la intriga queda anulada por una patente falta de creatividad. 

Formando parte del elenco figuran los actores Chadwick Boseman (Black Panther), Sienna Miller (“El francotirador”, “Z, la ciudad perdida”) y el gran J. K. Simmons -ganador del Oscar por la fantástica “Whiplash” e intérprete de excelentes títulos como “La, La Land” y “Las normas de la casa de la sidra”, y que cuenta con un extenso currículum en el que destacan la saga de “Spiderman” o “Juno”-. Les acompañan Stephan James (“El blues de Beale Street”, “El héroe de Berlín”) y Taylor Kitsch (“X-Men orígenes: Lobezno”).

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Datos del filme

Título original: 21 Bridges
Año: 2019
Duración: 99 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Brian Kirk
Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis
Música: Alex Belcher, Henry Jackman
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.K. Simmons

DAVID NIVEN

David Niven nació en Londres el 1 de marzo de 1910 y falleció en el cantón suizo de Vaud el 29 de julio de 1983. Actor y escritor británico ganador de un Oscar en 1958 por su papel en “Mesas separadas”, participó en sus inicios profesionales en la cinta “Cumbres Borrascosas” (1939), adaptación del clásico literario de Emily Brontë dirigida William Wyler, aunque al estallar la Segunda Guerra Mundial se unió al ejército de su país.

Posteriormente intervino en “A vida o muerte” (1946), de Michael Powell, “El otro amor” (1947), drama en el que interpretó a un médico cuya paciente era Barbara Stanwyck y “La mujer del obispo” (1947), comedia de corte fantástico a las órdenes de Henry Koster co-protagonizada por Cary Grant y Loretta Young. 

Durante la década de los cincuenta figuró en películas como “La vuelta al mundo en 80 días” (1956), de Michael Anderson, “Buenos días, tristeza” (1958), de Otto Preminger, “Mesas separadas” (1958), de Delbert Mann y “No os comáis las margaritas” (1960), de Charles Walters. 

Ya en los años sesenta actuó en “Los cañones de Navarone” (1961), film bélico de J. L. Thompson, “55 días en Pekín” (1963), de Nicholas Ray, “Dos seductores” (1963), de Ralph Levy, “La pantera rosa” (1964), de Blake Edwards -donde compartió créditos con Peter Sellers y Capucine- y en la parodia de James Bond “Casino Royale” (1967). 

Son también reseñables sus actuaciones en “Un cadáver a los postres” (1976) o “Muerte en el Nilo” (1978). Su última aparición cinematográfica tuvo lugar en 1983 con “La maldición de la pantera rosa”.

Escena de "La pantera rosa"

RETRATO DE UN AMOR (The Photograph)

“Retrato de un amor” es una película sobre el amor, aunque tiende a alejarse de las típicas cintas románticas. Se trata de un relato pausado, muy centrado en los personajes y con un aparente envoltorio convencional que termina impregnado de melodrama. Añade además el atractivo de narrar dos historias que, desarrolladas en épocas temporales diferentes, terminan enlazadas. Tal vez le falte cierta enjundia y un punto de intensidad pero, aun así, ofrece una visión interesante, realista y creíble, muy de agradecer en estos tiempos en los que la artificialidad y la estridencia ganan terreno a los aspectos artísticos. 

La cineasta y guionista canadiense afincada en Estados Unidos Stella Meghie estrena aquí su cuarto largometraje. Acostumbrada a narraciones tiernas en las que ni el humor despunta ni la tragedia hunde, transita por la corrección narrativa a base de un medido realismo. Quizás el principal defecto que pueda atribuírsele al film sea la voluntad excesiva de quedarse a medio camino de todo, marcado por el temor de acercarse a cualquier extremo capaz de suscitar reparos. Parafraseando uno de los diálogos de “La chica del tambor”, pertenece al extremo centro, una posición que le concede amplitud de público al que agradar, pero sin llegar a maravillar a ningún espectador. En resumidas cuentas, un cinta correcta pero, en gran medida, insustancial. 

Cuando una famosa fotógrafa fallece, deja a su hija numerosos interrogantes y una fotografía en un depósito de seguridad. La joven se empeña en hallar detrás de esa imagen una respuesta que le ayude a descubrir el pasado desconocido de su madre. Durante esa búsqueda aparece en su vida un periodista que está glosando la carrera profesional de su progenitora y con quien comenzará un romance. 

Determinados pasajes resultan muy acertados, evidenciando una notable sensibilidad tanto narrativa como artística. Sin embargo, no logra mantener el mismo nivel a lo largo de todo el metraje. Refleja un halo que lo vincula inicialmente con otros célebres títulos similares, como “El blues de Beale Street”, guardando incluso un paralelismo con su cartel anunciador, pero la obra de Barry Jenkins se alza más poderosa en cada uno de sus aspectos. 

La faceta interpretativa constituye uno de los puntos fuertes de “Retrato de un amor”, ya que ciertamente existe esa denominada “química” entre los actores, favoreciendo el interés por el relato. Cabe destacar sobremanera el trabajo de ambos protagonistas, que se esmeran para que esta historia cálida y reflexiva termine funcionando. Issa Rae ha llevado a cabo casi toda su carrera en la pequeña pantalla. A cargo de una actividad más extensa como productora, apenas cuenta con apariciones de repercusión en Europa. No obstante, realiza una buena actuación y se adivina su talento para abordar papeles complejos. En cuanto al más conocido LaKeith Stanfield, ha participado en la reciente “Puñales por la espalda”, en la exitosa “Déjame salir” y en una de las entregas de la saga Millennium (“Lo que no te mata te hace más fuerte”). Solventa con habilidad el reto de asumir este personaje principal. 

Les acompañan Teyonah Parris (vista en la mencionada “El blues de Beale Street”) y Rob Morgan (“Mudbound”, “Stranger Things”).

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Datos del filme

Título original: The Photograph
Año: 2020
Duración: 106 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Stella Meghie
Guion: Stella Meghie
Música: Robert Glasper
Fotografía: Mark Schwartzbard
Reparto: Keith Stanfield, Issa Rae, Chelsea Peretti, Kingsley Ben-Adir, Courtney B. Vance

TERENCE STAMP

Terence Stamp nació el 22 de julio de 1938 en Londres. Comenzó su carrera desde lo más alto, debutando en la pantalla grande en 1962 con la cinta “La fragata infernal”, por la que ganó un Globo de Oro y una nominación al Oscar como mejor actor secundario, así como otra candidatura a los premios BAFTA británicos.

De esa misma década es “El coleccionista” (1965), de William Wyler y “Lejos del mundanal ruido” (1967), de John Schlesinger. Posteriormente intervino en “Superman” (1978), de Richard Donner, y en su secuela. 

Durante los años ochenta estrenó “La venganza” (1984), de Stephen Frears, “Peligrosamente juntos” (1986), de Ivan Reitman, “El siciliano” (1987), de Michael Cimino o “Wall Street” (1987) de Oliver Stone. 

Ya en los noventa participó en “Beltenebros” (1991), de Pilar Miró, “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto” (1994), de Stephan Elliott y “Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma” (1999), de George Lucas. 

Entre sus últimas películas figuran “Superagente 86 de película” (2008), “Valkiria” (2008), “Destino oculto” (2011) y “El arte de robar” (2013).

Escena de "El coleccionista"

Escena de "Beltenebros"

GREYHOUND: ENEMIGOS BAJO EL MAR (Greyhound)

“Apple Tv” es una plataforma digital que está comenzando a competir con otras ya más afianzadas, como “Netflix”, “Amazon Prime” o “HBO”. El año pasado obtuvo cierta repercusión gracias a la serie “The Morning Show”, protagonizada por Jennifer Aniston, Reese Witherspoon, Steve Carell y Billy Crudup, cosechando tres nominaciones a los Globos de Oro y algunas candidaturas y premios por parte del Sindicato de Actores norteamericano. Ahora se lanza a la conquista del largometraje con “Greyhound: enemigos bajo el mar”, estrenado el pasado 10 de julio. Se trata de una cinta bélica (con la complejidad que ello supone, dado que dicho género cinematográfico reviste unas características peculiares) y se dirige, de un lado, a un público determinado y muy fiel y, de otro, a un sector más mayoritario que suele presentar más reparos a este tipo de relatos sobre la guerra. La apuesta, por tanto, es arriesgada, aunque cabe concluir que con un resultado más que aceptable. 

Es el segundo trabajo como realizador de Aaron Schneider, después de aquella interesante rareza titulada “El último gran día”, protagonizada por Robert Duvall, Bill Murray y Sissy Spacek. Aunque con una experiencia superior como director de fotografía, el cineasta estadounidense (que ganó un Oscar en 2003 con el cortometraje “Two Soldiers”) saca adelante un relato intenso, coherente y de ritmo constante, a pesar de lo complicado del rodaje y la narración. Sin llegar al nivel de acción de otros títulos tan conocidos como “La caza del Octubre Rojo”, y sin acercarse a otros grandes referentes del género, como “Salvar al soldado Ryan”, “Black Hawk derribado” o las más recientes “1917” y “Dunkerque”, consigue hilvanar durante hora y media una proyección entretenida y vehemente. 

En 1942, durante los primeros días de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, un convoy internacional de treinta y siete barcos aliados encabezado por el comandante Ernest Krause cruza el Atlántico Norte perseguido por submarinos alemanes. Mientras se enfrenta al enemigo, Krause deberá luchar contra sus demonios personales para convertirse en un líder efectivo del bando aliado. 

Uno de los puntos fuertes del film es, sin duda alguna, el actor Tom Hanks, que participa asimismo en el guion. Con su mera presencia, este excelente intérprete californiano encandila a la cámara y a los espectadores. Considerado uno de los grandes nombres de la Historia del Séptimo Arte, más allá de sus dos Oscars y otras seis nominaciones, de sus cuatro Globos de Oro junto a diez candidaturas más, o de sus siete Emmys, es un inmenso profesional que conecta fácilmente con el público. Igualmente capacitado para la comedia y para el drama, su filmografía merece ser recordada y, aunque en esta ocasión no lleve a cabo una de sus labores más destacadas, despliega una actuación atrayente y efectiva del personaje central de la trama. 

Quizá se debería haber profundizado más en los personajes. Incluso cabe reconocer que las batallas y la navegación en alta mar otorgan una tonalidad monótona al proyecto. Sin embargo, contiene varias secuencias de alta intensidad y emoción, los aspectos técnicos se hallan muy cuidados y, salvo alguna discutible licencia de guion, su moderado metraje afianza el mérito global de la producción. 

Completan el equipo artístico la casi desaparecida Elisabeth Shue (“Leaving Las Vegas”, “El hombre sin sombra”, “Karate Kid”), Stephen Graham (“El topo”, “This is England”), Michael Benz (“Joker”, “La buena esposa”) y Rob Morgan (“Cuestión de justicia”, “Mudbound”).

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Datos del filme

Título original: Greyhound
Año: 2020
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Aaron Schneider
Guion: Tom Hanks (Novela: C.S. Forester)
Música: Blake Neely
Fotografía: Shelly Johnson
Reparto: Tom Hanks, Elisabeth Shue, Stephen Graham, Rob Morgan

STAN WINSTON

Stan Winston nació en Virginia el 7 de abril de 1946 y falleció en 
California el 15 de junio de 2008.  Artista, creador, supervisor de efectos visuales y maquillaje, y especialista en diseño animatrónico, ganó cuatro Oscars  (por las películas de "Aliens" (1986), por "Terminator 2" (1992) en las modalidades de efectos especiales y maquillaje y por "Parque Jurásico" (1993)). 

Recibió asimismo varias nominaciones a la estatuilla por sus trabajos en "Heartbeeps" (1981), "Depredador" (1987), "Eduardo Manostijeras" (1990), "Batman vuelve" (1992), "El mundo perdido: Jurassic Park" (1997) y "A.I. Inteligencia Artificial" (2001). Desde 2001 cuenta con su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.  

Fue uno de los técnicos de efectos especiales más famosos de la Meca del Cine. "La industria del entretenimiento ha perdido a un genio", dijo el gobernador del Estado de California, Arnold Schwarzenegger, quien trabajó con Winston cuando dio vida a 'Terminator. El director Steven Spielberg dijo de él que fue un "artista y creador prolífico. Con una sonrisa, aseguraba que nada era imposible, añadió".

DÓNDE ESTAS, BERNADETTE (Where'd You Go, Bernadette)

Por fin comienzan a llegar, poco a poco, algunos estrenos a las salas de proyección, siendo uno de ellos la película de Richard Linklater "Dónde estás, Bernadette" que, aunque se filmó el pasado año, recala ahora en la cartelera, coincidiendo con la inseguridad de distribuidores y exhibidores a la hora de proyectar los títulos previstos para el verano, habida cuenta la restricción del aforo y el clima de preocupación generado por la actual pandemia de coronavirus. Linklater es un cineasta interesante que cuenta con varias aportaciones cinematográficas bastante originales. Su trilogía iniciada con "Antes del amanecer", junto a la meritoria excentricidad de "Boyhood (Momentos de una vida)" evidencian que no se trata un director convencional. Por ello, me ha sorprendido esta última cinta. Más allá de la trama y los personajes, el estilo y la forma de narrar "Dónde estás, Bernadette" resulta tan usual en el cine americano que me lleva a preguntarme dónde está Richard Linklater, pues parece haberse escapado del mismo modo que la protagonista de la comedia.  

El tono general del largometraje puede calificarse de correcto. Las interpretaciones, notables. Determinadas secuencias, logradas. Y el ritmo, constante. Suficientes elementos para el aprobado y su posterior disfrute por buena parte del público. No obstante, a la ausencia de la huella del realizador, se une cierta falta de gancho ya reflejado en el propio título (que no se sabe si se refiere a una pregunta, una exclamación o una afirmación anodina). 

Una madre arquitecta, agorafóbica y miembro de una familia aparentemente idílica desaparece un día de su casa. Sus familiares saldrán en su búsqueda y descubrirán por el camino secretos que la mujer prefirió ocultarles. “Dónde estás, Bernadette” es la adaptación para la gran pantalla de la novela de la escritora y guionista televisiva María Semple y, pese a presentarse con un formato poco creativo (similar a un telefilme de sobremesa), tanto la historia como los perfiles terminan por despertar el interés del espectador. A pesar de una cierta sobreactuación y un tufillo a filmación prefabricada, posee un punto de encanto y hasta de atrayente moraleja mágica, por lo que el sabor de boca al final es positivo. 

Gran parte del mérito reside, sin duda, en un reparto encabezado por la icónica Cate Blanchett, quien recibió por este papel una nominación a los Globos de Oro en la categoría de mejor actriz. Su talento y capacidad tanto para el drama ("Babel", "Carol") como para la comedia ("Blue Jasmine"), manifestados asimismo en destacados títulos de las últimas décadas ("El curioso caso de Benjamin Button", "Elizabeth", "El talento de Mr. Ripley", "El aviador") la han catapultado al estrellato y su mera presencia en cualquier proyecto justifica su visionado. 

Le acompañan un efectivo Billy Crudup -"Casi famosos", "Big Fish", "Spotlight", y también con dignas aportaciones televisivas ("Gypsy", "The Morning Show")-, Laurence Fishburne ("Matrix", "Contagio", "Mystic River") y Kristen Wiig ("La vida secreta de Walter Mitty"). 

Dos nuevos proyectos ocuparán a Richard Linklater en 2021: "Apolo 10½" (historia ambientada en los suburbios de Houston en el verano de 1969 sobre el histórico alunizaje del Apolo 11) y "Merrily We Roll Along" (musical sobre un talentoso compositor de Broadway que abandona su carrera teatral y sus amistades en Nueva York para dedicarse a producir películas en Los Ángeles). Su versatilidad me predispondrá siempre a contemplar sus trabajos.

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Datos del filme

Título original: Where'd You Go, Bernadette
Año: 2019
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Richard Linklater
Guion: Richard Linklater, Holly Gent Palmo, Vincent Palmo Jr. (Novela: Maria Semple)
Música: Graham Reynolds, Sam Lipman
Fotografía: Shane F. Kelly
Reparto: Cate Blanchett, Kristen Wiig, Billy Crudup, Judy Greer, Laurence Fishburne

KEVIN BACON

Kevin Bacon nació en Filadelfia el 8 de julio de 1958. Actor de cine, teatro y televisión, ganador de un Globo de Oro por la serie televisiva “El regreso de un soldado” (2009) y de dos premios del Sindicato de Actores (de nuevo por “El regreso de un soldado” y por “Apolo 13”), debutó en 1978 en la pantalla grande gracias a su aparición en la película de John Landis “Desmadre a la americana” (1978). 

Con posterioridad pudo ser visto en algunos éxitos comerciales, como “Viernes 13” (1980) y “Footloose” (1984), cinta dirigida por Herbert Ross que le convirtió en estrella internacional. A esa misma década pertenece también “La loca aventura del matrimonio” (1988), de John Hughes, donde compartió cartel con Elizabeth McGovern.

En los años noventa participó en “Línea mortal” (1990), de Joel Schumacher, “JFK” (1991), de Oliver Stone, “Algunos hombres buenos” (1992), de Rob Reiner, “Apolo 13” (1995), de Ron Howard, “Homicidio en primer grado” (1995), de Marc Rocco, “Sleepers” (1996), de Barry Levinson y “Juegos salvajes” (1998), de John McNaughton,

Ya en el nuevo milenio ha destacado en “El hombre sin sombra” (2000), de Paul Verhoeven, “Mystic River” (2003), thriller de Clint Eastwood co-protagonizado por Sean Penn y “El desafío - Frost contra Nixon” (2008), de Ron Howard.

Escena de "Mystic River"

Escena de "Algunos hombres buenos"

IN MEMORIAM: ENNIO MORRICONE

El compositor italiano Ennio Morricone ha fallecido a los 91 años en su Roma natal. Considerado como una leyenda de la Historia del cine, ha dejado tras de sí un legado de más de 500 bandas sonoras. El pasado 5 de junio fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2020 junto a su compañero de profesión, el estadounidense John Williams. Entre sus partituras más destacadas cabe resaltar las siguientes:

•  ‘Los intocables de Eliot Ness’ (1987). El éxito de Brian De Palma le valió al actor Sean Connery su primer y único Oscar. Una sección de cuerda que marca el ritmo de los gángsteres en una banda sonora que da vuelo y épica a la labor del grupo especial de policías encabezado por Ness.
• ‘Novecento’ (1976). Bertolucci contaba que, para él, lo que había hecho Morricone en "Novecento" era componer uno de los himnos más bellos de la Historia del cine en loor del proletariado italiano.
• ‘Cinema Paradiso’ (1988). Con una sensibilidad pasmosa, las notas de los instrumentos de cuerda trasladan casi flotando a los espectadores a su infancia más tierna, para ver crecer y enamorarse por primera vez al pequeño Salvatore antes de convertirse en un director de renombre. El realizador Giuseppe Tornatore supo retratar con maestría la magia que traía consigo el proyector del bueno de Alfredo a un pueblo siciliano que, como tantos otros, trataba de salir adelante tras la Segunda Guerra Mundial. En la obra participó también el hijo de Ennio, Andrea, componiendo el tema "Amor".
• ‘La misión’ (1986). Parece increíble que cuando le llegó el encargo a Morricone, este se lo pensara. La película le parecía tan espectacular que no necesitaba una banda sonora. Luego no ganó el Oscar y se enfadó. La estatuilla recayó en Herbie Hancock por "Alrededor de medianoche" cuya música se basaba en temas previos, con lo que no era original. En cambio, "La misión"... Cualquier cinéfilo es capaz de silbar hoy la melodía de "El oboe de Gabriel".
• ‘Por un puñado de dólares’ (1964). Con la trilogía del dólar ("Por un puñado de dólares", "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo"), Sergio Leone levantó la piedra angular del spaghetti western gracias a varios elementos, entre ellos el rostro de Clint Eastwood y la música de Ennio Morricone, con el que había ido de niño al colegio -curiosamente, ninguno se acordaba de ello-. 
• ‘Érase una vez en América’ (1984). El compositor italiano contaba que sentía que este Oscar se le había escapado. Al parecer, alguien no anduvo rápido con el papeleo y llegaron tarde a registrarle como posible candidato en la categoría musical. Una pena, porque es uno de sus más grandes trabajos y Leone subrayaba cómo usó distintos estilos para cada época, además de saber enhebrar "Amapola" dentro de la música de la cinta.
• ‘Frenético’ (1988). Morricone también colaboró con Roman Polanski en este film policial y de espías protagonizado por Harrison Ford y Emmanuelle Seigner. Compone una magnífica partitura en cuyo tema principal utiliza el sonido electrónico del bajo eléctrico para marcar la sensación de tensión y suspense. Igualmente, el maestro italiano crea otras composiciones con un tono más melancólico y triste, como podemos apreciar en los títulos finales, donde usa el acordeón en una clara alusión al trasfondo parisino de la historia.
• ‘En la línea de fuego’ (1993). Partitura en la que el compositor aplica un contundente y efectista tema principal, a modo de amenaza implícita, que se repite a lo largo del metraje con mayor o menor fuerza en las percusiones. Lo contrasta con una bella melodía intimista que aplica para reforzar el sentimiento de indefensión y soledad del personaje protagonista en su enfrentamiento al villano, así como para las escenas románticas.
• ‘La leyenda del pianista en el océano’ (1998). El músico volvió a trabajar junto a Tornatore una década después de Cinema Paradiso para contar esta adaptación del monólogo teatral "Novecento", del dramaturgo Alessandro Baricco.
• ‘Los odiosos ocho’ (2015). Tras estar nominado en seis ocasiones a los Oscar y haber recibido en 2007 una estatuilla honorífica de la Academia, poco apuntaba a la posibilidad de que se alzase con el galardón en 2016 pero, finalmente, así fue.

FESTIVAL DE LA CANCIÓN DE EUROVISIÓN (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga)

Comencé a ver “Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga” con muy pocas ganas y el casi total convencimiento de que no me iba a gustar. Tres razones significativas me hacían presagiar el desastre que estaba por venir: el director David Bokin, el actor Will Ferrell y el popular certamen eurovisivo como tema central. Tres argumentos de peso para apostar por el espanto. Dobkin jamás ha filmado un largometraje de mi agrado. Más allá de su faceta como realizador de videoclips musicales para grupos como “Maroon 5” y cantantes como “Elton John”, su predisposición hacia la comedia absurda y simplona (“Los rebeldes de Shanghai”, con Jackie Chan y Owen Wilson; “De boda en boda”, de nuevo con Owen Wilson acompañado de Vince Vaughn; “El cambiazo”, con Jason Bateman y Ryan Reynolds) le coloca en las antípodas de mis gustos. Ni cuando intentó ponerse más serio en “El juez” (con Robert Downey Jr. y Robert Duvall al frente del reparto), aunque mejoró ligeramente, pudo desurdirse del estilo artificial, amañado y tramposo que aqueja a gran parte de la industria norteamericana del Séptimo Arte. 

Supongo que esta cinta entretendrá a los fanáticos de célebre concurso musical entre quienes, desde luego, no me incluyo. Además, por lo que respecta a sus aspectos artístico y cinematográfico, resulta pobre y hasta ridícula. Me consta que son numerosas las personas partidarias de este tipo de comicidad pero, en mi opinión, semejante reiteración de chistes y gracietas bastarían como mucho para configurar un programa de la pequeña pantalla. Porque una película es otra cosa. Parafraseando uno de los célebres diálogos de “Pulp Fiction”, “no es la misma liga. Ni siquiera es el mismo deporte”. Sin embargo, la especialidad de David Dobkin es filmar siempre y en todo momento un larguísimo sketch. 

La trama carece por completo de complicación. Dos músicos islandeses aprovechan la oportunidad de poder cumplir su sueño de participar en el Festival de la Canción de Eurovisión. Ahí termina el argumento. El resto es mero relleno humorístico de dudosa gracia a cargo de personajes provistos de un mínimo interés. 

Se intenta paliar el despropósito gracias a algunos cameos de cantantes conocidos como Demi Lovato o Conchita Wurst, ganadora en 2014. Evidentemente, este pretendido reclamo no aporta nada al resultado final, suponiendo una prolongación innecesaria que tal vez encajara mejor como idea para un cortometraje. Con una duración superior las dos horas, la proyección se torna insoportable para cualquier aficionado que busque en las diversas plataformas digitales entretenimiento y cine de verdad en tiempos de pandemia. 

El equipo artístico está integrado por rostros famosos de cierto renombre, como Pierce Brosnan y Rachel McAdams. Él no ha terminado de desvincularse de su etiqueta de galán de acción en títulos mediocres porque, probablemente, nunca lo ha intentado. Sus aportaciones al papel de James Bond no han destacado nunca y tampoco dando vida a otros personajes ha demostrado poseer excesivos recursos interpretativos, excepción hecha de “Evelyn”, de Bruce Beresford y “El escritor”, de Roman Polanski, en las que apuntó alguna cualidad más señalada. Lo que a Brosnan le sale realmente bien es hacer de Brosnan. Ella, por el contrario, presenta una trayectoria bastante más interesante, en la que sus actuaciones en “Disobedience”, de Sebastián Lelio, “Spotlight”, de Tom McCarthy o “Midnight in Paris”, de Woody Allen evidencian su versatilidad. Junto a éxitos como “El diario de Noa”, figuran también comedias anodinas que, en todo caso, no oscurecen otros de sus filmes de innegable calidad e, incluso, de obligada visión. La pérdida de tiempo que implica su intervención en “Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga” no deja lugar a dudas. 

Y, por último, queda Will Ferrell, al que no debería valorar habida cuenta mi nula simpatía hacia él. Se trata del típico actor sin ninguna chispa que, paradójicamente, se limita a rodar comedias centradas en una clase de humor grosero, plano y previsible en las que, tanto los personajes como el guion, resultan irrelevantes. En definitiva, otro intérprete que se limita una y otra vez de hacer de sí mismo. 

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Datos del filme

Título original: Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga
Año: 2020
Duración: 123 min.
País: Estados Unidos
Dirección: David Dobkin
Guion: Will Ferrell, Andrew Steele
Música: Atli Örvarsson
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Rachel McAdams, Will Ferrell, Pierce Brosnan, Demi Lovato, Dan Stevens

20º ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "GLADIATOR" (20th Anniversary of the Premiere of "Gladiator")

Se cumplen veinte años del estreno de la película “Gladiator”, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Russell Crowe, Joaquin Phoenix y Connie Nielsen. 

Crowe interpreta a Máximo Décimo Meridio, un leal general hispano del ejército del Imperio romano que es traicionado por Cómodo, el ambicioso hijo del emperador Marco Aurelio, quien ha asesinado a su padre y se ha hecho con el trono. Forzado a convertirse en esclavo, Máximo triunfa como gladiador mientras anhela vengar la muerte de su familia y la del emperador. 

"Gladiator" fue un éxito tanto entre la crítica especializada como entre el público, y contribuyó al breve resurgir del cine épico ambientado en la Antigüedad Clásica. La cinta recibió numerosos premios y nominaciones, incluidos cinco Oscars (entre ellos los de mejor película y mejor actor principal). Obtuvo asimismo dos Globos de Oro  y cuatro BAFTAS (en ambos casos al de mejor película). 

Se estrenó en 2.938 salas de cine de Estados Unidos y recaudó 34,83 millones de dólares en su primer fin de semana en cartel. En apenas quince días su recaudación en la taquilla norteamericana sobrepasó los 103 millones de dólares, llegando a nivel mundial a más de 450. 

Escenas de la película