DOLOR Y GLORIA

Yo clasifico a los directores de cine en dos grupos bien definidos: los que ruedan películas con la intención de dar a los espectadores lo que quieren ver y los que lo hacen para trasladar al público lo que ellos, como artistas y creadores, desean contar. Almodóvar, como todo gran cineasta, pertenece al segundo. A partir de ahí, su obra podrá gustar en mayor o menor medida, pero es incuestionable su condición de creador auténtico, honesto consigo mismo y, por ende, con los aficionados al Séptimo Arte. Reconozco que sus títulos más cómicos, extravagantes y rompedores no conectan conmigo. Sin embargo, cuando se torna más dramático y sensible, sí es capaz de conmoverme, generando ese vínculo mágico entre narrador y oyente, entre quien plasma emociones en imágenes y quien termina por hacerlas suyas y sintiéndolas como propias. 

“Dolor y gloria” constituye una especie de monólogo del realizador manchego ideado a modo de tratamiento para esas patologías que padece y que le atormentan. Se trata de una cinta sentida y sensible donde se concibe la melancolía tal y como la definió el escritor francés Víctor Hugo: la alegría de estar triste. O, para ser más preciso, se recrea en unos recuerdos de sentimientos ya perdidos con el fin de seguir conectado a un pasado de sufrimiento y gozo que nunca volverá a ser presente, por mucho que jamás abandone la mente de su protagonista. En esta suerte de terapia, Almodóvar nos regala varias secuencias sublimes en las que abunda la sensibilidad y que con las que consigue que asomen algunas lágrimas. Y, precisamente debido a esa esencia de soliloquio redentor más propio de un desahogo de diván que del guion de una historia con un comienzo y un final convencionales, algunas partes del metraje parecen desentonar o, cuanto menos, no encajar por completo. Todo se dispone al servicio de la curación espiritual del autor, más que a la construcción de una trama cinematográfica al uso. Si no se empatiza con el personaje, el largometraje puede resultar un tanto caótico e insulso pero, a poco que se participe del melodrama, el espectador acompañará de la mano al director por un trayecto que encandila y conmueve. 

Salvador Mallo es un aclamado director de cine en su ocaso y cuya memoria le transporta constantemente hacia su pasado, a su infancia en el pueblo valenciano de Paterna y al recuerdo de sus primeros amores. El dolor físico producido por las enfermedades que padece se engarzará en un coctel de sentimientos almacenados en su mente del que forman parte sus deseos, sus miedos y, de forma permanente, la figura de su madre. Atormentado por no poder seguir rodando, recurrirá a la escritura como vía de escape para superar sus obsesiones y, sobre todo, para no olvidar. 

Resulta imposible desvincular de la figura de Pedro Almodóvar cuanto acontece en la pantalla grande a lo largo de toda la proyección. Desde la similitud física del protagonista hasta el contenido del relato, cada palabra que sale de la boca del personaje principal conduce directamente a la fuente original, que no es otra que el propio realizador. El “sello Almodóvar” se refleja aquí de forma absoluta. Los colores, el tipo de encuadre de la cámara, las obsesiones, los gestos, el timbre de voz…, todo ello hunde sus raíces en el interior del cineasta más internacional y popular de la cinematografía española. Ganador de un Oscar al mejor guion por la magnífica “Hable con ella” y dos más en la categoría de mejor film de habla no inglesa, a los que hay que añadir un sinfín de galardones, es un artista que no tiene nada que demostrar y que únicamente se dedica a expresarse con entera libertad. 

Dentro del apartado interpretativo destaca sobremanera la actuación de Antonio Banderas, que lleva a cabo un viaje introspectivo creíble, efectivo y certero al alma de su alter ego. Pese al escaso parecido físico existente entre ambos, la comunión que se alcanza es tal que consigue obnubilar el ojo del espectador, quien termina por ver en imagen al propio Almodóvar. Forman parte del sobresaliente reparto coral los actores Asier Etxeandia (“La novia”), Leonardo Sbaraglia (“Relatos salvajes”, “Intacto”), Julieta Serrano (“Mujeres al borde de un ataque de nervios”) y Penélope Cruz (“Volver”, “Todos lo saben”).

Trailer

Datos del filme

Título original: Dolor y gloria
Año: 2019
Duración: 108 min.
País: España
Dirección: Pedro Almodóvar
Guion: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Julieta Serrano

QUENTIN TARANTINO

Quentin Tarantino nació en Tennessee el 27 de marzo de 1963. Director, productor, guionista, editor y actor estadounidense, en  1985 logró un trabajo en un videoclub, donde entabló amistad con el estudiante de Cine Roger Avary y conoció al profesional de la producción John Langley. Ambos nombres le marcaron en su carrera. 

Se estrenó como realizador de largometrajes con “My Best Friend's Birthday” (1987), pero no fue hasta “Reservoir Dogs” (1992) cuando comenzó a adquirir notoriedad. En 1994 filmó “Pulp Fiction”, su mejor obra hasta la fecha, que obtuvo siete nominaciones a los Oscar, recayendo en él la estatuilla dorada al mejor guión.  Más tarde rodó uno de los episodios de “Four Rooms” (1995) y. posteriormente, “Jackie Brown” (1997). Después se embarcó en los proyectos “Kill Bill: Volumen 1” (2003) y “Kill Bill: Volumen 2” (2004) y fue el responsable de otro episodio de la cinta coral “Grindhouse” (2007), a la que continuaron “Death Proof” (2007) y “Malditos bastardos” (2009). 

En 2012 asumió la dirección de “Django desencadenado”, que le valió su segundo Oscar como guionista y en 2015 llevó a las salas de proyección “Los odiosos ocho”. Ahora está a punto de estrenar su último trabajo, “Érase una vez en... Hollywood”. 

Además de interpretar algunos cameos y papeles secundarios en sus propios filmes, ha actuado también en títulos como “Abierto hasta el amanecer” (1996) o “Johnny Destiny” (1995).

Escena de "Pulp Fiction"

Escena de "Jackie Brown"

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2019

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 22 edición del Festival de Málaga-Cine en Español, integrado por Andrés Bayona, Agustina Chiarino, Patricia Ferreira, Ignacio Ruiz Capillas y Diego San José, ya ha dado a conocer su palmarés: 

• Biznaga de Oro a la mejor película española: 'Els dies que vindran (Los días que vendrán)', de Carlos Marques-Marcet. 
• Biznaga de Oro a la mejor película iberoamericana: 'Las niñas bien', de Alejandra Márquez Abella. 
• Premio Especial del Jurado: 'Esto no es Berlín', de Hari Sama. 
• Premio Especial de la Crítica: 'Esto no es Berlín', de Hari Sama. 
• Premio Especial del Público: 'Antes de la quema', de Fernando Colomo. 
• Biznaga de Plata a la mejor dirección: Carlos Marques-Marcet, por 'Els dies que vindran (Los días que vendrán)'. 
• Biznaga de Plata a la mejor actriz: María Rodríguez Soto, por 'Els dies que vindran (Los días que vendrán)'.  
• Biznaga de Plata al mejor actor: Óscar Martínez, por 'Yo, mi mujer y mi mujer muerta'. 
• Biznaga de Plata a la mejor actriz de reparto: Ex aequo a Carolina Ramírez, por 'Niña errante', y Maggie Civantos, por 'Antes de la quema'. 
• Biznaga de Plata al mejor actor de reparto: Ex aequo a Quim Gutiérrez, por 'Litus', y Mauro Sánchez Navarro, por 'Esto no es Berlín'. 
• Biznaga de Plata al mejor guión: Alejandra Márquez Abella, por 'Las niñas bien'. 
• Biznaga de Plata a la mejor música: Arturo Cardelús, por 'Buñuel en el laberinto de las tortugas'. 
• Biznaga de Plata a la mejor fotografía: Alfredo Altamirano, por 'Esto no es Berlín'. 
• Biznaga de Plata al mejor montaje: Miguel Schverdfinger, por 'Las niñas bien'. 

El Jurado de la Sección ZonaZine, formado por Luz Arcas, Bárbara Díez y Elena Martín, ha emitido el siguiente fallo: 

• Biznaga de Plata a la mejor película española: 'Ojos negros', de Marta Lallana e Ivet Castelo.
• Biznaga de Plata a la mejor película iberoamericana: 'Perro bomba', de Juan Cáceres.
• Mención Especial del Jurado: 'Sapos', de Baltazar Tokman.
• Biznaga de Plata a la mejor dirección: Kyzza Terrazas, por 'Bayoneta'.
• Biznaga de Plata a la mejor actriz: Aina Clotet, por 'La filla d'algú (La hija de alguien)'.
• Biznaga de Plata al mejor actor: Steevens Benjamin, por 'Perro bomba'.
• Biznaga de Plata premio del público: 'Perro bomba', de Juan Cáceres. 

El Jurado de la Sección Oficial de Documentales a concurso, compuesto por Rocío Cabrera, Eterio Ortega y Anna Solá, ha otorgado los siguientes galardones: 

• Biznaga de Plata premio al mejor documental: Terra franca, de Leonor Teles.
• Biznaga de Plata al mejor director: Felipe Monroy, por 'Los fantasmas del Caribe'.
• Mención Especial del Jurado: 'Titixe', de Tania Hernández Velasco. 

El Jurado Joven Documental de la Universidad de Málaga (UMA) -Alba Anna Harrison, María Dolores Gámez, María Sol Pardo, Ana Belén Fernández, Sara Ruiz, Cynthia Mata, Bárbara Ortiz, Lourdes Guadalupe Herrero, Gabriela Francesca Flandoli, Nerea Guitart, Darío del Alcázar, Juan Pedro Vera, Andrea Leticia Quintana, Manuel García y Daniel Medina- ha entregado la Biznaga de Plata a "Baracoa", de Pablo Briones y el Premio del Público a "El día de los conectados", de Carles Bosch, Nabil Bellahsene, Sara Racaño, Elvira Gálvez y José M. Restrepo.

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Documental, cuyos miembros han sido Rocío Cabrera, Eterio Ortega y Anna Solá, han premiado con la Biznaga de Plata al mejor cortometraje documental a "Greykey", de Enric Ribes. 

La Mención Especial del Jurado  ha recaído sobre "Cuatro y Quena", de Thomas Torres.

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes de Ficción, formado por Rocío Huertas, Jorge Naranjo y Begoña Soto, ha reconocido a los siguientes trabajos: 

• Biznaga de Plata al mejor cortometraje de ficción: "Benidorm 2017", de Claudia Costafreda. 
• Biznaga de Plata a la mejor dirección: Eva Saiz por "Mujer sin hijo". 
• Biznaga de Plata a la mejor actriz: Ex aequo a Elena Martín, por "Suc de síndria" y Yolanda Ramos, por "Benidorm 2017". 
• Biznaga de Plata al mejor actor: Berner Maynés, por "Después también". 
• Premio del Público: "Mujer sin hijo", de Eva Saiz. 

También se ha galardonado con la Biznaga Málaga Cinema Oficios del Cine al localizador Tate Aráez y con el Premio a la Trayectoria Profesional a la actriz Mariola Fuentes. 

TRIPLE FRONTERA (Triple Frontier)

“Triple frontera” se presenta como una muestra del género de acción y ciertamente lo es, aunque esconde en los vericuetos de sus escenas y en los pliegues de su trama una naturaleza diferente. Los personajes parecen estar conectados con los vaqueros de un “western” crepuscular y la historia pretende empujar al espectador hacia una moraleja ética para terminar haciéndole chocar con ella. Mientras visionaba el largometraje, me venía en cierta medida a la cabeza el notable film de Sam Raimi “Un plan sencillo”, donde una gran fortuna en metálico se convertía para los protagonistas en una especie de maldición que los perseguiría irremediablemente, convirtiendo aquellas primeras ilusiones y planes de quien se sabe millonario en un espejismo que daba paso a una pesadilla real y macabra. Resulta innegable que la estética y la envergadura militar de sus protagonistas, los combates con armas contundentes y precisas, y las huidas y los asaltos recubren el metraje con el envoltorio del ritmo ágil, de la tensión latente y de las persecuciones, luchas y explosiones propias del género de acción. Sin embargo, a poco que se profundice, se percibe que en el interior subyace algo más que un mero exceso de disparos, muertes, peleas y ajustes de cuentas. 

El principal problema estriba en algunas partes del guion, que cuenta con significativos déficits y con alguna sonora incongruencia. Se quiere mimar de tal manera el rigor de los papeles estelares, la enjundia del mensaje y la parte dramática de la obra que, al recrear los momentos más combativos y electrizantes, se cae torpemente en algunas trampas. Cierto es que, ante una cinta de acción, somos más permisivos en cuanto a la credibilidad de lo que se nos cuenta que cuando optamos por un drama convencional. Aun así, cabe indicar que algunos aspectos de “Triple frontera” sonrojan, como tragarse que los héroes huyan durante una semana con un pesado y aparatoso botín atravesando la dura cordillera de los Andes sin comida ni bebida. O como aceptar que el narcotraficante más rico y peligroso permanezca sin apenas protección en su casa porque es un día festivo y todos acuden a misa, permitiendo sin apenas dificultad el acceso a lo que se supone un fortín inexpugnable. En definitiva, si se hace la “vista gorda” sobre estos puntos es porque, en conjunto, la obra es interesante y está bien narrada. 

El realizador, J.C. Chandor, me entusiasmó sobremanera gracias a su infravalorada y poco conocida “El año más violento”, en mi opinión uno de los mejores títulos de 2014. Ha estrenado únicamente cuatro trabajos y todos presentan cualidades interesantes. Debutó en 2011 con “Margin Call”, recibiendo una nominación al Oscar al mejor guion original. Continuó en 2013 rodando “Cuando todo está perdido”, con un Robert Redford sufriendo en alta mar. “El año más violento”, su techo profesional hasta la fecha, le proporcionó a la magnífica Jessica Chastain una candidatura a la estatuilla dorada de Hollywood. De hecho, la National Board of Review la eligió mejor película del año y a su pareja protagonista (la citada Chastain y Oscar Isaac) los mejores actores. Ahora estrena “Triple frontera” que, aunque algún peldaño por debajo de su habitual nivel, supone una sugestiva opción de entretenimiento. 

Cinco veteranos profesionales de las Fuerzas Especiales se dan cita en una zona escasamente poblada de Sudamérica, la triple frontera entre Paraguay, Argentina y Brasil. Por primera vez a lo largo de sus prestigiosas carreras, estos héroes olvidados emprenden una peligrosa misión en beneficio de ellos mismos, y no de su país. Robarán y ajustarán cuentas con un capo local que maneja a su antojo el tráfico de drogas. En principio, todo sale bien y se hacen con más de cien millones de dólares en efectivo. Pero, precisamente, el peso y las dimensiones de semejante tesoro dificulta su escapada. Ante las dificultades sobrevenidas, deberán variar el plan previsto y enfrentarse a difíciles decisiones personales y vitales en aras de su supervivencia. 

“Triple frontera” recaló en la plataforma “Netflix” el pasado 13 de marzo y cuenta de nuevo con Oscar Isaac (al que hemos visto en “El año más violento”, “Ex machina”, “A propósito de Llewyn Davis “ y la última entrega de “Star Wars”) para dar vida al líder de este peculiar grupo. Le acompañan Ben Affleck (director de las muy recomendables “Argo”, “The Town. Ciudad de ladrones” y también actor aunque menos brillante), Charlie Hunnam (“Z, la ciudad perdida”, “Cold Mountain”) y Pedro Pascal (“El blues de Beale Street“). En un papel secundario encontramos a Adria Arjona (“Pacific Rim: Insurrección y la serie “True Detective”), a la postre, la más lista de todos.

Trailer 1 (versión original con subtítulos)

Trailer 2 

Datos del filme

Título original: Triple Frontier 

Año: 2019
Duración: 127 min.
País: Estados Unidos
Dirección: J.C. Chandor
Guion: Mark Boal, J.C. Chandor (Historia: Mark Boal)
Fotografía: Roman Vasyanov
Reparto: Oscar Isaac, Ben Affleck, Charlie Hunnam, Pedro Pascal, Garrett Hedlund, Adria Arjona

HOLLY HUNTER

Holly Hunter nació Georgia el 20 de marzo de 1958. Intérprete y productora estadounidense, debutó en el cine con un papel secundario en “La quema” (1981). Su compañera de piso en la “Gran Manzana” fue Frances McDormand y por mediación de ella logró conocer a los hermanos Coen, con quienes alcanzó la fama al protagonizar junto a Nicolas Cage la comedia “Arizona Baby” (1987). 

Con la cinta “Al filo de la noticia” (1987) se consagró profesionalmente, siendo nominada al Oscar a la mejor actriz principal. Más tarde protagonizó “Always (Para siempre)”, de Steve Spielberg (1989) y, posteriormente, “Querido intruso”, (1991) de Lasse Hallström. Volvió a optar a la estatuilla dorada de Hollywood por sus interpretaciones en “La tapadera” (1993) y “El piano” (1993), consiguiendo por ésta última el prestigioso galardón, además del Globo de Oro y la Concha de Oro del Festival de Cannes. 

Otros títulos de su filmografía son “A casa por vacaciones” ,(1995) de Jodie Foster, “Una historia diferente” (1997), de Danny Boyle, “O Brother!” (2000), de nuevo con los hermanos Coen, “Thirteen” (2003), que le valió una nueva candidatura al Oscar, y “La gran enfermedad del amor” (2017).

Escena de "Al filo de la noticia"

Escena de "El piano"

BEAUTIFUL BOY. SIEMPRE SERÁS MI HIJO (Beautiful Boy)

Todos los géneros cinematográficos poseen sus propios límites que, una vez traspasados, provocan que la esencia se desnaturalice y se ceda a la mera reiteración de tópicos y a la plasmación sin alma de los relatos. Sucede así con las películas románticas que caen en la cursilería, las comedias que pecan de chabacanas, las cintas de acción que se convierten en puro desenfreno irrealista o los dramas que buscan la lágrima fácil. Esa frontera entre la creación artística que conecta con el público y el despropósito que le satura y resbala por sus pupilas sin penetrar un ápice en su interior depende, en gran medida, de cada espectador que es, en definitiva, quien construye la linde divisoria entre lo que le gusta y lo que le disgusta. En mi opinión, “Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo” (no entiendo esta duplicidad del título en inglés y en español) es un melodrama que se pierde en el laberinto de la pena y la sensiblería sin un guion sólido al que aferrarse, ni una idea creativa que contar. 

No se puede negar que Felix van Groeningen es un director interesante, no siendo para nada habitual que un cineasta belga ruede un largometraje como “Alabama Monroe”, sin duda su mejor trabajo, con esa estética de vaqueros de la América profunda con sombreros tejanos y música country. Nominado al Oscar al mejor film de habla no inglesa y galardonado en los Premios del Cine Europeo, en el Festival de Tribeca y en los César franceses, más allá de su chocante presentación visual y musical, alberga una corrosiva presentación del amor, con sus luces y sus sombras. Pero si en aquel destacado trabajo la trama poseía una innegable enjundia y la narración podía calificarse de vanguardista, en su último estreno peca demasiado pronto de un desesperado y fallido intento de trascender, usando para ello una fórmula para exprimir el dolor y la melancolía como si de un videoclip musical se tratase. 

Cuenta la historia de supervivencia, recaída y recuperación de una familia que lidia con la adicción a las drogas de su hijo adolescente. El menor, aparentemente encantador y querido por todos, termina arrastrando con él a quienes le rodean, en especial a su padre, poniendo a prueba esos incondicionales lazos de unión a causa de la desesperación. 

Más allá de reiterar las evidencias de un problema con el que resulta lógico empatizar, el metraje avanza centrado en la monotonía, toda vez que el motor que lo impulsa es uniforme y constante, circunstancia que no remedian ni los saltos en el tiempo ni los prolongados minutos musicales. Algunas de sus secuencias resultan muy emotivas y a buen seguro conmoverán tanto a afectados como a no afectados por experiencias similares. Sin embargo, para llevar a cabo una recreación de casi dos horas, los argumentos utilizados por Van Groeningen no bastan. 

Tanto en los Globos de Oro como en los BAFTA este título obtuvo la candidatura en la categoría de mejor actor secundario y, ciertamente, las actuaciones son lo mejor de la obra. Los dos intérpretes principales realizan un trabajo honesto y efectivo, por lo que poco o nada se les puede reprochar en relación al resultado global. El primero es Steve Carell que, aunque fue inicialmente encasillado en el género de la comedia y no siempre de forma afortunada, a posteriori ha sabido demostrar su valía como actor, revelando unas aptitudes sobresalientes. Muestras como “Pequeña Miss Sunshine”, “Foxcatcher”, “La gran apuesta”, “Café Society” o “La batalla de los sexos” han eclipsado, por fortuna, sus apariciones en otros tan prescindibles como “Virgen a los 40” o “Como Dios”. El segundo es Timothée Chalamet, célebre y reconocido pese a su juventud gracias a sus trabajos en las notables “Call Me by Your Name” y “Lady Bird”. Sobre él recayeron las nominaciones antes mencionadas. Ambos reúnen la mayor brillantez de “Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo”. Les acompaña Maura Tierney, cuya carrera se halla más centrada en la pequeña pantalla a través de series como “The Affair”, “The Good Wife” o “Urgencias”.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del filme

Título original: Beautiful Boy
Año: 2018
Duración: 111 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Felix Van Groeningen
Guion: Luke Davies, Felix Van Groeningen (Memorias: David Sheff, Nic Sheff)
Fotografía: Ruben Impens
Reparto: Steve Carell, Timothée Chalamet, Maura Tierney, Amy Ryan

FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2019

La Sección Oficial del 22º Festival de de Cine de Málaga, que se celebrará entre los días 15 y 24 de marzo, incluirá un total de veintidós películas, más dos fuera de concurso, frente a las veinte de 2018. 

El jurado estará presidido por la realizadora española Patricia Ferreira y compuesto por la productora uruguaya Agustina Chiarino, el director de montaje Nacho Ruiz Capillas, el guionista Diego San José y el responsable del Bogotá International Film Festival, Andrés Bayona. 

LISTADO COMPLETO DE LARGOMETRAJES DE LA SECCIÓN OFICIAL

• ‘522. Un gato, un chino y mi padre’, de Paco R. Baños 
• ‘7 razones para huir’, de Esteve Soler, Gerard Quinto y David Torras 
• ‘¿A quién te llevarías a una isla desierta?’, de Jota Linares 
• ‘Aire’, de Arturo Castro Godoy 
• ‘Antes de la quema’, de Fernando Colomo
• ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, de Salvador Simó 
• ‘El despertar de las hormigas’, de Antonella Sudasassi 
• ‘El doble más quince’, de Mikel Rueda 
• ‘Los días que vendrán’, de Carlos Marques-Marcet 
• ‘Esto no es Berlín’, de Hari Sama 
• ‘Insumisas”, de Fernando Pérez y Laura Cazador 
• ‘La banda’, de Roberto Bueso 
• ‘Las niñas bien’, de Alejandra Márquez Abell 
• ‘Litus’, de Daniel de la Orden 
• ‘Los helechos’, de Antolín Prieto
• ‘Niña errante’, de Rubén Mendoza 
• ‘O grande circo mistico’, de Carlos Diegues 
• ‘¿Qué te juegas?’, de Inés de León 
• ‘Sordo’, de Alfonso Cortés-Cavanillas 
• ‘Staff Only’, de Neus Ballús 
• ‘Vigilia en agosto’, de Luis María Mercado  
• ‘Yo, mi mujer y mi mujer muerta’, de Santi Amodeo

WILLIAM H. MACY

William H. Macy nació en Miami el 13 de marzo de 1950. Actor estadounidense también dedicado a la dirección de teatro y televisión, se introdujo en el mundo de la interpretación de la mano de David Mamet en Vermont, asistiendo al Goddard College. De hecho, con Mamet creó el grupo teatral de St. Nicholas en la ciudad de Chicago. 

Tras debutar en la pantalla grande en 1980 con la película “Amor por sorpresa” (1980), comedia romántica protagonizada por Gary Busey y Annette O’Toole, rodó “En algún lugar del tiempo” (1980), junto a Christopher Reeve, Jane Seymour y Christopher Plummer y Mamet se convirtió en su director habitual, dando inicio a su colaboración con “Casa de juegos” (1987). Posteriormente coincidieron en “Las cosas cambian” (1988), “Homicidio” (1991), “Oleanna” (1994), “State And Main” (2003) y “Spartan” (2004). 

Asimismo ha colaborado en varias ocasiones con Woody Allen, en “Días de radio” (1987) y “Sombras y niebla” (1991) y con Steven Zaillian -“En busca De Bobby Fischer” (1993) y “Acción civil” (1998)-, los hermanos Joel y Ethan Coen -“Fargo” (1996) por la que recibió una nominación al Oscar- o Paul Thomas Anderson -“Boogie Nights” (1997) y “Magnolia” (1999)-. 

Otras cintas destacadas de su filmografía son “El cliente” (1994), “Homicidio en primer grado” (1995), “Fantasmas del pasado” (1996), “La cortina de humo” (1997), “Pleasantville” (1998), “Seabiscuit, más allá de la leyenda” (2003), “Las sesiones” (2012) o “La habitación” (2015). 

En la pequeña pantalla destaca su participación en la serie “Shameless”, por la que ha recibido hasta cinco candidaturas al Emmy.

Escena de "Fargo"

Escena de "Pleasantville"

FESTIVAL DE CINE DE MIAMI (Miami Film Festival)

La cinta colombiana "Pájaros de verano", dirigida por Cristina Gallego y Ciro Guerra, se ha alzado con el Gran Premio del Jurado a Mejor Película en el 36 Festival de Cine de Miami, en el que el documental "Screwball", del estadounidense Billy Corben, ha recibido el Premio del Público. 

LISTADO DE GALARDONADOS

Gran Premio del Jurado: "Pájaros de verano", de Cristina Gallego y Ciro Guerra 

Premio del Público: "Screwball", de Billy Corben 

Premio HBO Ibero-American Film Award: "Luciérnagas", de Bani Khoshnoudi 

HBO Ibero-American Short Film Award: "Esta es tu Cuba", de Brian Robau 

Mejor Ópera Prima: "Sócrates", de Alexandre Moratto 

Premio Knight Made in MIA Award en largometraje: "Pahokee", de Ivette Lucas y Patrick Bresnan 

Premio Knight Made in MIA Award en cortometraje: "Liberty", de Faren Humes y "Six Degrees of Immigration", de Jayme Gershen 

Premio René Rodríguez Critics Award (otorgado por los críticos que cubrieron el festival): "The Nightingale", de Jennifer Kent 

Premio Especial: Patricia Clarkson

MULA (The Mule)

No creo que ningún seguidor de los primeros treinta años de carrera profesional de Clint Eastwood pudiera siquiera imaginar la repercusión artística y cinematográfica que éste alcanzaría en las tres siguientes décadas. Ahora, tras más de sesenta años inmerso en el mundo del cine y la televisión, se trata de un referente indiscutible, director venerado y autor respetado con varias obras maestras en su haber y un puñado de sobresalientes aportaciones al Séptimo Arte. Sin embargo, en sus inicios no pasó de ser un actor encasillado en personajes de bravucones y marcado por películas violentas. Su imagen de Harry “el sucio” apuntando con una Magnum 44 y pronunciando la icónica frase “venga, alégrame el día” refleja perfectamente a qué me refiero. Ganador de cuatro Oscars, Eastwood pasará a la Historia del cine con mayúsculas gracias a títulos como “Sin perdón”, “Million Dollar Baby” o “Los puentes de Madison”. A punto de cumplir ochenta y nueve años, sigue en la brecha como productor, intérprete y director aunque, por edad, parece inevitable que se acerque a su ocaso creativo, si bien en su caso concreto hablamos de ese crepúsculo reservado tan sólo a unos pocos elegidos, un selecto círculo de seres bendecidos con una sensibilidad y una capacidad inusuales, traducidas en una evolución intachable y unos largometrajes contundentes. 

Su prolífica trayectoria abarca una gran variedad de trabajos, no todos merecedores de loas y aplausos. De hecho este último estreno, “Mula”, no figura entre lo más destacado de su filmografía y, aun así, la cinta resulta más que aceptable y ofrece un sugerente nivel de entretenimiento merced a una historia bien narrada, unos personajes interesantes, un ritmo algo ecléctico pero efectivo y una atmósfera visual que engancha. En este sentido, la fotografía del canadiense Yves Bélanger ayuda enormemente a que la trama conecte con el espectador y, si no va más allá, es porque el guion tampoco da para más. Sin embargo su objetivo, basado en una distracción amena y una recreación creíble, se cumple. Con el trasfondo de una permanente atmósfera oscura (no tanto por la luz como por el ocaso vital del protagonista, que impregna todo el metraje), asistimos a casi dos horas de correcta filmación. 

Un anciano veterano de la Segunda Guerra Mundial, solitario y en quiebra económica y existencial, termina aceptando un empleo de transportista. En principio, parece una ocupación bastante fácil pero, sin él sospecharlo, en realidad lo que está transportando es droga para un cartel mexicano. Todo se complica cuando un agente de narcóticos se cruza en su camino. 

Pese al tono general de despedida que acompaña a la película, es difícil precisar si supondrá el adiós definitivo del famoso cineasta californiano. Se dijo que su muerte en “Gran Torino” constituía su peculiar modo de decir adiós a su faceta interpretativa, pero aquí está de nuevo con otra actuación que, a todas luces, no es ningún broche de oro. Bien es cierto que, sin aportar momentos realmente estelares, transmite una especie de melancolía bucólica enlazada con cierto aire de ajuste de cuentas con el mundo que, a la postre, proporciona un divertimento extraño e infrecuente. 

Le acompaña en el reparto un cada vez más popular Bradley Cooper, todavía saboreando las mieles del éxito de su excelente versión de “Ha nacido una estrella” y con nada menos que siete nominaciones a la estatuilla dorada en su currículum (de ellas, cuatro como actor). Nos hallamos ante otro ejemplo de una figura que ha sabido mostrar un enorme talento más allá de la presencia y el atractivo físico y al que la estrecha relación de amistad que ha entablado con el propio Eastwood sin duda le ha beneficiado. A cargo de papeles secundarios se encuentran nombres reconocidos como Andy García (cuya participación en “El padrino III” presagiaba un futuro prometedor que se ha ido diluyendo con el paso del tiempo), Laurence Fishburne (“Matrix”, Mystic River”, “Los chicos del barrio”) o la oscarizada por “Balas sobre Broadway Dianne Wiest, muy recordada por sus papeles en “Eduardo Manostijeras” y “Hannah y sus hermanas”.

Trailer en español

Trailer en versión original

Datos del filme

Título original: The Mule
Año: 2018
Duración: 116 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Clint Eastwood
Guion: Nick Schenk (Artículo: Sam Dolnick)
Música: Arturo Sandoval
Fotografía: Yves Bélanger
Reparto: Clint Eastwood, Bradley Cooper, Michael Peña, Taissa Farmiga, Laurence Fishburne, Ignacio Serricchio, Alison Eastwood, Dianne Wiest,

ROB REINER

Rob Reiner nació en la ciudad de Nueva York el 6 de marzo de 1947. Actor, director de cine, escritor y activista político, inicialmente alcanzó la fama gracias a su interpretación del personaje de Michael Stivic en la comedia televisiva “All in the Family” (Todo en familia). Para la pantalla grande ha actuado en títulos como “Tira a mamá del tren” (1987), “Postales desde el filo” (1990), “Misery” (1990), “Algo para recordar” (1993), “Balas sobre Broadway” (1994), “Primary Colors” (1998) o “El lobo de Wall Street” (2013). 

Sin embargo, la faceta profesional con la que ha triunfado y obtenido mayor repercusión ha sido la de realizador. En 1986 rodó el inolvidable film “Cuenta conmigo”, nominado al Oscar al mejor guión. Posteriormente, fue el responsable de “La princesa prometida” (1987), película icónica que se ha convertido con el tiempo en un clásico imperecedero. Más tarde se encargó  de filmar “Cuando Harry encontró a Sally” (1989), junto a Billy Crystal y Meg Ryan, sin duda una de las más célebres y aclamadas comedias de todos los tiempos. En 1990 dirigió “Misery” y después “Algunos hombres buenos” (1992), candidata a la estatuilla dorada a la mejor película en los  premios de la Academia de Hollywood. 

Otros de sus largometrajes son “El presidente y Miss Wade” (1995), “Fantasmas del pasado” (1996), “Historia de lo nuestro” (1999), “Dicen por ahí...” (2005), “El verano de sus vidas” (2012) y “Shock and Awe” (2017).

Escena de "Cuando Harry encontró a Sally"

Escena de "Algunos hombres buenos"

UNA CUESTIÓN DE GÉNERO (On the Basis of Sex)

Era muy difícil que una biografía sobre Ruth Bader Ginsburg estuviese a la altura del personaje, una mujer poco conocida en España por el gran público pero todo un icono en los Estados Unidos de América. Esta excelente jurista es desde el 10 de agosto de 1993 jueza de la Corte Suprema estadounidense (cargo que continúa ocupando a día de hoy) y su trayectoria vital resulta tan extraordinaria que, dadas sus aportaciones al progreso de la Humanidad, sin duda merece ser contada. Es verdad que la película comienza de forma un tanto endeble, por un estilo narrativo previsible cercano a ese tipo de melodrama americano que no dispone de guiones con enjundia. Sin embargo, a medida que avanza el metraje el relato va centrándose mejor y consigue entretener, dando difusión a una parte esencial de la historia judicial y legislativa norteamericana de la que no será indiferente el resto del planeta. 

En todo caso, no se pueden obviar algunos inconvenientes que el largometraje es incapaz de sortear. El más evidente es el de la temática que aborda, probablemente monótona y espesa para quienes no sean aficionados a los temas legales ni a las semblanzas de grandes personalidades. La cinta pone igualmente de manifiesto un formato edulcorado durante buena parte del metraje y evidencia en exceso un esfuerzo artificioso por aliñar la moraleja con esos condimentos del melodrama clásico que se traducen en pizcas de humor, teatralidad y sentimentalismo, tan propios de la industria cinematográfica estadounidense. Por ello, algunos espectadores tildarán el film de rutinario y se perderán en su maraña jurisprudencial. Sin embargo, otros muchos disfrutarán con su atmósfera judicial y sus recreaciones históricas, habida cuenta que el nivel de entretenimiento es aceptable, las interpretaciones, meritorias, y las lecciones de Derecho, dignas de ser aprendidas. 

Cuenta la vida de Ruth Bader Ginsburg desde su ingreso como alumna en la prestigiosa Universidad de Harvard, para continuar con sus duros inicios profesionales y su ulterior participación en el primer gran precedente sobre discriminación de género en una norma jurídica que abrirá el camino a otras sentencias posteriores y a toda una batalla legal en favor de la no discriminación por cuestión de sexo. 

La cineasta Mimi Leder se ha hecho cargo de la propuesta. Forjada en series televisivas como “La ley de Los Ángeles”, “Urgencias”, “El ala oeste de la Casa Blanca” o “Shameless”, debutó en la pantalla grande dirigiendo algunas muestras del género de acción, entre ellas el primer proyecto de la productora Dreamworks (“El pacificador”, junto a George Clooney y Nicole Kidman) y “Deep Impact”. Su filmografía incluye también otros títulos más dramáticos como “Cadena de favores”, protagonizada por Kevin Spacey, Haley Joel Osment y Helen Hunt. 

Leder maneja a la perfección el ritmo narrativo y posee una notable capacidad para contar visualmente las historias, si bien muestra una mayor inseguridad cuando se ve obligada a basarse en la contundencia del guion y en la fascinación de las actuaciones. Tal vez haya sido ese el principal escollo que no le ha permitido sacar todo el partido posible a unos personajes sumamente interesantes tanto a nivel personal como profesional. 

Pese a todo, uno de los principales aciertos de este trabajo es la labor interpretativa de los actores. A su protagonista, Felicity Jones, la hemos visto en “La teoría del todo”, “Rogue One: Una historia de Star Wars” o “Un monstruo viene a verme”. Se trata de una actriz eficaz que aquí cumple con un complicado reto. Le acompaña un grupo de nombres competentes, como el veterano Sam Waterston (“Los gritos del silencio”, “El gran Gatsby”, “El caso Sloan”), la experimentada Kathy Bates (oscarizada por “Misery” y popular por sus actuaciones en “Tomates verdes fritos” y “Eclipse total”), el joven Armie Hammer (“La red social”, “Call Me By Your Name”) o la adolescente Cailee Spaeny (“El vicio del poder”, “Malos tiempos en El Royale”).

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del filme

Título original: On the Basis of Sex
Año: 2018
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Mimi Leder
Guion: Daniel Stiepleman
Música: Mychael Danna
Fotografía: Michael Grady
Reparto: Felicity Jones, Armie Hammer, Kathy Bates, Sam Waterston, Justin Theroux