PETER JACKSON

El director, guionista y productor Peter Jackson nació en Nueva Zelanda el 31 de octubre de 1961. Es conocido principalmente por dirigir, coescribir y producir la trilogía cinematográfica de "El señor de los anillos": “La comunidad del anillo” (2001), “Las dos torres” (2002) y “El retorno del rey” (2003), así como su precuela, la trilogía de "El hobbit": “Un viaje inesperado” (2012), “La desolación de Smaug” (2013) y “La batalla de los cinco ejércitos” (2014). Entre otros galardones, cuenta en su haber con tres Oscars (todos por “El retorno del rey”), un Globo de Oro y otros tres premios BAFTA. 

Su primer largometraje se tituló “Mal gusto” (1987) y, tras su exhibición en el Festival de Cannes, se convirtió en un minoritario film de culto gracias a su imaginativa mezcla entre comedia satírica y descocado horror gore. La celebridad de Jackson aumentó después con “Braindead: Tu madre se ha comido a mi perro” (1992). 

Sin embargo, el cineasta sorprendió realmente a crítica y público con “Criaturas celestiales” (1994), un magnífico largometraje con Kate Winslet y Melanie Lynskey como protagonistas de un relato sobre un asesinato real acontecido en la Nueva Zelanda de los años cincuenta. 

Al margen de sus títulos sobre el universo de J.R.R. Tolkien, estrenó “Agárrame esos fantasmas” (1996) con Michael J. Fox y Trini Alvarado, “King Kong” (2005), junto a Naomi Watts, Jack Black y Adrien Brody, y “The Lovely Bones” (2009) acompañado por Rachel Weisz, Mark Wahlberg y Saoirse Ronan.

Escena de "Criaturas celestiales"

Escena de "The Lovely Bones"

LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA (The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society)

Se puede afirmar que el cineasta británico Mike Newell se ha aventurado con casi todos los géneros cinematográficos. Conocido popularmente gracias a la comedia “Cuatro bodas y un funeral” (por la que ganó dos premios BAFTA), logró su mayor éxito comercial con la fantasía de “Harry Potter y el cáliz de fuego” y el reconocimiento de parte de la crítica con el thriller “Donnie Brasco”. Además, atesora un gran número de seguidores merced a algunos melodramas clásicos como “Grandes esperanzas”, “La sonrisa de Mona Lisa” e, incluso, “El amor en los tiempos del cólera”. Cuenta, pues, en su haber con títulos efectivos e interesantes donde demuestra una notable habilidad para amoldar su estilo narrativo a las historias que rueda. Por lo tanto, y pese a protagonizar también algún desliz incomprensible (¿cómo es posible que filmase “Prince of Persia: Las arenas del tiempo”?), goza de una sólida y respetada posición profesional. 

Ahora estrena “La sociedad literaria y el pastel de piel de patata”, una trama clásica y convencional en la que se mueve con soltura y sin arriesgar un ápice. La elegancia del vestuario, la correcta ambientación artística de mediados del siglo pasado y unos personajes previsibles pero eficaces, le sirven para construir un melodrama tradicional sin margen de aventurarse por caminos inexplorados. Para lo bueno y para lo malo, resulta previsible y destila una calculada puesta en escena armoniosa y académica que encandilará a los devotos de las producciones antiguas, pero aburrirá al público más vanguardista. Yo, que me siento cómodo en ambos grupos, reconozco los méritos de tan cuidada filmación. Sin embargo, echo en falta una mayor valentía a la hora de proponer líneas narrativas que excedan de unos cánones ya consolidados. 

La protagonista del relato trabaja como escritora y un buen día comienza a intercambiar correspondencia con un hombre que, ante la ocupación nazi, ha formado un club de lectura como tapadera de la Resistencia. Poco a poco, va entablando amistad con los integrantes del grupo, mientras éstos le cuentan cómo se formó su sociedad, cuáles son sus lecturas favoritas y hasta qué punto su vida está marcada por la guerra. Finalmente, la joven decide visitarlos y ayudarles a compartir sus aventuras, sus tragedias y sus romances. 

Pese a no ofrecer ninguna sorpresa a lo largo de sus dos horas de proyección, Newell consigue la difícil tarea de mantener el nivel de interés recreándose en aspectos cotidianos y en experiencias emotivas. Basado en el libro del mismo título de Mary Ann Shaffer y Annie Barrows, el largometraje está financiado por el mismo productor de “El exótico Hotel Marigold” y “La joven Jane Austen” y el resultado final, pese su carácter previsible, puede calificarse como bueno, siempre que gusten las recreaciones primorosas y sentimentales de épocas pasadas. 

Su distribución a través de Netfilx no ha impedido que en España haya llegado a las carteleras, aunque en Estados Unidos de momento sólo ha podido verse por Internet. Aunque se ha estrenado en la gran pantalla en un número limitado de países, acumula ya más de veinte millones de dólares recaudados y las buenas críticas recibidas la convierten en una opción que irá ganando adeptos con el paso del tiempo. 

Especialmente acertada resulta la actuación de la actriz Lily James, a quien hemos visto en “El instante más oscuro” y “Baby Driver”. Refleja con aparente facilidad una personalidad optimista y sobre su interpretación recae buena parte del peso de la película. Le acompañan Michiel Huisman (“El secreto de Adaline”, “Guerra mundial Z”), Jessica Brown Findlay (“Cuento de invierno”), Matthew Goode (“The Imitation Game -Descifrando Enigma-“, “Stoker”) y Tom Courtenay (“La soledad del corredor de fondo”, “Doctor Zhivago”). Todos ellos poseen ese toque inglés que dota de cierta distinción a sus respectivas interpretaciones.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del filme:

Título original: The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society
Año: 2018
Duración: 123 min.
País: Reino Unido
Dirección: Mike Newell
Guion: Thomas Bezucha, Don Roos (Novela: Annie Barrows, Mary Ann Shaffer)
Música: Alexandra Harwood
Fotografía: Zac Nicholson
Reparto: Lily James, Michiel Huisman, Glen Powell, Jessica Brown Findlay

DERMOT MULRONEY

Dermot Mulroney nació el 31 de octubre de 1963 en Virginia. Actor norteamericano de ascendencia irlandesa, tras sus inicios televisivos en telefilmes como "Venganza de padre", debutó en el cine con la película de Blake Edwards “Asesinato en Beverly Hills” (1988) y, el mismo año participó en el western “Arma joven” (1988), de Christopher Cain, cinta que le proporcionó popularidad internacional. En esa misma década intervino en “Jóvenes intrépidos” (1989), de Lee Grant. 

Más tarde rodó otros títulos como “La asesina” (1993), de John Badham, en compañía de Bridget Fonda, “Esa cosa llamada amor” (1993), de Peter Bogdanovich, “Copycat” (1995), de Jon Amiel -junto a Sigourney Weaver y Holly Hunter-, “Kansas City” (1996), de Robert Altman y “La boda de mi mejor amigo” (1997), de P.J.Hogan, con Julia Roberts y Cameron Diaz. Ya en el nuevo milenio integró los elencos de “A propósito de Schmidt” (2002), de Alexander Payne o “El día de la boda”, (2004), de Clare Kilner, formando pareja con Debra Messing. 

En “J. Edgar” (2011), film encabezado por Leonardo DiCaprio, interpretó al coronel Schwarzkopf y, posteriormente, debutó como director con la comedia romántica “Un plan para enamorarse” (2011). Más tarde protagonizó la terrorífica “Insidious: Capítulo 3” (2015), el thriller de acción “Noche de venganza” (2017), junto a Jamie Foxx, y “La montaña entre nosotros” (2017), adaptación de una novela de Charles Martin donde daba vida al novio de Kate Winslet.

Escena de "La venganza del padre"

22 DE JULIO (22 july)

El cineasta Paul Greengrass se está especializando con gran acierto en la plasmación visual del terrorismo y de la violencia, y para ello se basa casi siempre en hechos reales. Se dio a conocer en 2002 con la cinta “Domingo sangriento”, galardonada en importantes festivales cinematográficos como los de Berlín y Sundance. En ella recreaba unos sucesos acaecidos en Derry el 30 de enero de 1972, cuando tropas británicas abrieron fuego real contra manifestantes norirlandeses. Años después filmó los atentados del 11 de septiembre en la impactante “United 93”, logrando su primera nominación al Oscar como mejor director y decenas de premios de las distintas Asociaciones de Críticos de Estados Unidos. Ambos largometrajes compartían tratamiento de unos temas de indudable calado político y estilo de rodaje, cercano al documental. Todo ello, unido a un guion excelente, proporcionaba a dichos trabajos unas dosis de veracidad y rigor que los elevaban al nivel de los mejores, brindando a los espectadores experiencias difíciles de olvidar. Por otra parte, es justo reconocer que Greengrass también ha triunfado cuando ha apostado por un cine más comercial. Sus aportaciones a la saga de Jason Bourne o “Capitán Phillips” incrementaron sustancialmente la calidad del cine de acción, hasta situarlo a la altura de otros géneros cinematográficos más aclamados. 

Ahora se ha embarcado en la recreación de los atentados ocurridos en Noruega el 22 de julio de 2011, cuando el joven radical Anders Behring Breivik detonó un coche bomba en Oslo y, posteriormente, se trasladó a una isla cercana donde disparó a numerosos adolescentes en un campamento de verano organizado por el Partido Laborista, cobrándose un total de setenta y siete vidas. La cinta, que se presentó en el reciente Festival de Venecia cosechando uno de los galardones honoríficos, no se exhibe en las salas de cine españolas, si bien desde el pasado 10 de octubre puede verse a través de la plataforma “Netflix”. 

“22 de julio” no alcanza el grado de brillantez de las anteriores propuestas de Greengrass, pero el realizador continúa demostrando su destreza a la hora de traducir a imágenes la crudeza de la maldad como rasgo de la condición humana. Con ese formato tan próximo al documental somete al público a unas cotas de realismo que terminan por engancharle. No obstante, comparativamente ha perdido parte de emoción y las interpretaciones resultan más planas, dos circunstancias que repercuten sobre el resultado final. La parte inicial de la proyección se destina a la presentación del trance del atentado que, al ser muy conocido por su difusión en los medios informativos, no aporta demasiado desde el punto de vista cinematográfico. Además, su decidida pretensión de ser fiel a la realidad y aséptico en la presentación de la historia, resta capacidad de entretenimiento y posibilidad de conexión. Sin embargo, a medida que avanza el metraje y se adentra en situaciones más desconocidas, “22 de julio” mejora en cuanto a emotividad e interés. Se aprecia el esfuerzo por transmitir las dificultades de recuperación física y emocional, no solo de las concretas víctimas. sino de todos sus conciudadanos noruegos. 

El 24 de agosto de 2012 Breivik fue condenado a una pena de veintiún años de cárcel, prorrogables si las autoridades consideran que tras dicho período sigue constituyendo un peligro para la sociedad. Esta situación se evidenció claramente durante el proceso judicial, toda vez que no sólo no mostró ningún arrepentimiento, sino que pidió perdón a los "militantes nacionalistas" por no haber matado a más gente durante su ataque. Este proceso derivó en una debate nacional sobre la cadena perpetua y la posibilidad real de reinserción de determinados presos. 

Pese a ser una producción norteamericana, los actores son noruegos y, en su mayor parte, desconocidos. Anders Danielsen Lie interpreta al terrorista y apenas le hemos podido ver en “Personal Shopper”. Los demás intérpretes, o bien son debutantes o cuentan con una filmografía en su país de origen, sin presencia real en nuestras pantallas.

Trailer en versión original (subtitulado)

Datos del film

Título original: 22 July

Año: 2018
Duración: 143 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Paul Greengrass
Guion: Paul Greengrass
Música: Sune Martin
Fotografía: Pål Ulvik Rokseth
Reparto: Jonas Strand Gravli, Anders Danielsen Lie, Caroline Glomnes Johansen

PELÍCULAS PRESELECCIONADAS PARA EL OSCAR EL MEJOR FILM DE HABLA NO INGLESA

El sistema de nominación para la categoría de “Mejor film de habla no inglesa” es completamente diferente al del resto de candidatas en los Oscar. Después de que cada país envía su candidata, estas son visionadas por dos comités que suman, aproximadamente, 150 miembros de la Academia de Cine de Hollywood. Primero hacen una preselección con nueve título y, posteriormente, eligen a las cinco definitivas para optar al Oscar. 

Este año, la polaca "Cold War", la mejicana "Roma" y la belga "Girl" parece que parten como favoritas. Todas las candidatas para los Oscar del año 2019.

· Alemania: 'Obra sin autor' (Florian Henckel von Donnersmarck). 

· Argelia: 'Until the End of Time' (Yasmine Chouikh). 

· Argentina: 'El ángel' (Luis Ortega). 

· Austria: 'El caso Kurt Waldheim' (Ruth Beckermann). 

· Bangladés: 'No Bed of Roses' (Mostofa Sarwar Farooki). 

· Bélgica: 'Girl' (Lukas Dhont). 

· Bielorrusia: 'Crystal Swan' (Daria Zhuk). 

· Bolivia: 'Muralla' (Rodrigo Patiño). 

· Bosnia-Herzegovina: 'Never Leave Me' (Aida Begic). 

· Brasil: 'O Grande Circo Místico' (Carlos Diegues). 

· Bulgaria: 'Omnipresent' (Ilian Djevelekov). 

· Camboya: 'Les tombeaux sans noms' (Rithy Panh). 

· Canadá: 'Chien de garde' (Sophie Dupuis). 

· Chile: '...Y de pronto el amanecer' (Silvio Caiozzi). 

· Colombia: 'Pájaros de verano' (Cristina Gallego y Ciro Guerra). 

· Corea del Sur: 'Burning' (Lee Chang-dong). 

· Costa Rica: 'Medea' (Alexandra Latishev Salazar). 

· Croacia: 'The Eighth Commissioner' (Ivan Salaj). 

· Dinamarca: 'The Guilty' (Gustav Möller). 

· Ecuador: 'A Son of Man' (Jamaica Noproblem y Pablo Agüero). 

· Egipto: 'Yomeddine' (Abu Bakr Shawky). 

· Eslovaquia: 'The Interpreter' (Martin Sulík). 

· Eslovenia: 'Ivan' (Janez Burger). 

· España:'Campeones' (Javier Fesser). 

· Estonia: 'Take It or Leave It' (Liina Triskina-Vanhatalo). 

· Filipinas: 'Signal Rock' (Chito S. Roño). 

· Finlandia: 'Euthanizer' (Teemu Nikki). 

· Francia: 'Marguerite Duras. París 1944' (Emmanuel Finkiel). 

· Georgia: 'Namme' (Zaza Khalvashi). 

· Grecia: 'Polyxeni' (Dora Masklavanou). 

· Hong Kong: 'Operation Red Sea' (Dante Lam). 

· Hungría: 'Atardecer' (László Nemes). 

· India: 'Village Rockstars' (Rima Das). 

· Indonesia: 'Marlina the Murderer in Four Acts' (Mouly Surya). 

· Irán: 'No Date, No Signature' (Vahid Jalilvand). 

· Irak: 'La decisión' (Mohamed Al-Daradji). 

· Islandia: 'La mujer de la montaña' (Benedikt Erlingsson). 

· Israel: 'El repostero de Berlín' (Ofir Raul Graizier). 

· Italia: 'Dogman' (Matteo Garrone). 

· Japón: 'Un asunto de familia' (Hirokazu Kore-eda). 

· Kenia: 'Supa Modo' (Likarion Wainaina). 

· Kirguistán: 'Nigh Accident' (Temirbek Birnazarov). 

· Kosovo: 'The Marriage' (Blerta Zeqiri). 

· Letonia: 'To Be Continued' (Ivars Seleckis). 

· Líbano: 'Cafarnaúm' (Nadine Labaki). 

· Lituania: 'Wonderful Losers: A Different World' (Arunas Matelis). 

· Luxemburgo: 'Gutland' (Govinda Van Maele). 

· Macedonia: 'Secret Ingredient' (Gjorce Stavreski). 

· Marruecos: 'Burnout' (Nour-Eddine Lakhmari). 

· México: 'Roma' (Alfonso Cuarón). 

· Montenegro: 'Iskra' (Gojko Berkuljan). 

· Nepal: 'Panchayat' (Shivam Adhikari). 

· Noruega: 'El viaje de Nisha' (Iram Haq). 

· Países Bajos: 'The Resistance Banker' (Joram Lürsen). 

· Pakistán: 'Cake' (Asim Abbasi). 

· Palestina: 'Ghost Hunting' (Raed Andoni). 

· Panamá: 'Yo no me llamo Rubén Blades' (Abner Benaim). 

· Paraguay: 'Las herederas' (Marcelo Martinessi). 

· Perú: 'Wiñaypacha' (Óscar Catacora). 

· Polonia: 'Cold War' (Pawel Pawlikowski). 

· Portugal: 'Peregrinação' (João Botelho). 

· Reino Unido: 'I Am Not a Witch' (Rungano Nyoni). 

· República Checa: 'Winter Flies' (Olmo Omerzu). 

· República Dominicana: 'Cocote' (Nelson Carlo de Los Santos Arias). 

· Rumanía: 'I Do Not Care If We Go Down in History as Barbarians' (Radu Jude). 

· Rusia: 'Sobibor' (Konstantín Jabenski). 

· Serbia: 'Offenders' (Dejan Zecevic). 

· Singapur: 'Buffalo Boys' (Mike Wiluan). 

· Sudáfrica: 'Sew the Winter to My Skin' (Jahmil X.T. Qubeka). 

· Suecia: 'Border' (Ali Abbasi). 

· Suiza: 'Eldorado' (Markus Imhoof). 

· Tailandia: 'Malila: The Farewell Flower' (Anucha Boonyawatana). 

· Taiwán: 'The Great Buddha+' (Hsin-yao Huang). 

· Túnez: 'La belle et la meute' (Kaouther Ben Hania). 

· Turquía: 'El peral salvaje' (Nuri Bilge Ceyan). 

· Ucrania: 'Donbass' (Serguéi Loznitsa). 

· Uruguay: 'La noche de 12 años' (Álvaro Brechner). 

· Venezuela: 'La familia' (Gustavo Rondón Córdova). 

· Vietnam: 'The Tailor' (Tran Buru Loc y Nguyen Le Phuong Khanh).

RITA HAYWORTH

Margarita Carmen Cansino Hayworth, más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, nació en Nueva York el 17 de octubre de 1918 y falleció en esa misma ciudad el 14 de mayo de 1987.

Fue una de las actrices más emblemáticas de la década de los cuarenta. Su primer papel importante tuvo lugar en  la película “Sólo los ángeles tienen alas” (1939), de Howard Hawks, junto a Cary Grant. Más tarde rodó una comedia junto a Brian Aherne, “Una dama en cuestión” (1940), de Charles Vidor. 

Luego participó en “Sangre y arena”, de Rouben Mamoulian (1941), en compañía de Tyrone Power, e intervino también con Fred Astaire en dos comedias musicales de amplio eco popular: "Desde aquel beso" (1941), de Sidney Lamfield y "Bailando nace el amor" (1942), de William A. Seiter.

Otros títulos de la época fueron “Las modelos” (1944), de Charles Vidor, acompañada por Gene Kelly, “The Strawberry Blonde” (1941), de Raoul Walsh, con James Cagney y Olivia de Havilland, y “Mi mujer favorita” (1942), de Irving Cummings, compartiendo elenco con Victor Mature y Carole Landis. 

No obstante, su espectacular éxito y fama se consolidó gracias a “Gilda” (1946), de Charles Vidor, uno de las grandes largometrajes del cine negro, donde formaba pareja con Glenn Ford. Posteriormente intervino en “La dama de Shanghai” (1947), dirigida por su esposo Orson Welles. 

Completan su filmografía cintas como “Salomé” (1953), de William Dieterle, recreando la conocida historia bíblica (con Stewart Granger y Charles Laughton), “La bella del Pacífico” (1953), de Curtis Bernhardt, “Pal Joey” (1957), de George Sidney, “Fuego escondido” (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon, y “Mesas separadas” (1958), de Delbert Mann, acompañando a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Escena de "Gilda"

Escena de "La dama de Shanghai"

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2018

Ya se conocen todos los ganadores de la 51ª edición del Festival del Cine de Sitges, donde las producciones venidas de la cita cinematográfica de Cannes han acaparado los premios.

El palmarés completo es el siguiente:

SECCIÓN OFICIAL FANTÁSTICA 

Mejor película: 'Clímax', de Gaspar Noé 

Premio especial del jurado: 'Lazzaro Feliz', de Alice Rohrwacher 

Mejor dirección: Panos Cosmatos por 'Mandy' 

Mejor guion: Quentin Dupieux por 'Au poste!' 

Mejor actriz: Andrea Riseborough por 'Nancy' 

Mejor actor: Hasan Ma'jun por 'Pig' 

Mejores efectos especiales: Atsushi Doi por 'Inuyashiki' 

Mejor fotografía: Panjar Kumar por 'Tumbbad' 

Mejor música: Chu Ishikawa por 'Killing' 

PREMIO DEL PÚBLICO

'Upgrade (Ilimitado)', de Leigh Whannell 

PREMIO DE LA CRÍTICA 

Mejor película: 'Lazzaro Feliz', de Alice Rohrwacher 

Mejor ópera prima: 'Domestik', de Adam Sedlák 

Mención especial: 'Under the Silver Lake', de David Robert Mitchell 

FANTÀSTIC DISCOVERY

'Maquia: When the Promised Flower Blooms', de Mari Okada 

ÓRBITA

Mejor película: 'American Animals', de Bart Layton 

Mención especial: 'Fleuve noir', de Erick Zonca 

SECCIÓN NOVES VISIONS 

Mejor película: 'Desenterrando Sad Hill', de Guillermo de Oliveira 

Mejor director: Philip Groning por 'My Brother's Name is Robert and He Is An Idiot' 

Mejor cortometraje: 'Deer Boy', de Katarzyna Gondek 

Mención especial: 'Domestik', de Adam Sedlák 

PREMIOS MÉLIÈS 

Mejor película: 'Fuga', de Agnieszka Smoczynska 

Mejor cortometraje: 'The Dead of Don Quixote', de Miguel Faus 

PREMIO JURADO JOVEN 

'Lazzaro Feliz', de Alice Rohrwacher

EL PRIMER HOMBRE (First Man)

Hace cuatro años el director Damien Chazelle nos sorprendió a todos con la sobresaliente “Whiplash”, una obra de minúsculo presupuesto (apenas tres millones de dólares) para lo que es habitual en la todopoderosa industria norteamericana. La cinta comenzó a pasearse por diversos festivales arrancando aplausos, hasta recalar en la mismísima ceremonia de los Oscar como candidata a la mejor película del año para, finalmente, lograr tres estatuillas. Sin embargo, la realización plena del “sueño americano”, como si de un cuento de hadas se tratara, se produjo dos años después gracias a “La, La, Land”, maravillosa obra de arte que arrasó en 2016 con seis premios de la Academia de Hollywood, siete Globos de Oro, cuatro BAFTA y un sinfín de reconocimientos. Pocas veces un número musical me ha emocionado tanto como esa pieza denominada “Epilogue” que cierra la película. Por lo tanto, el listón se situaba a una altura muy elevada, de tal manera que cualquier proyecto posterior de Chazelle sería inevitablemente comparado con sus espectaculares inicios. Tarea muy complicada, pues, la de mantener el mismo nivel de emoción, originalidad, magia e interpretación. 

“First Man (El primer hombre)” no alcanza, ni de lejos, la categoría de los anteriores trabajos del joven realizador, aunque ello no la convierta en una mala película. A mi juicio, muchas de sus críticas negativas la tratan injustamente, ya que contiene notables aciertos y ofrece algunas secuencias meritorias. Me temo que la explicación a estas opiniones adversas se halla más en esa desilusión por el descenso de pasión, intensidad y fuerza con respecto a “Whiplash” o “La, La, Land” que en un análisis objetivo y justo del film. En este caso, la variación resulta muy significativa, tanto en el tono como en el estilo narrativo. La alegría desenfadada del musical, la explosión emocional y la contundencia de las interpretaciones viscerales de antaño dan paso ahora a un título de planos más sobrios, estética más anodina y ritmo más pausado. En ese sentido, el cambio es brutal y puede coger al espectador en fuera de juego. El toque documental de determinadas partes del metraje, la actuación contenida y el enfoque intimista terminan por provocar cierta sensación de tedio. Sin embargo, presenta una interesante reflexión sobre la heroicidad y, a su modo, traslada un tipo de emociones muy reconocibles. 

Cuenta la vida del astronauta Neil Armstrong y aquel legendario viaje que le convirtió en el primer hombre que pisó la Luna. Se centra en el programa espacial que llevó a cabo la NASA entre los años 1961 y 1969, desde las primeras investigaciones hasta el momento en el que el protagonista finalmente viaja al espacio y aterriza en el satélite lunar con la nave Apolo 11, en una de las misiones espaciales más peligrosas jamás realizadas. 

Rodar esta película también ha supuesto para Chazelle una compleja travesía para la que ha escogido un camino poco convencional y eso me gusta. No transita por las cómodas autopistas de la acción ni por el patriotismo más exacerbado, sino que opta por la senda personal y arriesgada de la introspección y la contemplación. Es verdad que la proyección no funciona en todos los momentos, pero se constata que el cineasta continúa creciendo profesionalmente, si quiera porque demuestra que no se encasilla y que crea de forma libre sus pensamientos e ideas. 

El actor Ryan Gosling lleva a cabo una actuación correcta, más cercana a la de “Drive” que a otras interpretaciones menos sombrías, y su sobresaliente currículum le garantiza un excelente futuro artístico. Tras su éxito en la serie televisiva “The Crown”, su compañera de reparto Claire Foy también brilla. Les acompaña un efectivo Jason Clarke. Pese a su contención, todos ellos destacan.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film

Título original: First Man
Año: 2018
Duración: 133 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Damien Chazelle
Guion: Nicole Perlman, Josh Singer (Libro: James R. Hansen)
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Ryan Gosling, Jason Clarke, Claire Foy, Kyle Chandler, Corey Stoll, Pablo Schreiber, Lukas Haas

50 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "EL LEÓN EN INVIERNO" (50 th Anniversary of the Premiere of "The Lion in Winter")

Este mes se cumplen cincuenta años del estreno de la película “El león en invierno”, de Anthony Harvey. 

Interpretada por Peter O'Toole, Katharine Hepburn, Anthony Hopkins, John Castle y Timothy Dalton, entre otros, la cinta obtuvo tres Oscar de Hollywood (mejor actriz, mejor guion adaptado y mejor banda sonora) y dos Globos de Oro (mejor película dramática y mejor actor). 

Cuenta la historia del rey Enrique II de Inglaterra quien, al celebrar la fiesta de Navidad de 1183, ordena que su mujer salga del encierro al que la tiene sometida desde hace diez años. Reúne a sus tres hijos, el mayor y valiente Ricardo (futuro Ricardo I, Corazón de León), el manipulador Geoffrey y el joven Juan. Entre Enrique y su esposa  surgirá una disputa a causa de la sucesión al trono, ya que Ricardo es el preferido de su madre y Juan, el de su padre. 

"El león en invierno" es un largometraje sobre el poder, donde los intérpretes brillan porque actúan frente a un buen texto de base y un guion bien construido -adaptación de una obra de teatro de Broadway- escrito por James Goldman.

Escenas de la película

VENOM

Ver una película protagonizada por el personaje de “Venom” pero en la que no aparezca “Spiderman” me parece una rareza artificial. Para quienes crecimos con las aventuras del “hombre araña”, este simbionte de origen extraterrestre, capaz de apoderarse tanto del cuerpo del tímido, bondadoso y enamorado Peter Parker como de Eddie Brock, rival del famoso fotógrafo del periódico Daily Bugle, está irremediablemente unido al archifamoso héroe de la factoría Marvel. A mí, desde luego, me ha costado aceptar esta independencia cinematográfica del villano y, en general, considero que su desvinculación de de “Spiderman” desnaturaliza en gran medida sus propias peripecias. Sin embargo, todas estas reflexiones solo tienen sentido para los clásicos aficionados de los cómics, de las antiguas series televisivas de dibujos animados o de las primeras entregas de la saga que Sam Raimi iniciara para la gran pantalla, con Tobey Maguire a la cabeza. Fuera de esos ámbitos, es poco probable que ningún espectador perciba demérito alguno como consecuencia de la separación sufrida por ambos personajes. 

El largometraje responde al modelo de las megaproducciones de superhéroes que parecen imponerse en las taquillas. Un más que notable presupuesto (alrededor de los cien millones de dólares), una calculada campaña publicitaria, una apuesta muy marcada por la acción y los elementos visuales, y unos destinatarios eminentemente juveniles. Toda esa planificación se lleva a cabo con un acierto considerable. No cabe discusión acerca de la recreación técnica y la calidad de las imágenes, como tampoco sobre el hábil diseño de marketing ni el empeño por una plena apuesta a un entretenimiento basado en el ritmo narrativo. Sin embargo, se echa en falta un mayor desarrollo de los personajes, una trama algo más compleja y, sobre todo, a “Spiderman”, a “J. Jonah Jameson” y al resto de criaturas que forman parte del universo del “hombre araña”, que tan pronto provocaban una sonrisa como tensaban los cuerpos ante la trágica lucha entre el bien y el mal. 

Eddie Brock es un intrépido reportero que investiga a una empresa que, de forma secreta, está desarrollando experimentos ilegales entre seres humanos y formas de vida extraterrestres. El periodista resultará infectado por un simbionte, lo que le provocará una serie de inexplicables cambios corporales. Venom se apoderará de su mente y Brock adquirirá unos inquietantes poderes que le convertirán en un despiadado y peligroso supervillano. 

El director de la cinta es Ruben Fleischer, responsable de títulos como la irreverente y divertida “Bienvenidos a Zombieland” o la violenta “Gangster Squad. Brigada de élite”. Acierta en el montaje y demuestra su capacidad para filmar secuencias de acción. Quizás el principal problema estribe en el guion ya que, al centrarse tanto en la intensidad de la intriga, prescinde de aspectos esenciales para conformar una historia interesante. Y es que sea cual sea el género -ciencia ficción, cine fantástico, o basado en historietas de cómic- no se pueden obviar ni la complejidad de los personajes, ni la enjundia ni la verosimilitud. El elenco reúne a tres excelentes actores. 

Tom Hardy ha tenido la suerte de trabajar en varias ocasiones con Christopher Nolan, a mi juicio el director actual más competente y destacado (“Origen”, “El caballero oscuro: la leyenda renace”, “Dunkerque”), además de haber participado en otros filmes tan relevantes como “Locke”, “El topo” o “El renacido”. Se trata de un intérprete en alza que a buen seguro nos seguirá deleitando en el futuro. A sus treinta y ocho años, Michelle Williams ya ha recibido cuatro nominaciones al Oscar y posee una filmografía verdaderamente envidiable, por lo que constituye un lujo para cualquier reparto. Por su parte, Woody Harrelson, con su cara de gracioso incorregible, ha logrado situarse poco a poco en un puesto de privilegio dentro de su profesión. Sus tres candidaturas al premio de la Academia de Hollywood así lo demuestran, siendo la punta de un iceberg con una base muy sólida.

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Datos del filme:

Título original: Venom
Año: 2018
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ruben Fleischer
Guion: Scott Rosenberg, Jeff Pinkner, Kelly Marcel, Will Beall (Cómic: Todd McFarlane, David Michelinie)
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Tom Hardy, Riz Ahmed, Michelle Williams, Jenny Slate, Woody Harrelson,

JANET LEIGH

Janet Leigh nació en el estado norteamericano de California el 6 de julio de 1927, donde también falleció el 3 de octubre de 2004. Siempre será recordada por su inolvidable papel de Marion Crane en la película "Psicosis" de Alfred Hitchcock, que le reportó un Globo de Oro y una nominación al Oscar de Hollywood como mejor actriz secundaria, que finalmente fue a parar a manos de Shirley Jones por "El fuego y la palabra".

Algunos de sus títulos más importantes fueron “Mujercitas” (1949), cinta de Mervyn LeRoy basada en el clásico literario de Louise May Alcott, en la que Leigh interpretó el personaje de Meg; “Scaramouche” (1952), film de aventuras de George Sidney, que adaptó una novela de Rafael Sabatini, y en el que coincidió con Stewart Granger; “El gran Houdini” (1953), largometraje en el que trabajó por primera vez con quien sería su futuro marido, Tony Curtis; “Colorado Jim” (1953), western de Anthony Mann, con James Stewart en el reparto; “El príncipe valiente” (1954), de Henry Hathaway; “Mi hermana Elena” (1955), de Richard Quine; “Sed de mal” (1958), de Orson Welles, dando vida a la esposa de Charlton Heston; “Los vikingos” (1958), un historia épica de Richard Fleischer; “El mensajero del miedo” (1962), de John Frankenheimer” y “Harper, investigador privado” (1966), thriller realizado por Jack Smight y coprotagonizado por Paul Newman. 

Escena de la película "Psicosis"

Escena de la película "Sed de mal"