PHILOMENA

Stephen Frears es uno de esos realizadores británicos de difícil clasificación. En su filmografía figuran buenos trabajos de muy diverso género que le avalan como cineasta polivalente y eficaz. Su compatriota Ken Loach, por ejemplo, se limita a rodar un concreto tipo de cine, caracterizado por la denuncia social con un tono de constante lucha reivindicativa. También Jim Sheridan destaca en la recreación de tragedias intensas. Sin embargo, Frears acierta en la comedia (“Alta fidelidad”), en el estilo más vanguardista y rompedor (“Mi hermosa lavandería”, “Ábrete de orejas”), en el drama de época (“Las amistades peligrosas”), en el género negro más actual (“Los timadores”) y hasta en los biopics (“La Reina”). Posee una notable habilidad para narrar historias adaptando cada proyecto a su estilo y dotándolo de verosimilitud y credibilidad. Además, sus películas atesoran una galería de personajes interesantes y ofrecen algunas secuencias brillantes, ya sea por los diálogos o por determinadas situaciones memorables. 

Con “Philomena” ha optado por una apuesta arriesgada, ya que el tema que aborda es más propio del típico melodrama televisivo de mala calidad que se emite en las sobremesas de fin de semana. Basado en una historia real, cuenta la desgraciada vida de Philomena Lee, una mujer irlandesa que, tras un embarazo adolescente, fue recluida en una institución religiosa y martirizada por las monjas encargadas de su custodia. Tras ser dado su hijo en adopción en contra su voluntad, se dedicó desesperadamente a buscarlo durante cincuenta años. Este perfil de temática suele derivar por lo general en productos carentes de nivel que se centran en explotar el dolor y la desventura de sus protagonistas para que el espectador, pañuelo en mano, no se despegue del televisor por espacio de dos horas. Sin embargo, la habilidad de Frears le impide apuntarse a la opción más fácil y le obliga a ir más allá para brindar una visión más original -en ocasiones, incluso divertida- del problema. 

Y aunque la connotación escabrosa está presente de forma constante, la introducción del personaje de un periodista en horas bajas a la búsqueda de una noticia que remonte su carrera profesional, un cierto toque de “road movie” -al que se añade el estimulante choque generacional y religioso entre ambos protagonistas-, varios diálogos inteligentes y, sobre todo, la excepcional actuación de Judi Dench, se alían para un digno resultado final. Por lo tanto, un film destinado en principio a ser uno más del montón se termina convirtiendo en un correcto melodrama en el que la veterana actriz inglesa sobresale por encima de todo lo demás. 

El largometraje hará las delicias de los amantes de las historias de gran calado humano, en las que la bondad y la valentía de una mujer marcada por la fatalidad es argumento más que suficiente para completar noventa minutos de proyección. Es francamente impactante la escena en la que el periodista, ya implicado personalmente en el drama, vierte con odio sus reproches sobre una de las religiosas culpables de tanta desdicha, mientras la propia víctima le echa en cara al reportero su comportamiento y el lenguaje utilizado, para terminar perdonando a la monja, ante la mirada atónita de un hombre incapaz de entender aquel gesto de piedad. 

Reitero una vez más que Dench es el alma de este título. Conocida por el gran público gracias a su papel de “M” en la reciente saga de James Bond, conviene recordar que ha ganado un Oscar a la mejor actriz secundaria por “Shakespeare in Love”, y ha sido igualmente nominada por sus interpretaciones en “Mrs. Brown”, “Chocolat”, “Iris”, “Mrs. Henderson presenta” y “Diario de un escándalo”. Su papel de “Philomena” le ha colocado de nuevo en la carrera por la estatuilla dorada, cuya entrega tendrá lugar el próximo dos de marzo. No es la favorita de esta edición (Cate Blanchett y Amy Adams figuran por delante en las apuestas) pero nunca se sabe.

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Datos del film
Película: Philomena.
Dirección: Stephen Frears.
País: Reino Unido. Año: 2013. Duración: 98 min. Género: Drama.
Interpretación: Judi Dench (Philomena), Steve Coogan (Martin Sixsmith), Sophie Kennedy Clark (Philomena de joven), Mare Winningham, Barbara Jeffoird, Peter Hermann, Sean Mahon.
Guion: Steve Coogan y Jeff Pope; basado en el libro “The lost child of Philomena Lee”, de Martin Sixsmith.
Producción: Steve Coogan, Tracey Seaward y Gabrielle Tana.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Robbie Ryan.
Montaje: Valerio Bonelli.
Diseño de producción: Alan MacDonald.
Vestuario: Consolata Boyle

HER

Spike Jonze es uno de esos realizadores originales que huyen de la aparente seguridad que otorga la reiteración de las fórmulas de éxito cinematográfico. Nunca se encasilla. Por el contrario, siempre aporta alguna novedad en cada proyecto que emprende. Admiro profundamente ese perfil de cineastas, valientes a la hora de experimentar y de crear. En definitiva, de ser artistas. Cosa distinta es que sus obras me gusten en mayor o menor medida, pero ello no mengua mi reconocimiento a su labor. 

Jonze estuvo nominado al Oscar al mejor director por la inclasificable “Cómo ser John Malkovich”, película de trama enrevesada y de caótica puesta en escena que asombraba por lo estrafalario de su propuesta. En esta edición de 2014 ha obtenido tres candidaturas, en las categorías de mejor productor, guionista y compositor de una de las canciones del largometraje “Her”. Junto a los títulos ya mencionados, ha estrenado en la gran pantalla “El ladrón de orquídeas” y “Donde viven los monstruos”, si bien el grueso de su trabajo se centra en los ámbitos del cortometraje y del videoclip musical. Todos sus filmes presentan ese toque de locura y fantasía que logra encandilar a los aficionados a un cine imaginativo e irreal, mientras que deja estupefactos a los espectadores más convencionales. 

En mi opinión, “Her” es un tratado psicológico del que los estudiosos de la mente humana podrán sacar infinidad de conclusiones y generar multitud de debates. Cuenta la historia de un escritor solitario que, en un futuro cercano, recurre a un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial y diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Por esa vía comienza una relación sentimental (¿?) con la voz femenina de dicho sistema operativo. 

La cinta recrea a la perfección la soledad de su protagonista, que es la clase de soledad más amarga que existe, la que padecen quienes incluso están rodeados de gente. En ese sentido, algunas de sus escenas me recordaron a “Lost in Translation” de Sofía Coppola. Nos muestra a un hombre con una vida tan desoladora que le resulta más viable conectar emocionalmente con un programa informático que con otro ser humano. A partir de ahí, Jonze experimenta, se recrea, busca, lo cuestiona todo, para, finalmente, no brindarnos ninguna respuesta. Podría considerarse, pues, una clase práctica dentro de un curso de Psicología Clínica. 

En definitiva, las opciones del público son dos: conectar con ese particular universo del director o no hacerlo. Para los primeros, cada uno de los planos cobrará un sentido casi místico que encumbrará la obra a la categoría de maestra. Los segundos, en cambio, se perderán en el laberinto cerebral del autor sin posibilidad alguna de encontrar la salida y terminarán aburridos y/o desorientados. No creo que haya un término medio. Yo, personalmente, a ratos me perdí en el galimatías y, aunque reconozco la belleza de determinadas secuencias, la entidad poética de ciertos planos e, incluso, los aciertos interpretativos de los actores, me resultó demasiado desoladora y deprimente. No obstante, como ya manifesté en líneas precedentes, me descubro ante su responsable y desearía que hubiera más profesionales como él. 

Por lo que se refiere al reparto, Scarlett Johansson pone voz al ordenador y, aunque figura en los títulos de crédito, su imagen no aparece en ningún momento de la proyección. Joaquín Phoenix aborda por enésima vez un personaje complejo y, de nuevo, lo hace con solvencia. Completa la terna la siempre interesante Amy Adams, cuya magnífica racha le ha colocado en la actual carrera por la estatuilla dorada, gracias a su papel en la sobresaliente “La gran estafa americana” y que, sin duda, constituye un lujo para cualquier reparto.

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Datos del film
Película: Her.
Dirección y guion: Spike Jonze.
País: USA. Año: 2013. Duración: 126 min. Género: Romance, drama, ciencia-ficción.
Interpretación: Joaquin Phoenix (Theodore), Amy Adams (Amy), Rooney Mara (Catherine), Olivia Wilde (cita a ciegas), Scarlett Johansson (voz original de Samantha).
Producción: Megan Ellison, Spike Jonze y Vincent Landay.
Fotografía: Hoyte Van Hoytema.
Montaje: Eric Zumbrunnen y Jeff Buchanan.
Diseño de producción: K.K. Barrett.
Música: Arcade Fire y Owen Pallett.
Vestuario: Casey Storm.

THE MONUMENTS MEN

George Clooney lleva unos cuantos años demostrando ser un excelente cineasta todo terreno. Tras haber superado con buena nota el difícil tránsito de la televisión al cine, atesora trabajos muy notables en su triple faceta de intérprete, guionista y realizador. Su fama de seductor y galán de comedia no le impide ser considerado como uno de los profesionales más interesantes del actual panorama cinematográfico. Un Oscar como productor de “Argo”, otro como mejor actor secundario por “Syriana”, tres nominaciones más por sus papeles en “Michael Clayton”, “Up in the Air” y “Los descendientes” y reiterados reconocimientos a su labor de escritor y realizador por “Buenas noches y buena suerte” y, sobre todo, por la sobresaliente “Los idus de marzo”, dan la medida de su seriedad, solvencia y creatividad. Sin embargo, un nivel tan elevado es muy difícil de mantener y, ocasionalmente, suele dar algún paso en falso. Le sucedió cuando dirigió en 2008 “Ella es el partido”, o cuando dio vida de manera desafortunada al “hombre murciélago” de Joel Schumacher en “Batman y Robin”(1997). Ambos son proyectos fallidos que desentonan dentro de un currículum impecable, aunque no impiden catalogarle a día de hoy como uno de los grandes activos del Séptimo Arte. 

“The Monuments Men” es, ciertamente, una de esas películas inferiores cuyo principal problema es la concatenación de escenas de tonos diversos y hasta opuestos. Algunas poseen un claro sesgo cómico, otras, dramático y otras, hasta trascendental. Incluso las hay más propias del género de acción. Pero, contempladas en su conjunto, no combinan adecuadamente. Pese a sostenerse en una buena historia, varias de las secuencias resultan excesivamente largas e invitan al aburrimiento del espectador, cuya sensación de que la potencialidad del film tomará forma a lo largo de la proyección no llega finalmente a cumplirse porque los méritos de la cinta no acaban de salir a relucir en todo el metraje. 

La trama está basada en un hecho real sucedido a finales de la Segunda Guerra Mundial y cuenta la misión de un selecto grupo de expertos en arte pertenecientes al bando aliado que han de encargarse de recuperar una serie de obras robadas por los nazis durante el conflicto, con el fin de devolvérselas a sus legítimos propietarios. Su mediocre adiestramiento militar, unido a la oposición del ejército alemán, convierte el plan en una operación suicida pero, a pesar de todo, arriesgan sus vidas para evitar la destrucción de miles de años de cultura de la Humanidad. 

La realización está francamente cuidada, el tema es muy original, cuenta con un extraordinario reparto y, en determinados momentos, da muestras de valía (como en la emotiva escena final) pero le falta ritmo, la narración es monótona y la presentación de los personajes como integrantes de un pelotón torpe y chiflado resta credibilidad al largometraje. En definitiva, “The Monuments Men” es un ejercicio constante de entrega al público de una de cal y otra de arena, de tal manera que la balanza de elementos positivos y negativos no se inclina finalmente a su favor. 

Junto al propio George Clooney, figuran en el elenco buena parte de los actuales pesos pesados de la actuación, como Matt Damon, Cate Blanchett, Bill Murray, John Goodman y el también oscarizado Jean Dujardin (“The Artist”). Un lujo bastante desaprovechado que potencia la sensación de expectativa no cubierta. Confío en que este pequeño paso atrás le sirva a Clooney para coger impulso.

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Datos del film

Película: Monuments men.
Dirección: George Clooney.
País: USA. Año: 2014. Duración: 118 min. Género: Drama, bélico.
Interpretación: George Clooney (Frank Stokes), Matt Damon (James Granger), Bill Murray (Richard Campbell), John Goodman (Walter Garfield), Jean Dujardin (Jean Claude Clermont), Bob Balaban (Preston Savitz), Hugh Bonneville (Donald Jeffries), Cate Blanchett (Claire Simone).
Guion: George Clooney y Grant Heslov; basado en el libro “The Monuments Men: Allied heroes, nazi thieves and the treatest treasure hunt in History”, de Robert M. Edsel y Bret Witter.
Producción: George Clooney y Grant Heslov.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Montaje: Stephen Mirrione.
Diseño de producción: Jim Bissell.
Vestuario: Louise Frogley.

PREMIOS BAFTA 2014 (BAFTA Awards 2014)

La cinta de Steve McQueen "12 años de esclavitud" se ha alzado con el Bafta a la mejor película del año durante una gala organizada la pasada noche por la Academia del Cine británica y que se considera la antesala de los Oscar de Hollywood.

Chiwetel Ejiofor resultó elegido mejor actor por su papel protagonista en el citado film, mientras Cate Blanchett se llevaba el galardón de mejor actriz gracias a su interpretación en "Blue Jasmine".

Blanchett dedicó su premio entre lágrimas al fallecido Philip Seymour Hoffman: "Phil, colega, esto es para ti. Espero que te sientas orgulloso".

A lo largo de la ceremonia, celebrada en la Royal Opera House, el veterano Peter Greenaway, director de cintas de tan difícil catalogación como "El contrato del dibujante", "The Pillow Book" o "El vientre del arquitecto", recibió un Bafta honorífico por sus más de tres décadas de contribución al cine.

Asimismo, la actriz Helen Mirren se hizo acreedora del Bafta de Honor de esta edición.

PREMIOS BAFTA 2014 

Mejor película 

- '12 años de esclavitud' 

Mejor película británica 

- 'Gravity' 

Mejor debut de un guionista, director o productor británico 

- Kieran Evans (Director/Guionista), 'Kelly + Victor' 

Mejor director 

- Alfonso Cuarón, 'Gravity' 

Mejor guión original 

- 'La gran estafa americana' 

Mejor guión adaptado 

- 'Philomena' 

Mejor actor 

- Chiwetel Ejiofor, '12 años de esclavitud' 

Mejor actriz 

- Cate Blanchett, 'Blue Jasmine' 

Mejor actor de reparto 

- Barkhad Abdi, 'Capitán Phillips' 

Mejor actriz de reparto 

- Jennifer Lawrence, 'La gran estafa americana' 

Mejor película de habla no inglesa 

-'La gran belleza' 

Mejor documental 

- 'The Act of Killing' 

Mejor película de animación 

- 'Frozen: El reino del hielo' 

Mejor banda sonora original 

- 'Gravity' 

Mejor fotografía 

- 'Gravity' 

Mejor montaje 

- 'Rush' 

Mejor diseño de producción 

- 'El gran Gatsby' 

Mejor vestuario 

- 'El gran Gatsby' 

Mejor maquillaje y peluquería 

- 'La gran estafa americana' 

Mejor sonido 

- 'Gravity' 

Mejores efectos especiales 

- 'Gravity' 

Mejor cortometraje británico animado 

- 'Sleeping with the Fishes' 

Mejor cortometraje británico 

- 'Room 8' 

Estrella emergente 

- Will Poulter

CUANDO TODO ESTÁ PERDIDO (All Is Lost)

Quien haya visto “Pozos de ambición” de Paul Thomas Anderson recordará que, durante los primeros quince minutos de proyección, no se pronunció palabra alguna. El director manifestó que ese silencio tan prolongado al recrear la angustia y el dolor físico de un hombre atrapado en un pozo, ayudaba a transmitir al espectador aún más aquella sensación de desesperación ante las penurias del protagonista. J.C. Chandor, realizador de “Cuando todo está perdido”, no solo ha seguido a rajatabla esa misma receta, sino que la lleva hasta el límite. De los cien minutos de proyección, tan sólo se pronuncia alguna palabra en un par de ellos. El resto es puro silencio, lo que indudablemente ayuda a reflejar la permanente situación de fatalidad que vive el único personaje que aparece en pantalla, un marinero que, en medio del océano, naufraga y lucha por sobrevivir. 

La cinta transmite constantemente esa sensación de desesperación, valiéndose para ello del silencio y de la inmensidad, como metáforas de la pequeñez del ser humano ante la grandeza de la naturaleza, de la fragilidad física frente a la férrea capacidad de lucha y superación. Pero, pese al interés que encierra la propuesta y al mérito que supone afrontar un proyecto como éste, los escasos medios de los que se ha dotado el cineasta terminan por pasar facturar y, a medida que ya proyección avanza, su visionado resulta un tanto tedioso. Creo que hubiera sido un magnífico cortometraje pero su más de hora y media de duración ha terminado por lastrar el ritmo y hacerlo monótono. 

Me vienen a la memoria otros ejemplos de autolimitaciones sorprendentes. Así, el protagonista de “Buried”, del director español Rodrigo Cortés, estaba enterrado en un ataúd durante todo el largometraje, circunstancia que, además de servir a la perfección para angustiar al público, no afectó en absoluto a la agilidad del relato ni al nivel de entretenimiento conseguido, al contrario que en las vicisitudes del personaje encarnado por Robert Redford. 

El responsable del film es el joven J.C. Chandor, que tan solo ha rodado dos títulos hasta la fecha. En el año 2011 sorprendió con su trabajo en “Margin Call”, una recreación sobre el origen de la actual crisis financiera y sobre la inmoralidad de las grandes firmas encargadas de invertir en Bolsa ingentes sumas de dinero ajeno que le reportó numerosas alabanzas y le hizo acreedor de una nominación al Oscar al mejor guion. Con esta segunda incursión en la industria del cine también opta a una estatuilla de Hollywood en las categorías técnicas de montaje de sonido, unida a dos candidaturas a los Globos de Oro –mejor actor y banda sonora-. 

Punto y aparte merece la figura de Robert Redford, uno de los nombres a quien más debe el Séptimo Arte. A su excelente carrera como actor, productor y director –avalada por dos Oscar y seis Globos de Oro- hay que añadir su condición de creador del Festival de Sundance, la más importante muestra mundial de cine independiente, verdadero escaparate al servicio de jóvenes talentos de una cinematografía alejada de las grandes productoras y al margen de colosales campañas de marketing. Me parece un hombre fascinante, tanto desde el punto de vista personal como profesional, y le agradezco cuánto me ha hecho disfrutar, emocionarme y reflexionar. En definitiva, ser feliz. Como dice el anuncio de una popular tarjeta de crédito, algunas cosas no tienen precio. Lo que Robert Redford ha hecho por el cine y por mí, desde luego, no lo tiene. Como actor, “Memorias de África”, “El golpe”, “Dos hombres y un destino” o “Tal como éramos”. Como director, “Gente corriente”, “El río de la vida”, “Quiz Show” o “Leones por corderos”. Y tantos y tantos ejemplos de un cineasta que es leyenda viva de la historia del cine.

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Datos del film
Película: Cuando todo está perdido.
Título original: All is lost.
Dirección y guion: J.C. Chandor. País:
USA. Año: 2013. Duración: 106 min. Género: Drama.
Interpretación: Robert Redford.
Producción: Neal Dodson y Anna Gerb.
Música: Alex Ebert.
Fotografía: Fran G. DeMarco.
Montaje: Pete Beaudreau.
Diseño de producción: John P. Goldsmith

64ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE BERLÍN (Internationale Filmfestspiele Berlin 2014)

Está teniendo en lugar a lo largo de estas jornadas la 64ª edición del Festival de Cine de Berlín -Berlinale-, que arrancó el pasado día 6 de febrero y cuya ceremonia de clausura se llevará a cabo el próximo día 16. 

Entre las veinte películas a competición y otros cuatrocientas cintas que serán proyectadas en las diferentes secciones del certamen, destaca una la importante participación de las cinematografías orientales.

También la industria norteamericana cobrará un destacado protagonismo, inaugurando la muestra la cinta “El Gran Hotel Budapest”, de Wes Anderson y reservando a “The Monument's Men”, último trabajo de George Clooney sobre la brigada estadounidense que recuperó miles de obras de arte robadas por los nazis al final de la II Guerra Mundial, uno de los momentos estelares. Concursa asimismo el realizador Richard Linklater con “Boyhood”.

No obstante, uno de los platos fuertes de la sección oficial es el largometraje español “No llores, vuela”, de la realizadora peruana Claudia Llosa, quien ya sabe lo que es ganar el Oso de Oro (“La teta asustada”) y que en esta ocasión se ha desplazado hasta Canadá para rodar este drama protagonizado por Jennifer Connelly, Mélanie Laurent y Cillian Murphy.

La lista de aspirantes a conseguir uno de los prestigiosos Osos de Berlin es la siguiente:

Bai Ri Yan Huo (Black Coal, Thin Ice), de Yinan Diao  -China-

Boyhood., de Richard Linklater -Estados Unidos-

Chiisai Ouchi (The Little House), de Yoji Yamada  -Japón-

Historia del miedo, de Benjamin Naishtat  -Argentina / Uruguay / Alemania / Francia-

Jack, de Edward Berger  -Alemania-

Kraftidioten (In Order of Disappearance), de Hans Petter  -Noruega-

Kreuzweg (Stations of the Cross), de Dietrich Brüggemann  -Alemania-

La tercera orilla, de Celina Murga  -Argentina / Alemania / Holanda-

La voie de l‘ennemi, de Rachid Bouchareb  -Francia / Argelia / Estados Unidos / Bélgica-

Macondo, de Sudabeh Mortezai  -Austria-

Praia do Futuro, de Karim Aïnouz  -Brasil / Alemania-

Tui Na (Blind Massage), de Ye  -China / Francia-

Wu Ren Qu (No Man’s Land), de Hao Ning (Crazy Stone,Mongolian Ping Pong)  -China-

Zwischen Welten (Inbetween Worlds), de Feo Aladag  -Alemania-

"71", de Yann Demange  -Reino Unido-

Aimer, boire et chanter, de Alain Resnais  -Francia-

No llores, vuela, de Claudia Llosa  -España / Canadá / Francia-

Die geliebten Schwestern, de Dominik Graf  -Alemania-

Stratos, de Yannis  -Grecia / Alemania / Chipre-

El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson  -Reino Unido / Alemania-

Otras secciones:

Berlinale Shorts: 25 piezas

Panorama: 36 películas

Forum: 39 películas más 52 piezas de Forum Expanded

Generation: 60 piezas

Persperktive Deutches Kino: 14 películas

Berlinale Special Retrospective: 40 películas

Homenaje: 10 películas de Ken Loach

Tres secciones especiales:

Cine culinario

Berlinale Goes Kiez

Native

El palmarés del Festival ha sido el siguiente:

- Oso de Plata. Gran Premio del Jurado: El gran hotel Budapest de Wes Anderson.

- Oso de Plata. Mejor dirección: Richard Linklater por Boyhood.

- Oso de Plata. Mejor actor: Liao Fan por Black Coal, Thin Ice.

- Oso de Plata. Mejor actriz: Haru Kuroki por The Little House.

- Oso de Plata. Mejor guión: Station of the Cross de Dietrich y Anna Brüggemann.

- Premio Alfred Bauer: Aimer, boire et chanter de Alain Resnais.

- Mejor contribución técnica: Zeng Jian por la fotografía de Blind Massage.

Ópera Prima

- Mejor ópera prima: Güeros de Alonso Ruizpalacios.

Cortometrajes

- Oso de Oro. Mejor cortometraje: As long as shotguns remain de Caroline Poggi, Jonathan Vinel

- Oso de Plata. Premio del jurado: Laborat de Guillaume Cailleau.

Panorama

Largometrajes

1. Difret de Zeresenay Berhane Mehari (Etiopía).

2. Hoje eu quero voltar sozinho de Daniel Ribeiro (Brasil).

3. Patardzlebi (Brides) de Tinatin Kajrishvili (Georgia – Francia).

Documentales

1. Der Kreis (The Circle) de Stefan Haupt (Suiza).

2. Finding Vivian Maier de John Maloof Y Charlie Siskel (Estados Unidos).

3. Meine Mutter, ein Krieg und ich (My Mother, a War and Me) de Tamara Trampe y Johann Feindt (Alemania).

Premios paralelos

FIPRESCI

- Mejor película de la sección oficial: Aimer, boire et chanter de Alain Resnais.

- Mejor película de Panorama: Hoje eu quero voltar sozinho de Daniel Ribeiro.

- Mejor película Forum 2014: Forma de Ayumi Sakamoto.

Jurado Ecuménico

- Mejor película de la sección oficial: Stations of the Cross de Dietrich Brüggemann.Mención especial: ’71 de ann Demange.

- Mejor película de Panorama: Calvary de John Michael McDonagh. Mención especial: Triptych de Robert Lepage y Pedro Pires.

- Mejor película de Forum 2014: Sto spiti (At Home) de Athanasios Karanikolas.

GANADORES DE LOS PREMIOS "GOYA" 2014 (Goya Awards 2014)

La pasada noche tuvo lugar la ceremonia de entrega de los Premios Goya, galardones de la Academia del Cine Español. 

En una edición en la que ninguna película partía como clara favorita en la categoría principal, el palmarés ha quedado como sigue:

LISTA DE GANADORES DE LOS PREMIOS GOYA 2014

Mejor película

Vivir es fácil con los ojos cerrados, de David Trueba

Mejor dirección

David Trueba, por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Mejor interpretación femenina protagonista

Marian Álvarez, por La herida

Mejor interpretación masculina protagonista

Javier Cámara, por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Mejor guion original

David Trueba, por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Mejor música original

Pat Metheny, por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Mejor interpretación masculina de reparto

Roberto Álamo, por La gran familia española

Mejor actor revelación

Javier Pereira, por Stockholm

Mejor dirección de producción

Carlos Bernases, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejor montaje

Pablo Blanco, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejor diseño de vestuario

Francisco Delgado, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejor sonido

Charly Schmukler y Nicolás de Poulpiquet, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejor película de animación

Futbolín, de Juan José Campanella

Mejor película iberoamericana

Azul y no tan rosa, de Miguel Ferrari

Mejor cortometraje de ficción en español

Abstenerse agencias, de Gaizka Urresti

Mejor cortometraje documental español

Minerita, de Raúl de la Fue

Mejor dirección novel

Fernando Franco, por La herida

Mejor guion adaptado

Alejandro Hernández y Mariano Barroso, por Todas las mujeres

Mejor canción original

Do you Really Want To Be In Love?, de Josh Rouse, para La gran familia española

Mejor interpretación femenina de reparto

Terele Pávez, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejor actriz revelación

Natalia de Molina, por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Mejor dirección de fotografía

Pau Esteve Birba, por Caníbal

Mejor dirección artística

Arturo García y José Luis Arrizabalaga, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejor maquillaje y peluquería

María Dolores Gómez Castro, Javier Hernández Valentín, Pedro Rodríguez y Francisco Rodríguez Frías, por Las brujas de Zugarramurdi

Mejores efectos especiales

Juan Ramón Molina y Ferrán Piquer, por  Las brujas de Zugarramurdi

Mejor película documental

Las maestras de la República, de Pilar Pérez

Mejor película europea

Amor, de Michael Haneke

Mejor cortometraje de animación español

Cuerdas, de Pedro Solís García

NEBRASKA

El guionista, director y productor Alexander Payne se ha hecho acreedor de una merecida reputación dentro de la industria del cine gracias, sobre todo, a los largometrajes “Election” y “Entre copas” (una de las grandes comedias del presente siglo), que le reportaron un Oscar y dos nominaciones más a la estatuilla de Hollywood. Quienes hayan tenido la ocasión de disfrutar de ambos títulos, habrán podido comprobar el interés que suscitan sus personajes, el ingenio contenido en sus diálogos y el acierto del cineasta tanto para hacer reír como para mover a la reflexión. Se trata de comedias muy divertidas pero con un innegable trasfondo dramático. Con “Los descendientes”, además de ganar otro premio de la Academia, Payne continuó manteniéndose fiel a su forma de entender el Séptimo Arte, caracterizada por el análisis profundo de cada protagonista y por el toque irónico o sarcástico que, a la vez que dibuja una sonrisa en los labios, provoca cierta congoja en el corazón. Sin duda, posee un talento exacerbado para retorcer situaciones normales y sacarles mayor jugo que el resto de sus colegas, y no se le puede negar su gran valentía e independencia. En ese sentido, pocos profesionales serían capaces de llevar adelante un proyecto como “Nebraska”, rodado en blanco y negro, con un anciano como máxima estrella y recreando la América profunda a través de unas curiosas relaciones interpersonales. Va a contracorriente y, como mínimo, se le debe reconocer su honestidad y originalidad. 

La cinta recuerda en cierto modo a otro de sus films, “A propósito de Schmidt”, donde Jack Nicholson daba vida a un jubilado en crisis, y también guarda algunas similitudes con “Una historia verdadera”, la película más atípica de David Lynch, en la que un anciano Richard Farnsworth pretendía recorrer más de quinientos kilómetros al volante de un viejo cortacésped. En este último trabajo, Payne traslada a la gran pantalla la historia de Woody Grant, un hombre muy mayor, alcohólico y con síntomas de demencia, que insiste en afirmar que ha ganado un premio millonario y que está decidido a viajar desde Montana hasta Nebraska para cobrar esa suma de dinero, embarcando en tan disparatada travesía a su, en un principio, descreído hijo. 

Cuenta con notables interpretaciones y destila un aire de autenticidad que le acerca al documental. Ofrece una visión intimista, cómica y trágica a la vez, de una familia del interior de los Estados Unidos. Parece más bien un experimento sociológico de su autor, que se afana en diseccionar a los individuos que coloca delante de su cámara y cuyo peculiar estilo le impulsa a mezclar secuencias divertidas y entretenidas con otras filosóficas de más difícil digestión. En definitiva, hay que saber entender a Payne (nacido también en Nebraska) para disfrutarlo en toda su extensión y reconozco que no es tarea fácil. Seis nominaciones a los Oscar (incluyendo mejor película, actor, director y guión), cinco a los Globos de Oro y tres a los BAFTA dan cuenta de la calidad de este trabajo. 

Cabe resaltar especialmente la labor de Bruce Dern, que a sus setenta y ocho años está cosechando multitud de alabanzas por este papel. Relegado en los últimos años a papeles secundarios, quien fuera hace cuatro décadas el protagonista de “La trama”, de Alfred Hitchcock, firma una actuación memorable y opta por primera vez en su carrera a la estatuilla al mejor actor principal, aunque ya posee una a mejor actor de reparto en 1978 por “El regreso”, de Hal Ashby.

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Datos del films
Película: Nebraska.
Dirección: Alexander Payne.
País: USA. Año: 2013. Género: Drama.
Interpretación: Bruce Dern (Woody Grant), Will Forte (David Grant), June Squibb (Kate Grant), Bob Odenkirk (Ross), Stacy Keach (Ed), Mary Louise Wilson (tía Martha), Rance Howard (tío Ray), Tim Driscoll (Bart).
Guion: Bob Nelson.
Producción: Albert Berger y Ron Yerxa.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Montaje: Kevin Tent.

MICHAEL MANN

El cineasta Michael Mann nació en Chicago el 5 de febrero de 1943. Director, guionista y productor cinematográfico, se dio a conocer mundialmente gracias a su participación en la serie televisiva «Miami Vice», de la cual es creador y también responsable de su versión para la pantalla grande. 

Escribió guiones para “Starsky y Hutch”, “Police Story” o “Bronx” y dirigió episodios del mismo género para "La mujer policía”, con Angie Dickinson, y “Vega$”, con Robert Urich. Mann debutó en el cine con “Ladrón” (1981), thriller protagonizado por James Caan que adaptaba un libro de Frank Hohimer. Posteriormente, realizó el film de terror ambientado en la Segunda Guerra Mundial “El torreón” (1983), basado en una novela de F. Paul Wilson, con Scott Glenn, Gabriel Byrne y Jurgen Prochnow en el reparto. 

En 1984 comenzó a producir la famosa serie “Corrupción en Miami”, protagonizada por Don Johnson y Philip Michael Thomas, hasta 1989. Fue también el primero en adaptar la obra de Thomas Harris “Red Dragon”, en el thriller psicológico "Hunter"(1986), centrado en el personaje de Hannibal Lecter, interpretado en aquella ocasión por el actor Brian Cox. Tras diversos trabajos dentro del género policíaco, su gran especialidad, volvió al cine de aventuras con “El último mohicano” (1992), adaptación del clásico de James Fenimore Cooper protagonizado por Daniel Day-Lewis. 

Reunió a Al Pacino y Robert de Niro en “Heat” (1995), otro thriller que, además, fue su primer guión original. Cuatro años después rodó la magnífica “El dilema” (1999), un drama que denunciaba el negocio de las compañías tabaqueras basado en una historia real difundida en un programa de la cadena CBS. El largometraje recibió varias nominaciones a los Oscar, entre ellas a mejor película y mejor director, pero finalmente no logró ninguna estatuilla. Más tarde estrenó “Ali” (2001), con Will Smith encarnando al popular boxeador Cassius Clay/Muhammad Ali. La mujer de Smith, Jada Pinkett, y su co-protagonista, Jamie Foxx, repitieron con Mann en “Collateral”, cuyo elenco encabezó Tom Cruise. Para la adaptación al cine de "Corrupción en Miami" (2006) contó con Colin Farrell y, de nuevo, con Jamie Foxx, y en "Enemigos Públicos" (2009) narró la historia del gángster John Dillinger, a quien dio vida Johnny Depp. 

Además de sus propias películas, ha producido otros títulos como “El aviador” (2004) de Martin Scorsese o “La sombra del reino” (2007) de Peter Berg.


Escena de "El dilema" (The Insider)




 Escena de "Collateral"