84º EDICIÓN DE LOS PREMIOS DE LA ACADEMIA DE HOLLYWOOD OSCAR 2012 (The 84th Academy Awards)

La pasada noche del domingo 26 de febrero se dieron a conocer los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. En una ceremonia presentada por el genial Billy Crystal, The Artist fue la gran triunfadora al alzarse con cinco premios entre ellos los de mejor película, director y actor. La Invención de Hugo también se llevó otros cinco galardones. La lista completa de premiados es la siguiente:

MEJOR PELÍCULA: The Artist

MEJOR DIRECTOR: Michel Hanazavicius «The Artist» Thomas Langmann
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Meryl Streep «La dama de hierro»
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Jean Dujardin por «The Artist»
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Octavia Spencer «Criadas y señoras»

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Christopher Plummer «Beginners»
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Woody Allen «Midnight in Paris»
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Alexander Payne, Nat Faxton, Jim Rash «Los descendientes»
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: «Rango»
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: Nader y Simin, una separación (Irán)
MEJOR FOTOGRAFÍA: Robert Richardson «La invención de Hugo»
MEJOR BANDA SONORA: Ludovic Bource «The Artist»
MEJOR CANCIÓN: ‘Man or Muppet’, de «Los Muppets»
MEJOR MONTAJE: Kirk Baxter y Angus Wall «Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres»
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo «La invención de Hugo»
MEJOR VESTUARIO: Mark Bridges «The Artist»
MEJORES EFECTOS VISUALES: Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning «La invención de Hugo»
MEJOR MAQUILLAJE: Mark Coulier y J. Roy Helland «La dama de hierro»
MEJOR SONIDO: Tom Fleischman y John Midgley «La invención de Hugo»
MONTAJE DE SONIDO: Philip Stockton y Eugene Gearty «La invención de Hugo»
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Undefeated

MEJOR CORTOMETRAJE: The Shore
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO: The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: Saving Face

A continuación ponemos el vídeo de presentación de la gala a cargo de Billy Crystal y otro de resumen de la entrega de algunos galardones

PREMIOS DEL CINE INDEPENDIENTE SPIRIT (Spirit Awards 2012)

El sábado 25 de febrero se dieron a conocer los SPIRIT AWARDS. Los Independent Spirit Awards son presentados por "Film Independent", una organización sin fines de lucro dedicada a las películas producidas al margen de los grandes estudios como también a los directores de este tipo de cine. Fundados en 1984, los Independent Spirit Awards eran originalmente conocidos como los FINDIE ("Friends of Independents") Awards. En 1986, este evento fue renombrado como los Independent Spirit Awards.


Los ganadores han sido los siguientes:

Mejor película: THE ARTIST

Mejor director: Michel Hazanvicius por The Artist

Mejor opera prima: Margin Call

Mejor actor: Jean Dujardin por The Artist

Mejor actriz: Michelle Williams por Mi semana con Marilyn

Mejor actriz secundaria: Shailene Woodley por Los descendientes

Mejor actor secundario: Christopher Plummer for Beginners (Principiantes)

Mejor Guión: Los descendientes: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash

Mejor primer Guión: 50/50: Will Reiser

Mejor fotografía: The Artist: Guillaume Schiffman

Mejor película extranjera: Nader y Simin, una separación

Mejor documental: The Interrupters

Premio Robert Altman: Margin Call.

PREMIOS CÉSAR DE LA ACADEMIA DE CINE FRANCESA (37 Cérémonie des César)

La Academia de Cine de Francia entregó en la noche del viernes 24 de febrero sus premios llamados “César”. El Artista (The Artist) fue la gran ganadora con seis estatuillas. Por su parte la actriz española Carmen Maura ganó en el apartado de mejor actriz secundaria o de reparto. El Artista (The Artist) se llevó seis trofeos, incluyendo el de mejor director, para Michel Hazanavicius, y el de película del año. La actriz Kate Winslet logró un premio honorífico.

Ganadores:

Mejor película: The Artist
Mejor director: Michel Hazanavicius por The Artist
Mejor actor protagonista: Omar Sy por Intocable
Mejor actriz protagonista: Bérénice Bejo por The Artist
Mejor actor de reparto: Michel Blanc por El ministro
Mejor actriz de reparto: Carmen Maura por Las mujeres del 6º piso
Mejor actriz revelación: Naidra Ayadi por Polisse y Clotilde Hesme por El amor de Tony
Mejor actor revelación: Grégory Gadebois por El amor de Tony
Mejor fotografía: Guillaume Schiffman por The Artist
Mejor guión original: Pierre Schoeller por El ministro
Mejor guión adaptado: Yasmina Reza y Roman Polanski por Un Dios salvaje
Mejor dirección artística: Laurence Bennett por The Artist
Mejor montaje: Laure Gardette y Yann Dedet por Polisse
Mejor música original: Ludovic Bource por The Artist
Mejor diseño de vestuario: Anaïs Romand por L’Apollonide
Mejor sonido: Olivier Hespel, Julie Brenta y Jean-Pierre Laforce por El ministro
Mejor película de animación: El gato del rabino
Mejor película documental: Tous au Larzac
Mejor cortometraje: L’Accordeur
Mejor ópera prima: Cuando los chanchos vuelen
Mejor película extranjera: Una separación
César Honorífico: Kate Winslet

A continuación, un vídeo de la película por la que la española Carmen Maura ha ganado el premio a la mejor actriz secundaria

SHAME (Shame)

Pese a que el director de esta cinta se llame Steve McQueen, no debe confundirse con el actor norteamericano del mismo nombre que durante la década de los sesenta y setenta protagonizase títulos como Bullit, La huida, Papillon o El coloso en llamas. En esta ocasión, hablamos de un realizador y guionista británico que, con su segunda película, ha recibido elogios normalmente reservados a los cineastas más veteranos. Aunque, a primera vista, pudiera pensarse que, debido a la temática sexual que sustenta la trama, estaríamos ante un nuevo film que pretende atraer al público más morboso y beneficiarse de la publicidad gratuita que lleva aparejada, lo cierto es que Shame traspasa esa primera impresión. La historia de autodestrucción de un joven neoyorkino adicto al sexo y la relación que mantiene con su hermana va mucho más lejos de lo que, de entrada, pudiera pensarse. Su responsable nos coloca frente a un guion y unos personajes complejos y, sobre todo, ante una narración y una dirección contundentes e interesantes. Los reconocimientos obtenidos por este trabajo son buena prueba de sus méritos: nominada a los BAFTA británicos en las categorías de mejor película y mejor actor, quien también optó al Globo de Oro. Las asociaciones de críticos de Washington, Toronto, Nueva York, San Diego, Londres, Los Ángeles, Florida, Boston y Chicago y hasta el mismísimo Festival de Venecia integran algunos círculos en los que este largometraje ha cosechado especial mención, fundamentalmente en lo relativo a su protagonista principal -Michael Fassbender-, a su compañera de reparto -Carey Mulligan- y al propio Steve McQueen. No se trata de una producción destinada a todo tipo de público. Tampoco está pensada para aquellos espectadores cuya máxima pretensión sea el simple entretenimiento entre palomita y palomita. Sin embargo, quienes disfruten con las buenas interpretaciones basadas en personajes complicados y bien construidos, con una narración rigurosa y con un análisis de los diversos laberintos del ser humano, descubrirán a un profesional detrás de las cámaras a tener en cuenta. Incluso es posible que les pique la curiosidad y, o bien acudan al videoclub en busca de Hunger, su debut en la gran pantalla, que refleja la huelga de hambre de un preso en una cárcel de Irlanda, o bien esperen con impaciencia la llegada a las salas de proyección de próxima obra, cuyo título provisional es Twelve Years a Slave. Es de absoluta justicia mencionar muy especialmente el estupendo trabajo de sus dos protagonistas. Michael Fassbender, un actor que no olvidará fácilmente el pasado 2011, estrenó ese año la versión de Jane Eyre de Cary Fukunaga, Un método peligroso de David Cronenberg y Haywire, lo último que Steven Soderbergh acaba de presentar en el Festival de Cine de Berlín. Si a ello añadimos las nominaciones y los premios asociados a Shame, este período de tiempo le será irrepetible. Por su parte, la joven Carey Mulligan también cuenta con una carrera meteórica, cuya filmografía se compone por, entre otras, An Education, Drive y Nunca me abandones. Ambos intérpretes elevan considerablemente la calidad del producto final.

Película: Shame.
Dirección: Steve McQueen.
País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 97 min. Género: Drama.
Interpretación: Michael Fassbender (Brandon), Carey Mulligan (Sissy), James Badge Dale (David), Nicole Beharie (Marianne), Hannah Ware. Guion: Steve McQueen y Abi Morgan.
Producción: Iain Canning y Emile Sherman.
Música: Harry Escott.
Fotografía: Sean Bobbitt.
Montaje: Joe Walker.
Diseño de producción: Judy Becker.
Vestuario: David C. Robinson.

Premios y nominaciones:

Premios BAFTA: Nominada a Mejor película británica y Mejor actor (Michael Fassbender )

Globos de Oro: Nominado a Mejor actor dramátcio (Michael Fassbender )

FEstival de Venecia: Ganador de los premios a Mejor película y mejor actor (Michael Fassbender ) nominado Steve McQueen a mejor director.

YOUNG ADULT (Young Adult)

El joven cineasta Jason Reitman ha heredado de su padre, el también realizador Ivan Reitman, el gusto por la comedia pero, a diferencia de su progenitor, ha conseguido elevar este género habitualmente denostado por la crítica a un nivel que no suelen alcanzar las demás cintas de humor. Lo normal en este tipo de cine, sobre todo en el mercado norteamericano, es que esté copado por producciones dirigidas a adolescentes marcadas o por los típicos gags simplones o por la vulgaridad. Por eso, la obra de este canadiense, compuesta de títulos tan mordaces como Gracias por fumar o tan brillantes como Up in the Air supone un soplo de aire fresco y revitaliza una modalidad de que estaba atravesando una crisis de creatividad y de excelencia muy acusada, excepción hecha de Alexander Payne y su magnífica cinta Entre copas, un ejemplo de ironía y mordacidad.

Con Young Adult, Reitman hijo ofrece una visión amarga del ser humano, utilizando una vez más para lograr las sonrisas del público unas herramientas más propias del drama. La hilaridad con la que presenta a sus personajes es, en realidad, el vehículo idóneo para mover a la reflexión de los espectadores más avispados. Su protagonista, Charlize Theron, interpreta a Mavis Gary, una escritora de libros para jóvenes que retorna a su pueblo natal dispuesta a revivir sus antiguos días de gloria y a intentar recuperar a su amor del instituto como último recurso para remontar su frustrante sensación de fracaso vital. Sin embargo, sus planes se desmoronan al tiempo que se cruza con otro compañero de clase que tampoco ha triunfado en su transición de la juventud a la madurez.

Es verdad que ni los personajes, ni los diálogos, ni las situaciones plasmadas en la pantalla alcanzar el nivel de genialidad de Up in the Air, hasta la fecha el mejor trabajo de su director. Sin embargo, no puede negarse que Young Adult se sitúa muy por encima de la media habitual del género cinematográfico al que pertenece gracias a que entretiene y a que ofrece unas actuaciones muy interesantes. De hecho, la propia Charlize Theron estuvo nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de comedia y su compañero de reparto Patton Oswalt optó igualmente a algunos galardones otorgados por diversas asociaciones de críticos norteamericanas. Ella sabe dar a su interpretación la mezcla perfecta entre lo patético y lo ridículo porque, madura o no, está claro que Mavis Gary es una mujer odiosa y malvada que tiene exactamente lo que se merece. La guionista de moda Diablo Cody, Oscar al mejor guion original en 2008 por Juno, firma esta historia más cercana al drama que a la comedia que a más de uno le enfrentará con un problema por desgracia demasiado frecuente en nuestros días: la incapacidad de asumir el paso del tiempo y la imposibilidad de ser feliz a medida que se van cumpliendo años.

Película: Young adult.
Dirección: Jason Reitman.
País: USA. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Comedia dramática.
Interpretación: Charlize Theron (Mavis Gary), Patrick Wilson (Buddy Slade), Elizabeth Reaser (Beth Slade), Patton Oswalt (Matt Freehauf), Jill Eikenberry (Hedda Gary), Richard Bekins (David Gary), Collette Wolfe (Sandra Freehauf).
Guion: Diablo Cody.
Producción: Diablo Cody, Lianne Halfon, Mason Novick, Jason Reitman, Russell Smith y Charlize Theron.
Música: Rolfe Kent.
Fotografía: Eric Steelberg.
Montaje: Dana E. Glauberman.
Diseño de producción: Kevin Thompson.
Vestuario: David Robinson.

Premios o nominaciones: Globos de Oro: Nominada a la mejor actriz de comedia (Charlize Theron)

XXVI EDICIÓN DE LOS PREMIOS GOYA (Goya Awards 2012)

En la tarde noche del domingo 19 de febrero entregaron los Premios Goya en su XXVI edición. La primera entrega de los galardones se celebró en el cine Lope de Vega de la Gran Vía madrileña un lunes de marzo de 1987. Se entregaron un total de 18 galardones, incluyendo el de la categoría de honor y la estatuilla número 0 destinada al rey Juan Carlos. Fernando Rey, se estrenó como maestro de ceremonias. En el Palacio de Congresos del Paseo de la Castellana recogió el testigo en 1988 el gran ausente del año anterior: Fernando Fernán-Gómez. Vinieron después cuatro años en los que el peso de la gala se trasladó a diferentes parejas de actores: Verónica Forqué y Antonio Resines, en 1989; Carmen Maura y Andrés Pajares, en 1990; Lydia Bosch y Jorge Sanz, en 1991; y Aitana Sánchez-Gijón y José Coronado, en 1992. En 1993 Imanol Arias, cuatro veces candidato hasta la fecha a Mejor Interpretación Protagonista, condujo un show en el que se despidió al primer presidente de la Academia, José María González Sinde. Al año siguiente se estrenó Rosa María Sardà como anfitriona, labor que repitió en 1999 y 2002. En 1995 fue María Barranco la conductora de una gala en la que la máxima triunfadora fue Días contados, historia dirigida por su entonces marido Imanol Uribe que consiguió ocho premios. Verónica Forqué y Javier Gurruchaga, y Carmen Maura y Juanjo Puigcorbé formaron tándem en las ediciones de 1996 y 1997. El Gran Wyoming, en 1998, fue el primer personaje de la televisión que presentó el evento. En el año 2000 fue Antonia San Juan quien condujo una gala que se trasladó a L’Auditori de Barcelona, la única vez que los Premios Goya se han entregado fuera de Madrid. Como presidenta, Aitana Sánchez-Gijón, y entre los asistentes Mariano Rajoy, entonces ministro de Cultura; y el Príncipe Felipe, que al filo de la medianoche cumplía 32 años. Concha Velasco, María Barranco, Loles León, Imanol Arias, Pablo Carbonell y Jose Coronado. Seis profesionales para la decimoquinta edición, todo un récord. Juan Luis Iborra y Yolanda García elaboraron un guión en el que se repasaron los gazapos más notables del cine español y se homenajeó a la música por partida doble, pues no solo bailaron los presentadores, sino que se estrenó la categoría de Mejor Canción Original. El año siguiente Cayetana Guillén Cuervo y Diego Luna se declararon “novios por una noche” y pusieron todo su empeño en homenajear al cine iberoamericano, a lo que el actor añadió que “la estatuilla pita en los aeropuertos”. La traca final la puso Anabel Alonso con un mono ignífugo del que salieron fuegos artificiales. En 2005, Antonio Resines, Maribel Verdú y Monserrat Caballé se encargaron de una ceremonia que sería recordada por los catorce goyas de Mar adentro, récord de galardones que ha cosechado una película. La vigésima edición volvió a contar con Antonio Resines y Concha Velasco, actores que ya habían ejercido como presentadores y repitieron en un día de recuerdos en el que la alfombra de entrada se tiñó de blanco por una nevada. Cambiaron las tornas en 2007 y la labor de presentador, desde entonces, la han ejercido estrellas del medio televisivo: José Corbacho, en 2007 y 2008, se atrevió con diversos disfraces; Carmen Machi, que en 2009 bromeó a pocos centímetros de Benicio del Toro; y Andreu Buenafuente. Eva Hache, quinta mujer que ha asumido en solitario la presentación de esta ceremonia. Los premiados en esta edición del 2012 han sido los siguientes:

- Mejor película: "No habrá paz para los malvados".
- Mejor director: Enrique Urbizu ("No habrá paz para los malavados").
- Mejor actor: José Coronado ("No habrá paz para los malavados")
- Mejor actriz: Elena Anaya ("La piel que habito").
- Mejor interpretación masculina de reparto: Luis Homar ("Eva").
- Mejor interpretación femenina de reparto: Ana Wagener ("La voz dormida")
- Mejor actriz revelación: María León ("La voz dormida").
- Mejor actor revelación: Jan Cornet por ("La piel que habito").
- Mejor dirección novel: Kike Maíllo por "Eva".
- Mejor guión original: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide por "No habrá paz para los malvados".
- Mejor guión adaptado: "Arrugas".
- Mejor largometraje de animación: "Arrugas".
- Mejor documental: Isabel Coixet por "Escuchando al juez Garzón".
- Mejor cortometraje de ficción: "El barco pirata", de Fernando Trullols.
- Mejor diseño de vestuario: "Blackthorn".
- Mejor dirección artística: "Blackthorn".
- Mejor dirección de fotografía: "Blackthorn".
- Mejor dirección de producción: Andrés Santana ("Blackthorn").
- Mejor música original: Alberto Iglesias ("La piel que habito").
- Mejor canción original: "Nana de la hierbabuena", de Carmen Agredano ("La voz dormida").
- Mejor sonido: Licio Marcos de Oliveira e Ignacio Royo-Villanova ("No habrá paz para los malvados").
- Mejor montaje: Pablo Blanco ("No habrá paz para los malvados").
- Mejores efectos especiales: Arturo Balseiro y Lluís Castells ("Eva").
- Mejor maquillaje y/o peluquería: Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero ("La piel que habito").
- Goya de honor: Josefina Molina - Mejor cortometraje documental: "Regreso a Viridiana", de Pedro González Bermúdez.
- Mejor cortometraje de animación: "Birdboy", de Alberto Vázquez Rico y Pedro Rivero.
- Mejor películaeuropea: "The artist".
- Mejor largometraje iberoamericana: "Un cuento chino".

WAR HORSE (CABALLO DE BATALLA)

Yo, como tantos millones de personas, ligamos buena parte de nuestros recuerdos cinematográficos a las películas de Steven Spielberg. Hacer una presentación de este genial cineasta es completamente innecesario. Su valía personal y la importancia de sus trabajos en la historia del cine son incuestionables y sobradamente conocidas por todos. Cada nuevo proyecto que estrena este cineasta norteamericano es, con independencia de que su estilo pueda gustar en mayor o menor medida, la prueba indiscutible de que cada una de sus obras es un prodigio de perfección técnica y artística. No obstante, y una vez que ya he manifestado claramente mi devoción y admiración hacia este director, también debo manifestar que, en mi opinión, War Horse es una película fallida, aunque no desde el punto de vista de su realización que, como siempre en Spielberg, es impecable. Sus nominaciones a los próximos premios Oscar en las categorías de mejor fotografía, banda sonora, dirección artística y sonido son, sin duda, muy merecidas. Sin embargo, a pesar de estos logros técnicos, la cinta se aleja mucho de su línea habitual, ya que carece de la emoción, la intensidad, la rigurosidad y el nivel de entretenimiento al que nos tiene acostumbrados el maestro. Es más, parece que se ha dejado llevar por una sensiblería edulcorada que, más que resaltarlo, empaña el resultado final. El principio del largometraje me recordó mucho a Un horizonte muy lejano, film interpretado por Tom Cruise y su entonces esposa Nicole Kidman, puesto que describe las penurias de unos granjeros muy pobres sometidos a un terrateniente muy rico y la superación de estas adversidades, endulzadas gracias a hermosos paisajes, música bucólica y varias gracietas protagonizadas, en el caso de War Horse, por un ganso. Así transcurren casi tres cuartos de hora de proyección hasta alcanzar la trama bélica central, que se pierde entre la muestra de la crueldad de la guerra y de la bondad de todos aquellos que entran en contacto con el caballo protagonista. De todas formas, es muy normal que, cuando la narración se centra en un animal, se cuelen ciertas dosis de cursilería y no se acierte con la justa medida de emotividad. War Horse es un título blando, solo recomendable para los espectadores de llanto fácil que, además, se recreen en las lágrimas. Por ello, lo considero un retroceso en la filmografía de un cineasta tan sobresaliente. Aun así, algunas escenas reflejan la esencia del realizador, sobre todo por lo que respecta a su habilidad para plasmar en imágenes sorprendentes la historia que cuenta. Si en el inicio presenta similitudes con el atípico western de Ron Howard anteriormente citado, es incuestionable que el desenlace se asemeja a algunos títulos de John Ford o, incluso, al magnífico final de Sin perdón de Clint Eastwood, con el actor cabalgando sobre la línea del horizonte, utilizando para ello una fotografía que juega acertadamente con los colores del crepúsculo. Debuta en el reparto Jeremy Irvine, un joven que ha comenzado su andadura en el séptimo arte desde lo más alto. Le acompañan en papeles secundarios otros nombres destacados de la escena como Emily Watson (Rompiendo las olas, The Boxer) o Peter Mullan (Mi nombre es Joe, Trainspotting).

Fica técnica: Título original: War horse.
Dirección: Steven Spielberg. Países: USA y Reino Unido. Año: 2011.
Duración: 148 min. Género: Drama, bélico.
Interpretación: Jeremy Irvine (Albert), David Thewlis (Lyons), Emily Watson (Rose), Toby Kebbell, David Kross (Gunther), Peter Mullan (Ted), Niels Arestrup (abuelo), Eddie Marsan (sargento Fry), Benedict Cumberbatch (mayor Jamie Stewart), Tom Hiddleston (capitán Nicholls), Celine Buckens (Emilie).
Guion: Lee Hall y Richard Curtis; basado en la novela de Michael Morpurgo.
Producción: Frank Marshall y Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
Diseño de producción: Rick Carter.
Vestuario: Joanna Johnston

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS
Academy Awards, (Oscar de Hollywood) USA
Nominada
Mejor dirección artística: Lee Sandales, Rick Carter Mejor
Fotografía: Janusz Kaminski
Mejor banda sonora: John Williams
Mejor montaje de efectos sonoros: Richard Hymns, Gary Rydstrom
Mejor sonido: Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson, Stuart Wilson
Mejor película: Steven Spielberg, Kathleen Kennedy

BAFTA Awards
Nominada
Mejor dirección artística: Lee Sandales, Rick Carter
Mejor Fotografía: Janusz Kaminski
Mejor banda sonora: John Williams
Mejor Sonido: Andy Nelson, Gary Rydstrom, Richard Hymns, Tom Johnson, Stuart Wilson
Mejores efectos especiales: Neil Corbould, Ben Morris

Globos de Oro
Nominada
Mejor banda sonora: John Williams
Mejor película dramática: Steven Spielberg, Kathleen Kennedy

GANADORES DE LOS PREMIOS BAFTA BRITÁNICOS 2012 (BAFTA Awards 2012)

En la tarde noche del 12 de febrero se entregaron los BAFTA británicos. En una gala que empezó sobre las 19:00 horas, la Academia Británica para las Artes del Cine y la Televisión (Bafta) celebró una glamurosa ceremonia a la que asistieron muchas de las estrellas que, días después, repetirán en los Óscar. Pese al frío, desfilaron por la alfombra roja George Clooney, Brad Pitt, Meryl Streep, Michelle Williams, Martin Scorsese o Gary Oldman. Se dieron dos premios especiales a John Hurt y a Martin Scorsese. Es resto de galardonados han sido los siguientes:

MEJOR PELÍCULA: The Artist
MEJOR DIRECTOR: Michel Hazanavicius (The Artist)
MEJOR ACTOR: Jean Dujardin (The Artist)
MEJOR ACTRIZ: Meryl Streep (The Iron Lady)
MEJOR FILM BRITÁNICO DEL AÑO: El topo (Tinker Tailor Soldier Spy)
MEJOR FILM DE ANIMACIÓN: Rango
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Christopher Plummer (Beginners)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Octavia Spencer (Criadas y señoras) (The Help)
MEJOR GUION ORIGINAL: The Artist (Michel Hazanavicius)
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: El topo (Tinker Tailor Soldier Spy) Bridget O'Connor, Peter Straughan
MEJOR FILM DE HABLA NO INGLESA: La piel que habito (The Skin I Live In)
MEJOR BANDA SONORA: The Artist (Ludovic Bource)
MEJOR FOTOGRAFÍA: The Artist (Guillaume Schiffman)
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: La invención de Hugo (Hugo) (Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo)
MEJOR MONTAJE (EDICIÓN): Senna (Gregers Sall, Chris King)
MEJOR VESTUARIO: The Artist (Mark Bridges)
MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte II (Harry Potter & the Deathly Hallows II)
MEJOR SONIDO: La invención de Hugo (Hugo)
MEJOR MAQUILLAJE: La Dama de Hierro (The Iron Lady) (Mark Coulier, J. Roy Helland, Marese Langan)
MEJOR ESCRITOR, DIRECTOR O PRODUCTOR DEBUTANTE: Redención (Tyrannosaur) Paddy Considine, Diarmid Scrimshaw
MEJOR DOCUMENTAL: Senna
MEJOR CORTOMETRAJE: Pitch Black Heist
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: A Morning Stroll
PREMIO ESPECIAL POR SU IMPORTANTE CONTRIBUCIÓN A LA CINEMATOGRAFÍA BRITÁNICA: John Hurt.
PREMIO HONORÍFICO: Martin Scorsese
PREMIO DEL PÚBLICO (Rising Star): Adam Deacon

A continuación algunas entrevistas de los protagonistas de la noche Michel Hazanavicius George Clooney

MONEYBALL: ROMPIENDO LAS REGLAS (Moneyball)

Aaron Sorkin y Steven Zaillian son, probablemente, los guionistas más aclamados de la actual industria cinematográfica. El primero ha escrito los guiones de Algunos hombres buenos, La guerra de Charlie Wilson o La red social, por el que ganó un Oscar. Asimismo, ha sido el responsable de algunas series televisivas como El ala oeste de la Casa Blanca o Studio 60. El segundo ha participado en títulos como La lista de Schindler –que también le reportó el premio de la Academia de Hollywood-, American Gangster, Acción civil o En busca de Bobby Fischer, cinta que además dirigió. El hecho de que ambos se unieran para realizar la adaptación a la gran pantalla del libro de Michael Lewis tan sólo hacía presagiar que el fruto de esa colaboración merecería la pena. Con Bennett Miller tras la cámara – ya había debutado en la dirección hace varios años con el film Truman Capote-, Moneyball ha sido toda una revelación en el mercado anglosajón. Entre sus varios reconocimientos, destacan seis nominaciones a las estatuillas doradas, incluidas las categorías de mejor película, actor, actor secundario y, cómo no, guion adaptado, cuatro a los Globos de Oro, tres a los BAFTA británicos y diversos premios de Asociaciones de Críticos como las de Washington, Toronto, San Diego o Nueva York, donde los dos escritores siempre terminaron por recoger su recompensa. De todas formas, yo no comparto el aluvión de galardones y reconocimientos que está cosechando este largometraje ya que, en mi opinión, y aunque no pueda calificarse como malo (que, obviamente, no lo es) no tendría que ser seleccionado para optar a ellos.

¿Cuáles son las virtudes de la película? Está bien interpretada, cuenta con algunas secuencias de comicidad muy acusada (aunque, curiosamente, en los Globos de Oro competía en los apartados de drama, no de comedia) y posee algunas escenas cuyos diálogos ingeniosos reflejan buena parte de las miserias y bondades humanas. ¿Cuáles son sus puntos débiles? El nivel de genialidad del guion no se mantiene durante todo el metraje (que resulta demasiado largo), intercala demasiadas secuencias de béisbol y excesivas referencias al lenguaje propio de un deporte que, como no domines, no logras entender y, por tanto, pierde interés.

En términos generales, Moneyball es un buen trabajo pero ni alcanza el sobresaliente ni está a la altura de los mejores del año. Supongo que la estrecha vinculación del público norteamericano con esta especialidad deportiva ha ayudado a que sea más aplaudida en su país que en el resto. Y es que, aunque en el fondo trate temas universales, el bate, el guante y la pelota lo inundan todo. Para explicarlo con un ejemplo, Million Dollar Baby de Clint Eastwood o Ali de Michael Mann pueden gustar más a un espectador al que no le agrade el boxeo que a quien vea Moneyball sin tener afición por el béisbol porque, a diferencia de ésta última, el eje central de las dos primeras se sitúa en los personajes y en la recreación narrativa, siendo el ring algo accesorio o secundario. Se trata de una diferencia muy sustancial.

FESTIVAL DE CINE DE BERLIN 2012 - BERLINALE (The Berlin International Film Festival)

Del 9 al 19 de febrero se desarrollará la 62 ª Festival Internacional de Cine de Berlín, en la que se proyectarán las películas que compiten por los Osos de Oro y de Plata. Dieciocho de los films tendrán su estreno mundial. Las producciones son de los siguientes países: Brasil, Canadá, Dinamarca, República Checa, Alemania, China, Francia, Grecia, Gran Bretaña, Hungría, Indonesia, Italia, Irlanda, Noruega , Filipinas, Portugal, Rusia, Suecia, Suiza, Senegal, España y los EE.UU.

El español Antonio Chavarrías, director de "Susanna", "Volverás y "Las vidas de Cecilia", debuta en el thriller psicológico con "Dictado", filme interpretado por Juan Diego Botto, Bárbara Lenie y Mágica Pérez. Spiros Stathoulopoulos, nacido en Bogotá y afincado en Grecia, centra su film, de producción germanogriega, en un joven monje del monasterio ortodoxo que da nombre a la película. Una proyección especial de Steven Soderbergh, thriller de acción Haywire en el Berlinale Palast a completar el programa.

Al laureado director Mike Leigh, que figura como Presidente del Jurado se le unirán: el actor Jake Gyllenhaal(Brokeback Mountain), el cineasta iraní Ashar Farhadi(Nader y Simin), el francés François Ozon y la actriz franco británica Charlotte Gainsbourg(Anticristo, Melancholia) , también se les une el fotógrafo y cineasta holandés Anton Corbijn, el escritor argelino Boualem Sansal y la actriz y cantante alemana Barbara Sukowa. Meryl Streep, recibirá el Oso de Oro de Honor.

El festival de cine de Berlín 2012 abrirá próximo mes con el estreno mundial del drama francés de "Les Adieux a la reine" dirigida por Benoit Jacquot, la película es una adaptación de la novela homónima de Chantal Thomas que retrata los primeros días de la Revolución Francesa, desde el punto de vista de los sirvientes que trabajaban en Versalles, cuenta con la participación de Diane Kruger ( Inglourious Basterds ), Léa Seydoux ( Midnight in Paris ) y Virginie Ledoyen ( Ejército de la delincuencia ).

"Estamos muy contentos de que un gran número de películas en competición de este año son estrenos mundiales.Muchas entradas en el Concurso 2012 giran en torno a los cambios radicales. Ellos cambian las perspectivas, la historia y las historias que presentan desde el punto de vista de los involucrados ", dice el director del Festival, Dieter Kosslick.

Entre las películas que se verán están:

1.- À moi seule (Coming Home) (Francia) de Frédéric Videau , con Agathe Bonitzer, Reda Kateb

2.- Bel Ami (Gran Bretaña) de Declan Donnellan, Nick Ormerod (debut) con Robert Pattinson, Uma Thurman, Kristin Scott Thomas, Christina Ricci. Estreno mundial / fuera de la competición

3.- En kongelig affære (Dinamarca / República Checa / Alemania / Suecia) de Nikolaj Arcel con Mads Mikkelsen, Alicia Vikander, Dyrholm Trine, Dencik David, Mikkel Boe Følsgaard. Estreno mundial

4.- Flying Swords Of Dragon Gate (Hong Kong, China) de Tsui Hark con Jet Li, Zhou Xun, Chen Kun, Kwai Lun Mei.

5.- Rebelle (Canadá) de Kim Nguyen con Rachel Mwanza, Alain Bastien, Serge Kanyinda

6.- Shadow Dancer (Gran Bretaña / Irlanda) de James Marsh con Clive Owen, Andrea Riseborough, Gillian Anderson

Proyecciones especiales en el Berlinale Palast está Haywire (EE.UU.) de Steven Soderbergh con Gina Carano, Ewan McGregor, Michael Fassbender, Channing Tatum

Otras películas anunciadas son:

Aujourd´hui de Alain Gomis, France/Senegal

Barbara de Christian Petzold, Germany

Captive de Brillante Mendoza, France/Philippines/Germany/Great Britain

Cesare deve morire (Caesar Must Die) de Paolo and Vittorio Taviani, Italy

Csak a szél (Just The Wind) de Bence Fliegauf, Hungary/Germany/ France

Dictado (Childish Games) de Antonio Chavarrías, Spain -

Extremely Loud And Incredibly Close de Stephen Daldry, USA (fuera de competición)

Gnade (Mercy) de Matthias Glasner, Germany/Norway

Jayne Mansfield’s Car de Billy Bob Thornton, Russian Federation/USA

Jin líng Shí San Chai (The Flowers Of War) de Zhang Yimou, China (fuera de competición)

Kebun binatang (Postcards From The Zoo) de Edwin, Indonesia//Hong Kong, China

L´enfant d’en haut (Sister) de Ursula Meier, Switzerland/France

Les Adieux à la reine de Benoît Jacquot, France/Spain

Metéora (Meteora) de Spiros Stathoulopoulos, Germany/Greece

Tabu dey Miguel Gomes, Portugal/Germany/Brazil/ France

Was bleibt (Home For The Weekend) de Hans-Christian Schmid, Germany

A continuación, el trailer de la película de Zhang Yimou con Christian Bale

J. EDGAR (J. Edgar)

Clint Eastwood, con ochenta años cumplidos, más de cincuenta interpretando y cuarenta dirigiendo, no solo es uno de los referentes del cine norteamericano actual sino, además, uno de los realizadores que, conforme avanza en edad, mejora notablemente en su calidad como cineasta. Sin duda, firma sus mejores trabajos a partir de las década de los noventa, por aquel entonces ya con muchas películas a sus espaldas. Con cuatro Oscar obtenidos de entre un total de diez nominaciones, es actualmente uno de los directores más respetados y sobresalientes de la industria de Hollywood. Pese a tener fama ganada en su primera etapa como actor de ser un especialista en el cine de acción y en la caracterización de personajes rudos, lo cierto es que ha destacado verdaderamente gracias a otras interpretaciones, de una sensibilidad y dramatismo difíciles de igualar. Sin perdón, Million Dollar Baby, Mystyic River, Los puentes de Madison o Más allá de la vida son algunas muestras de su capacidad para transmitir al espectador experiencias originales, profundas y narradas con gran habilidad.

J. Edgar no está a la altura de sus títulos más destacados pero posee suficientes argumentos para pasar por taquilla y acudir a las salas de proyección. Se trata de una cinta bien realizada, bien ambientada y muy bien interpretada. Sin embargo, no logra mantener el mismo nivel de intriga e intensidad en todas las partes de un metraje quizás excesivo y lo más probable es que, quienes no sean aficionados a las tramas histórico-políticas, no consigan digerir este biopic del primer responsable máximo del F.B.I. No obstante, hay que concluir que sus méritos son muy superiores a sus posibles defectos. Estamos ante una historia interesante, sobre todo para los amantes del análisis de la idiosincrasia de la cultura política y de los personajes que han influido en ella.

Sorprende que no haya recibido ninguna nominación a los premios de la Academia de Hollywood anunciados hace apenas una semana. Existen varias categorías en las que su presencia no hubiera sido una sorpresa y, en mi opinión, hay una en concreto –mejor actor principal- donde su ausencia sí supone, no ya una sorpresa, sino incluso una injusticia. Leonardo Dicaprio está excepcional dando vida a John Edgar Hoover, demostrando nuevamente que aborda a la perfección la recreación de personajes reales. En El aviador encarnó al mítico Howard Hughes. Destacó igualmente en Atrápame si puedes en la piel de otra persona que existió en la vida real – Frank Abagnale Jr.- y se ha anunciado que será Frank Sinatra en el proyecto que sobre el popular artista prepara el incansable Martin Scorsese. De seguir en esta línea, Dicaprio deberá desprenderse de su eterna etiqueta de actor joven y guapo para ser recordado como un gran profesional de la interpretación. Junto al californiano, completan el reparto la actriz Naomi Watts, a quien hemos visto en El velo pintado, Promesas del este o King Kong (en la versión de su compatriota, el australiano Peter Jackson), y la veterana Judi Dench, próximamente en cartel con otro de los largometrajes de esta temporada, Mi semana con Marylin, sobre la célebre actriz de Con faldas y a lo loco y que se estrenará el próximo 24 de febrero.

LOS IDUS DE MARZO (The Ides of March)

George Clooney lleva varios años demostrando que es un cineasta todo terreno. Después de haber superado con buena nota el difícil tránsito de la televisión al cine, ya atesora en su currículum trabajos muy notables en su triple faceta de intérprete, guionista y realizador. Su fama de seductor y galán cómico no impide que también se le considere uno de los directores más interesantes del actual panorama cinematográfico. Un Oscar al mejor actor secundario por Syriana, tres nominaciones más a la estatuilla dorada por Michael Clayton, Up in the Air y Los descendientes, alabanzas y reconocimientos a su labor de escritor en Buenas noches y buena suerte y una participación múltiple en la producción, dirección, interpretación y guión de Los idus de marzo demuestran que nos hallamos ante un profesional serio, solvente y creativo.
Sinceramente, considero que los reconocimientos que ha obtenido esta película en forma de una nominación a los premios de la Academia de Hollywood al mejor guion adaptado, al BAFTA en la misma categoría y las cuatro candidaturas a los Globos de Oro (en esta ocasión, incluyendo mejor película, director y actor) no son suficientes para recompensar a un film tan inteligente, entretenido y bien interpretado. Particularmente, creo que esta visión crítica e intensa de las campañas presidenciales norteamericanas atesora calidad a raudales y pone de manifiesto que detrás este proyecto se esconde un cineasta de altura. Es cierto que siento una especial predilección por los largometrajes que abordan temáticas centradas en asuntos electorales, en sistemas de gobierno y en tramas políticas y, por ello, soy un espectador muy receptivo a este tipo de historias. Pero, al margen de mis preferencias, hay que reconocer que esta cinta posee uno de los guiones más ágiles, mordaces e interesantes de 2011. A través de unos personajes bien perfilados y de unos diálogos brillantes, Clooney sumerge al espectador en una intriga que le engancha y que ya no le suelta hasta el final de la proyección.
Además, asistimos a una serie de duelos interpretativos muy destacados. Su protagonista, Ryan Gosling, culmina un año de gracia después de su acertada actuación en Drive gracias a un personaje como Stephen Meyers, marcado por los dilemas morales y por las encrucijadas personales. En papeles más secundarios le acompañan Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti y Evan Rachel Wood, cuyas notable interpretaciones encajan a la perfección con sus personajes, creíbles y bien definidos. De seguir en esta línea de obras comprometidas y valientes, George Clooney se convertirá en un cineasta de culto, sin perjuicio de que participe ocasionalmente en algunas superproducciones cómicas o de acción destinadas a un espectro de público más amplio, el de palomitas y grandes ingresos en taquilla. Pero, si se analiza con detenimiento su carrera profesional, habrá que concluir que aquellos títulos en los que se implica personalmente reflejan una calidad incuestionable. Su próximo proyecto, en esta ocasión solo como actor, lo colocará a las órdenes del director mexicano Alfonso Cuarón y en compañía de Sandra Bullock y, como ya sucediera en Solaris, retornará a ese género que se extiende entre la ciencia ficción y el thriller. A buen seguro será muy interesante.

Película: Los idus de marzo. Título original: The ides of march.
Dirección: George Clooney.
País: USA. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama.
Interpretación: Ryan Gosling (Stephen Meyers), George Clooney (gobernador Mike Moris), Philip Seymour Hoffman (Paul Zara), Paul Giamatti (Tom Duffy), Marisa Tomei (Ida), Jeffrey Wright (senador Thompson), Evan Rachel Wood (Molly), Max Minghella (Ben).
Guion: George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon; basado en la obra “Farragut North”, de Beau Willimon.
Producción: George Clooney, Grant Heslov y Brian Oliver.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Montaje: Stephen Mirrione.
Diseño de producción: Sharon Seymour.
Vestuario: Louise Frogley.

Premios y nominaciones:

Premios Oscar de la Academia de Hollywood: Nominada al Mejor Guion adaptado: George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon

Premios BAFTA: Nominado al Mejor Guion adaptado: George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon y al Mejor Actor Secundario: Philip Seymour Hoffman

Globos de Oro: Nominada a la Mejor Película, Mejor Actor: Ryan Gosling, Mejor Director: George Clooney, Mejor Guion Adaptado: George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon

HOMENAJE A CLARK GABLE (Clark Gable)

Tal día como hoy, un uno de febrero, el mítico actor Clark Gable nació en Cadiz (Ohio) en 1901. En 1924 fue a Hollywood con la ayuda financiera de una agente de teatro, Josephine Dillon, que se convirtió en su manager y también en su esposa, a pesar de que era 10 años mayor que él. Gable pasó varios años actuando en pequeños papeles de películas y apareciendo también de nuevo en obras teatrales. En 1930 pudo firmar finalmente un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer. A partir de entonces intervino en varias películas.

Gable ganó un Óscar al mejor actor principal por Sucedió una noche, película de 1934. A pesar de ello se le conoce más por su papel de Rhett Butler en el clásico del cine Lo que el viento se llevó, film rodado en 1939. En 1935 también había sido nominado al Óscar por su intervención en Mutiny on the Bounty (Rebelión a bordo).

En la película "No Man Of Her Own" (1932) Clark coincidió con una rubia actriz llamada Carole Lombard. Desde esa fecha mantuvieron flirteos hasta su vínculo marital en una boda celebrada en el año 1939 tras el divorcio de Gable con la millonaria Langham.

El feliz matrimonio acabó en tragedia ya que Carole falleció tres años después en un accidente de aviación, sumiendo a Gable en una profunda depresión que le llevó a abandonar el cine durante tres años, período en el que estuvo sirviendo en el ejército norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial.

Por esas razones, en especial la muerte de Carole Lombard, los años 40 no fue una buena época profesional ni personal para Clark Gable, quien protagonizó pocas películas, entre ellas "Fruto Dorado" (1940), "The Hucksters" (1947) o "Quiero A Este Hombre" (1941), las tres dirigidas por Jack Conway, "Strange Cargo" (1940) de Frank Borzage, o "Sublime Decisión" (1948), un título realizado por Sam Wood.

Los años 50 recuperaron el atractivo comercial de Gable. Rompió el contrato con la Metro, se casó en 1949 con su cuarta mujer, Sylvia Ashley (ex esposa de Douglas Fairbanks), y se convirtió en actor freelance, apareciendo en populares films como "Mogambo" (1953) de John Ford, "Cita en Hong-Kong" (1955) de Edward Dmytrik, "Torpedo" de Robert Wise, o "Vidas Rebeldes" (1961), su última película a las órdenes de John Huston y con un reparto más que legendario, ya que los co-protagonistas de Gable eran Marilyn Monroe y Montgomery Clift.

Tras romper con Sylvia Ashley, Clark Gable se casó en 1955 con su última esposa, Kay Spreckles, con la que tuvo a su único hijo, John Clark Gable. Judy Lewis, hija de Loretta Young, era hija ilegítima del actor de Ohio, quien mantuvo un tórrido romance con Loretta mientras ambos rodaron "La Llamada De La Selva" (1935). Poco antes del nacimiento de su hijo, Clark, apodado "El Rey De Hollywood", había fallecido a los 59 años el 16 de noviembre de 1960. Fue enterrado por expreso deseo al lado de su gran amor, Carole Lombard.