Michelle Pfeiffer nació en California el 29 de abril de 1958. Actriz estadounidense ganadora de un Globo de Oro y nominada al Oscar en tres ocasiones, debutó en el cine en 1980 con la cinta “The Hollywood Knights”. En 1982 estrenó la segunda parte de “Grease” y un año después rodó una de sus películas más populares “El precio del poder”, junto a Al Pacino. De esa época son también “Cuando llega la noche” (1985) y “Lady Halcón” (1985).
Posteriormente participó en “Las brujas de Eastwick” (1987), “Casada con todos” (1988) y “Conexión Tequila” (1988). A finales de los ochenta protagonizó dos de sus largometrajes más importantes: “Las amistades peligrosas” (1988), por la que recibió su primera candidatura a la estatuilla dorada de Hollywood y “Los fabulosos Baker Boys” (1989), que le reportó su Globo de Oro y la segunda opción al Oscar.
Prolongó los éxitos y las buenas interpretaciones en los inicios de la década de los noventa gracias a “La casa Rusia” (1990), “Por encima de todo” (1992) -su tercera candidatura al premio de la Academia- y “La edad de la inocencia” (1993). A dicha etapa corresponden también “Frankie y Johnny” (1991) y “Batman vuelve” (1992). Actuó asimismo en títulos como “Lobo” (1994), “Mentes peligrosas” (1995), “Íntimo y personal” (1996) y “Un día inolvidable” (1996).
Ya en el nuevo milenio la hemos podido ver en “Lo que la verdad esconde” (2000), “Yo soy Sam” (2001), “Stardust (2007)” o “Chéri” (2009).
La semana pasada se estrenó en la plataforma Netflix la película “Sergio”, cuya romántica trama refleja una visión bastante idealista de la diplomacia internacional en el contexto de la Organización de las Naciones Unidas. Por regla general, la plasmación en imágenes de discursos políticamente correctos o de conveniencia de buenas intenciones en un planeta plagado de conflictos, guerras y ambiciones, se torna poco creíble. Sin embargo, en esta ocasión se nos presenta de una forma tan agradable que, durante dos horas, embelesa los ojos y acaricia los oídos. Nos sitúa ante la esperanza de un mundo más amable y de un futuro más hermoso, aunque al final nos propina un zarpazo de realidad descarnada, recordándonos que la brutalidad y la tristeza parecen acompañar a la Humanidad de un modo inexorable. Aun así, vale la pena introducirse en esta ensoñación escenificada con acierto.
Sobresale por encima de todo la preciosa relación sentimental entre dos personas que se conocen y enamoran en un escenario de violencia y miseria poco propicio, pese a la belleza de los entornos naturales. En mi opinión, se trata de una hermosa historia de amor. Interesante, emotiva y conmovedora. De las mejores, sin duda, que he contemplado en los últimos años. Basada en hechos reales, genera no obstante algunas dudas sobre la fidelidad de los acontecimientos que relata. En cualquier caso, no cabe encorsetar la ficción bajo el corsé de la realidad, máxime cuando la suma de ambas da como resultado una obra tan entrañable, emocional y entretenida.
El diplomático brasileño Sergio Vieira de Mello trabajó en la O.N.U. durante treinta y cuatro años. De entre sus misiones en diversas zonas del mundo, el film se centra en dos: su labor como administrador provisional de las Naciones Unidas en Timor Oriental (territorio ocupado por Indonesia hasta su independencia) y, posteriormente, su desempeño como representante especial del citado organismo en Irak, destino previsto inicialmente por un plazo de cuatro meses y en el que sufrió un atentado el 19 de agosto de 2003. Su figura gozaba de tal respeto y reconocimiento mundial que, tras su fallecimiento, Brasil, Timor Oriental, Portugal y Camboya decretaron el luto oficial.
Dirige la cinta Greg Barker, quien ya realizó en 2009 un documental sobre Vieira de Mello que obtuvo una nominación al Emmy. Este largometraje supone su debut en la pantalla grande y lo lleva a cabo con corrección. Tal vez le falte un punto de raza y brío a la hora de trasladar los problemas y tensiones políticas, pero resulta hábil con la escenografía y la recreación visual. Juega de una forma certera con los espacios naturales y los colores, logrando que el público, embriagado por los sentidos, se involucre en un relato que merece ser contado, disfrutado y también sufrido.
Sus protagonistas indiscutibles son Wagner Moura (actor brasileño visto en “Tropa de élite” y su secuela, “Elysium” y “Trash, ladrones de esperanza”, si bien debe su mayor popularidad al papel de Pablo Escobar en la serie televisiva “Narcos”), que lleva a cabo una notable interpretación, y Ana de Armas que, pese a su juventud, presenta un currículum muy meritorio. Candidata al Globo de Oro por su actuación en “Puñales por la espalda”, participó asimismo en “Juego de armas” y destacó en “Blade Runner 2049”. Su lucimiento delante de la cámara le avala como una actriz a seguir teniendo muy en cuenta. Debido a las circunstancias derivadas de este tiempo de pandemia, todavía está en el aire su estreno como Chica Bond en “Sin tiempo para morir”. Tanto ella como su director, Cary Joji Fukunaga, constituyen dos razones de peso para anhelar el visionado de las próximas aventuras del agente 007.
Les acompañan Brían F. O'Byrne (“The International: Dinero en la sombra”, “Million Dollar Baby”), Bradley Whitford (“Déjame salir”, “Al encuentro de Mr. Banks”) y Garret Dillahunt (“12 años de esclavitud”, “No es país para viejos”).
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Datos del filme
Título original: Sergio
Año: 2020
Duración: 118 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Greg Barker
Guion: Craig Borten
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Adrian Teijido, Rich B. Moore Jr.
Reparto: Wagner Moura, Ana de Armas, Brian F. O'Byrne, Garret Dillahunt
El actor Jack Nicholson nació en Nueva Jersey el 22 de abril de 1937 y a lo largo de su trayectoria profesional ha resultado premiado con tres Oscars, seis Globos de Oro (siete, si contamos el premio honorífico Cecil B. DeMille) y tres BAFTA británicos, entre otros muchos galardones.
Debutó en 1958 en la pantalla grande con “Grita, asesino”, si bien su carrera artística se consolidó en la década de los sesenta gracias a títulos como “La pequeña tienda de los horrores” (1960) o “Easy Rider (Buscando mi destino)”(1969). Su popularidad llegó definitivamente en los años setenta a través de “Mi vida es mi vida” (1970), “Chinatown” (1974) y, sobre todo, “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975), por cuyo papel ganó la primera estatuilla dorada.
Ya en los ochenta destacó en “El resplandor” (1980), “El cartero siempre llama dos veces” (1981), “Rojos” (1982), “La fuerza del cariño” (1983) -su segundo Oscar-, “El honor de los Prizzi” (1985), “Se acabó el pastel” (1986) y “Batman” (1989).
Su racha de éxitos prosiguió con “Algunos hombres buenos” (1992), “Hoffa: un pulso al poder” (1992), o “Mejor... imposible” (1997) -su tercera estatuilla-.
En el nuevo milenio cabe destacar su participación en “Infiltrados” (2006).
Algunas cintas recuerdan sospechosamente a otras, ya sea por el estilo narrativo, la temática, el modelo de personajes o el tipo de secuencias rodadas. Dan la impresión de que su idea original nació del deseo de clonar un éxito anterior o de repetir un proyecto de gran repercusión en el pasado. Se trata de largometrajes que presentan un cruce o mezcla de títulos de referencia dentro de un concreto género cinematográfico. Es exactamente la impresión que me ha producido “Amor. Boda. Azar.”, uno de los últimos estrenos de la plataforma Netflix, que trata de conquistar la taquilla combinando “Cuatro bodas y un funeral” (1994) y “Love Actually” (2003), dos referentes indiscutibles de la comedia romántica contemporánea. La primera, nominada al Oscar a la mejor película, alcanzó un notable triunfo en todo el mundo. La segunda, de obligada visión en época navideña, ofrece un ramillete de escenas memorables que la elevan a la categoría de obra de culto, aunque en otros momentos resulte más prescindible.
Por lo tanto, partía ya de un listón muy alto y, como era de esperar, “Amor. Boda. Azar” ni se acerca, ni alcanza, ni supera sus fuentes de inspiración, lo cual no obsta para que provoque algunas sonrisas en los espectadores e hilvane varios diálogos ingeniosos dentro de una trama en la que ese público proclive a los enredos amorosos y los malos entendidos sentimentales pueda disfrutar de un entretenimiento básico durante poco más de hora y media. Dicho de otro modo, obtiene el aprobado a pesar de que un reto superior le queda grande.
Dean Craig, con amplia trayectoria como guionista, debuta tras la cámara con este trabajo. De hecho, repasando su currículum, se aprecia una extraña tendencia hacia los sacramentos y las celebraciones. En 2007 escribió “Un funeral de muerte”, con dirección de Frank Oz. En 2010 volvió a firmar el guion de otro filme titulado igualmente “Un funeral de muerte”, dirigido en aquella ocasión por Neil LaBute. Un año después estrenó “Una boda de muerte” (así llegó a las salas en España, si bien su título original era “A Few Best Men”, un guiño a la emblemática cinta de Rob Reiner). A la vista está que su vinculación con casamientos y enterramientos comienza a resultar preocupante, por lo que se impone recomendarle un cambio de tercio.
En realidad, “Amor. Boda. Azar” es un “remake” de la película francesa “Plan de table” (2012), que pretende barnizar con estilo anglosajón y trasfondo italiano su trama inicial (un coctel cultural que, en ocasiones, funciona y, en ocasiones, se atasca). En otras palabras, un cúmulo de embrollos y situaciones hilarantes que dan cabida a toda clase de personajes en torno a un enlace nupcial.
Jack hará lo posible y lo imposible para que la boda de su hermana pequeña se celebre sin problemas y en una jornada perfecta. Pero, para conseguir ese objetivo, tendrá que lidiar primero con una ex novia enfadada, un invitado no deseado que guarda un secreto sobre la novia, un sedante puesto en la copa equivocada y, además, Dina, la mujer de la que está enamorado.
Dentro del equipo artístico destaca Olivia Munn, popular gracias a la magnífica serie de televisión “The Newroom”, pero que no termina de despuntar con un buen papel en la pantalla grande. Sus actuaciones en “Magic Mike”, “X-Men: Apocalipsis” o la versión del año 2018 de “Predator” no le han dado opción a lucimiento alguno. Le acompaña Sam Claflin, quien sí ha triunfado en el cine con “Antes de ti”, “Mi prima Rachel” y la saga “Los juegos del hambre”. Completa el reparto la actriz Freida Pinto (“Slumdog Millionaire”, “Conocerás al hombre de tus sueños”).
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Datos del filme
Título original: Love. Wedding. Repeat
Año: 2020
Duración: 100 min.
País: Reino Unido
Dirección: Dean Craig
Guion: Dean Craig, Francis Nief, Christelle Raynal
Fotografía: Hubert Taczanowski
Reparto: Sam Claflin, Olivia Munn, Freida Pinto, Eleanor Tomlinson, Aisling Bea
El actor y músico estadounidense Lukas Haas nació en West Hollywood (California) el 16 de abril de 1976.
Debutó en la pantalla grande con la película “Testamento final” (1983), si bien obtuvo el mayor éxito profesional gracias a su interpretación en la cinta “Único testigo” (1985), protagonizada por Harrison Ford.
Más tarde participó en títulos como “El misterio de la dama blanca” (1988), “La caja de música” (1989), “El precio de la ambición” (1991), “Todos dicen I Love You” (1996) o “Mars Attacks!” (1996).
Entre sus últimas actuaciones figuran las de “Origen” (2010), “Lincoln” (2012) y “El renacido” (2015).
Adrien Brody nació en Nueva York el 14 de abril de 1973. Ganador del Oscar al mejor actor gracias a su actuación en “El pianista”, se convirtió con tan sólo 29 años en el premiado más joven dentro de la citada categoría. También se hizo acreedor del César de la Academia Francesa de Cine por la misma película, siendo hasta la fecha el único artista estadounidense que ha recibido dicho galardón.
Debutó en la gran pantalla con la cinta “Historias de Nueva York” (1989), en concreto en el relato titulado “Life without Zoe", dirigido por Francis Ford Coppola. Posteriormente, participó en “El niño que gritó puta” (1991), “El rey de la colina” (1993) y “La delgada línea roja” (1998).
Coincidiendo con la llegada del nuevo milenio rodó “Las flores de Harrison” (2000), hasta que en 2002 estrenó el film “El pianista”, una de cuyas tres estatuillas doradas recayó en el propio Brody. Después de aquel gran éxito ha intervenido en títulos como “El bosque” (2004), “King Kong” (2005), “Hollywoodland” (2006), “Viaje a Darjeeling” (2007), “Midnight in Paris” (2011) o “El Gran Hotel Budapest” (2014).
Acaba de estrenarse en la plataforma Netflix la película “Hogar”, un thriller que pretende aunar la intriga clásica con otras referencias más dramáticas y sociales. Y, ciertamente, en un inicio consigue captar la atención gracias a unos personajes cercanos y a una historia con expectativas de albergar un notable entretenimiento. Sin embargo, la trama va introduciéndose por unos laberintos en los que el propio largometraje termina por perderse. Los vericuetos por los que transita la narración, así como las herramientas empleadas para generar tensión y suspense, llevan a una serie de callejones sin salida de los que resulta imposible escapar con credibilidad. A medida que avanza el metraje, el relato resulta más inverosímil y deja por el camino demasiados cabos sueltos, hasta provocar la sensación de que sus autores han ideado un argumento que no han sabido concluir, enredados en sus propias trampas y maniatados a la hora de ofrecer un final creíble. En la cinta “The International: dinero en la sombra” se indica que "la diferencia entre ficción y realidad es que la ficción ha de tener lógica" y, en este concreto caso, la lógica se va perdiendo con el transcurso de los minutos.
Àlex y David Pastor, responsables de “Infectados (Carriers)” y “Los últimos días”, se sitúan detrás de la cámara, logrando con unos acertados minutos iniciales obtener la atención del espectador. Se aprecia en ellos cierto manejo de las técnicas básicas de la narración, si bien caen finalmente en los recursos más tradicionales y repetitivos del género. De hecho, a medida que transcurre la proyección, se nota un declive que convierte a la película en un telefilm de sobremesa.
Un publicista en busca de trabajo está padeciendo una situación de crisis económica que le impide mantener su lujosa casa y el nivel de vida que disfrutaba junto a su familia. Obsesionado por la pérdida de su estatus, se dedica a vigilar al nuevo ocupante del que era su hogar, entrometiéndose en su vida hasta perjudicarle intencionadamente, en un intento desesperado por recuperar su puesto privilegiado, aunque ello suponga poner en riesgo su matrimonio y la peculiar relación que mantiene con su hijo.
Se detecta en el tratamiento de la historia una marcada tendencia a los convencionalismos, y también una dejación ante el reto de buscar fórmulas originales para plasmar cinematográficamente aquello que se desea contar. Antes de verlo en pantalla, ya se adivina lo que va a ocurrir, restando de ese modo la tensión y la intriga y, peor aún, el interés por el devenir del enredo. En definitiva, escasos riesgos e irregular resultado para un proyecto que prometía más de lo que ofrece.
No obstante, el apartado interpretativo sí presenta un balance digno. Javier Gutiérrez, pese a las limitaciones derivadas de las carencias del guion, consigue hacer verosímil su personaje, convirtiéndose en lo mejor del largometraje. El actor asturiano es todo un referente en el panorama actual del cine español. Ganador de dos premios Goya, sus trabajos en “La isla mínima” y “El olivo”, entre otros, son realmente magníficos y, sin duda, sostiene sobre sus hombros el peso del film. Le acompaña Mario Casas, visto en las interesantes “El fotógrafo de Mauthausen” y “Palmeras en la nieve”. Se constatan ciertas limitaciones en su interpretación, aunque no todas imputables a él, pues esas insuficiencias en el guion y la realización puede que también afecten a su capacidad interpretativa.
A cargo de papeles secundarios completan el reparto las actrices Bruna Cusí (“Verano 1993”) y Ruth Díaz (“Tarde para la ira”).
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Datos del filme
Título original: Hogar
Año: 2020
Duración: 103 min.
País: España
Dirección: Àlex Pastor, David Pastor
Guion: Àlex Pastor, David Pastor
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Pau Castejón
Reparto: Javier Gutiérrez, Mario Casas, Bruna Cusí, Ruth Díaz, David Ramírez
Russell Crowe nació en Nueva Zelanda el 7 de abril de 1964. Actor, director y productor de cine, debutó en la pantalla grande en 1990 con las películas “Juramento de sangre” y “The Crossing”. Al año siguiente rodó a las órdenes de Jocelyn Moorhouse “La prueba”, aunque su popularidad comenzó a crecer tras aparecer en “Rápida y mortal” (1995), de Sam Raimi, junto a Sharon Stone y Gene Hackman, y “Virtuosity” (1995), acompañando a Denzel Washington.
No obstante, su ascenso a la cima de los mejores intérpretes coincidió con el rodaje de “L.A. Confidential” (1997), film que obtuvo dos Oscars de Hollywood de sus nueve nominaciones. Posteriormente se consolidó con la excepcional cinta “El dilema” (1999), de Michael Mann, que coprotagonizó con Al Pacino y que le reportó su primera candidatura a la estatuilla dorada, premio que consiguió finalmente gracias a su papel en “Gladiator” (2000), de Ridley Scott. optando nuevamente al prestigioso galardón en 2001 por su actuación en “Una mente maravillosa (2001), de Ron Howard.
Sus trabajos sucesivos fueron “Master and Commander: Al otro lado del mundo” (2003), de Peter Weir, “Cinderella Man: El hombre que no se dejó tumbar” (2005), de nuevo con Howard, “El tren de las 3:10” (2007), de James Mangold, “American Gangster” (2007) y “Red de mentiras” (2008), dirigidas también ambas por Scott. Por lo tanto, su etapa profesional más brillante se desarrolló entre 1997 y 2008.
Entre sus últimos proyectos destacan “Los miserables” (2012), “El maestro del agua” (2014) -su estreno en la dirección-, “Dos buenos tipos” (2016) e “Identidad borrada” (2018).
Desde el 27 de marzo se puede ver en la plataforma Netflix la película “El sumiller”, un retrato que compagina el estilo costumbrista con un cierto toque rompedor. Se encuadra dentro de los dramas familiares y las historias de superación personal y, en atención a ese aspecto, la narración es correcta y las interpretaciones, efectivas. La trama tal vez adolezca de un grado de intensidad y los personajes de un mayor empaque para captar el interés del espectador. No obstante, como melodrama cumple con las expectativas y ofrece una visión diferente de las luchas intergeneracionales, raciales y sociales.
Debuta en la dirección Prentice Penny, californiano con alguna experiencia en la producción de series televisivas y que se estrena como cineasta con esta apuesta amable por una cinta tradicional en las formas y muy medida en el tono. Los problemas que sufren los afroamericanos en Norteamérica, los derivados entre padres e hijos y la eterna lucha por abrirse camino en la vida por los propios medios se proyectan de un modo afable, sin riesgos ni fórmulas transgresoras, pero con la seguridad de mantener un nivel mínimo de calidad. El realizador no ha asumido excesivos riesgos ni se ha aventurado por caminos poco transitados, pero aun así logra concluir su proyecto con un aprobado alto.
El joven Elijah sueña con convertirse en maestro sumiller, aunque su padre cuenta con él para que se haga cargo del negocio que regenta en Memphis, un restaurante que fundó su abuelo y que es famoso, sobre todo, por sus costillas. Según una norma no escrita, parece que la tradición impone el paso a la siguiente generación y, si bien en un inicio, el muchacho intenta compaginar ambos objetivos, las tareas le resultarán incompatibles. A costa de un gran enfado con su progenitor, se decanta finalmente por el mundo de los vinos, lo que le supone un enorme coste económico y sentimental. El destino tampoco se lo va a poner fácil, ya que la enfermedad de su madre y el ambiente elitista asociado a su futura profesión le colocarán varias veces a prueba.
Para tratarse de una opera prima, “El sumiller” es una obra detallista y sensible que opta por reflejar una visión esperanzadora del drama y, además, proporcionar algunas dosis de consuelo cuando la tristeza del relato se hace presente por momentos. Se echan en falta más aportaciones de los personajes y un mayor revulsivo en determinados aspectos de la narración, cuyo ritmo se desarrolla pausadamente. Ni siquiera la amplia selección de canciones de hip hop es capaz de quebrar el permanente tono sosegado del metraje. Sin embargo, ello no es óbice para calificar la historia como creíble y honesta, y considerarla un notable comienzo para un futuro cineasta.
Su protagonista, Mamoudou Athie, ha intervenido con papeles secundarios en títulos como “El círculo” (compartiendo cartel con estrellas de la talla de Tom Hanks y Emma Watson) y “El candidato”, dirigido por Jason Reitman y con Hugh Jackman encabezando el reparto. Ahora mismo se encuentra rodando la tercera parte de “Jurassic World”. El actor Courtney B. Vance, cuya filmografía es más conocida, interpreta a su padre. Nominado a los Globos de Oro en el apartado de televisión por su actuación en “American Crime Story”, ha participado en “La caza del Octubre Rojo”, de John McTiernan, “Space Cowboys”, de Clint Eastwood o “Mentes peligrosas”, de John N. Smith.
En el apartado femenino figuran Niecy Nash, con una amplia carrera televisiva y que para la gran pantalla ha intervenido en “Adivina quién” y “Una vida a lo grande”, y Sasha Compère, vista brevemente en “Ad Astra”.
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Datos del filme
Título original: Uncorked
Año: 2020
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Prentice Penny
Guion: Prentice Penny
Fotografía: Elliot Davis
Reparto: Mamoudou Athie, Courtney B. Vance, Niecy Nash, Matt McGorr
Se cumplen 35 años del estreno de “Único testigo” (Witness), film estadounidense del género de thriller dirigido en 1985 por Peter Weir y protagonizado por Harrison Ford, Kelly McGillis, Lukas Haas, Danny Glover, Alexander Godunov y Viggo Mortensen en los papeles principales.
El largometraje fue candidato a 8 Oscars (incluyendo los de mejor película, actor y director), de los que ganó dos (mejor guion original y montaje) y a otros diez premios internacionales (candidato a seis Globos de Oro y a siete BAFTAS, obteniendo el de mejor banda sonora en este último caso).
Cuenta la historia de Rachel Lapp (Kelly McGillis), una mujer de la comunidad Amish de Pensilvania que, junto a su hijo Samuel (Lukas Haas), realiza un viaje en tren para visitar a una pariente. Durante un transbordo, el niño va al baño de la estación y allí presencia un asesinato. El inspector al que le es asignado el caso, John Book (Harrison Ford), descubre que el pequeño es el único testigo del crimen, circunstancia que también conocen los asesinos y razón por la que planean matar tanto a Samuel como a Book. El policía resulta herido y se refugia en el pueblo donde viven Rachel y su familia, tratando así de pasar desapercibido. Poco después, sin embargo, comprueba que no es un lugar tan seguro como pensaba.
