ALOHA

Reconozco mi debilidad por Cameron Crowe. Admiro su evidente capacidad a la hora de abordar las complicaciones emocionales que, unida a su sensibilidad, son fuentes de las que emana buen cine. Aun así, tan sólo dos de sus películas me parecen muy recomendables, “Casi famosos” y “Elizabethtown”, ambas con infinidad de secuencias que no me canso de ver y con diálogos e interpretaciones que perviven en mi memoria. En el resto de su filmografía (“Jerry Maguirre”, “Solteros” o “Un lugar para soñar”), el número de escenas realmente emocionantes disminuye considerablemente. 

En otras palabras, su virtuosismo para rodar planos memorables es inversamente proporcional a su habilidad para combinarlos en un producto final coherente y creíble. Personalmente le perdono este defecto, que ha compensado con creces tocando mi fibra sensible, pero no todos los espectadores son así de indulgentes y el número de aficionados que ya consideran a Crowe una joven promesa venida a menos y que acrecienta su decadencia con cada nuevo título, aumenta por momentos. Lo que es cierto es que esa incompetencia para dotar de rigor a su obra comienza a ser preocupante. Las extravagancias y excentricidades que oferta agradan cada vez a menos gente y los minutos de metraje que reflejan una emotividad sincera quedan difuminados en el desorden del relato. 

“Aloha” cuenta la historia de un ingeniero militar, contratista en materia de Defensa, que pretende cambiar su mala racha profesional supervisando el lanzamiento de un satélite desde Hawai. Allí coincide con una capitana, piloto de las Fuerzas Aéreas, y con su antigua novia, a quien no ve desde hace trece años. Sus mundos personal y laboral se complicarán con rapidez en una trama en la que la idiosincrasia hawaiana adquiere un especial protagonismo. 

Aunque incluso a mí me resultaron tediosos varios tramos del largometraje, pueden creerme cuando afirmo que existe calidad en Cameron Crowe. Tan sólo es preciso tener paciencia y saber descubrir lo bueno que hay en él. Las bromas relativas a esas islas del Pacífico tal vez se entiendan en Estados Unidos, así como los problemas de su nacionalismo, pero a este lado del Atlántico son difíciles de digerir. Asimismo, el planteamiento de un consorcio privado que utiliza a las Fuerzas Armadas norteamericanas para emprender la conquista del espacio resulta demasiado chapucero y ridículo. Sin embargo, dentro de ese caos narrativo, surge la valía de Crowe a través de algunas escenas, un realizador capaz transmitir los sinsabores del amor y de exprimir el jugo del corazón. Sin alcanzar el nivel “Elizabethtown”, proporciona algunos instantes de grata emotividad y de hilarante comicidad. 

Un elenco de primer orden incluye como pareja protagonista al cuatro veces nominado al Oscar Bradley Cooper -que ya ha mostrado una enorme versatilidad tanto para la comedia como para el drama- y a Emma Stone, que ha optado igualmente a la estatuilla dorada de Hollywood por su interpretación en “Birdman” y que sigue añadiendo argumentos favorables para ser considerada una gran actriz. Les acompañan una correcta Rachel McAdams, un desdibujado y desentonado Bill Murray y un histriónico, pero no errático, Alec Baldwin. Espero que Cameron Crowe retorne a a sus orígenes y vuelva a la senda de sus prometedores inicios. Aptitudes no le faltan, siempre y cuando consiga controlar esa inclinación a la estridencia y a las salidas de tono. De lo contrario, terminaré por ser el único que le defienda como ese gran captador de la sensibilidad humana que es.

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Datos del film

Dirección y guion: Cameron Crowe.
País: USA. Año: 2015. Género: Comedia dramática, romance.
Interpretación: Bradley Cooper, Emma Stone, Rachel McAdams, Bill Murray, John Krasinski, Jay Baruchel, Alec Baldwin, Danny McBride.
Producción: Cameron Crowe y Scott Rudin.

THE IRRATIONAL MAN

Apuesto a que a Woody Allen le habría encantado interpretar el papel protagonista de su última película. Sin duda, hubiese disfrutado poniéndose en la piel de ese docente perdido en su propio laberinto de paranoias mentales y encandilado por una joven estudiante. El perfil de un hombre en crisis, angustiado por dudas existenciales, ahogado en sus tormentas interiores y embelesado por las mujeres, ha sido una constante en su filmografía, un referente indiscutible. En esta ocasión, la manifiesta diferencia de edad entre el cineasta y su alter ego le impide interpretarlo. Sin embargo, el cómico neoyorkino suele impregnar con su extraña e hilarante personalidad a cuantos actores se ponen en su piel. Aquí es Joaquín Phoenix quien ocupa el lugar del propio Allen delante de la cámara. Sin embargo, la innegable carga de pesadumbre y abatimiento que siempre acompaña a este intérprete nacido en Puerto Rico neutraliza cualquier intento de construir un personaje con visos exclusivamente cómicos. Su actuación no constituye ninguna exhibición de humor patoso ni tampoco se construye sobre diálogos ágiles, cínicos y mordaces. Por el contrario, refleja plenamente su caos psicológico con la vertiente humorística que ello comporta, pero a través de un semblante más pausado, de parquedad en los gestos y de ausencia de tics estridentes, verdaderas señas de identidad de Phoenix.

Cuenta la historia de Abe, un profesor de filosofía incapaz de encontrarle un significado a su vida y destrozado desde el punto de vista emocional. Cuando recala en la Universidad de una pequeña ciudad, entabla relación con dos mujeres muy diferentes: Rita, una maestra solitaria que aspira a que le rescate de un matrimonio infeliz y Jill, una brillante estudiante. Pese a las muestras del desequilibrio mental del hombre, formarán entre los tres un atípico triángulo sentimental que terminará por afectarles. 

Con este largometraje agridulce, Woody Allen continúa fiel a su compromiso de estrenar un título al año que, si bien no puede en modo alguno situarse entre sus mejores obras, ofrece momentos de gran inteligencia. Sin partir de una trama atractiva ni alcanzar ese nivel de profundidad dramática y de genialidad humorística que le han ensalzado a la cima del cine de autor, el realizador firma un trabajo que contiene las dosis justas de divertimento, originalidad y entretenimiento para que, tanto sus incondicionales como la mayor parte de los espectadores, salgan satisfechos de la sala de proyección. 

Habiendo ganado hasta la fecha cuatro Oscar y con veinticuatro nominaciones a sus espaldas, este peculiar artista no tiene nada que demostrar a nadie. Ni siquiera creo que lo pretenda. De lo que no dudo es de su irrefrenable necesidad de insistir una y mil veces sobre sus temas de referencia -como el sexo y la religión- y de transitar por los lugares comunes a toda su filmografía. Sin embargo, esa prolífica persistencia a la hora de rodar (con este, son ya cuarenta y siete sus filmes) le impide plasmar su creatividad siempre con acierto y los signos de agotamiento se evidencian cada vez con mayor claridad. Aun así, resulta indudable que nos hallamos ante un genio polifacético que ocupa por méritos propios un lugar de privilegio en la historia del Séptimo Arte. 

El ya referido Joaquín Phoenix añade este papel a su particular galería de tipos extraños y agranda su leyenda con esa capacidad innata para mezclar la genialidad y la locura hasta llegar a confundirlas. Encabeza un elenco en el que le acompaña una magnífica Emma Stone, que repite con el director tras “Magia a la luz de la luna” y que encandila sin ningún esfuerzo tanto a la cámara como a su compañero de reparto. Como tercer vértice, les acompaña Parker Posey, que inició su trayectoria en la década de los noventa y que ha sido felizmente recuperada para la gran pantalla.

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Datos del film

Película: Irrational Man.
Dirección y guion: Woody Allen.
País: USA. Año: 2015. Duración: 95 min. Género: Comedia dramática.
Reparto: Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jamie Blackley, Parker Posey.
Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Edward Walson.
Fotografía: Darius Khondji.

ROMY SCHNEIDER

La actriz Romy Schneider nació en Viena el 23 de septiembre de 1938 y falleció en París el 29 de mayo de 1982. Alcanzó la fama dando vida a la emperatriz Isabel de Baviera en la  popular trilogía “Sissi”, “Sissi emperatriz” y “El destino de Sissi”, aunque su verdadero reconocimiento profesional se lo debe a otros títulos. Recibió el premio César del cine francés en dos ocasiones, gracias a sus papeles en “Lo importante es amar” (1976) y “A Simple Story” (Una vida de mujer) (1978) y estuvo también nominada al Globo de Oro por su interpretación en  “El cardenal” (1963).

Filmó su primera  película, "Lilas blancas", a los quince años en compañía de su madre, donde cantó asimismo el tema musical. Después, adoptó el apellido de su progenitora, cambiando su original de  Rose Marie Magdalena. 

Sus siguientes cintas reflejaron un corte romántico que la hizo muy conocida en el continente europeo:  “Los jóvenes años de una reina”, “La panadera y el emperador”, “Christine”,“Sissi”, “Sissi emperatriz” y “El destino de Sissi”, la mayoría ambientadas en la Viena imperial.

A partir de 1960 comenzó a rodar trabajos más maduros, compartiendo cartel con actores como  como Alain Delon y Jack Lemmon, y a las órdenes de directores como Claude Sautet, Claude Chabrol, Orson Welles y Luchino Visconti. Con este último rodó en 1972 “Ludwig”, donde recreaba nuevamente la figura de la emperatriz  Sissi.

De este período destacan los filmes “El proceso” de Orson Welles (1962), “Los vencedores” de Carl Foreman (1963), “El cardenal” de Otto Preminger (1963). “L´amour à la mer” de Guy Gilles (1964), “¿Qué tal, Pussycat?” de Clive Donner y Richard Talmadge (1965) -con guión de Woody Allen-, “La piscina” de Jacques Deray (1969) o “Las cosas de la vida” de Claude Sautet (1970). 

Posteriormente, intervino en “El trepa” de Michel Deville (1974), “Lo importante es amar” de Andrzej Zulawski (1975) o “El viejo fusil” de Robert Enrico (1975). Sin embargo, su carrera inició  a partir de ese momento un declive que ya no pudo remontar. 

El 29 de mayo de 1982, con tan sólo 43 años, encontraron el cadáver de Romy Schneider en su apartamento de París. Aunque los primeros exámenes médico-forenses señalaron como causa del fallecimiento un paro cardíaco, en ambientes artísticos cercanos a la artista se habló de un posible suicidio, debido al trauma que arrastraba como consecuencia de la trágica muerte de su pequeño hijo David, acaecida el año anterior a causa de un desafortunado accidente.

Escena de "La piscina"

"Sissí" (película completa) 

EVEREST

La primera vez que oí hablar de Baltasar Kormákur fue en 2005. Se trata de un polifacético cineasta islandés que ejerce también como actor, productor y guionista. Por aquel entonces estrenó “Verdades ocultas”, un thriller protagonizado por Forest Whitaker y Julia Stiles que podía considerarse como aceptable carta de presentación. Años después, presentó el largometraje “Reykjavik Rotterdam”, donde participó en la producción e interpretó uno de los personajes. Posteriormente, y contando con el mismo autor del guion, decidió filmar la misma historia para la industria estadounidense, situándose en esa ocasión detrás de la cámara. Aquel proyecto llevaba por título “Contraband”, con Mark Wahlberg al frente del reparto. Más tarde llegó la fallida “2 Guns”, de nuevo con Wahlberg, acompañado por Denzel Washington. Su estética excesivamente hortera, un tipo de humor vulgar y cierta propensión a remarcar la narración a base de la testosterona más macarra, lo convirtieron en su peor film. 

Ahora presenta “Everest”, su película más ambiciosa en todos los sentidos, tanto por el presupuesto como por el relato, las localizaciones del rodaje o el equipo artístico, que reflejan la enorme entidad del proyecto en el que se ha embarcado el realizador. Es sin duda su mejor cinta, ya que saca partido con acierto de todos los ingredientes destinados a captar la atención del espectador. A medio camino entre el género de catástrofes y el de aventuras épicas, el hecho de recurrir a un testimonio real, emotivo y con gancho, unido a la espectacularidad de los paisajes y la envergadura de los retos a afrontar, bastan para certificar un producto entretenido que ofrece algunos momentos de verdadero interés cinematográfico. 

No obstante, creo que, al no haber arriesgado ni intentado dar un paso más allá, Kormákur no le ha extraído a la trama todo el jugo que contenía, a sabiendas de que, con la materia prima de la que disponía, se aseguraba un buen resultado a poco que filmara con habilidad las secuencias más tensas y angustiosas. De modo que se limita a proporcionar ese nivel mínimo de espectáculo que sirve para garantizar la distracción. Si a todo lo anterior se añaden unas desafortunadas pinceladas humorísticas a lo largo de la proyección, las expectativas inicialmente creadas se tiñen de cierta mediocridad. 

Las imágenes plasman unos acontecimientos reales que tuvieron lugar hace casi veinte años en una de las expediciones organizadas para alcanzar la cima más alta del mundo. Sus componentes se enfrentarán a una de las peores tormentas de nieve que el hombre haya conocido jamás. Su valor y su carácter serán puestos a prueba en esa lucha contra la furia de una naturaleza que les ataca por sorpresa y con una virulencia inusitada. 

Seguramente, agradará al público más proclive al entretenimiento visual y más amante de las demostraciones de superación humana ante la adversidad. Algunos tramos del metraje resultan muy logrados en cuanto a la fuerza narrativa, intriga y recreación épica. Sin embargo, tarda demasiados minutos en introducirnos en ese clima de agonía y suspense que es su razón de ser. Además, las implicaciones sentimentales de los personajes quedan desaprovechadas, si bien tal carencia se cubre con solvencia gracias a una dramatización envolvente, propiciada por unos escenarios naturales que impresionan a la vista. 

Dentro de su elenco de lujo sobresalen los actores Jake Gyllenhaal (“Zodiac”, “Nightcrawler”,“Prisioneros”,“Bothers”), Josh Brolin (“No es país para viejos”, “Mi nombre es Harvey Milk”, “American Gangster”) y Jason Clarke (“La noche más oscura”). En el apartado femenino, destacan la siempre brillante Keira Knightley, Robin Wright y la reciente ganadora del Premio Donosti del Festival de San Sebastián, Emily Watson.

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Datos del film

Película: Everest.
Dirección: Baltasar Kormákur.
Países: USA y Reino Unido. Año: 2015. Duración: 121 min. Género: Drama, thriller.
Reparto: Jason Clarke, Josh Brolin, Keira Knightley, John Hawkes, Jake Gyllenhaal, Sam Worthington, Martin Henderson, Emily Watson, Michael Kelly, Thomas M. Wright.
Guion: Mark Medoff y Simon Beaufoy.
Música: Dario Marianelli.

63º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIAN

La 63º edición del Festival de Cine de San Sebastian dará comienzo el próximo 18 de septiembre y se desarrollará hasta el día 26. Su inauguración correrá a cargo del prestigioso director español Alejandro Amenábar, que presenta su última película, “Regresión”. 

Numerosas estrellas han confirmado su asistencia al evento donostiarra, como Sienna Miller, Tom Hiddleston, Luke Evans, Ellen Page, Emily Blunt, Benicio del Toro, Tim Roth, Laurie Anderson, Karin Viard, Isabelle Carré, Ricardo Darín o el propio Amenábar. 

La actriz británica Emily Watson recibirá el Premio Donostia como reconocimiento a su relevante carrera profesional en una gala que tendrá lugar la víspera de la gala de clausura en el Auditorio Kursaal. 

Las entradas para las sesiones se pondrán a la venta en dos fechas: 

• El viernes 11 de septiembre a partir de las 9:00: entradas para las galas de Sección Oficial (Inauguración, Premio Donostia y Clausura) a través de Internet; en el resto de canales, a partir del domingo 13 de septiembre a las 9:00. 

• El domingo 13 de septiembre a partir de las 9:00: resto de sesiones a través de todos los canales; Taquillas del Zinemaldi Plaza (planta baja del Kursaal) y taquillas del Centro Kursaal (abonos Sección Oficial y compras de menos de 10 entradas) e Internet (www.sansebastianfestival.com ywww.kutxabank.es). 

Se pueden adquirir asimismo en las taquillas del Teatro Victoria Eugenia, Tabakalera y Cines Príncipe desde el día 18 y en las de Cines Trueba y Antiguo Berri a partir del 19. El Velódromo Antonio Elorza y la taquilla nº 23 del Estadio de Anoeta dos horas antes del inicio de las sesiones serán también puntos de venta. Sin embargo, para la Zona B Sección Oficial se requerirá el abono correspondiente. El máximo permitido son 4 entradas por sesión y por persona pero, comprando más de 10, se aplicará un descuento del 25%.

Las cintas que compiten en las diferentes secciones del Festival son las siguientes: 

Sección Oficial 

REGRESSION de ALEJANDRO AMENÁBAR 

LONDON ROAD de RUFUS NORRIS 

21 NUITS AVEC PATTIE / 21 NIGHTS WITH PATTIE de JEAN-MARIE LARRIEU y ARNAUD LARRIEU 

AMAMA de ASIER ALTUNA IZA 

XIANG BEI FANG / BACK TO THE NORTH de LIU HAO 

BAKEMONO NO KO / THE BOY AND THE BEAST de MAMORU HOSODA 

EL APÓSTATA de FEDERICO VEIROJ 

EL REY DE LA HABANA de AGUSTÍ VILLARONGA 

EVA NO DUERME de PABLO AGÜERO 

EVOLUTION de LUCILE HADZIHALILOVIC 

FREEHELD de PETER SOLLETT

HIGH-RISE de BEN WHEATLEY 

LES CHEVALIERS BLANCS / THE WHITE KNIGHTS de JOACHIM LAFOSSE 

LES DÉMONS / THE DEMONS de PHILIPPE LESAGE 

MOIRA de LEVAN TUTBERIDZE 

SPARROWS de RÚNAR RÚNARSSON 

SUNSET SONG de TERENCE DAVIES 

TRUMAN de CESC GAY 

UN DIA PERFECTE PER VOLAR de MARC RECHA 

MI GRAN NOCHE de ÁLEX DE LA IGLESIA 

LEJOS DEL MAR de IMANOL URIBE 

NO ESTAMOS SOLOS de PERE JOAN VENTURA 

Sección Zabaltegi 

327 CUADERNOS de ANDRÉS DI TELLA 

ADAMA de SIMON ROUBY 

ALLENDE MI ABUELO ALLENDE de MARCIA TAMBUTTI ALLENDE 

COMOARA / THE TREASURE de CORNELIU PORUMBOIU 

COUNTING de  JEM COHEN 

UN DÍA VI 10.000 ELEFANTES de ALEX GUIMERÀ y JUAN PAJARES 

EFTERSKALV / THE HERE AFTER de MAGNUS VON HORN 

FRANCOFONIA de ALEXANDER SOKUROV  

HEART OF A DOG de LAURIE ANDERSON 

IN THE ROOM de ERIC KHOO 

ISLA BONITA de FERNANDO COLOMO 

UNE JEUNESSE ALLEMANDE / A GERMAN YOUTH de JEAN-GABRIEL PÉRIOT 

JIA ZHANG-KE, UM HOMEM DE FENYANG / JIA ZHANGKE, A GUY FROM FENYANG de WALTER SALLES 

KARATSI / LOSERS de IVAILO HRISTOV 

MARIPOSA de MARCO BERGER 

MI QUERIDA ESPAÑA de MERCEDES MONCADA RODRÍGUEZ 

MONTANHA de JOÃO SALAVIZA 

MUNTELE MAGIC / THE MAGIC MOUNTAIN de ANCA DAMIAN 

LA NOVIA / THE BRIDE de PAULA ORTIZ 

THE PROPAGANDA GAME de ALVARO LONGORIA

PSICONAUTAS de ALBERTO VÁZQUEZ y PEDRO RIVERO 

THE SHOW OF SHOWS: 100 YEARS OF VAUDEVILLE, CIRCUSES AND CARNIVALS de BENEDIKT ERLINGSSON

SWAP de REMTON ZUASOLA 

DUELLUM TUCKER de DÁVILA WOOD 

Sección Nuevos Realizadores 

AFTER EDEN de HANS CHRISTIAN BERGER 

BARASH de MICHAL VINIK 

EINER VON UNS/ ONE OF US de STEPHAN RICHTER 

GRANNY'S DANCING ON THE TABLE de HANNA SKÖLD 

IONA de SCOTT GRAHAM 

JAJDA / THIRST de SVETLA TSOTSORKOVA 

LE NOUVEAU / THE NEW KID de RUDI ROSENBERG 

PARASOL de VALÉRY ROSIER 

PAULA de EUGENIO CANEVARI 

PIKADERO de BEN SHARROCK 

RODINNY FILM / FAMILY FILM de OLMO OMERZU 

STAY WITH ME de RHEE JINWOO 

TJUVHEDER / DRIFTERS de PETER GRÖNLUND 

VIDA SEXUAL DE LAS PLANTAS de SEBASTIÁN BRAHM

LA VISITA (The Visit)

M. Night Shyamalan aspira a resurgir de sus cenizas. Poco quedaba ya del prometedor, inquietante y efectivo director de origen hindú después de la decepcionante “After Earth” -aquella película infantil con ínfulas de trascendencia que terminó provocando hastío-, la sorprendente “Airbender” -no tanto por su originalidad como por el radical cambio de rumbo cinematográfico, que cogió a todos sus fans por sorpresa- o las irregulares “Señales”, “El bosque”, “La joven del agua” y “El incidente” -en las que, si bien reveló cierta maestría narrativa en el suspense, no terminó de dar con la tecla adecuada a la hora de construir historias sólidas-. 

Es preciso remontarse más de tres lustros para hallar sus mejores trabajos. En 1999 dirigió “El sexto sentido”, cinta que le proporcionó dos nominaciones al Oscar (mejor dirección y mejor guion) y con la que alcanzó un éxito internacional sin precedentes. Un año después rodó “El protegido”, otro sensacional largometraje que, como su predecesor, alcanzaba un elevado nivel de tensión y un considerable grado de intensidad, gracias a un estilo dramático y pausado que rozaba la lentitud narrativa, alejándose por completo de los thrillers convencionales, sometidos por regla general a unas enormes dosis de acción desenfrenada. 

Ahora presenta “La visita” y, si bien hace una apuesta decidida por retomar la senda del cine de terror, no retorna del todo a sus orígenes, aunque mejora sustancialmente el resultado de sus últimos trabajos. En este camino de regreso vuelve a perderse de nuevo, filmando un título más cercano a la línea de otros como “Insidious”, “Sinester”, “Paranormal Activity” o “Ouija” -con los que, por cierto, comparte algunos miembros del equipo de producción- y, por tanto, lejos de su toque personal. Así se desprende del ritmo de la narración, de la forma de tratar a los personajes, del modo de entrelazar el thriller con el drama y de la elección del final. Poco o nada hay en él de “El sexto sentido” ni de “El protegido”, aunque el pronunciado declive que presentaba la carrera de Shyamalan se ha atemperado y parece reconducirse, pero sin garantizar el regreso a aquel magnífico punto de partida. 

Una pareja de hermanos es enviada a una remota granja para pasar una semana con sus abuelos. La felicidad y cordialidad iniciales entre los miembros de la familia irá dando paso, primero a cierta incredulidad y, después, a una sensación de pánico, cuando los nietos descubran que los ancianos están involucrados en una serie de asuntos inquietantes. Su pretensión de volver al hogar paterno se verá frenada por las escasas posibilidades de huida. 

Rodada con apenas cinco millones de euros -un presupuesto ínfimo en comparación con los habituales en este tipo de producciones-, “La visita” agradará a los aficionados al terror y, aunque el listón de la intriga oscila a lo largo de la proyección y se recurre a demasiados trucos un tanto manidos para generar tensión, cubre en conjunto las mínimas expectativas de los espectadores de este género. Por ello, cabe confiar en una recuperación profesional del cineasta a partir de este último estreno. 

En el reparto no figuran nombres demasiado conocidos para el gran público, siendo Peter McRobbie -secundario en “Lincoln”, “Spiderman 2” y “Brokeback Mountain”- y Kathryn Hall -“Tomorrowland”, “La vida secreta de Walter Mitty”, “Cómo perder a un chico en diez días”- los integrantes más destacados del elenco.

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Datos del film

Película: La visita.
Título original: The visit.
Dirección y guion: M. Night Shyamalan.
País: USA. Año: 2015. Duración: 94 min. Género: Terror.
Interpretación: Kathryn Hahn, Deanna Dunagan, Peter McRobbie, Ed Oxenbould, Olivia DeJonge.

MICHELLE WILLIAMS

La actriz estadounidense Michelle Williams nació en Montana el 9 de septiembre de 1980. Nominada al Oscar en tres ocasiones y ganadora de un Globo de Oro, comenzó su carrera profesional en la década de los 90 con apariciones especiales en programas de televisión como "Los vigilantes de la playa" o "Un chapuzas en casa".
A los 17 años obtuvo el destacado papel de Jen Lindley en la popular  "Dawson's Creek (Dawson crece)", que la catapultó a la fama.  La serie se emitió desde 1998 a 2003 y en ella intervinieron otros actores conocidos, como James Van Der Beek, Joshua Jackson, Kerr Smith y Katie Holmes.

Debutó en la pantalla grande con la película "El regreso de Lassie" (1994). En "Species" (1995), dio vida a la versión joven de Sil, la alien-humana que crecía rápidamente hasta convertirse en un monstruo interpretado por la bella Natasha Henstridge. Posteriormente, participó en otras cintas rodadas en formato televisivo, como el drama "Mi hijo es inocente" (1996) o "Lección al Sr. Griffin" (1997).

Finalizó los noventa con el film de terror “Halloween H20” (1998), junto a Jamie Lee Curtis y “Aventura en la Casa Blanca” (1999), una sátira co-protagonizada por Kirsten Dunst. 

A partir de ese momento, creció considerablemente como intérprete, compartiendo proyectos con realizadores de la talla de Ang Lee -por su inolvidable personaje en “Brokeback Mountain” (2005) recibió su primera nominación a la estatuilla de Hollywood- o  Wim Wenders -“Tierra de abundancia” (2004)-. 

Asimismo, ha intervenido en “Shutter Island” (2010), thriller dirigido por Martin Scorsese, en el que  interpretaba a Dolores Chanal, esposa de Leonardo DiCaprio y “Blue Valentine” (2010), donde vive una historia de amor con Ryan Gosling, logrando su segunda candidatura al premio de la Academia. La tercera vino de la mano de su trabajo en "Mi semana con Marilyn" (2011), cuya encarnación de la diva rubia le supuso alzarse con el Globo de Oro a la mejor actriz. Recientemente ha protagonizado el romance ambientado en la Francia ocupada por los nazis “Suite francesa” (2014).

Escena de "Blue Valentine"


 Escena de "Brokeback Mountain"

TRANSPORTER LEGACY (Transporter Refueled)

Hace ya trece años que llegó a las carteleras la cinta protagonizada por Jason Statham "Transporter", codirigida por el francés Louis Leterrier y por el hongkonés Corey Yuen, pero ideada por el visionario cineasta galo Luc Besson. Pese a una discreta recaudación mundial de cuarenta y cuatro millones de dólares sobre un presupuesto de veintiuno, dio origen a una saga compuesta por dos títulos más, rodados en 2005 y 2008, y con ramificaciones en una serie televisiva que se emite desde 2012. El gancho de su estrella principal, unido a cierta estética caótica y al ritmo alocado que impregna la filmografía de Besson, hicieron que el proyecto se consolidara, aunque ofrecía un tipo de entretenimiento más bien plano y pobre. En todo caso, los últimos trabajos ya venían evidenciando algunos síntomas de agotamiento en la idea central, así como un abuso patente de la reiteración, con el fin de contentar al sector de aficionados de esta desmedida y vertiginosa odisea. 

Pero, como suele ocurrir al constatarse el ocaso de una fórmula otrora exitosa, los productores han decidido volver a empezar, reinventando la trama y rejuveneciendo a los personajes, reiniciando así la saga con otro actor de cabecera, otro realizador y otro guionista ajeno a Luc Besson. No la titulan "Transporter 4", sino "Transporter: Legacy" (en el original, "Transporter: Refueled") y la comercializan como un producto nacido de cero, una especie de percance informático que se soluciona apagando y encendiendo el ordenador, un reseteo ideado por la productora a base de modificar los miembros de los equipos artístico y técnico. 

Sin embargo, la base es exactamente la misma. El mercenario Frank Martin es un reputado conductor a quien contratan para prestar sus servicios como transportista de personas que llevan a cabo negocios sucios y ocultos. Se rige por tres simples reglas: sin nombres, sin preguntas y sin renegociaciones. En esta ocasión, entra en escena una misteriosa mujer fatal que no se detendrá ante nada ni ante nadie con tal de acabar con una despiadada banda rusa de traficantes de seres humanos. 

Es obvio que esta nueva entrega no soluciona las lagunas que presentaban sus antecesoras. Además, la ausencia de su intérprete fetiche por excelencia originará cierta desilusión en los incondicionales de la serie. No cabe duda de que la acción es trepidante y la enrevesada trama cumple a rajatabla las normas básicas de este tipo de cine. Pero, precisamente por eso, hereda los errores, carencia y malas prácticas de la mayoría de los títulos de tan peculiar género: la falta de rigor en la historia, de interés en los personajes y de habilidad en la narración. Todo ello lo convierte en un producto prescindible. Aun así, se ha anunciado un futuro proyecto, con lo que no está prevista ninguna fecha de finalización de “Transporter”. En buena medida, la industria cinematográfica actual se ha convertido en una fábrica de reiteración de ideas, perfiles, secuencias y fórmulas que deja cada vez menos hueco a la creatividad y a la originalidad. En mi opinión, se trata de un camino muy peligroso que no conduce a ninguna parte. 

Después de este lavado de cara, es el joven británico Ed Skrein quien toma el testigo de Jason Statham al volante de los vehículos. No posee un currículum digno de mención, excepción hecha de alguna aparición en la popular “Juego de tronos”. Le acompañan la casi debutante actriz francesa Loan Chabanol y el habitual del cine de acción Ray Stevenson.

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Datos del film

Película: Transporter : Legacy.
AKA: Transporter 4.
Título original: The Transporter Refueled.
Dirección: Camille Delamarre.
Países: Francia y China. Año: 2015. Género: Acción.
Interpretación: Ed Skrein (Frank Martin), Ray Stevenson, Gabriella Wright, Loan Chabanol, Tatiana Pajkovic, Anatole Taubman.
Guion: Bill Collage y Adam Cooper; basado en los personajes creados por Luc Besson y Robert Mark Kamen.
Producción: Luc Besson y Mark Gao.

KEANU REEVES

El actor de origen hawaiano y nacionalidad canadiense Keanu Reeves nació en la ciudad libanesa de Beirut el 2 de septiembre de 1964.  Con 18 años participó en algunas series televisivas y a mediados de la década de los ochenta debutó en Canadá con la cinta “One Step Away” (1985) de Robert Fortier. Su primer título en Hollywood fue “Youngblood” (1986), un drama dirigido por Peter Markle y protagonizado por Patrick Swayze y Rob Lowe. 

Con “Instinto sádico” (1986) de Tim Hunter, Reeves logró uno de sus primeros papeles importantes. Dos años después alcanzó la popularidad internacional gracias a su interpretación en “Las amistades peligrosas”(1988), exitosa adaptación para la gran pantalla de Stephen Frears. Posteriormente, afianzó su impronta en Hollywood con “Las alucinantes aventuras de Bill y Ted” (1989) de Stephen Herek, la comedia negra “Te amaré hasta que te mate” (1990) de Lawrence Kasdan, “Le llaman Bodhi” (1991) de Kathryn Bigelow, o “Mi Idaho Privado” (1991), a las órdenes de Gus Van Sant y acompañado por su buen amigo River Phoenix. 

Los 90 le aportaron éxitos comerciales como “Drácula de Bram Stoker” (1992) de Francis Ford Coppola, “Pequeño Buda” (1993) de Bernardo Bertolucci, “Speed: Máxima potencia” (1994) de Jan de Bont, “Un paseo por las nubes” (1995) de Alfonso Arau y, sobre todo, “Matrix” (1999), thriller de ciencia-ficción a cargo de los hermanos Andy y Larry Wachowski que consiguió elevarlo a la categoría de estrella y que derivó en las secuelas “Matrix Reloaded” y “Matrix Revolutions”, ambas de 2003.  

Mientras rodaba dicha trilogía, intervino también en “Premonición” (2000) de Sam Raimi, “Noviembre dulce” (2001) de Pat O´Connor y “Hardball” (2001) de Brian Robbins. Más tarde rodó “Constantine” (2005) de Francis Lawrence, la romántica “La casa del lago” (2006) de Alejandro Agresti, “A Scanner Darkly” (2006), ciencia-ficción basada en un texto de Philip K. Dick, “Dueños de la calle” (2008) de David Ayer y “Ultimátum a la Tierra” (2008) de Scott Derrickson. 

En 2013 debutó al otro lado de la cámara con el film de artes marciales “El poder del Tai Chi” (2013).

Escena de la película "Le llaman Bodhi"

Escena de la película "Matrix"

Escena de la película "Noviembre dulce"

CHICAS NUEVAS 24 HORAS

Que los tres negocios más rentables a nivel internacional (el tráfico de armas, la prostitución y las drogas) sean ilegales o clandestinos dice mucho (y malo) de una parte de la Humanidad. Ante esta realidad tan dantesca, lo más cómodo es pensar que los ciudadanos particulares poco o nada podemos hacer para mejorar la situación. Sin embargo, algunos de ellos huyen de la resignación y plantan cara a esta gravísima problemática social, denunciando, concienciando y luchando por cambiar este mundo, construyendo otro mejor. Una de estas personas idealistas es la antaño presentadora de televisión Mabel Lozano, que ha venido desarrollando en los últimos años una sólida carrera como documentalista especializada en el ámbito de los Derechos Humanos. 

Desde que escribió y dirigió su primer título “Voces contra la trata de mujeres” -acerca de la esclavitud asociada a la explotación sexual de niñas y mujeres en pleno siglo XXI-, ha seguido rodando nuevos trabajos con una clara y permanente finalidad divulgativa y educativa. Dicha labor se ha visto reconocida con importantes galardones, como el de Avanzadoras de Oxfam Intermon, el Premio del Festival de Cine de Málaga de 2009 o la Cruz al Mérito de la Policía Nacional. De hecho, “Voces contra la trata de mujeres” viene siendo utilizado en la formación de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado y en la Fiscalía. 

Ahora presenta su nuevo documental, “Chicas nuevas 24 horas”, donde insiste en el terrible fenómeno de la trata de niñas y mujeres. Esta semana tendrá lugar su estreno en España, para acudir posteriormente al Festival de Río de Janeiro e iniciar un periplo por las salas de proyección de toda Iberoamérica. Se trata de un testimonio cinematográfico de indudable relevancia. Es tal la magnitud del drama que la Cámara de Diputados del Parlamento de Paraguay lo ha declarado de interés nacional, por lo que se proyectará en los colegios de dicho país. Asimismo, ha resultado preseleccionado para optar a los Premios Fénix 2015. En la elaboración de su trascendental mensaje han colaborado diversas entidades, que van desde la Abogacía Española hasta la Oficina de la ONU para la Igualdad de Género y Empoderamiento de las Mujeres. 

Durante poco más de sesenta minutos, Lozano muestra -a veces con ironía, a veces con crudeza- la rentabilidad del negocio de un sexo basado en la vulneración de los derechos de la mujer y en el pisoteo de su dignidad. No se trata de una crónica moralista ni al servicio de proclamas religiosas. Tan sólo plantea con honestidad una sangrante problemática a la que nadie parece querer enfrentarse ni atajar con contundencia, anclada permanentemente en una interesada ambigüedad jurídica y en unos laberintos éticos artificiales que conducen a un limbo en el que las víctimas yacen desamparadas. A través de demoledores testimonios personales, tanto de las propias explotadas como de miembros de asociaciones, policías, fiscales, periodistas y ONGS, la cineasta aborda este espinoso tema de un modo realista y sincero, lejos de la sorna y de la falta de rigor con los que suele ser expuesto habitualmente. No ofrece ni un mero plano que pueda calificarse de lascivo. Tampoco recurre al desnudo de los cuerpos. Por el contrario, se centra en otros desnudos más flagrantes, los de los derechos de unas niñas, adolescentes y jóvenes que mueven a compasión y que provocan la indignación ante el rostro más sórdido y macabro de la naturaleza humana. 

Confío en que, siguiendo el ejemplo paraguayo, “Chicas nuevas 24 horas” se exhiba en los centros educativos de otros países y sea un instrumento de educación y mentalización para erradicar una tragedia que nos denigra como especie. Quiero manifestar a Mabel Lozano mi más profundo reconocimiento por su valentía a la hora de filmar este documental y por su enorme esfuerzo en pos de despertar conciencias. Perfiles como el suyo mejoran este planeta en el que nos ha tocado vivir.

Trailer del documental "Chicas nuevas 24 horas"