AL FILO DEL MAÑANA (Edge of Tomorrow)

Siempre le estaré agradecido a Doug Liman porque inició la que, en mi opinión, es la mejor saga de cine de acción en sentido estricto. En el año 2002 estrenó “El caso Bourne”, cuya historia, personajes y trepidante intensidad narrativa me sugestionaron sobremanera. Es uno de esos títulos que puedo ver una y otra vez sin sentirme saturado. Forjó en mí ese vínculo especial entre espectador y obra que permite ser calificada como arte y que va más allá del mero entretenimiento. Esa mágica conexión me acompañó con las dos entregas posteriores, protagonizadas también por un Matt Damon en estado de gracia y en las que Liman ya no asumió las tareas de dirección pero participó como productor. 

Lamentablemente, no ha vuelto a conseguir ese nivel de calidad. Repitió éxito tres años después con el largometraje “Sr. y Sra. Smith” que, aunque reproducía idéntico formato, funcionaba en realidad como comedia. A partir de entonces, sus logros pueden calificarse de irregulares, decepcionándome con “Jumper” y recuperando parcialmente su mejor versión en “Caza a la espía”. 

Ahora presenta “Al filo del mañana”, con la que retorna al cine de acción, aunque revestida de ciencia ficción, para contar la historia de un oficial que nunca ha entrado en combate hasta que una raza extraterrestre ataca el planeta Tierra. Dicho militar fallece durante una misión suicida, entrando a partir de ese momento en un bucle temporal que le obliga a repetir continuamente la misma batalla. Cada vez que muere retrocede en el tiempo para volver a luchar y volver a morir, ganando en habilidad y destreza con cada nuevo enfrentamiento. De hecho, este fenómeno de repetición temporal ya ha sido abordado por el Séptimo Arte en otras ocasiones. En “Atrapado en el tiempo” se recurrió a la clave de comedia, mientras que “Código fuente” se decantó por la clave de intriga. 

La presente cinta cumple sobradamente en cuanto al aspecto técnico (entre otras razones, porque ha dispuesto de un presupuesto superior a los ciento setenta millones de dólares) y goza de una notable agilidad narrativa. En ese sentido, no decepcionará a los aficionados al género. No obstante, y como viene sucediendo en gran parte de títulos del mismo estilo que llegan a las carteleras, acusa cierta falta de valentía en el tratamiento del relato y de los personajes. En otras palabras, el guión falla, condenando a los protagonistas a ser meras máquinas al servicio de un espectáculo visual y de un entretenimiento entendido como desenfreno. 

Por lo que se refiere al apartado interpretativo, vaya por delante que considero a Tom Cruise un buen actor que, desgraciadamente, ha orientado mal su carrera profesional. No entiendo por qué insiste en apostar en los últimos tiempos por este tipo de films cuando es más que evidente que sus mejores registros interpretativos se hallan a años luz del género de acción. En “El color del dinero”, “Rain Man”, “Nacido el 4 de julio”, “Algunos hombres buenos” o “Collateral” destaca mucho más que en “Oblivion”, “Jack Reacher” o “Noche y día”. Debería replantearse seriamente la elección de sus proyectos pero, muy al contrario, ya ha anunciado su participación en “Misión imposible 5”, “Top Gun 2” y la segunda parte de “Jack Reacher”. Pienso que es un grave error. Es más, su actuación en “Al filo del mañana” queda lastrada por sus limitaciones para afrontar esta clase de papeles. Algún director debería rescatarle de su propio bucle, ese que le obliga a aceptar una y otra vez trabajos que se reducen a absurdas muestras de acción desenfrenada. 

Le acompañan Emily Blunt -“Looper”, “La pesca del salmón en Yemen”, “El diablo viste de Prada”- y Bill Paxton -“Apolo 13”, “Twister”, “Un plan sencillo”-.

Trailer en castellano

Trailer en versión original

Datos del film

Película: Al filo del mañana.
Título original: Edge of tomorrow.
Dirección: Doug Liman.
País: USA. Año: 2014. Duración: 113 min. Género: Ciencia-ficción.
Interpretación: Tom Cruise (William Cage), Emily Blunt (Rita Vrataski), Bill Paxton (General Farrell), Brendan Gleeson (General Brigham), Jonas Armstrong (Skinner), Tony Way (Kimmel), Kick Gurry (Griff), Noah Taylor (Dr. Carter), Dragomir Mrsic (Kuntz), Charlotte Riley (Nance), Franz Drameh (Ford).
Guion: Christopher McQuarrie, Jez Butterworth y John-Henry Butterworth; basado en la novela “All you need is kill”, de Hiroshi Sakurazaka.
Producción: Gregory Jacobs, Jason Hoffs, Tom Lassally, Erwin Stoff y Jeffrey Silver.
Música: Christophe Beck.
Fotografía: Dion Beebe.
Montaje: James Herbert.
Diseño de producción: Oliver Scholl.
Vestuario: Kate Hawley.

CAREY MULLIGAN

La actriz británica Carey Mulligan nació en Londres el 28 de mayo de 1985 pero, a pesar de su juventud, ya atesora interpretaciones muy relevantes en destacadas películas.

Su primer papel en el cine fue el de Kitty Bennett en la adaptación que el director Joe Wright realizó de la novela “Orgullo y prejuicio” (2005) de Jane Austen, mereciendo cuatro nominaciones a los Oscar de la Academia de Hollywood. En ella compartió cartel con Keira Knightley.

Más tarde, participó en algunas series televisivas como “Bleak House” y “The Amazing Mrs. Pritchard”. 

En “Enemigos públicos” (2009), se puso a las órdenes del magnífico realizador Michael Mann para a dar vida al personaje de Carol Slayman y ese mismo año alcanzó por fin reconocimiento y popularidad gracias a su trabajo en “An Education” (2009), optando a la estatuilla dorada a mejor actriz. El film obtuvo otras dos nominaciones más.

Un año más tarde volvió a coincidir con su compatriota Keira Knightley en la cinta "Nunca me abandones" (2010). 

En el drama "Shame" (2011) interpretó a la hermana de Michael Fassbender, demostrando nuevamente una capacidad notable para transmitir emociones y destacó posteriormente en "Drive" (2011), acompañando en el reparto al interesante actor Ryan Gosling. 

También fue la Daisy Buchanan de la última versión de "El Gran Gatsby" (2013) a cargo de Baz Luhrmann y junto a Leonardo di Caprio y formó parte del elenco de “A propósito de Llewyn Davis”, con los hermanos Coen detrás de la cámara. 

Se trata sin ninguna duda de una de las mejores actrices de su generación.

Escena de "An Education" (en versión original)

Escena de "Drive"

GRACE DE MÓNACO (Grace of Monaco)

Hace algunos meses se estrenó una película sobre la figura de la princesa Diana de Gales. Sus alicientes eran varios, desde una actriz de renombre (Naomi Watts) a un director joven pero reconocido (el nominado al Oscar por “El hundimiento”, Oliver Hirschbiegel), pasando por un personaje que había concitado durante años la atención de millones de personas y miles de portadas de revistas. Sin embargo, el tránsito de la prensa rosa a la gran pantalla no es sencillo. No basta con partir de una trayectoria vital intensa para que la calidad de la adaptación cinematográfica esté asegurada. De hecho, el citado film no sólo pasó sin pena ni gloria por las carteleras de todo el mundo sino que, además, fue objeto de severas críticas. Ahora se repite la historia con este biopic de la primero actriz y después princesa Grace Kelly. El punto de partida es prácticamente idéntico: una gran intérprete poseedora de numerosos premios (Nicole Kidman), un cineasta prometedor (el realizador de “La vida en rosa”, Olivier Dahan) y una vida de cuento de hadas en las formas pero llena de dramas e intrigas en el fondo. Y mucho me temo que va a cosechar tan malos resultados como los recibidos por el largometraje sobre la difunta Alteza británica. 

La producción refleja perfectamente el lujo y la grandiosidad de los escenarios en los que se desarrolla la trama, palacios, fiestas y vestuario incluidos. Incluso la decisión de estrenarla en la sesión inaugural del Festival de Cannes ha ayudado a recrear la pomposidad monegasca. Sin embargo, se pierde en la tragedia interior que pretende contar, ya que la saturación de elegancia y suntuosidad no es capaz de esconder sus serias carencias de guion y de filmación. 

Es muy significativo el comentario del periodista de “The Guardian”, Peter Bradshow, cuando afirma que se trata de “un anuncio de Chanel de ciento cuatro minutos pero sin su sutileza”. Creo que es una calificación acertada para un proyecto que plasma magníficamente el envoltorio exterior que recubría a Grace Kelly pero que se tambalea cuando aborda las relaciones personales de los personajes y los problemas políticos entre Francia y el pequeño Principado. La superficialidad de toda esa falsa carcasa de ostentación, tan propia de las realezas, impide despuntar al verdadero relato de los hechos, de modo que los supuestos méritos “Grace de Mónaco” se reducen a una exhibición de alfombras rojas, descapotables y demás signos de distinción. Como ya ha ocurrido en otros títulos, la producción se atrinchera en la elegancia hasta caer en la decadencia. 

Los integrantes del reparto realizan una labor correcta, aunque sin destacar en ningún momento. De hecho, Nicole Kidman, que cuenta en su filmografía con actuaciones muy sobresalientes (“Cold Mountain”, “La mancha humana”, “Las horas”, “Moulin Rouge”…) está empezando a empañar su carrera por aceptar propuestas fallidas y por estropear su rostro con unas operaciones estéticas que le han arrebatado su antigua expresividad. Comienza a parecerse peligrosamente a una caricatura. Tiene pendientes de estreno para este 2014 el thriller “Before I Go to Sleep”, otra biografía -en este caso de la escritora y politóloga Gertrude Bell- titulada “Queen of the Desert” y la comedia “Paddington”. Confío en que recupere el alto nivel artístico que alcanzó en el pasado. Por lo que respecta a sus compañeros Tim Roth y Paz Vega, tampoco remontarán sus erráticas carreras gracias a estas interpretaciones del Príncipe Rainiero y de la cantante de ópera María Callas. Tan sólo la contribución del actor Frank Langella al conjunto merece una valoración más favorable.

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Datos del film

Película: Grace de Mónaco.
Dirección: Olivier Dahan.
Países: Francia, USA, Bélgica e Italia. Año: 2014. Duración: 103 min. Género: Biopic, drama.
Interpretación: Nicole Kidman (Grace Kelly), Tim Roth (príncipe Rainiero III), Frank Langella (padre Francis Tucker), Paz Vega (Maria Callas), Milo Ventimiglia (Rupert Allan), Derek Jacobi (conde Fernando D’Aillieres), Paeker Posey (Madge Tivey-Faucon), Robert Lindsay (Aristóteles Onassis).
Guion: Arash Amel.
Producción: Pierre-Ange Le Pogan y Arash Amel.
Fotografía: Eric Gautier.
Montaje: Olivier Gajan.
Diseño de producción: Dan Weil.
Vestuario: Gigi Lepage.

25 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY" (25th anniversary of the premiere of the film "When Harry met Sally")

Este año se cumple el vigésimo quinto aniversario del estreno en Estados Unidos de una de las comedias románticas más queridas por el público, 'Cuando Harry encontró a Sally', protagonizada por Billy Crystal y Meg Ryan y nominada al Oscar al mejor guión original.
Cuenta la historia de Harry Burns (Billy Cristal) y Sally Albright (Meg Ryan), dos estudiantes universitarios que se conocen por casualidad cuando ella se ofrece a llevarle a él en su coche. Durante el viaje hablan sobre la amistad entre personas de diferente sexo, manteniendo opiniones absolutamente divergentes al respecto. Mientras Harry está convencido de que la amistad entre un hombre y una mujer es imposible, Sally cree lo contrario. Pese a ello, pasan los años y su relación continúa.
Ya en Nueva York, cada uno hace su vida y trata de encontrar  el amor. Un día coinciden casualmente en una librería y pasan juntos un buen filosofando sobre la vida. En los años siguientes se ven de cuando en cuando, cada vez con más frecuencia, surgiendo una clase de amistad que contradice esa filosofía de Harry de que hombres y mujeres no pueden ser amigos. 

La narración se interrumpe cada cierto tiempo para intercalar los diálogos de algunas parejas de ancianos que conocieron el amor y que revelan cómo se enamoraron, siguiendo un modelo parecido a una terapia.  Y, aunque se intuye que Harry y Sally se están enamorando también, sus creencias y actitudes les condenan a rechazarse. Será en las escenas finales cuando se produzca la declaración de amor del personaje interpretado por Billy Crystal, una de las secuencias más logradas del género romántico. Finalmente, ellos serán asimismo una de las parejas de la terapia, que cuenta su largo amor de doce años y tres meses antes de contraer matrimonio.  

Se trata de la comedia norteamericana más emblemática de los ochenta, un encantador film sobre la amistad, la guerra de sexos y la vida misma. La química entre sus protagonistas no ha sido superada desde entonces y el popular gag del orgasmo es uno de los puntos fuertes del  brillantísimo guión de Nora Ephron. Les acompañaron en el elenco Carrie Fisher, Bruno Kirby, Steven Ford, Lisa Jane Persky y Harley Jane Kozak, mientras que la música corrió a cargo de un por entonces jovencísimo Harry Connick Jr.

Veinticinco años después, Billy Crystal y Meg Ryan se han reunido para honrar a Rob Reiner, director de la cinta, en un evento organizado por la Sociedad Cinematográfica de Nueva York en el Lincoln Center.  

Dos escenas de la película

GODZILLA (2014)

En mi opinión, la versión de “Godzilla” estrenada este año es la mejor de todas las protagonizadas por el popular monstruo. Desde luego, resulta muy superior en todos sus aspectos a la dirigida por Ronald Emmerich en 1998, con una gran campaña mediática pero escasa originalidad artística. Aquella cinta se limitaba a apabullar artificiosamente al público a base de alardear con pésimo gusto del presupuesto invertido en sus efectos especiales. Sin embargo, pese al evidente perfeccionamiento técnico y al aumento en la calidad narrativa, el presente film no ha conseguido interesarme en ningún momento. Reconozco sin apenas reparos la contundencia con la que plasma unos desastres de gigantescas dimensiones y unos destrozos desproporcionados. Asimismo, creo que los personajes están incluso mejor perfilados y hasta recreados con más mimo que en los largometrajes precedentes de la saga. Además, el joven realizador británico Gareth Edwards apunta un cierto talento para el género de intriga y acción. Pero, por encima de todo, mi sensación de hartazgo y saturación se impuso y, tras su visionado, me quedó un regusto amargo al constatar una vez más que la originalidad y la valentía de cineastas y productores a la hora de apostar por proyectos novedosos y creativos están en vías de extinción, una circunstancia muy peligrosa cuando se trata de arte. 

Echando la vista atrás, el número de segundas, terceras, cuartas o quintas partes que han llegado a las carteleras en los últimos años es preocupante y los próximos estrenos tampoco nos deparan un futuro muy halagüeño. Las secuelas, precuelas y nuevas versiones han tomado las salas de proyección. A todo lo anterior, se añade el hecho de que nunca me he sentido excesivamente atraído por esta criatura de origen japonés pero, al margen de esta realidad, la tendencia de la industria a ofrecer productos similares o prácticamente idénticos, con la única pretensión de obtener beneficios en taquilla resulta muy decepcionante. Mi sensación viendo de nuevo a Godzilla fue de profundo aburrimiento y, ante la enésima ola gigante que arrasa con todo, por muy perfecta que sea la recreación de la calamidad (hace apenas una semana presencié otra en “Pompeya”), terminé pensando: “más de lo mismo”. 

He de confesar que lo lamento, ya que Gareth Edwards realiza un esfuerzo loable por sacarle más jugo a la historia. Demuestra habilidad para alcanzar un nivel de tensión en las escenas y, teniendo en cuenta que es su segundo trabajo tras la cámara, no descarto una evolución profesional más que prometedora. Es probable que quienes no hayan visto las demás versiones o sean unos fanáticos de la ciencia ficción se vean satisfechos con el resultado. No es mi caso. Tal vez hubiera disfrutado más de haberla visto hace mucho tiempo, cuando mi saturación no alcanzaba el grado actual. 

En el reparto figuran los actores Bryan Lee Cranston -conocido gracias a la serie televisiva “Breaking Bad”-, el japonés Ken Watanabe (“El último samurai”, “Origen”, “Batman Begins”) y el joven Aaron Taylor-Johnson, a quien hemos podido ver en “Salvajes” de Oliver Stone y en las dos partes de “Kick-Ass”. Pero lo más chocante es la participación de la sensacional actriz francesa Juliette Binoche en este proyecto. Ganadora de un Oscar por “El paciente inglés” y responsable de interpretaciones tan magistrales como las de “Tres colores: Azul”, “Herida” o “Copia certificada”, desentona en “Godzilla”. O, mejor dicho, “Godzilla” desentona en Juliette Binoche.

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Datos del film

Película: Godzilla (2014)
Dirección: Gareth Edwards.
País: USA. Año: 2014. Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Aaron Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston, Juliette Binoche, David Strathairn, Ken Watanabe, Sally Hawkins.
Guion: Max Borenstein, Frank Darabont y Dave Callaham.
Producción: Thomas Tull, Jon Jashni, Mary Parent y Brian Rogers.
Fotografía: Seamus McGarvey.
Montaje: Jim May.

67º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES (The Cannes International Film Festival 2014)

La 67º edición del prestigioso Festival de Cannes se celebrará entre los días 14 y 25 de mayo.
La creación del Festival Internacional de Cine de Cannes fue iniciativa de Jean Zay, Ministro galo de Educación Pública y Bellas Artes que deseaba implantar en Francia un evento cultural capaz de rivalizar con la Mostra de Venecia.

Organizado en primera instancia en 1939 bajo la presidencia de Louis Lumière, no fue hasta un año después del final de la Segunda Guerra Mundial, el 20 de septiembre de 1946, cuando tuvo lugar su edición inaugural. Se celebró anualmente en septiembre (excepto en 1948 y 1950), antes de trasladarse a partir de 1952 al mes de mayo.

Se exhibirán a lo largo de estas jornadas un total de 49 películas de 28 países, seleccionadas de entre más de 1800 títulos. Entre los nombres, muchos de ellos habituales del certamen, competirán por la Palma de Oro el mismísimo Jean-Luc Godard y conocidos cineastas como Assayas, Bonello, los hermanos Dardenne, Cronenberg, Leigh, Loach, Xavier Dolan o Tommy Lee Jones.
La sección "Un certain regard" contará con la presencia de Jaime Rosales, cuyo trabajo tendrá que competir, entre otros, con los de Lisandro Alondo, Mathieu Amalric, Asia Argento, Wim Wenders o el debut en la dirección de Ryan Gosling.

La cinta inaugural será 'Grace de Mónaco (Grace of Monaco)', de Olivier Dahan.

Lista de participantes de la Sección Oficial

- 'Sils Maria', de Olivier Assayas
- 'Saint Laurent', de Bertrand Bonello
- 'Kis Uykusu', de Nuri Bilge Ceylan
- 'Maps To The Stars', de David Cronenberg
- 'Deux jours, une nuit' ,de los hermanos Dardenne
- 'Mommy', de Xavier Dolan
- 'Captives', de Atom Egoyan
- 'Adieu au language', de Jean-Luc Godard
- 'The Search', de Michel Hazanavicius
- 'The Homesman', de Tommy Lee Jones
- 'Still Water', de Naomi Kawase
- 'Mr. Turner', de Mike Leigh
- 'Jimmy's Hall', de Ken Loach
- 'Foxcatcher', de Bennet Miller
- 'Le mariviglie', de Alice Rohrwacher
- 'Relatos salvajes', de Damián Scifron
- 'Leviathan', de Andrzey Zvyganitsev

Sección "Un certain regard"

- 'Party Girl', de Marie Amachoukeli
- 'Jauja', de Lisandro Alonso
- 'La chambre bleue', de Mathieu Amalric
- 'Titli', de Kanu Behl
- 'Incompresa', de Asia Argento
- 'Elanor Rigby', de Ned Benson
- 'Bird People', de Pascale Ferran
- 'Lost River', de Ryan Gosling
- 'Amor Four', de Jessica Hausner
- 'Charlie's Country', de Rolf De Heer
- 'Snow in Paradise', de Andrew Hulme
- 'Dohee-ya', de July Hung
- 'Xenia', de Panos Koutras
- 'Run', de Philippe Lacôte
- 'Turist', de Ruben Östlund
- 'Hermosa juventud', de Jaime Rosales
- 'The Salt Of The Earth', de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
- 'Fantasia', de Wang Chao
- 'Harcheck mi headro', de Keren Yedaya
- 'Gui Lai', de Zhang Yimou

Sesiones especiales

- 'Eau Orgentée', de Mohamed Ossama
- 'Maidan', de Sergei Loznitsa
- 'Red Army', de Polsky Gabe
- 'Caricaturistes - Fantassins de la democratie', de Stephanie Valloatto
- 'Les ponts de Sarajevo', de VVAA (Loznitsa, Puiu, Godard, etc)

Sesiones de medianoche

- 'The Rover', de David Michod
- 'The Salvation', de Kristian Levring
- 'Pyo Jeok', de Chang

Fuera de competición

- 'Cómo entrenar a tu dragón 2 (How to Train Your Dragon 2)', de Dean Deblois
- 'Le gens du Monde', de Yves Jeuland

Trailer del film 'Maps To The Stars', de David Cronenberg

TRES DÍAS PARA MATAR (3 Days to Kill)

Joseph McGinty Nichol, escudado tras las letras McG, es un director norteamericano que, tras sus seis largometrajes estrenados en la gran pantalla, ya no esconde que su vocación no es el cine entendido como concepto tradicional del arte de contar buenas historias a veinticuatro fotogramas por segundo. Estoy convencido de que el mundo de los clips musicales, de los videojuegos, del espectáculo televisivo o incluso del circo, se amolda más al supuesto talento de un realizador que aglutina, a lo sumo, algunas buenas escenas pero ninguna buena película. Debutó con las dos recientes versiones de “Los Ángeles de Charlie”, ambas cintas absolutamente huecas. Pero entre el pseudo envoltorio estridente y moderno para contentar a las nuevas generaciones y la atracción por la melancolía que generaba la serie de televisión de los años setenta a los más veteranos, obtuvo incomprensiblemente un gran éxito de taquilla a nivel mundial. Su último trabajo estrenado hasta la fecha, “Esto es la guerra”, es un insulto a los géneros de comedia y acción a los que supuestamente pertenece y logra hacernos olvidar que, tiempo atrás, la ganadora del Oscar Reese Whiterspoon fue una magnífica actriz. 

Ahora presenta “Tres días para matar” y el principal efecto que provoca es una enorme tristeza al constatar que Kevin Costner se sitúa al frente de su reparto. Ver a este sobresaliente intérprete de títulos míticos de la historia del Séptimo Arte –cuánto me divirtió en “Los intocables de Elliot Ness”, cómo me emocionó y sugestionó en “J.F.K. Caso abierto”- y que fue galardonado con dos estatuillas doradas como director y productor de “Bailando con lobos”, protagonizar este film desnortado y carente de intensidad, constituye un duro golpe para cualquier cinéfilo. Y, pese a ser teóricamente un “thriller”, introduce una serie de tramas familiares que McG no es capaz de encajar en la narración, circunstancia que se añade a que ni la acción ni los personajes están tratados con rigor. 

Cuenta la historia de un agente del Servicio Secreto que afronta su misión final, tras la cual planea retirarse para compartir más tiempo con su hija, a la que apenas conoce. Estamos ante un film huérfano, sin un guión interesante, sin secuencias rodadas con originalidad, sin una narración coherente y sin un montaje ágil. Se ha apostado todo a la supuesta espectacularidad de determinadas escenas y al gancho de las estrellas que integran el elenco, escasa renta para las casi dos horas de proyección. 

Además, la desilusión se acentúa al comprobar que el autor del libreto es Luc Besson, cineasta francés otrora innovador y rompedor pero que, poco a poco, también ha entrado en la senda de la decadencia. En definitiva, ver “Tres días para matar” es un ejercicio desolador para cualquier aficionado al cine, la enésima referencia al ocaso de algunas carreras brillantes y la constatación de que otras jamás despuntarán. Una auténtica pérdida de tiempo. 

Rodada con un presupuesto modesto (menos de treinta millones de dólares) para las cifras que habitualmente maneja McG, ha recuperado la inversión inicial en el mercado norteamericano y centra en la exhibición en el resto de países sus esperanzas para rentabilizar el producto. 

Dos jóvenes promesas acompañan a Kevin Costner en el equipo artístico. Hailee Steinfeld destacó en “Valor de ley”, hasta el punto de recibir una nominación al Oscar. Sin embargo, Amber Heard ha alcanzado cierta repercusión mediática más por su atractivo y sus relaciones sentimentales que por sus méritos profesionales, una tendencia que tampoco variará por lo que a este concreto papel se refiere.

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Datos del film

Película: 3 días para matar.
Título original: 3 days to kill.
Dirección: McG.
País: USA. Año: 2014. Género: Acción, drama, thriller.
Interpretación: Kevin Costner, Amber Heard, Hailee Steinfeld, Connie Nielsen, Scott Burn, Richard Sammel, Eriq Ebouaney.
Guion: Luc Besson y Adi Hasak, basada en un argumento de Luc Besson.
Producción: Luc Besson, Adi Hasak, Ryan Kavanaugh, Marc Libert y Virginie Silla.
Música: Guillaume Roussel.
Fotografía: Thierry Arbogast.
Montaje: Audrey Simonaud.
Diseño de producción: Jeremy Cassells y Sébastien Inizan.
Vestuario: Olivier Bériot.

GARY COOPER

Gary Cooper nació en Montana el 7 de mayo de 1901 y falleció en Los Ángeles el 13 de mayo de 1961. Actor estadounidense de ascendencia inglesa, ganó el Oscar en tres ocasiones, el último de ellos en reconocimiento a toda su carrera profesional. En su juventud, además de ser guía del Parque Yellowstone y gracias a su habilidad para el dibujo, se dedicó a publicar tiras cómicas de temática política en varios periódicos de su localidad natal. 

A comienzos de los años 20 se trasladó a California con la esperanza de conseguir un empleo en una publicación de mayor entidad. Sin fortuna en su propósito, trabajó durante un tiempo como vendedor a domicilio hasta que decidió probar suerte en el mundo del cine. A mediados de la década logró pequeños papeles de extra en títulos del Oeste, consiguiendo su primer papel de importancia en "Flor del desierto" (1926), un film de Henry King protagonizado por Ronald Colman. En esta película ya aparecía acreditado como Gary Cooper. Poco después firmó un contrato con la Paramount para intervenir en cintas como "Ello (It)" (1927) o "Alas" (1927), el primer largometraje que se alzó con la estatuilla dorada. Con "El virginiano" (1929), western dirigido por Victor Fleming, se estrenó en el cine sonoro y fue un asiduo del género, pudiendo así demostrar su habilidad como jinete.

En la década de los 30 se convirtió en una de las máximas estrellas de Hollywood. Entre sus mejores trabajos se encuentran "Marruecos" (1930) de Josef Von Sternberg, "Las calles de la ciudad" (1931), dirigida por Rouben Mamoulian y con Sylvia Sidney y Paul Lukas, "Adiós a las armas" (1932), de Frank Borzage, "Si yo tuviera un millón" (1932), "Una mujer para dos" (1933), de Ernst Lubitsch, "Sueño de amor eterno" (1935) y "Tres lanceros bengalíes" (1935), ambas dirigidas por Henry Hathaway, "Deseo" (1936), de Frank Borzage, "El secreto de vivir" (1936), de Frank Capra, "El general murió al amanecer" (1936), de Lewis Milestone, "Buffalo Bill" (1936), de Cecil B. De Mille, "Almas en el mar" (1937), aventura marítima de Hathaway que le emparejó con Frances Dee, o "Beau Geste" (1939), sobre la Legión Extranjera y realizado por William Wellman, compartiendo elenco con Ray Milland y Brian Donlevy. 

Por “El secreto de vivir” recibió su primera  nominación al Oscar, que recayó en  Paul Muni por “La tragedia de Louis Pasteur”. Durante los inicios de la siguiente década, Cooper continuó apareciendo en películas importantes como "El forastero" (1940), de William Wyler, "Juan Nadie" (1941), de Frank Capra, "El Sargento York" (1941) y "Bola de fuego" (1941), ambas de Howard Hawks, "El orgullo de los Yanquees" (1942) y "Por quién doblan las campanas" (1942), las dos a las órdenes de Sam Wood. “El Sargento York” le proporcionó su primera estatuilla, mientras que resultó nominado por “El orgullo de los Yanquees” y “Por quién doblan las campanas”, adaptación de la novela homónima de su íntimo amigo Ernest Hemingway. James Cagney por “Yanqui Dandy” y Paul Lukas por “Watch On the Rhine” se alzaron finalmente con el premio. A finales de los años cuarenta participó en “El caballero del Oeste” (1945), de Stuart Heisler, “Los inconquistables” (1947), de Cecil B. De Mille y “El manantial”, de King Vidor. 

Con "Solo ante el peligro" (1952), de Fred Zinnemann, obtuvo su segundo Oscar como mejor actor principal. Otros films importantes de la última etapa de su carrera son "El jardín del diablo" (1954), de Henry Hathaway, "La gran prueba" (1955), de William Wyler, "Ariane" (1957), de Billy Wilder, "El hombre del Oeste" (1958), de Anthony Mann o "El árbol del ahorcado" (1959), western dirigido por Delmer Daves.

Escena de la película "Solo ante el peligro"

NO SE ACEPTAN DEVOLUCIONES

A la pregunta de cuál es la película de habla hispana más taquillera de todos los tiempos en Estados Unidos, muy pocos sabrán que se trata de una modesta comedia mexicana titulada “No se aceptan devoluciones”. De hecho, hasta hace muy poco tiempo dicho honor recaía en la cinta española dirigida por el también mexicano Guillermo del Toro “El laberinto del fauno”, que rozó los cuarenta millones de dólares de recaudación en el mercado norteamericano. Sin embargo, el año pasado este título escrito, dirigido y protagonizado por Eugenio Derbez superó, para sorpresa general, la cifra de cuarenta y cuatro millones. Derbez, realizador curtido hasta ese momento en el medio televisivo y cuya experiencia en la gran pantalla se reducía a papeles secundarios en filmes prescindibles, ha logrado un éxito sin precedentes que, a buen seguro, ha debido sorprenderle incluso a él, habida cuenta que el público anglosajón no es muy proclive a aventurarse en otras cinematografías ajenas a la suya propia. 

Nos cuenta la historia de Valentín, un soltero mujeriego y egoísta que un buen día recibe la visita de una mujer con la que mantuvo una relación ocasional y que le entrega una hija en común cuya existencia desconocía por completo. Sobrepasado por la situación, decide inicialmente devolver la niña a su madre pero la inesperada convivencia con la menor le hace cambiar de idea. Algunos años después, la progenitora reaparece para reclamar a la pequeña por vía judicial. Este curioso cruce entre “Tres solteros y un biberón” y “Kramer contra Kramer” cuenta con muchos defectos pero, también, con una gran virtud. Los personajes resultan planos y casi caricaturizados; la narración, poco original; las secuencias, previsibles; el tono melodramático, cursi; y el cómico, simplón. Pero aun así, posee algo que engancha. A ratos conmueve y, por momentos, provoca la risa. 

Existen razones objetivas para resaltar varios puntos mediocres pero trasciende a ellas un aspecto subjetivo que, si logra conectar con el espectador, le conduce a la senda de la emoción y de la diversión. No es infrecuente que determinadas obras con carencias tan evidentes generen de modo inexplicable en las personas un estrecho vínculo emocional que conlleve el perdón de tales defectos. Por lo que a mí respecta, he de reconocer que, consciente de que me estaba gustando lo que veía, simultáneamente no daba crédito a semejante circunstancia. 

Los primeros minutos de “No se aceptan devoluciones” son los peores, ya que el humor más manido y exagerado lo inunda todo y Derbez se reivindica como émulo de Roberto Benigni. El exceso, el histrionismo, y el abuso de la emotividad como elementos cómicos confluyen negativamente. Pero, a medida que el bebé va creciendo y se convierte en un personaje activo del relato, la gracia aumenta y el drama se consolida. Y, pese a mezclar sin ton ni son una serie de ingredientes de lo más diverso, el guiso acaba resultando incomprensiblemente sabroso. Es todo un misterio. 

Junto al propio Eugenio Derbez, completan el elenco la actriz Jessica Lindsey, recientemente vista en “Ahora me ves” y la debutante Loreto Peralta que, a sus nueve años, firma una actuación muy interesante y logra mantener viva la chispa de la acción. En 2015 estrenará su segundo trabajo, “Un caballo llamado Elefante”, y a buen seguro empezará a brillar con asiduidad en las carteleras internacionales.

Trailer de la película

Datos del film

Película: No se aceptan devoluciones. 

Dirección: Eugenio Derbez.
País: México. Año: 2013. Duración: 115 min. Género: Comedia dramática.
Interpretación: Eugenio Derbez, Jessica Lindsey, Loreto Peralta, Daniel Raymont, Alessandra Rosaldo, Hugo Stiglitz, Arcelia Ramírez.
Guion: Guillermo Ríos, Leticia López Margalli y Eugenio Derbez.
Producción: Mónica Lozano y Eugenio Derbez.
Música: Carlo Siliotto.
Fotografía: Martin Boege y Andrés León Becker.
Montaje: Eugenio Derbez y Santiago Pérez Rocha.
Diseño de producción: Sandra Cabriada.
Vestuario: Gilda Navarro.