UNA NOCHE AL AÑO (One Night Only)

El cineasta neoyorkino Will Gluck parece sentirse muy cómodo en la comedia, dado que su filmografía se inserta al completo en dicho género. Ha tenido la fortuna (o la habilidad) de contar con intérpretes populares y atractivos, sobre todo para el público juvenil, lo que a buen seguro le ha ayudado a alcanzar notables resultados en las taquillas. “Rumores y mentiras” (2010), protagonizada por Emma Stone; “Con derecho a roce” (2011), junto a Mila Kunis y Justin Timberlake; la versión de “Annie” (2014), con Cameron Díaz y Jamie Foxx; o “Cualquiera menos tú” (2023), cuyo elenco encabezaron Sydney Sweeney y Glen Powell, conforman un ramillete de películas más o menos similares y con ese tono ligero, insustancial y divertido que se acomoda perfectamente a estos tiempos estivales. 

Ahora reincide en los aciertos y en los errores de sus anteriores trabajos con “Una noche al año” (One Night Only), sin mostrar reparos por el hecho de que se le encasille en este tipo de propuestas redundantes y repetitivas. Dichas comedias, a las que con tanta facilidad se califica de románticas, reúnen a millones de devotos espectadores que las visionan con agrado. Yo mismo, en algunos casos, he visto infinidad de veces “Cuando Harry encontró a Sally” o “Algo para recordar” y continuaré haciéndolo, aunque considero que estos filmes de finales de los ochenta y principios de los noventa se hallan a años luz de cualquier cinta de Gluck. “Una noche al año” contiene cierto encanto capaz de engatusar, si bien su guion, gracia y comicidad no pasan de mediocres. Más allá de su absurda premisa inicial (una ley prohíbe el sexo extramatrimonial durante 364 días al año y concede una única jornada anual para un desenfreno libre de ataduras y que ha llevado a publicistas y responsables de marketing a considerar tal propuesta como una especie de “La purga” en la esfera sexual), la trayectoria del realizador se torna a estas alturas muy previsible y carente de interés. 

Pese a una duración que apenas sobrepasa la hora y media, es imposible dejar de mirar el reloj durante varios momentos del metraje, confirmando los peores presagios de ausencia de entretenimiento. Su supuesta originalidad radica en la extravagancia de la trama, pero, allende el indudable gancho de sus protagonistas, el relato pierde fuerza demasiado pronto. 

En cuanto a la parte que refleja el control social y la represión estatal de los niveles de intimidad, al margen de rozar lo descabellado, no combina adecuadamente con el aspecto sentimental de la narración. Lejos de llegar a entender si se trata de una crítica, una sátira o un mero pasatiempo, el largometraje defrauda en su conjunto. 

No obstante, procede salvar y hasta destacar tanto a Monica Barbaro como a Callum Turner. La primera ya ha estado nominada al Oscar por su excelente actuación en “Un completo desconocido” y ha disfrutado de las mieles del éxito de la recaudación con “Top Gun: Maverick”. Logra rescatar varias escenas gracias a su presencia e interpretación. Él, a su vez, ha participado en varias entregas de la saga “Animales fantásticos” y en otros títulos como “Canción de Nueva York” o la versión de “Emma”, de Autumn de Wilde. Da la réplica adecuada a su compañera de reparto. 

A cargo de papeles secundarios les acompañan Maya Hawke (hija de los actores Ethan Hawke y Uma Thurman, y vista en la serie de televisión “Stranger Things”), Molly Ringwald (icono ochentero tras sus intervenciones en “El club de los cinco” o “La chica de rosa”) y Julia Fox (“Diamantes en bruto”). 

LUDWIG GÖRANSSON

Ludwig Göransson nació en Suecia el 1 de septiembre de 1984. Compositor y músico, ha logrado una notable fama en el mundo del cine gracias, sobre todo, a sus bandas sonoras para Christopher Nolan y Ryan Coogler.

Su primer trabajo tuvo lugar en 2007 en la cinta “Happy Holidays”, de Sassy Mohen. En 2013 comenzó su colaboración con Coogler, en “Fruitvale Station”, colaborando con dicho cineasta en “Creed” (2015), “Black Panther” (2018), “Black Panther: Wakanda Forever” (2022) y “Sinners” (2025). 

Su primera obra para Christopher Nolan fue “Tenet” (2020), a la que siguieron “Oppenheimer” (2023) y “La odisea” (2026). 

Ha ganado tres Oscars de la Academia de Hollywood (“Black Panther”, “Oppenheimer” y “Sinners”) y un Globo de Oro (“Oppenheimer”).

Oppenheimer

La odisea

Black Panther

IN MEMORIAM: TIM CURRY

El actor británico Tim Curry falleció el pasado martes en su casa de Los Ángeles a los 80 años de edad. 

Curry saltó a la fama gracias a su interpretación del Dr. Frank-N-Furter en la icónica película “The Rocky Horror Picture Show” (1975), repitiendo el mismo papel que ya había interpretado en las producciones teatrales del citado espectáculo en Londres (1973) y Los Ángeles (1974).

Intervino también en cintas como “Annie” (1982), “Legend” (1985), “La caza del Octubre Rojo” (1990), “Solo en casa 2” (1992), “Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas” (1993), “The Shadow (La sombra)” (1994), “Los ángeles de Charlie” (2000) o “Kinsey” (2004).

Trabajó igualmente prestando su voz en numerosos largometrajes y series televisivas de animación.

Descanse en paz. 

CARTER BURWELL

Carter Burwell nació en Nueva York el 18 de noviembre de 1954. Compositor estadounidense de música cinematográfica, se inició en el Séptimo Arte de la mano de las películas de los hermanos Coen, con quienes ha colaborado de forma frecuente desde sus comienzos como autor de bandas sonoras.

Ha optado en tres ocasiones al Oscar de la Academia de Hollywood: en 2016 por “Carol”, en 2018 por “Tres anuncios a las afueras” y en 2023 por “Almas en pena de Inisherin”. También ha sido candidato a cuatro Globos de Oro, además de por las tres partituras ya citadas, por la de “Donde viven los monstruos” (2009).

Su debut tuvo lugar con la cinta “Sangre fácil” (1984), dirigida también por los Coen, quienes desde entonces contaron con él en filmes como “Muerte entre las flores” (1990), “Barton Fink” (1991), “Fargo” (1996) o “El hombre que nunca estuvo allí” (2001).

Otras de sus obras son “Rob Roy” de Michael Caton-Jones (1995), “Dioses y monstruos” de Bill Condon (1998), “Cómo ser John Malkovich” de Spike Jonze (1999) y “Misántropo” de Damián Szifron (2023).

Carol

Tres anuncios a las afueras

Muerte entre las flores

 

 

83º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA

La 83 edición del Festival de Cine de Venecia se celebrará del 2 al 12 de septiembre. Este año George Clooney y Ellen Burstyn recibirán galardones honoríficos, mientras que Maggie Gyllenhaal presidirá el jurado del certamen, también integrado por Johnnie To, Kaouther Ben Hania, Shahrbanoo Sadat, Xavier Giannoli, Daniel Blumberg y Francesco Casetti.

“Ink”, la nueva película de Danny Boyle sobre el ascenso de Rupert Murdoch, será la encargada de inaugurar este encuentro cinematográfico. El cineasta británico aspira al León de Oro, junto a otros realizadores como Casey Affleck, Werner Herzog, May el-Toukhy, Nanni Moretti, Hirozaku Koreeda y Martin McDonagh.

PROGRAMACIÓN COMPLETA DE LA MOSTRA

Sección Oficial

• Ink, de Danny Boyle (Inauguración)
• Company, de Casey Affleck
• Kami Nour (A Bit of Light), de Ali Asgari
• Ritorno a Buenos Aires, de Marco Bechis
• Un bon petit soldat, de Stéphane Brizé
• Il fuoco che ti porti dentro, de Edoardo De Angelis
• Kvinde Ukendt (Woman Unknown), de May el-Toukhy
• Bucking Fastard, de Werner Herzog
• 15/18 A Place to Heal, de Cédric Kahn
• Dau, de Ilya Khrzhanovsky
• Look Back, de Hirozaku Koreeda
• Ga-neung-han Sa-rang (Possible Love), de Lee Chang-dong
• Wild Horse Nine, de Martin McDonagh
• Sucederá questa notte, de Nanni Moretti
• Primetime, de Lance Oppenheim
• The Echo Chamber, de Andrea Pallaoro
• Un peu avant minuit, de Nicolas Pariser
• L’estranea, de Paolo Strippoli
• Mr. Nelson, Did you Kill People?, de Shinya Tsukamoto
• Bunker, de Florian Zeller

Fuera de la sección oficial

Ficción

• Nessun dolore, de Gianni Amelio
• Father Joe, de Barthélémy Grossmann
• Scherzetto, de Mario Martone
• Place to Be, de Kornél Mundruczó
• No Paradise if You Are Killed by a Woman, de Halkawt Mustafa
• Arrested Memory, de Sabu
• The Basics of Philosophy, de Paul Schrader
• Un bon avocat, de Tristan Seguela
• Jupiter, de Alexandre Smia
• Dio Ride, de Giovanni Veronesi

Documental

• Be Brave, de Francesco Carrozzini
• What Love Builds, de Russell Crowe
• Burgundy, de Michael Dweck y Gregory Kershaw
• Musk, de Alex Gibney
• The Road to Jericho, de Amos Gitai
• Citizen Osama, de Ahmed Hassouna
• Union Town, de Barbara Kopple
• Holy Wood Dust, de Victor Kossakovsky
• Letters, de Andrei Kutsila
• Biografía de Jorge Luis Borges, de Mariano Llinás
• My Undesirable Friends: Part II 
• Exile, de Julia Loktev
• Boatbuilders,de  Luke Lorentzen
• Imperium, de Sergei Loznitsa
• Shumei. The Living Legacy of Kabuki, de Mike Takashi
• Queer Edward II, de Theo Rollason
• Oasis: Don’t Look Back in Anger, de Dylan Southern y Will Lovelace
• Weichen, de Tsai Ming-liang
• Everest: The Other Side, de Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin
• From Inside Out – The Architecture of Peter Zumthor, de Wim Wenders

PHILIP GLASS

Philip Glass nació en Baltimore el 31 de enero de 1937. 

Compositor estadounidense de música clásica y bandas sonoras, estudió en la Juilliard School de Nueva York y ha sido nominado en tres ocasiones a los Oscars de Hollywood -por sus composiciones para “Kundun” , de Martin Scorsese, “Las horas”, de Stephen Daldry (con la que consiguió un Globo de Oro) y “Diario de un escándalo”, de Richard Eyre.

Comenzó a obtener repercusión en el mundo del cine  gracias a la película experimental “Koyaanisqatsi”, dirigida por Godfrey Reggio y producida por Francis Ford Coppola. 

Posteriormente, participó en “La colina de la hamburguesa”, de John Irvin y en el documental “Breve historia del tiempo”, de Errol Morris. 

Otros de sus trabajos para la gran pantalla han sido “El show de Truman”, de Peter Weir, “Candyman”, de Bernard Rose y “El ilusionista”, de Neil Burger, por la que en 2007 se alzó con el Critics' Choice Award.

Las horas

Diario de un escándalo

Kundun

TERENCE BLANCHARD

 

Terence Blanchard nació en Nueva Orleans el 13 de marzo de 1962. Músico de jazz estadounidense y trompetista, ha compuesto varias bandas sonoras, especialmente para las películas de Spike Lee.

Ganador de cinco Grammys, ha logrado asimismo dos nominaciones al Oscar por sus partituras para “Da 5 Bloods” (2021) y “BlacKkKlansman” (2019).

Debutó en el cine componiendo la música de “Fiebre salvaje” (1991), a la que siguieron “Malcolm X” (1992), “Eve's Bayou” (1997) y “Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam)” (1999).

Ya en el nuevo siglo destacan sus trabajos para “Pecado original” (2001), “La última noche” (2002), “Plan oculto” (2006) o “Una noche en Miami” (2020).

Plan oculto

Sobre la música de Terence Blanchard en el cine de Spike Lee

LA ODISEA (The Odyssey)

Christopher Nolan se ha convertido en el cineasta moderno más influyente de este siglo. Más allá de su excelente capacidad narrativa, su meticulosidad técnica y su habilidad para sorprender visualmente y provocar un torbellino de sensaciones en los espectadores, el repaso a su filmografía es, posiblemente, el mejor manual de aprendizaje para quienes deseen adentrarse en el universo de la cinematografía. Virtuoso y versátil, se interna en el género de acción, en la ciencia ficción, en el drama o en la fantasía con naturalidad y, sobre todo, con eficacia. Tan pronto aborda la biografía de un físico célebre como se impulsa hacia el espacio sideral. Oscar al mejor director por la impecable “Oppenheimer” y responsable de dos joyas como “Interstellar” y “Origen”, así como de la más destacada trilogía sobre un superhéroe jamás filmada (la de Batman), incluso sus obras menos populares (“Memento”, “El truco final”) presentan unos sorprendentes niveles de entretenimiento, originalidad y calidad.

Ahora ha decidido recrear el clásico de Homero “La Odisea”. A título personal, la mitología griega no me atrae en exceso, de modo que observo con bastante distancia sus monstruos, deidades y alegorías. En consecuencia, me asombra la exquisitez técnica de una considerable parte del metraje, pero no me basta para involucrarme en esa trama dominada por las leyendas y las fábulas mágicas.  Sin embargo, sí reconozco que representa a la perfección la vanidad, la estupidez y la mediocridad de los seres humanos, a quienes acompañan unos dioses caprichosos, arbitrarios e incomprensibles.

No obstante, y a medida que avanza la proyección, las piezas encajan y se percibe de manera óptima la ingente cantidad de metáforas y lecciones vitales vigentes en pleno siglo XXI, y se concluye que aquellos poemas cantados en el siglo VIII antes de Cristo servían también entonces para evidenciar la mezquindad humana y la incoherencia divina. Pasan los siglos, pero las esencias no cambian, de tal manera que la cinta, trascendiendo a sus logros artísticos, es de visión obligada en atención a sus clases prácticas de humanismo. Su última frase resulta, en ese sentido, lapidaria: la civilización decae, pero olvidamos nuestros errores.

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras protegen su reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Ese camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba, no sólo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Con una fotografía imponente y una dirección artística portentosa, la narración aguanta con firmeza sus casi tres horas de duración. Se nota la devoción y la implicación personal de Nolan por esta historia, transformada en un proyecto complejo y valiente que resiste a base de brillantez y competencia. Sin alcanzar la cima de mis largometrajes favoritos del realizador, acrecienta su mito y ese sello intransferible que le hace formar parte del olimpo de cineastas que han marcado y siguen marcando la historia del Séptimo Arte. Posee varias secuencias que pasarán a la historia del cine.

Encabeza el majestuoso equipo actoral Matt Damon (protagonista de la saga “Bourne” y con excelentes interpretaciones en “El talento de Mr. Ripley”, “Ford v Ferrari”, “El indomable Will Hunting” o “Más allá de la vida”), acompañado por Anne Hathaway (“Los miserables”, “El diablo viste de Prada”), Charlize Theron (“Las normas de la casa de la sidra”, “Monster”), Zendaya (“Dune Parte 2”, “The Drama”), Robert Pattinson (“Crepúsculo”, “La ciudad perdida de Z”), Tom Holland (“Lo imposible”, “Spiderman”), John Leguizamo (“Moulin Rouge”, “Atrapado por su pasado”), Mia Goth (“Frankenstein” de Guillermo del Toro), Lupita Nyong'o (“12 años de esclavitud”, “Black Panther”) y Samantha Morton (“Minority Report”, “Elizabeth: la edad de oro”). Todos ellos realizan su labor con corrección, si bien desearía destacar la inolvidable actuación de Damon y la forma en la que Zendaya logra cautivar sobremanera a través de la pantalla en cada uno de sus planos.

VANGELIS

Evángelos Odysséas Papathanassíou, conocido artísticamente con Vangelis, nació el 29 de marzo de 1943 y falleció el 17 de mayo de 2022. Músico y compositor de bandas sonoras, obtuvo un Oscar en 1982 por su composición para la película “Carros de fuego”.

En los años ochenta popularizó sus temas en largometrajes como “Missing” de Costa-Gavras (1982), “Blade Runner” de Ridley Scott (1985) o “Motín a bordo” de Roger Donaldson (1984).

Ya en la década de los noventa destacaron sus aportaciones para “Lunas de hiel”, de Roman Polanski (1992) o “1492: la conquista del paraíso”, de nuevo con Ridley Scott (1992).

Entre sus últimos trabajos sobresalen los de “Alejandro Magno”, de Oliver Stone (2004) o “El Greco”, de Yannis Smaragdis (2007)

En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el “(6354) Vangelis”.

Blade Runner

Missing

Carros de fuego

 

GEORGES DELERUE

Georges Delerue nació en Roubaix el 12 de marzo de 1925 y falleció en Los Ángeles el 20 de marzo de 1992. Compositor francés de música de cine, fue candidato al Oscar en cinco ocasiones, obteniéndolo por "Un pequeño romance" (1979).

Estudió en el Conservatorio de París y, muy posteriormente, entró en contacto con el movimiento denominado Nouvelle Vague, del que sería uno de sus autores preferidos. De hecho, sus composiciones han acompañado numerosas películas del director François Truffaut.

Entre sus trabajos cabe citar “Hiroshima, mon amour”, de Alain Resnais; “Jules y Jim”, de François Truffaut; “Ricas y famosas”, de George Cukor; “Silkwood”, de Mike Nichols; “Salvador” y “Platoon”, ambas de Oliver Stone; “Crímenes del corazón”, de Bruce Beresford o “Magnolias de acero”, de Herbert Ross.

Sus candidaturas a la estatuilla dorada de Hollywood se debieron a "Agnes de Dios” (1986), la ganadora “Un pequeño romance” (1980), Julia (1978), “El día del delfín” (1974) y “Ana de los mil días” (1970). 

Obtuvo igualmente tres César del cine francés gracias a “El último metro” (1981), “El amor en fuga” (1980) y “¿Quiere ser el amante de mi mujer?” (1979).

Un pequeño romance

Jules y Jim

Platoon

LA MUERTE DE ROBIN HOOD (The Death of Robin Hood)

En la historia del Séptimo Arte, el personaje de Robin Hood ha sido uno de los más llevados a la pantalla grande. Recuerdo versiones para todos los gustos. Desde las más antiguas (con Douglas Fairbanks o Errol Flynn) a las más modernas (con Russell Crowe o Taron Egerton). Desde las más aventureras (como la de Kevin Costner en 1991) a las más melancólicas (como la de Sean Connery en 1976). Desde la más cómica (que dirigió Mel Brooks en 1993) hasta la versión femenina (protagonizada por una adolescente Keira Knightley en 2001). Esta medieval leyenda inglesa ha estado presente en las carteleras década tras década desde que existe el cine. Algo tendrá, pues, este Robin de Locksley, si tantas veces se recurre a él para abordar nuevos proyectos. Ahora, en concreto, se estrena la última propuesta: “La muerte de Robin Hood”, encarnado para la ocasión por el actor australiano Hugh Jackman.

En algunos pasajes del metraje, al verle interpretar a un cansado y ya casi anciano héroe venido a menos, me hizo recordar otra de sus actuaciones que más me ha impresionado: dando vida en “Logan” a un Lobezno agotado y desconsolado, curtido en demasiadas batallas y con ansias de dejarlo todo atrás. Porque esta nueva visión del personaje en nada se parece a las cintas aventureras que muestran a un jovial, ágil e intrépido forajido, amado por el pueblo y odiado por los gobernantes. Aquí queda patente su declive y su ocaso. Tal vez sorprenda (y hasta disguste) a quienes esperen disfrutar con peleas de espadachines y vertiginosas contiendas entre buenos y malos, máxime por presentar al héroe de tal manera que los espectadores duden de su honorabilidad y mérito.  

Por el contrario, se trata de un largometraje contemplativo e introspectivo que traslada el relato de un hombre extenuado de sí mismo y deseoso de liberarse del estigma de su pasado, por muy glorioso que lo consideren. En definitiva, el público ha de acercarse a esta obra como a un drama. 

Michael Sarnoski (conocido por la compleja “Pig”, con Nicolas Cage al frente del elenco en 2019, o por “Un lugar tranquilo: Día 1”, precuela de “Un lugar tranquilo” -con el matrimonio formado por John Krasinski y Emily Blunt encabezando el reparto-) se sitúa tras la cámara. A mi juicio, lleva a cabo una buena labor de realización, si bien determinadas visiones melancólicas y reflexiones crepusculares se antojan un tanto pesadas y difíciles de digerir. 

Robin Hood intenta lidiar con sus demonios tras una larga vida de crímenes y venganzas. Cuando en una sangrienta batalla resulta herido de gravedad, es enviado a un misterioso castillo para que curen sus heridas. Allí conocerá a una mujer que le ofrecerá una oportunidad de redención final y de descanso real. 

Intérprete todoterreno, Hugh Jackman destaca en el musical, la comedia, la aventura y el drama sin aparente dificultad. Nominado al Oscar por “Los Miserables”, en su filmografía figuran títulos como “Prisioneros”, “El gran Showman” o la saga de Lobezno. Ejecuta su actuación con solvencia y acierto, demostrando ser un seguro en cualquier equipo artístico.

Le acompaña Jodie Comer, vista en la televisiva “Killing Eve” y en “El último duelo” o “Star Wars: Episodio IX - El ascenso de Skywalker”. Junto a ellos, Bill Skarsgård (“It”, “Nosferatu”) y Clive Russell (“Sherlock Holmes” de 2009, “El Rey Arturo” de 2004). 

HOWARD SHORE

Howard Shore nació en Toronto el 18 de octubre de 1946.

Compositor canadiense de música para películas, ha estado nominado al Oscar en cuatro ocasiones, tanto en el apartado de mejor banda sonora como en el de mejor canción, habiendo obtenido tres estatuillas. 

También cuenta con seis nominaciones a los BAFTA y otras seis a los Globos de Oro (de los que ha logrado tres).

Muy célebres son sus composiciones para “El silencio de los corderos” y para la saga de “El señor de los anillos”. Asimismo, colabora desde 1979 con el director David Cronenberg en todas sus cintas, a excepción de una.

Junto a los ya citados, cabe destacar sus trabajos para “Jo, ¡qué noche!” (1985), “La mosca” (1986), “Big” (1988), “Bésame antes de morir” (1991), “Mujer blanca soltera busca” (1992), “M. Butterfly” (1993), “Philadelphia” (1993), “Seven” (1995), “Copland” (1997), “El aviador” (2004), “Hugo” (2011) y “Spotlight” (2015).

El silencio de los corderos

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

Hugo

SUPERGIRL

En 1984, en plena efervescencia del éxito del “Superman” de Christopher Reeve (para entonces ya se habían estrenado tres entregas de las aventuras del célebre superhéroe), llegó a las pantallas “Supergirl”, interpretada por Helen Slater. El resultado no respondió al previsto por sus productores, las críticas fueron malas (o muy malas) y la recaudación en taquilla tampoco pudo maquillar dichas impresiones, por mucho que entre los secundarios se encontraran rostros tan populares y de indiscutible nivel como Faye Dunaway, Mia Farrow o Peter O'Toole. A cuarenta y dos años vista, la apuesta se repite de la mano del reciente “Superman” dirigido por James Gunn en 2025, y donde esta versión femenina de la heroína aparece fugazmente. 

Se trata ahora de una cinta más eficaz y elaborada que su antecesora, aunque sin llegar a despuntar en ningún momento. Refleja diversos aspectos en su contra.  De hecho, yo comencé a verla con cierta resistencia, pues estoy muy saturado de propuestas a menudo cansinas y reiterativas. Tal vez el problema se localicé en mí, pero en todo caso no puedo dejar de mencionarlo.

De otra parte, sus principales virtudes (además de la intérprete escogida, a la que me referiré al final de esta crítica) se centran en distracciones y envoltorios fastuosos que ocultan sus palpables carencias narrativas y de guion: un despliegue de canciones potentes, luces de colores y desparpajo visual que no se acompasan con una trama ni interesante ni atrayente.

El realizador Craig Gillespie, quien llamó mi atención en “Yo, Tonya” (por cuya actuación Margot Robbie recibió su primera nominación al Oscar), ha derivado hacia una senda de personajes imaginarios que, a mi juicio, le ha hecho retroceder. Dirigió “Cruella”, con Emma Stone encarnando a la malvada de Vil, y a continuación se ha decantado por esta “Supergirl” si bien, en mi opinión, su vertiente profesional mejora cuando se enfrenta a figuras reales. 

Más allá de cierto estilo llamativo en cuanto a la puesta en escena (desde el vestuario a los efectos especiales), el film no supone una propuesta rigurosa ni solvente, pese a que han dado la vuelta al personaje dotándolo de un oscuro pasado que configura un presente más complejo. Lástima que ni la historia ni sus compañeros de aventuras la acompañen adecuadamente.

Kara, prima de Superman, se ha fortalecido con el transcurso del tiempo y debido también a la caída de Krypton. Mientras viaja por diferentes lugares conoce a Ruthye, una joven que busca venganza a causa del asesinato de su padre. Las dos juntas inician una persecución contra un criminal enormemente peligroso, durante la que se enfrentarán a una serie de peligros y de criaturas que pueblan el lado más oscuro del universo. Kara deberá decidir si emplea su fuerza para destruir o para proteger.

Desconozco el futuro de este nuevo “spin off” de Superman ya que, en atención a su rentabilidad económica, quizá dé lugar a un reguero de proyectos similares.  Pero, si ya me parece un milagro que su metraje alcance una duración de hora y tres cuartos, prefiero no imaginarme idéntica situación en otros dos o tres largometrajes.

Milly Alcock, la actriz que da vida a “Supergirl”, posee un físico distinto que le proporciona cierto carisma en pantalla. Al igual que gran parte de los espectadores, la conocí gracias a la serie “La casa del dragón”, como Rhaenyra Targaryen en su época infantil (su principal trabajo a raíz de la repercusión de la precuela de “Juego de tronos”). Lleva a cabo su labor con solvencia e intuyo en ella capacidad artística para abordar otros retos que trasciendan a esta heroína, por lo que convendrá seguirle la pista profesional.

Completan el elenco David Corenswet (que repite como “Superman”), Eve Ridley (“The Witcher”), Matthias Schoenaerts (“La chica danesa”, “De óxido y hueso”), Ferdinand Kingsley (“Mank”) y Jason Momoa (“Aquaman”, “Dune: parte dos”).

GABRIEL YARED

Gabriel Yared nació en Beirut el 6 de octubre de 1949. 

Compositor franco-libanés, conocido principalmente por sus trabajos en el cine francés y estadounidense, posee un Oscar por la banda sonora de “El paciente inglés” y ha estado nominado en otras dos ocasiones al máximo galardón de la Academia de Cine de Hollywood (“Cold Mountain” y “El talento de Mr. Rippley”). Por dichos largometrajes recibió también premios y candidaturas a los Globos de Oro.

Igualmente ha ganado el César, que otorga la Academia de Cine de Francia, por la música de “El amante”.

Destacan asimismo sus composiciones para “Betty Blue” (1986), “La pasión de Camille Claudel” (1988), “City of Angels” (1998), “Mensaje en una botella” (1999), “Un asunto real” (2012) o “Judy” (2019).

El paciente Inglés

El talento de Mr. Ripley

El amante

 

 

BILL CONTI

Bill Conti nació en Rhode Island el 13 de abril de 1942. 

Compositor estadounidense de origen italiano y especializado en la música cinematográfica, ha estado tres veces nominado al Oscar, por sus bandas sonoras para “Rocky”, “Sólo para sus ojos” y “Elegidos para la gloria” (con la que finalmente ganó la preciada estatuilla de la Academia de Cine de Hollywood). 

Comenzó a estudiar piano a los siete años, para ingresar posteriormente en la Universidad Estatal de Luisiana y en la Juilliard School of Music. 

Aparte de para las películas ya mencionadas y la saga completa de “Rocky”, ha compuesto las partituras de “Harry y Tonto” (1974), “Una mujer descasada” (1978), “Gloria” (1980), “Evasión o victoria” (1981), “Karate Kid” (1984), “FX, Efectos mortales” (1985) o “Al filo de la noticia” (1987).

Asimismo, ha sido el director musical de las ceremonias de entrega de los Oscars durante varios años. 

Rocky

Elegidos para la gloria

Sólo para sus ojos

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (Disclosure Day)

A mi juicio, son numerosos los aspectos positivos a señalar en la última película de Steven Spielberg. También cabe alguno negativo, pero prefiero comenzar esta crítica resaltando el placer que me produjo revivir sensaciones de antaño cuando acudía a las salas de proyección a ver sus largometrajes, cuya diversión y entretenimiento me saciaban en aquella bendita década de los ochenta. Con “El día de la revelación” parece concluir una trilogía no oficial, tras “Encuentros en la tercera fase” y “E.T. El extraterrestre” y con un cierto aroma a la famosa serie televisiva “Expediente X”, otra de las ofertas que me atraparon en mi juventud.

El sello del cineasta, del que sobran las presentaciones, se reconoce completamente. Por todos conocido, yo lo asocio a mi propio crecimiento vital, pues su obra me ha acompañado desde la infancia hasta el día de hoy. La utilización de la luz en las imágenes, el movimiento de la cámara, el ritmo ágil (entre divertido e intenso) y, sobre todo, el aire infantil, bienintencionado, jovial y distendido que impregna, sobre todo, sus obras iniciales, me ha devuelto a otra época. Y he disfrutado de nuevo con ese divertimento aventurero, imaginativo y un punto iluso con el que asocio a aquellos tiempos. La fotografía de Janusz Kaminski y la música de John Williams (que escucho de fondo mientras escribo estas líneas) también contribuyen a dejarse llevar por esta iniciativa que aborda temas relevantes, aunque por medio de un estilo desenfadado y excitante que convierte en livianas las dos horas y media de proyección.

Como apunte tal vez un tanto desfavorable, se evidencian en el guion diversos recursos forzados y hasta pueriles que, cuando menos, chocan. El modo en el que los “buenos” escapan de los “malos” tras persecuciones y encerronas espectaculares se me antoja, en ocasiones, ridículo. Incluso la sorprendente transición de algún protagonista, caracterizado al inicio como villano, hacia el lado del bien, se torna demasiado utópica. Quizás ahí radique la parte más infantil de la propuesta y lo que puede afear su resultado final.

Aun así, Steven Spielberg, que cumplirá ochenta años en este 2026, sigue desarrollando su manera de cine a través de ese toque ingenuo con el que rodó “E.T. El Extraterrestre”, donde el espíritu candoroso encajaba como un guante, permitiendo conectarnos a todos con ese niño interior que llevamos dentro. Abundando en tal idea, el personaje encarnado por una monja le dice a una de las protagonistas, que fue novicia y se salió del convento: “El problema no es que perdieses la fe en Dios, es que perdiste la fe en la humanidad”. Se nota que Spielberg no ha perdido la fe en la humanidad. Personalmente, me gustaría ser como él en muchas cosas. También en esta.

El empleado de una corporación que trabaja para el Gobierno de los Estados Unidos ocultando la existencia de vida extraterrestre, decide fugarse con las pruebas para sacarlas a la luz. Los máximos responsables de esa conspiración le persiguen para evitarlo. Mientras tanto, la presentadora del tiempo de una cadena televisiva comienza a experimentar una serie de poderes y capacidades que no logra entender. Sin saberlo, el ex trabajador y la periodista acabarán conectados en la aventura, decididos a comunicar la verdad.

Para disfrutar de la proyección se requiere, como mínimo, interés por la ciencia ficción y afición por los universos alienígenas.  En la ya mencionada “Expediente X”, el agente del F.B.I. Fox Mulder tenía en su despacho un cartel con la imagen de un ovni y la frase “I Want to Believe” (Quiero creer). De lo contrario, la obra resulte incluso pesada. Si no, el regocijo queda garantizado.

Integran el reparto Emily Blunt (“Oppenheimer”, “El diablo viste de Prada”, “Destino oculto”), Colin Firth (“El discurso del rey”, “Un hombre soltero”, “El diario de Bridget Jones”), Colman Domingo (“Las vidas de Sing Sing”, “Selma”) y Josh O'Connor (“Rivales”).

JOHN POWELL

El compositor y director de orquesta británico John Powell nació en Londres el 18 de septiembre de 1963. 

Conocido por sus bandas sonoras para películas de animación y de acción real para directores como Doug Liman y Paul Greengrass, ha compuesto también la música de la saga de Jason Bourne y de títulos como “United 93” o “Green Zone”. 

Dos veces candidato al Oscar gracias a “Cómo entrenar a tu dragón” y “Wicked”, en los premios de la International Film Music Critics Award (IFMCA) ha recibido más de cuarenta nominaciones, habiendo sido galardonado en diez ocasiones. 

Entre sus trabajos más conocidos destacan “Shrek” (2001), “El caso Bourne” (2002), “El mito de Bourne” (2004), “Sr. Y Sra. Smith” (2005), “X-Men: The Last Stand” (2006), “El ultimátum de Bourne” (2007) “Kung Fu Panda” (2008) “Caza a la espía” (2010), “Cómo entrenar a tu dragón” (2010), “Solo: Una historia de Star Wars” (2018) o “La llamada de lo salvaje” (2020). 

“El caso Bourne”

“El mito de Bourne”

“Kung Fu Panda”

RYÜICHI SAKAMOTO

Ryūichi Sakamoto nació en Tokio el 17 de enero de 1952 y falleció en la misma ciudad el 28 de marzo de 2023. Compositor, productor, pianista, cantante, escritor y actor japonés, compuso la banda sonora de "Feliz Navidad, Mr. Lawrence" (1983), que le reportó el BAFTA a la mejor música original, así como en la de “El último emperador” (1987), con la que consiguió un Oscar junto a sus compañeros David Byrne y Cong Su. 

Otros filmes en los que Sakamoto se encargó de la música fueron "The Sheltering Sky" (1990), de Bernardo Bertolucci (premiada por la Asociación de Críticos de Los Ángeles); "Tacones lejanos" (1991), de Pedro Almodóvar; "Pequeño Buda" (1993), también de Bertolucci; "Wild Palms" (1993), de Oliver Stone; "Love is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon" (1998), de John Maybury; "Snake Eyes" (1998) y "Femme Fatale" (2002), de Brian De Palma; "Gohatto" (1999), de Oshima; una canción para "Dhobi Ghat" (2011), de Kiran Rao; "Hara-kiri: Muerte de un samurai" (2011), de Takashi Miike; "El renacido" (2005), de Alejandro González Iñárritu; "El fotógrafo de Minamata" (2020), de Andrew Levitas; y "Monstruo" (2023), de Hirokazu Koreeda. 

Fue también el responsable musical de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, evento transmitido a más de mil millones de espectadores.

Feliz Navidad, Mr. Lawrence

El último emperador

The Sheltering Sky

LA GRAZIA

Paolo Sorrentino es un director y guionista italiano con estilo propio. A día de hoy, probablemente sea el cineasta más relevante de Italia. Su cinta “La gran belleza” ganó el Oscar y el BAFTA a la mejor película de habla no inglesa y también ha cosechado premios en los Festivales de Cine de Cannes y Venecia. En su filmografía, además del ya citado, se hallan títulos como “La juventud” (2015), “Silvio (y los otros)” (2018) o, más recientemente, “Parthenope” (2024). Este napolitano ha dotado a sus trabajos de un sello muy característico, centrado sobre todo en las reflexiones sobre el paso del tiempo y la melancolía, con historias que mezclan delicadeza y profundidad con cierto toque de cinismo y descaro. Tal vez su mayor cualidad estribe en hablar de temas cotidianos y relevantes con una visión totalmente personal y una estética altamente cuidada. Desde el punto de vista visual resulta atrayente y, por lo que se refiere al aspecto narrativo, interesante. Con independencia de que algunos de sus filmes gusten más que otros, sus propuestas siempre se revisten de elegancia y se construyen sobre ideas firmes. En definitiva, disfrutar de sus obras equivale a adentrarse en un museo donde el visitante se va a sentir sin duda interpelado.

Ahora presenta “La grazia” (estrenada con su título original), que obtuvo varios galardones en la última Mostra veneciana, junto a dos nominaciones a los Premios del Cine Europeo (actor y guion). Se trata de un largometraje político, pero más optimista de lo que el panorama real depara a través de los líderes mundiales y de esa denominada “geopolítica” que nos deprimen a diario en los informativos. La narrativa continúa presidida por el refinamiento y por ese particular sentido del humor que engancha. A ratos poética y a ratos intensa, supone una oferta sumamente interesante.

Mariano De Santis, presidente ficticio de la República italiana, es un veterano político demócrata, humanista y católico que, de repente, comienza a dudar sobre la adopción de determinadas decisiones, en especial sobre vetar o no una ley de eutanasia que le genera un profundo dilema moral.

Pese a sus casi dos horas y cuarto de duración, “La grazia” no se percibe como larga y logra mantener un ritmo adecuado durante todo el metraje. Se experimenta con claridad la exquisitez en los planos, la distinción en la puesta en escena, la sensibilidad en los temas tratados y una pizca de sorna que inevitablemente mueve a la reflexión. Se trata de una de las grandes obras de Sorrentino, al punto de que, si mantiene esta línea, habrá que esperar con ansiedad su siguiente trabajo. El nombre define a la perfección el estado del realizador, de gracia, y perpetúa su habilidad para aderezar cada encuadre de cámara con una imagen hermosa y, casi cada diálogo, con un detalle certero. No he visto “Father Mother Sister Brother”, de Jim Jarmusch (ganadora del reciente León de Oro) pero, si superó a la propuesta de Sorrentino, me afanaré por visionarla.

Sea como fuere, y más allá de sus aciertos cinematográficos, “La grazia” constituye una llamada de atención sobre la inmensa distancia que existe entre la gobernanza y la realidad. Acostumbrado a la mezquindad, la mediocridad y el histrionismo que reflejan la mayoría de los medios de comunicación, esta mirada me reconforta y alecciona acerca de los problemas y las responsabilidades asociados a la utilización y al ejercicio del poder. 

Se sitúa al frente del reparto el actor Toni Servillo, habitual en el cine de Paolo Sorrentino (“Las consecuencias del amor”, “La gran belleza”, “Fue la mano de Dios”, “Silvio (y los otros)”. Ha actuado igualmente en “Gomorra” o “Una vida tranquila”. Desempeña aquí una labor solvente sobre la que se sostiene el grueso de la acción.

PREMIOS DEL SINDICATO DE PRODUCTORES DE EE.UU. (PGA Awards)

Cine 

Mejor productor de película (Premio Darryl F. Zanuck): One Battle After Another (producida por Adam Somner, Sara Murphy y Paul Thomas Anderson).

Mejor película animada: KPop Demon Hunters.

Mejor documental: My Mom Jayne: A Film by Mariska Hargitay. 

Televisión y Streaming

Mejor serie de drama (Premio Norman Felton): The Pitt.

Mejor serie de comedia (Premio Danny Thomas): The Studio.

Mejor miniserie o antología (Premio David L. Wolper): Adolescence.

Mejor película para televisión o streaming: John Candy: I Like Me.

Mejor programa de no ficción: Pee-wee as Himself.

Mejor Talk Show o variedades: The Late Show with Stephen Colbert.

Mejor programa de competición: The Traitors. 

Premios especiales y honoríficos

Milestone Award: Jason Blum.

David O. Selznick Achievement Award: Amy Pascal.

Norman Lear Achievement Award: Mara Brock Akil.

PGA Innovation Award: The Wizard of Oz at Sphere.

Vance Van Petten Entrepreneurial Spirit Award: Lydia Dean Pilcher.