viernes, 26 de abril de 2024

GUERRA CIVIL (Civil War)



Cada vez resulta más difícil juzgar una película por el grado de credibilidad de sus escenas. La actualidad nos tiene acostumbrados a numerosas noticias que serían calificadas de totalmente inverosímiles en un relato inventado. Se dice que la realidad supera a la ficción y, visto lo visto, a estas alturas yo tiendo a admitir como posible lo que mi lógica todavía se empeña en negar. “Guerra Civil” plantea un escenario en el que los Estados Unidos se enfrascan en una lucha fratricida entre buenos americanos y malos americanos (a qué bando pertenece cada uno depende de a quién se le pregunte), y los paramilitares marchan hacia Washington para tomar la Casa Blanca y matar al Presidente. Hasta aquí, todo creíble, puesto que hemos presenciado recientemente en vivo y en directo el asalto al Capitolio por personas ataviadas con cabezas de búfalo. Mayor reparo, si cabe, me produce la escenificación de informadores compartiendo con soldados la primera línea de combate. Mi mente la percibe como poco realista, aunque tal vez el fotógrafo de prensa acompañe efectivamente al militar en la avanzadilla de una acción bélica. Quién sabe.

“Guerra Civil” es una llamada de atención sobre la peligrosidad de la polarización dentro de un país y sobre cómo los odios, si no se aplacan a tiempo, crecen irremediablemente hasta extraer lo peor del ser humano. Atesora algunas escenas muy buenas y, sobre todo, posee un planteamiento visual y narrativo interesante, proyectando, a modo de pausa, las fotografías que los protagonistas van sacando en cada misión de combate que cubren. No obstante, presenta algunos deméritos, a mi juicio, muy evidentes. Intenta alternar un tono de parodia con un estilo más serio y dramático, lo que no siempre funciona a la hora de enlazar las secuencias. Pero se nota, en especial, cómo fuerza la narración para introducir la moraleja y recrearse en el mensaje. Eso, o surge de un modo natural y espontáneo o, si se debe forzar la escenografía para subrayar la crítica, se convierte en un recurso postizo que desentona con el resto del largometraje.

En mitad de una contienda interna estadounidense, generada tras la rebelión de grupos secesionistas, un periodista y una afamada fotógrafa viajan por carretera desde Nueva York a Washington para entrevistar al Presidente de la nación en lo que parecen sus últimos días en el cargo. Terminan acompañándoles un veterano periodista y una jovencísima aprendiz. Los casi dos mil kilómetros de trayecto se convierten en una odisea de peligros donde presenciarán la crueldad y la miseria humana. Llegan tarde a la capital, puesto que los rebeldes están a punto de atacar la Casa Blanca, por lo que se unen a ellos para cubrir la información desde la primera línea de fuego.

Se sitúa detrás de la cámara Alex Garland, quien se inició como guionista de cintas de Danny Boyle (“La playa”, “28 días después”, “Sunshine”), y después se pasó a la dirección debutando con la interesante “Ex Machina”, por la que recibió una nominación al Oscar, y a la que siguió “Aniquilación”, una producción de Netflix con Natalie Portman a la cabeza del reparto. En “Guerra Civil” quizás abuse de cierta reiteración narrativa, pero cabe reconocerle algunos momentos muy destacados.

Sobresale la actriz Kirsten Dunst, que recrea un personaje interesante y repleto de matices. Aquella niña que comenzó en el cine con “La hoguera de las vanidades” y despuntó en “Entrevista con el vampiro” ha crecido y puede presumir de poseer una filmografía muy completa, desde éxitos de taquilla como la primera trilogía de “Spiderman”, de Sam Raimi a obras más arriesgadas, como “Las vírgenes suicidas” u “¡Olvídate de mí!”, pasando por rarezas tan sugerentes como “Elizabethtown” o “El poder del perro”.

La acompañan Wagner Moura (de la serie “Narcos”) -que lleva a cabo un trabajo más desentonado-, Stephen McKinley Henderson (“Lincoln”, “Dune”), Cailee Spaeny (“Una cuestión de género”) o Jesse Plemons (“El irlandés”, la ya citada “El poder del perro”).




viernes, 19 de abril de 2024

SANGRE EN LOS LABIOS (Love Lies Bleeding)



Cuesta hallar un adjetivo para calificar la película “Sangre en los labios”, como tampoco resulta sencillo catalogarla entre los diferentes géneros del Séptimo Arte, lo que hoy en día ya es de por sí un halago. En primer lugar, me gustaría destacar que la propuesta me sorprendió y que, durante buena parte del metraje, me enganchó, aunque al final deja un regusto bastante discreto. Se trata de uno de esos largometrajes que se ven con curiosidad, por más que la posibilidad de repetir visionado en el futuro se torne dudosa. Ante un panorama donde las segundas partes, secuelas, precuelas y nuevas versiones inundan la cartelera, cualquier propuesta original, arriesgada y desvergonzada tiene terreno ganado frente a los ojos de un público ávido de ideas innovadoras.

“Sangre en los labios” (desafortunada traducción del título original “Love Lies Bleeding”) se alza como un film que parece pescar en diversas fuentes cinematográficas, pero que también presume de trazar un camino propio. He leído varias críticas que la presentan como una versión moderna y más descarada de “Thelma & Louise”. Yo no me atrevo a suscribir tal comparación. La cinta de Ridley Scott (1991) posee una mayor solidez en todos los aspectos, si bien determinadas secuencias han heredado su espíritu rebelde, reivindicativo y transgresor.

En todo caso, la característica principal de “Sangre en los labios” radica en su marcada propensión hacia la violencia y los personajes descarnados y procaces, una mezcla que al principio indigesta, pero que acaba funcionando mejor de lo esperado. Y es que la intención de formalizar ofertas disparatadas, románticas, sórdidas, esperpénticas y con una insolente tendencia hacia la crueldad y la furia se antoja compleja y difícil de digerir pero, al menos a ratos, consigue una extraña coherencia narrativa y su estética ochentera le aporta un beneficioso toque agridulce.

Una mujer decidida a destacar como culturista se empeña en acudir a Las Vegas para participar en una competición. Durante el viaje realiza una parada en un pequeño pueblo de Nuevo México, donde conoce a una joven solitaria que regenta un gimnasio. El padre de esta, un delincuente profesional dedicado al tráfico de armas, actúa como líder de una mafia local. Ambas inician una relación amorosa que desata una reacción impredecible de violencia y sangre.

Dirige la casi debutante Rose Glass, quien en 2019 filmó “Saint Maud” (por la que recibió dos candidaturas a los BAFTA) y que ahora presenta este segundo trabajo, con el que participó en el reciente Festival de Cine de Berlín. Demuestra coraje y brío en el manejo de la cámara.

Kristen Stewart, a quien vi por vez primera en la excelente “La habitación del pánico”, de David Fincher -junto a Jodie Foster-, asume el papel protagonista. Más allá de la popularidad obtenida con la saga “Crepúsculo”, cuenta con un currículum integrado por títulos interesantes y muy notables, como “Café Society” de Woody Allen; “Personal Shopper”, de Olivier Assayas; “Hacia rutas salvajes”, de Sean Penn; o “Spencer”, de Pablo Larraín, que le reportó una nominación al Oscar a la mejor actriz. Su ecléctica trayectoria la define como artista versátil y efectiva, y su actuación en “Sangre en los labios” le ayudará a continuar por esa senda.

Le acompañan Katy O'Brian (de la serie “The Mandalorian”), Anna Baryshnikov (“Manchester frente al mar”) y Dave Franco (“The Disaster Artist”). Mención especial merece Ed Harris, prolífico y excelso actor, candidato en cuatro ocasiones a la estatuilla dorada de Hollywood y a cargo de una envidiable filmografía. Pese a que aquí el grado de histrionismo supera lo deseable, siempre es un placer contemplar sus interpretaciones.



miércoles, 17 de abril de 2024

LA PRIMERA PROFECÍA (The First Omen)



En 1976 un ya veterano Gregory Peck, con sesenta años, acompañado de la actriz Lee Remick, protagonizó la película “La profecía”. Tras la gran repercusión obtenida por “La semilla del diablo” y “El exorcista”, el cine de terror volvió a alcanzar un gran éxito con esta recreación del Anticristo. El maestro Jerry Goldsmith ganó el Oscar a la mejor banda sonora y las salas de proyección de medio mundo temblaron con la mirada de aquel niño que, en honor a la verdad, resultaba satánico. Hasta que llegó el pequeño de “Looper” (que encarnaba al hijo de Emily Blunt en la innovadora cinta protagonizada por Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt), el miedo asociado al rostro de un menor recaía indudablemente en el del terrorífico Damien.

Como ocurriera con la citada “El exorcista”, su recaudación y popularidad generaron secuelas y nuevas versiones. En 1978 se estrenó “Damien: Omen II”, nada más y nada menos que con el respetado actor William Holden en el reparto. Le siguieron “El final de Damien” (1981), con Sam Neill y, pese a ese título de la tercera entrega, una cuarta: “La profecía IV: El renacer” (1991). Incluso se filmó un remake en 2006, donde Liev Schreiber y Julia Stiles asumían los personajes de Peck y Remick.

Ninguno de estos títulos posteriores al original estuvo a su altura y, como sucede habitualmente en estos casos, derivaron en intentos fallidos de estirar artificialmente una historia para conseguir unas cifras de taquilla que, a pesar de todo, seguían menguando. Ahora llega a las pantallas “La primera profecía” tratando de repescar en las mismas aguas esquilmadas por sus predecesoras. No obstante, cabe reconocerle mayor calidad que a aquellas, teniendo en cuenta que la magia y magnetismo de la cinta dirigida por Richard Donner a mediados de los setenta en ningún momento se superan.

Arkasha Stevenson debuta en la realización con este trabajo, revelando su  capacidad para generar tensión y para saber narrar cinematográficamente. Procede calificar su propuesta como correcta, si bien en su inevitable comparación “La profecía” sale perdiendo. Sea como fuere, los espectadores aficionados al género que todavía no hayan visto ésta, quedarán satisfechos.

Tras prometer sus votos como monja, una joven estadounidense viaja a Roma para comenzar su nueva vida como religiosa al servicio a la Iglesia. Sin embargo, una vez allí, se topa con una realidad más lúgubre y tenebrosa de lo previsto. Ello le conducirá a cuestionarse su fe y a descubrir una conspiración maligna para provocar la venida al mundo del hijo de Satanás.

Nell Tiger Free, que ha intervenido en algunos episodios de la serie “Juego de tronos”, se sitúa al frente del elenco. Le acompaña Ralph Ineson (“La bruja”, “The Creator”). Ambos intérpretes cuentan hasta la fecha con escasa popularidad entre el público. A cargo de papeles secundarios figuran los conocidos Sonia Braga (“El beso de la mujer araña”, “Un lugar llamado milagro”), Charles Dance –quien debutó profesionalmente en 1981 con el film de James Bond “Sólo para sus ojos” y que, desde entonces, ha intervenido en infinidad de largometrajes, destacando “Gosford Park” y “The Imitation Game (Descifrando Enigma)”- y Bill Nighy, nominado a la estatuilla dorada de Hollywood por su actuación en “Living” y célebre gracias a su participación en “Love Actually” o “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto”.

Confiemos en no hallarnos ante el enésimo inicio de otra serie de secuelas. Porque una cosa es que “La primera profecía” supere a otras propuestas de la misma saga y otra muy distinta, que posea base y enjundia para continuar por esta senda. A mi juicio, aquí ya no queda jugo que exprimir.



viernes, 5 de abril de 2024

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO (Godzilla x Kong: The New Empire)



Desde un punto de vista cinematográfico, siempre me ha interesado más King Kong que Godzilla y, pese a no situarse entre mis películas preferidas, algunas versiones sobre el gran gorila (las de 1933 de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, la de 1976 de John Guillermin y la de 2005 de Peter Jackson) reunían varios aspectos destacados y alguna secuencia memorable. La famosa creación nipona, sin embargo, nunca me llamó la atención y no recuerdo ninguna adaptación para la pantalla grande que haya despertado mi curiosidad, ni siquiera una concreta escena. Esta deriva que afecta en los últimos tiempos a una parte de la industria del cine, y que se traduce en la máxima circense del más difícil todavía, recurre a la fórmula de unir dos monstruos que han desarrollado carreras por separado, con la esperanza de ofrecer un plus a los espectadores. Sin embargo, el Séptimo Arte no opera como una ciencia exacta y la forma de hacer buen cine no se asemeja a una operación matemática, por lo que en el universo del celuloide las sumas, en ocasiones, restan y aquí nos damos de bruces con una muestra de ello.  

No es la primera vez que King Kong y Godzilla se reúnen. Ni siquiera es la primera vez que se apuesta por esa adición de criaturas terroríficas para llenar las salas de proyección. Me viene a la cabeza la nefasta “Alien vs. Predator”, que perpetró en 2004 Paul W. S. Anderson, o la manifiestamente innecesaria “Freddy contra Jason”, siendo responsable de semejante crimen el hongkonés Ronny Yu en 2003. En todos esos casos, la ocurrencia de acumular engendros se reveló como un despropósito. No hay duda de que “Alien” supuso una importante aportación al ámbito de la ciencia ficción, y tanto la versión de Ridley Scott de 1979 como la de James Cameron de 1986, merecen observación. Incluso la visión ochentera de “Depredador”, dirigida por John McTiernan, ha envejecido bien. Pero, cuando se acumulan sus criaturas, el conjunto resulta ridículo, forzado y gratuito.

Acaba de estrenarse “Godzilla y Kong: El nuevo imperio”, de Adam Wingard, cuya “The Guest” (2014), con Maika Monroe y Dan Stevens, me interesó, por más que no haya vuelto a rodar nada más que yo considere aceptable. En 2021 realizó la anterior “Godzilla vs. Kong” que, como la actual, se alza como un prodigio de efectos especiales y corrección técnica aunque, ya tan avanzado el primer cuarto del siglo XXI, no debería ser condición suficiente.

Quizás algún niño se sienta hipnotizado y entretenido ante determinadas imágenes, pero dudo mucho que suceda lo mismo en la franja de jóvenes y adultos. En mi caso particular, el objetivo no se logró. Los personajes  (humanos o no) no despertaron mi interés, y su trama sobre los problemas de la Humanidad, tampoco. Hasta me dio cierta lástima la figura de Kong que, tras su momento de gloria, ha pasado a exhibirse como, en su día, el “hombre elefante”. Me quedo con su fotograma cayendo desde lo alto del Empire State Building para, a continuación, presenciar aquel diálogo memorable entre el protagonista y uno de los policías. El primero, al ver a la bestia muerta en el suelo, pregunta qué ha pasado, y recibe como respuesta que los aviones le habían abatido. Y, a continuación, rebate al agente con la mítica frase “no fueron los aviones, la belleza mató a la bestia” (“It wasn't the airplanes. It was beauty killed the beast).

En el reparto se encuentra  Rebecca Hall, singular actriz que cuenta en su filmografía con varios títulos destacados, como “El truco final (El prestigio)”, del recientemente oscarizado Christopher Nolan; “El desafío - Frost contra Nixon”, de Ron Howard; o “The Town: Ciudad de ladrones”, de Ben Affleck. Sus dos recientes apariciones en esta saga creada para King Kong y Godzilla no le permiten mostrar su talento, llevando a cabo interpretaciones olvidables.

La acompaña Dan Stevens, visto en la mencionada “The Guest”; “Colossal”, de Nacho Vigalondo; o “La llamada de lo salvaje”, de Chris Sanders. También integran el elenco Brian Tyree Henry (“Viudas”, de Steve McQueen; “El blues de Beale Street”, de Barry Jenkins; “Bullet Train”, de David Leitch) y Alex Ferns (“The Batman”, de Matt Reeves).

No quiero ni pensar qué será lo próximo. ¿Una propuesta que encadene a Drácula con Jabba el Hutt, de la “Guerra de las Galaxias”? ¿A Frankenstein con Lord Voldemort, de Harry Potter? ¿O quizás a “Tiburón” con “Anaconda” o “Pirañas”? Pronunciado en voz alta parece absurdo, pero tampoco sería la primera vez que una absurdez terminara convirtiéndose en realidad.



viernes, 29 de marzo de 2024

SHIRLEY



Determinados proyectos cinematográficos evidencian un propósito educativo y reivindicativo. Su puesta en marcha y su realización están presididos por un objetivo pedagógico y por un afán de protesta que desean difundir. No se trata en modo alguno de un demérito, si bien se les debería añadir algunos rasgos más creativos y artísticos y, sobre todo, una visión narrativa más acorde con el lenguaje del cine. Desde su primera secuencia, “Shirley” no esconde un tono rebelde y de propaganda que impregnará el resto de la proyección. Ya sea como clase de Historia, como elemento divulgativo o, incluso, como desahogo de un descontento ante los despropósitos del pasado y del presente, puede servir. Sin embargo, como muestra del Séptimo Arte y como apuesta para el entretenimiento del público, flaquea más.

John Ridley, ganador de un Oscar por el guion adaptado de “12 años de esclavitud”, se sitúa detrás de la cámara. Tras una extensa carrera como escritor para series televisivas (“El príncipe de Bel-Air”, “Turno de guardia”) y para la gran pantalla (“Giro al infierno” de Oliver Stone, “Tres reyes” de David O. Russell, “Ben-Hur” de Timur Bekmambetov), debuta ahora como cineasta y demuestra, al mismo tiempo, una corrección técnica y una falta de intensidad que se contrarrestan entre sí. Le falta carga de profundidad en el desarrollo de los personajes y mayor credibilidad en la forma de contar una historia basada en hechos reales, pero cuyo permanente barniz didáctico y aleccionador le resta verosimilitud.

Se trata de la biografía de Shirley Chisholm, quien en 1968 se convirtió en la primera mujer afroamericana elegida para el Congreso de los Estados Unidos, representando a uno de los distritos del Estado de Nueva York en la Cámara de Representantes. Durante siete mandatos (de 1969 a 1983) se mantuvo en el Poder Legislativo norteamericano.  Tras las elecciones de 1972, Chisholm se alzó como la primera candidata negra de uno de los principales partidos en aspirar a la presidencia de los EE.UU. Finalmente, el Partido Demócrata eligió a George McGovern, que terminó perdiendo frente a Richard Nixon. También fue la primera mujer de la Historia en postularse a la presidencia de la nación por la citada formación partidista.

La ambientación y la recreación de la época se plasman con corrección, al igual que numerosos aspectos  técnicos del largometraje. Juega a su favor el hecho de que la trama resulta interesante y, para los aficionados al género político, aborda no pocos temas relevantes. Aun así, el visionado completo se torna algo pesado por ese intento reiterado de insertar la moraleja. Su empeño en subrayar lo obvio se revela innecesario y, además, carece de superiores dosis de audacia y valentía a la hora de llevar a imágenes un buen relato como este. Porque realmente merece la pena conocer a Shirley Chisholm. Elegida para formar parte del National Women's Hall of Fame en 1982, el presidente Barack Obama le concedió en 2015 a título póstumo la Medalla Presidencial de la Libertad, considerada el más alto honor civil de los Estados Unidos. Uno de sus eslóganes era “Unbought and unbossed” (algo así como “ni se me compra ni se me ordena”).

Regina King protagoniza totalmente el film. Ganadora de una estatuilla como mejor actriz secundaria en 2019 por “El blues de Beale Street” y, asimismo, productora del presente proyecto, ha actuado en la pequeña pantalla (“24”, “American Crime”, “Watchmen”) y en títulos como “Ray”, “Enemigo público” o “Jerry Maguire”. Realiza una buena labor, destacando sobre sus compañeros de reparto, integrado por el ya fallecido Lance Reddick (“John Wick”, “Asalto al poder”), Terrence Howard (“Crash”, “Iron Man”, “Cuatro hermanos”) -nominado al Oscar como mejor actor principal por “Hustle & Flow”-, Lucas Hedges (“Manchester frente al mar”, “Lady Bird”, “Tres anuncios a las afueras”), Reina King (“Los fantasmas atacan al jefe”) o Ken Strunk (“Carol”). Desde el pasado 22 de marzo se exhibe a través de la plataforma “Netflix”, igualmente encargada de la producción.



viernes, 22 de marzo de 2024

AMERICAN FICTION



En el ámbito de la industria cinematográfica destinado a la comercialización y distribución de las cintas suceden a veces paradojas difíciles de explicar. En principio, existe la regla no escrita según la cual los largometrajes reiteradamente nominados a los grandes premios disfrutan de una salida comercial más sencilla, y llegan al público y a las salas de exhibición con mayor facilidad. Sin embargo, toda regla posee sus excepciones. “American Fiction” ganó el Oscar al mejor guion adaptado y recibió otras cuatro nominaciones (entre ellas, las de mejor película y actor principal). Optó también en los Globos de Oro al galardón a mejor película en la categoría de comedia o musical, y fue considerado por el American Film Institute como uno los diez mejores filmes de 2023. Y, pese a todo ello, no se ha estrenado en las salas de Canarias ni ha tenido distribución en el resto de España. Ha llegado directamente a las plataformas y actualmente se puede ver en Amazon Prime. Me gustaría poder explicar el porqué, pero lo desconozco. En todo este asunto hay algo que se me escapa.

“American Fiction” constituye una sátira incisiva sobre las hipocresías y debilidades de la sociedad moderna en general, y de la norteamericana en particular, aunque tampoco resulta muy difícil extrapolar su ironía y su crítica a otras. A través del humor y la sorna, pone el dedo en la llaga sobre numerosas miserias intelectuales y corrientes de opinión mayoritarias basadas en endebles premisas y modas populares. En ese sentido, se alza como una de las apuestas más interesantes que he visto en mucho tiempo. Su director y también guionista, Cord Jefferson, se estrena en la pantalla grande con este trabajo, dando lugar a uno de los debuts más celebrados de los últimos años. Apenas lo conocíamos como escritor de la serie televisiva “Watchmen” y, de repente, acaba de recibir una estatuilla de la Academia de Hollywood que le augura un futuro prometedor.

Un escritor negro, consagrado pero frustrado, imparte clases en un instituto de la Costa Oeste estadounidense. Tras varios roces con los alumnos y con sus compañeros docentes a cuenta de cómo debe enseñarse la literatura en las aulas, termina cogiendo unas vacaciones forzadas para visitar a su familia, con la que mantiene igualmente una relación distante. A todo ese caos se suma su peculiar guerra con el mundo editorial, pues considera que se promocionan novelas mediocres que luego derivan en éxitos de venta. En una especie de arrebato, termina por escribir él mismo un texto donde ridiculiza la figura de los negros en la sociedad americana, pretendiendo demostrar de ese modo lo ridículo de los estereotipos que triunfan en las esferas literaria y artística. Enviado a las editoriales bajo seudónimo, se convierte para su sorpresa en el libro del año y en el objeto de deseo de varios estudios de Hollywood. Y así, sin pretenderlo, se ve inmerso en esa maquinaria comercial que tanto detesta, mientras trata de recomponer su maltrecha vida personal y familiar.

Bien narrada e interpretada, “American Fiction” representa mi estilo favorito de comedia, la que consigue hacer reír aunque se construya sobre una base dramática sólida y recurra más al sarcasmo y a la ironía que al chiste fácil. Pese a que en algún tramo de la proyección el ritmo y la intensidad decaen ligeramente, el resultado final supera el notable, conformando una muy recomendable obra que logra divertir, entretener y reflexionar.

Desempeñando una solvente actuación, se sitúa al frente del reparto el meritorio actor Jeffrey Wright, a quien hemos visto en títulos tan interesantes como “Los idus de marzo”, “Siriana” o “Presunto inocente” (su primera aparición en cine). Ha participado asimismo en varias entregas de las sagas de James Bond o “Los juegos del hambre”. Le acompañan John Ortiz (“El lado bueno de las cosas”, “American Gangster”), Sterling K. Brown (“Waves”, “Black Panther”) y Erika Alexander (“Déjame salir”).



viernes, 15 de marzo de 2024

DAMSEL


La semana pasada tuvo lugar en el Cine Víctor de Santa Cruz de Tenerife la première nacional de “Damsel”, largometraje producido por Netflix que podrá verse en la citada plataforma. Se trata de la nueva película del realizador canario Juan Carlos Fresnadillo, quien ya exhibe en su currículum una nominación al Oscar de Hollywood por su cortometraje “Esposados”, un Goya a la mejor dirección novel por su trabajo en “Intacto” y un premio especial en el Festival de Cine de Málaga de 2008 gracias a su labor en “28 semanas después”. Buen narrador visual, Fresnadillo se siente cómodo en la intriga y el thriller, su trayectoria resulta digna de atención y los títulos anteriormente mencionados merecen ser visionados y revisados cada cierto tiempo.

No obstante, con “Damsel” cambia parcialmente de registro. Nos sitúa ante una revisión cinematográfica de los cuentos de hadas, por lo que el filme posee un inevitable regusto infantil o, al menos, un tono menos duro que el de sus proyectos precedentes. Dicho comentario no debe entenderse como un reproche sino, más bien, como una reflexión acerca de este giro de estilo. Los feudos con príncipes y cenicientas, dragones y reinas malvadas, castillos y vergeles de ensueño remiten irremediablemente a las fábulas asociadas a la niñez. Y, aunque se pretenda actualizar estas aventuras, pervive una esencia entre lo fantástico y lo irreal que modula la manera de contar la historia.

Conviene, pues, prepararse bien para asumir esta propuesta ya que, ni se le puede exigir el nivel de intensidad y tensión de “28 semanas después”, ni el rigor interpretativo de “Intacto”. Alejada de grandes pretensiones, apuesta por un entretenimiento sobre la base de unos relatos de aventuras, mágicos, irreales y con moraleja, cumpliendo así el propósito de su desafío. A ello contribuye también una dirección correcta, un metraje ajustado y un ritmo adecuado.

Tal vez, por aquello de que las comparaciones son odiosas, “Damsel” salga perdiendo en este aspecto. La memoria nos lleva inevitablemente al recuerdo de “La princesa prometida”, amparada por la aparición en pantalla de la popular actriz Robin Wright. Y, como quiera que existen infinidad de ejemplos de cintas pobladas de fieras, caballeros con espadas, matrimonios concertados, peripecias desenfadadas y mensajes educativos, “Damsel” acusa un cierto desangelamiento. Desarrolla algunas ideas interesantes y da en el clavo con la puesta en escena, si bien no termina de ofrecer secuencias memorables o diálogos que dejen huella.

Para cumplir el deseo de su padre con el fin de zanjar las penurias económicas que padece su familia, una dócil damisela acepta casarse con un apuesto heredero a quien no conoce. No tardará en descubrir los planes del novio y sus allegados para sacrificarla y saldar así una antigua deuda contraída con un dragón, a cambio de que el monstruo no destruya su reino. Arrojada a una intrincada cueva formada por numerosas grutas, la joven se niega a asumir tan cruel destino y, sirviéndose de su valentía y perspicacia, se enfrenta primero al terrible animal y después, a la despiadada estirpe de su prometido.

Al forzarse la interacción entre la peculiar bella y su bestia, hasta el extremo de comunicarse ambas en el idioma de los humanos, se incurre en cierta infantilización, de modo que cuesta remontar el vuelo cuando se centra en la parte más terrorífica e intensa. En todo caso, el resultado final supera con creces el aprobado y demuestra iniciativa e inventiva a la hora de abordar una temática nada sencilla.

Millie Bobby Brown, muy conocida por su intervención en la serie televisiva “Stranger Things”, y que en la gran pantalla ha participado en las últimas entregas de Godzilla, interpreta con acierto el papel protagonista, apuntando a una prometedora carrera de cara al futuro. Le acompañan a cargo de papeles secundarios la mencionada Robin Wright (“La princesa prometida”, “Forrest Gump”, “El protegido”), Angela Bassett (“Contact”, “Días extraños”, “Black Panther”) o Ray Winstone (“Infiltrados”, “Cold Mountain”).



martes, 12 de marzo de 2024

CEREMONIA DE ENTREGA DE LOS OSCARS 2024

Ceremonia de entrega de los Oscars 2024

MEJOR PELÍCULA



MEJOR DIRECTOR


MEJOR ACTOR


MEJOR ACTRIZ


MEJOR ACTOR SECUNDARIO



MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA


IN MEMORIAM 





lunes, 11 de marzo de 2024

PREMIOS OSCAR 2024 (Academy Awards 2024)


Mejor película: Oppenheimer (Emma Thomas, Charles Roven, Christopher Nolan)

Mejor dirección: Oppenheimer - Christopher Nolan

Mejor actriz protagonista: Emma Stone (Pobres criaturas)

Mejor actor protagonista: Cillian Murphy (Oppenheimer)

Mejor actriz de reparto: Da’Vine Joy Randolph - The Holdovers ("Los que se quedan")

Mejor actor de reparto: Robert Downey Jr. (Oppenheimer)

Mejor guión original: Anatomy of a Fall ("Anatomía de una caída") - Justin Triet, Arthur Harari

Mejor guión adaptado: American Fiction - Cord Jefferson

Mejor edición: Jennifer Lame (Oppenheimer)

Mejor película internacional: "La zona de interés" (The Zone of Interest)

Mejor película animada: Kimitachi wa Dō Ikiru ka (The Boy and the Heron, "El chico y la garza")

Mejor cortometraje animado: War is Over! Inspired by the music of John & Oko - Dace Mullins, Brad Booker

Mejor maquillaje y peluquería: Nadia Stacey, Mark Coulier, Josh Weston, "Pobres criaturas" (Poor Things)

Mejor diseño de producción: "Pobres criaturas" (Poor Things) - Diseño de producción: James Price y Shona Heath, Decoración de escenografía: Zsuzsa Mihalek

Mejor diseño de vestuario: Holly Waddington "Pobres criaturas" (Poor Things)

Mejores efectos visuales: Takashi Yamazaki, Kiyoko Shibuya, Masaki Takahashi, Tatsuji Nojima (Godzilla Minus One)

Mejor película documental: 20 Days in Mariupol ("20 días en Mariúpol")

Mejor cortometraje documental: The Last Repair Shop

Mejor fotografía: Hoyte Van Hoytema (Oppenheimer)

Mejor cortometraje de ficción: The Wonderful Story of Henry Sugar - Wes Anderson, Steven Rales

Mejor sonido: Tarn Willers, Johnnie Burn "La zona de interés" (The Zone of Interest)

Mejor banda sonora original: Ludwig Göransson, (Oppenheimer)

Mejor canción: Billie Eilish, Finneas O'Connell, What Was I Made For? - Barbie

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2024

 

LISTADO DE GALARDONES

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 8.000 euros

"Segundo premio", de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez.
 
BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 8.000 euros
"Radical", de Christopher Zalla.
 
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
"Los pequeños amores", de Celia Rico.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez por "Segundo premio".
 
BIZNAGA DE PLATA ‘HOTEL AC MÁLAGA PALACIO’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Lola Amores por su interpretación en "La mujer salvaje".
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Ex aequo a Luis Zahera por su interpretación en "Pájaros" y a Joaquín Furriel en "Descansar en paz".
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO
Adriana Ozores por su interpretación en "Los pequeños amores".
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO
Gabriel Goity por su interpretación en "Descansar en paz".
 
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN
Álex Montoya y Joana M. Ortueta por "La casa".
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA
Fernando Velázquez por "La casa".
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
Juan Carlos Martínez por "Golán".
 
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE  

Javi Frutos por "Segundo premio".
 
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO DE LA CRÍTICA
"Nina", de Andrea Jaurrieta.
 
 

SECCIÓN OFICIAL ZONAZINE
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 4.000 euros
"La hojarasca", de Macu Machín.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 4.000 euros
"Los tonos mayores", de Ingrid Pokropek.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Macu Machín por "La hojarasca".
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Sofía Clausen por su interpretación en "Los tonos mayores".

 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Diego Solís por su interpretación en "Lumbrensueño".
 
BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA DE ESTA SECCIÓN, "
Orgullo Vieja", de Chema Rodríguez.

 

SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES
 
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 4.000 euros

"Salvaxe, salvaxe", de Emilio Fonseca. 

 
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO 

"Hasta que se apague el sol", de Jonas Brander.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN 

Ex aequo a Carlos Essmann por "Artefacto 71" y Jonas Brander por "Hasta que se apague el sol". 
 
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO  

Lucija Stojevic por "Pepi Fandango".
 

viernes, 8 de marzo de 2024

DUNE: PARTE DOS (Dune: Part Two)



Reconozco que “Dune: Parte Dos” me ha gustado más que su primera entrega. Pese al dilatado metraje, me mantuvo entretenido e interesado hasta el final. Su recreación formal resulta excepcional, desde la fotografía de Greig Fraser hasta la banda sonora de Hans Zimmer, pasando por el diseño de producción de Patrice Vermette y la labor del resto de técnicos de sonido y efectos especiales, pues conforman un espectáculo visual muy atrayente y embaucador. De hecho, algunos personajes se encuentran tratados y definidos de modo superior al de la anterior cinta. Me sugestionó la puesta en escena y me enganchó la intensidad sonora. No cabe duda de que hay que apreciar en gran medida la ciencia ficción para sentirse atraído por este tipo de cintas porque, de lo contrario, casi tres horas de duración pueden llegar a desesperar. Solventado este aspecto, se trata de una producción bien cuidada y narrada con sentido.

Además, siempre me he manifestado un devoto seguidor de Denis Villeneuve. Me llamó la atención con “Prisioneros” y “Enemy”, pero me maravilló por completo con los sobresalientes largometrajes “Sicario” y “La llegada”. Tras asumir el arriesgado propósito de rodar una secuela de la obra maestra “Blade Runner”, se involucró en el proyecto de llevar a la gran pantalla una saga sobre “Dune”. Desde luego, no se puede decir que se asuste ante retos complicados. Posee una innata habilidad para la narración visual de las historias, junto a una marcada tendencia hacia aspectos artísticos que se encuadran en lo poético, y con una notable capacidad para trascender a través de mensajes más allá de las propias tramas. Por lo tanto, vale la pena prestarle atención en cada nuevo trabajo.

Arrakis es un planeta desértico, y también el único lugar donde puede recolectarse la especia, clave para el comercio y la estabilidad del Imperio. Dado por muerto por sus enemigos, Paul Atreides se une a un pueblo de feroces guerreros que vive en el desierto, con ojos de color azul brillante debido al constante contacto con dicha especia. Allí adoptará el nombre de Muad'Dib y comenzará su entrenamiento, queriendo demostrar la capacidad de convertirse en su líder. Atormentado por las visiones y los sueños proféticos que le persiguen, deberá hacer frente a la previsión de un terrible futuro, liderando una rebelión contra el emperador implicado en la muerte de su padre.

Pese a mi buena valoración general, considero de justicia resaltar varios puntos débiles. Objetivamente, el personaje de Christopher Walken, dando vida al mandatario que atemoriza y controla a los villanos de esta distopía envolvente, no refleja credibilidad ni en su recreación, ni en sus diálogos. Algunas batallas cuerpo a cuerpo cobran más sentido en títulos como “Gladiator”, localizadas en el siglo II, en vez de en un futuro lejano. El maquillaje empleado en la caracterización de Feyd-Rautha Harkonnen se asemeja demasiado al de “Prometheus”, de Ridley Scott. Pero, pese a todo ello, califico el resultado final como más que apto.

Integran el reparto un grupo de conocidos actores y actrices. Timothée Chalamet encarna al héroe. De entrada, no responde a la apariencia habitual de un guerrero y, aun así, realiza una labor efectiva y ajustada a las necesidades del relato. A sus veintiocho años cuenta ya con una solvente filmografía, en la que destacan “Call Me by Your Name”, “Lady Bird” o “Interstellar”. Sin duda, le aguarda una prometedora carrera. Le acompaña la joven Zendaya, a cargo de, en mi opinión, el mejor papel del film. Lleva a cabo una relevante interpretación y arrasa en sus planos. La hemos visto en los “Spiderman” de Tom Holland y ha acreditado su talento en “Malcolm & Marie” o la serie televisiva “Euphoria”.

Completan el elenco Rebecca Ferguson (“Misión Imposible”), Javier Bardem (Oscar por su actuación en “No es país para viejos”), Josh Brolin (“Sicario”, “Valor de ley”), Florence Pugh (“Lady Macbeth”), Léa Seydoux (“La vida de Adèle”, “Sin tiempo para morir”), Charlotte Rampling (“Nunca me abandones”, “La duquesa”), Stellan Skarsgård (“El indomable Will Hunting”) y Dave Bautista (“Guardianes de la galaxia”).



miércoles, 6 de marzo de 2024

PREMIOS SATELLITE (Satellite Awards)



Premios Satellite: Lista de ganadores

MEJOR DRAMA: Oppenheimer

MEJOR COMEDIA O MUSICAL: The Holdovers

MEJOR DIRECCIÓN: Christopher Nolan, Oppenheimer

MEJOR ACTRIZ EN DRAMA: Lily Gladstone, Killers of the Flower Moon

MEJOR ACTOR EN DRAMA: Cillian Murphy, Oppenheimer 

MEJOR ACTRIZ EN COMEDIA O MUSICAL: Emma Stone, Poor Things

MEJOR ACTOR EN COMEDIA O MUSICAL: Paul Giamatti, The Holdovers

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Da’Vine Joy Randolph, The Holdovers

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Mark Ruffalo, Poor Things

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Maestro

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: American Fiction

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: The Boy and the Heron

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: The Zone of Interest

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Bad Press

MEJOR MÚSICA: American Fiction

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: “What Was I Made For?”, Barbie

MEJOR FOTOGRAFÍA: Maestro

MEJORES EFECTOS VISUALES: Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One

MEJOR MONTAJE: Kevin Tent, The Holdovers

MEJOR SONIDO: Maestro

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Barbie

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Napoleon 

PREMIOS ESPECIALES

Mejor Reparto en Cine: Oppenheimer

Mejor Reparto en TV: Succession

Mary Pickford Award: Jon Landau

Tesla Award: Neil Corbould

Auteur Award: Yorgos Lanthimos

Honorary Satellite Award: Brooklyn Sudano

Stunt Performance Award: Kimberly Shannon Murphy

Humanitarian Award: Dennis Quaid

Make-Up Award: Donald Mowat

viernes, 1 de marzo de 2024

SECRETOS DE UN ESCÁNDALO (May December)



El cine de Todd Haynes me resulta muy sugestivo y valoro su elegante manera de contar historias sórdidas. Sin duda, este cineasta californiano no elude los temas escabrosos ni se arruga frente a asuntos espinosos. Antes al contrario, los acoge y reinventa de tal modo que ofrece una coreografía visual y estética distinguida y afable y, para cuando uno se da cuenta, está abordando miserias y dramas allí donde, aparentemente, todo era extrañamente perfecto y refinado. Su mejor largometraje hasta la fecha, “Carol”, presenta una exquisitez visual indiscutible. Recuerdo el trabajo de su director de fotografía, Edward Lachman, como uno de los que más me han llamado la atención. Nominado al Oscar por su labor, la estatuilla recayó aquel año finalmente en Emmanuel Lubezki por “El renacido”. Otros desempeños suyos, como “Lejos del cielo”, siguen la misma dinámica.

Ahora estrena “Secretos de un escándalo”, otro título inteligente y de narración insinuante que muestra toda una variedad de hipocresías sociales valiéndose de matices muy sugerentes. Haynes se divierte jugando con el espectador, a quien sitúa ante tentadoras disyuntivas para envolverle después en un halo de dudas. Y es que el estilo narrativo del realizador se aleja notablemente del cine convencional y moderno, pero aun así le funciona bastante bien. Prefiere recrearse en un detalle que apabullar con grandes aspavientos. Su propuesta conlleva complejidad, lo que le convierte en un profesional valiente y honesto entendiendo el Séptimo Arte. Sólo por eso merece todo mi respeto.  

Una pareja entregada a la familia se afana en la preparación de la graduación de sus gemelos en el instituto. Mucho tiempo atrás, el inicio de su relación amorosa acaparó la atención de la prensa sensacionalista, ya que él era (es) veintitrés años más joven que ella, pero dicha circunstancia parece haber caído en el olvido. Sin embargo, justo antes la celebración escolar, una famosa y popular actriz de Hollywood decide visitarles y conocerles con mayor profundidad, dado que su próximo proyecto se basa en sus vidas y desea preparar a conciencia su personaje. Su llegada sacude la aparente tranquilidad que reina en el seno familiar.

Si bien la trama recuerda en ocasiones al típico telefilme de sobremesa, se alza como un drama que, aunque no lo parezca, coquetea con el thriller. Con un ajustado metraje inferior a dos horas, cuida hasta el extremo cada perfil y los secretos que esconden. Nominada al Oscar al mejor guión adaptado, ha sido incluida por el American Film Institute en su listado de las diez mejores cintas del año. Caso aparte suponen los Globos de Oro, donde logró cuatro candidaturas, entre ellas las de mejor película y mejor actriz, ambas en la categoría de “comedia o musical” y no en la de drama. Algún día se debería escribir largo y tendido sobre cómo la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que entrega dichos premios, cataloga a las candidatas como dramas o comedias. Al respecto existen numerosos ejemplos, cuando menos, desconcertantes.

Natalie Portman y Julianne Moore encabezan el interesante reparto. La primera, ganadora de una estatuilla dorada por “Cisne negro”, posee una brillante carrera como intérprete. Desde su celebrado debut en “León (El profesional)”, ha destacado en “Beautiful Girls”, “Closer”, “V de Vendetta” o “Jackie”. La segunda, habitual actriz en la filmografía de Todd Haynes, también cuenta con el máximo galardón de la Academia de Hollywood por su actuación en “Siempre Alice”. Ha participado, asimismo, en “Las horas”, “Vidas cruzadas” o “Boogie Nights”. Las dos desempeñan sus respectivos papeles con efectividad.



jueves, 29 de febrero de 2024

PREMIOS DE LA INTERNATIONAL FILM MUSIC CRITICS ASSOCIATION (IFMCA Awards)



Premios de la International Film Music Critics Association 

Banda sonora del año: INDIANA JONES AND THE DIAL OF DESTINY, John Williams

Compositor del año: CHRISTOPHER YOUNG

Compositor revelación: PAWEŁ LUCEWICZ

Composición del año: “Concerto for Flute and Orchestra, Movement 2” THE PIPER, Christopher Young

Banda sonora de film dramático: OPPENHEIMER, Ludwig Göransson

Banda sonora de film de comedia: AMERICAN FICTION, Laura Karpman

Banda sonora del film de acción o aventuras: INDIANA JONES AND THE DIAL OF DESTINY, John Williams

Banda sonora de film de fantasía o ciencia ficción: GOJIRA-1.0/GODZILLA MINUS ONE,  Naoki Sato

Banda sonora de film de terror o thriller: THE PIPER, Christopher Young

Banda sonora de film de animación: KIMITACHI WA DŌ IKIRU/THE BOY AND THE HERON, Joe Hisaishi

Banda sonora de documental: WILD ISLES, George Fenton

Música para televisión: ALL THE LIGHT WE CANNOT SEE, James Newton Howard

Música para videojuego: AVATAR: FRONTIERS OF PANDORA, Pinar Toprak and Neal Acree

Recopilatorio: THE MAN WHO KNEW TOO MUCH/ON DANGEROUS GROUND,  Bernard Herrmann; the Royal Scottish National Orchestra conducted by William Stromberg


 

miércoles, 28 de febrero de 2024

PREMIOS DEL SINDICATO DE PRODUCTORES DE LOS EE.UU. (PGA Awards)



Premios del Sindicato de Productores de los EE.UU.

MEJOR PELÍCULA: Oppenheimer

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Spider-Man: Across the Spider-Verse

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: American Symphony  

MEJOR SERIE DE DRAMA: “Succession” (Max)

MEJOR SERIE DE COMEDIA: “The Bear” (FX)

MEJOR SERIE LIMITADA: “Beef” (Netflix) 

MEJOR PELÍCULA PARA TV O PLATAFORMA: “Black Mirror: Beyond the Sea” (Netflix)

MEJOR PROGRAMA DE NO FICCIÓN: “Welcome to Wrexham” (FX)

MEJOR PROGRAMA DE VARIEDADES, HUMOR O TALK SHOW: “Last Week Tonight With John Oliver” (Max)

MEJOR PROGRAMA DE COMPETICIÓN: “RuPaul’s Drag Race” (MTV)

MEJOR PROGRAMA DE DEPORTES: Beckham

MEJOR PROGRAMA INFANTIL: Sesame Street 

MEJOR PROGRAMA CORTO: Succession: Controlling the Narrative


martes, 27 de febrero de 2024

PREMIOS INDEPENDENT SPIRIT AWARDS




Premios Independent Spirit Awards:

MEJOR PELÍCULA: Past Lives

MEJOR DIRECCIÓN: Celine Song, Past Lives

MEJOR INTERPRETACIÓN PROTAGONISTA: Jeffrey Wright, American Fiction

MEJOR INTERPRETACIÓN DE REPARTO: DaVine Joy Randolph, The Holdovers

MEJOR INTERPRETACIÓN REVELACIÓN: Dominic Sessa, The Holdovers

MEJOR GUION: American Fiction

MEJOR FOTOGRAFÍA: The Holdovers

MEJOR MONTAJE: How to Blow Up a Pipeline

MEJOR ÓPERA PRIMA: A Thousand and One

MEJOR PRIMER GUION: May December

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Four Daughters

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL: Anatomy of a Fall

JOHN CASSAVETTES AWARD (Menos de 500.000 $ de presupuesto): Fremont

ROBERT ALTMAN AWARD: Showing Up

PIAGET PRODUCERS AWARD: Monique Walton

TRUER THAN FICTION AWARD: Set Hernandez

SOMEONE TO WATCH AWARD: Monica Sorelle

MEJOR SERIE DOCUMENTAL NUEVA: Dear Mama

MEJOR SERIE NUEVA: Beef

MEJOR INTERPRETACIÓN EN SERIE NUEVA: Ali Wong, Beef

MEJOR INTERPRETACIÓN DE REPARTO EN SERIE NUEVA: Nick Offerman, The Last of Us

MEJOR INTERPRETACIÓN REVELACIÓN EN SERIE NUEVA: Keivonn Montreal Woodard, The Last of Us

MEJOR REPARTO EN SERIE NUEVA: Jury Duty

 


NOMINACIONES DEL SINDICATO DE GUIONISTAS DE EE.UU. (WGA Awards)


MEJOR GUIÓN ORIGINAL 

  • Air, Written by Alex Convery; Amazon MGM Studios
  • Barbie, Written by Greta Gerwig & Noah Baumbach; Warner Bros. Pictures
  • The Holdovers, Written by David Hemingson; Focus Features
  • May December, Screenplay by Samy Burch, Story by Samy Burch & Alex Mechanik; Netflix
  • Past Lives, Written by Celine Song; A24

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

  • American Fiction, Screenplay by Cord Jefferson, Based upon the novel Erasure by Percival Everett; Amazon MGM Studios
  • Are You There God? It’s Me, Margaret., Screenplay by Kelly Fremon Craig, Based on the book by Judy Blume; Lionsgate
  • Killers Of The Flower Moon, Screenplay by Eric Roth and Martin Scorsese, Based on the book by David Grann; Apple Original Films
  • Nyad, Screenplay by Julia Cox, Based on the book Find A Way by Diana Nyad; Netflix
  • Oppenheimer, Screenplay by Christopher Nolan, Based on the book American Prometheus: The Triumph And Tragedy Of J. Robert Oppenheimer by Kai Bird and Martin J. Sherwin; Universal Pictures

MEJOR GUIÓN DE DOCUMENTAL

  • Bella!, Written by Jeff L. Lieberman; Re-Emerging Films
  • It Ain’t Over, Written by Sean Mullin; Sony Pictures Classics
  • The Pigeon Tunnel, Written by Errol Morris; Apple Original Films
  • Stamped from the Beginning, Written by David Teague, Based on the book Stamped From the Beginning by Dr. Ibram X. Kendi; Netflix
  • What The Hell Happened To Blood, Sweat & Tears?, Written by John Scheinfeld; Abramorama 


PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE BERLÍN 2024 (Berlinale 2024)

Oso de Oro - Mejor película: 'Dahomey', de Mati Diop

Oso de Plata - Gran Premio del Jurado: 'A Traveler’s Needs', de Hong Sangsoo

Oso de Plata - Premio del Jurado: 'The Empire', de Bruno Dumont

Oso de Plata - Mejor dirección: Nelson Carlos De Los Santos Arias por 'Pepe'

Oso de Plata - Mejor interpretación protagonista: Sebastian Stan por 'A Different Man'

Oso de Plata - Mejor interpretación de reparto: Emily Watson por 'Small Things Like These'

Oso de Plata - Mejor guión: Matthias Glasner for 'Dying'

Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente: Martin Gschlacht por la fotografía de 'The Devil’s Bath'

 

Premio FIPRESCI: 'My Favourite Cake', de Maryam Moghadam y Behtash Sanaeeha

Oso de Oro - Mejor cortometraje: 'Un movimiento extraño', de Francisco Lezama

Mejor documental: 'No Other Land', de Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham y Rachel Szor

Mejor documental - Mención Especial: 'Direct Action', de Guillaume Cailleau y Ben Russell

Mejor primera película: 'Cu Li Never Cries', de Phạm Ngọc Lân

 

Encounters - Mejor película: 'Direct Action', de Guillaume Cailleau y Ben Russell

Encounters - Premio Especial del Jurado: 'The Great Yawn of History', de Aliyar Rasti y 'Some Rain Must Fall', de Qiu Yang

Encounters - Mejor dirección: Juliana Rojas por 'Cidade; Campo'

Encounters - Premio FIPRESCI: 'Sleep with Your Eyes Open', de Nele Wohlatz