viernes, 31 de mayo de 2019

ROCKETMAN

Siempre que se traslada a la gran pantalla la biografía de un personaje muy popular resulta complicado saber hasta qué punto los hechos que se narran se ajustan fielmente a la realidad. En un diálogo memorable de la película "El hombre que mató a Liberty Valance" se afirmaba que “cuando la leyenda supera a la verdad, publicamos la leyenda". “Rocketman” nos sitúa ante una obra basada en la vida del famoso músico Elton John. El británico, uno de los artistas más exitosos de la historia merced a una carrera de más de cincuenta años a sus espaldas, se ha convertido ya en una leyenda que lo ha ganado todo (cinco premios Grammy, cinco premios Brit, un Globo de Oro, un Tony, un Oscar…) y que ha alcanzado una repercusión superior al resto (es el único cantante en mantener al menos una canción dentro del “Billboard Hot 100” durante treinta y un años consecutivos). Por lo tanto, no cabe duda de que su trayectoria merece ser contada. 
A mí me gusta mucho Elton John y temas como “Your Song” o “I Guess That's Why They Call It the Blues” forman parte de mi banda sonora existencial. Tal vez por esa razón disfruté con el largometraje. Sin embargo, no descarto que los espectadores que carezcan de esa implicación emocional con el protagonista o mantengan con él una fría distancia artística muestren indiferencia frente a las dos horas de proyección. Desde luego, no es mi caso particular. Yo me entretuve, me divertí y hasta me deleité con gran parte de las propuestas del biopic, probablemente influenciado por mis gustos y mis recuerdos. 
Su director es el excéntrico Dexter Fletcher, a quien veía a finales de los años ochenta y principios de los noventa en aquella chocante serie estrenada en España con el desconcertante título de “La pandilla plumilla”. Su posterior carrera como actor en títulos como “Lock & Stock” o “Kick-Ass: Listo para machacar” no presagiaba su evolución como un realizador capaz de asumir propuestas de esta envergadura. Pero, en mi opinión, supera con nota el desafío tan complejo de hallarse sometido a la doble presión de las expectativas de los fans y de los resultados económicos. 
Cabe reconocer que el film transita de forma un tanto desordenada por las sendas de la complacencia, la melancolía, el drama, la música y la crítica, dando en ocasiones la impresión de una ligera anarquía narrativa, aunque yo no consideraría esta circunstancia como un defecto. Entiendo que, al analizar la figura de alguien como Elton John, resulte bastante comprensible verse arrastrado por una dosis de extravagancia irreverente. En todo caso, sí constaté en algunos momentos del metraje un calculado equilibrio para combinar con precisión la visión amable del cantante con otra plasmación más dramática y realista, lo que me dejó cierto regusto artificial. No obstante, esas percepciones más negativas se compensan con creces con una fuerza interpretativa, musical y visual que relanza la cinta hasta situarla en unos niveles más que aceptables. 
Las casas de apuestas centradas en comparar a “Rocketman” con “Bohemian Rhapsody” ya han abierto la veda, una tarea inevitable dadas sus evidentes similitudes, por más que yo me niegue a reducirlo todo a una mera competición. Son muchos los que se frotan las manos esperando saber cuál de las dos recaudará más dinero, cuál obtendrá más galardones o cuál cosechará mejores críticas. Yo tan sólo puedo reiterar que a mí me interesó en su conjunto y que me agradaron varias de sus aportaciones. En honor a la verdad, mi predilección por el compositor inglés hizo el resto pero, para quienes no la compartan, la posibilidad de resultar agraciados con el premio a la diversión disminuyen notablemente. 
Taron Egerton desarrolla un meritorio y efectivo trabajo interpretativo. Pese a sus escasos (o nulos) precedentes, ofrece una actuación bastante acertada. Destaca asimismo Jamie Bell, si bien la sorpresa es menor en su caso, pues ya había demostrado previamente su calidad profesional. Sus intervenciones en “Las estrellas de cine no mueren en Liverpool”, “Jane Eyre” (en la excelente versión de Cary Joji Fukunaga) y “Billy Elliot”, le avalaban. Acompaña a ambos Bryce Dallas Howard (“Más allá de la vida”, la saga “Jurassic World”) y Richard Madden (integrante del reparto de la archifamosa serie “Juego de tronos”).

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Trailer en versión original


Datos del filme

Título original: Rocketman
Año: 2019
Duración: 121 min.
País: Reino Unido
Dirección: Dexter Fletcher
Guion: Lee Hall
Música: Elton John, Matthew Margeson
Fotografía: George Richmond
Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard

martes, 28 de mayo de 2019

25 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE PULP FICTION (25th Anniversary of the Premiere of "Pulp Fiction")

Se cumplen 25 años del estreno de “Pulp Fiction”, película estadounidense escrita y dirigida por Quentin Tarantino y basada en algunas historias del propio realizador en colaboración con Roger Avary. Protagonizada por John Travolta, Uma Thurman, Samuel L. Jackson, Harvey Keitel, Bruce Willis y Tim Roth, entre otros, se hizo muy popular por sus diálogos irónicos y electrizantes, así como por su combinación de humor y violencia. 

Se estrenó en mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro. Luego fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guión y obtuvo siete candidaturas a los Oscars, recibiendo también el de mejor guión original. En 2013, la cinta fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

Con un escaso presupuesto de apenas ocho millones de dólares, recaudó a nivel mundial más de doscientos. Tarantino escribió la historia a finales de 1992 en un apartamento de Amsterdam. Inicialmente el personaje de Vincent Vega iba a llamarse Vic Vega, puesto que Michael Madsen repetiría el papel que interpretó en "Reservoir Dogs".  Pero al declinar Madsen la invitación para intervenir en el film por formar parte del elenco de “Wyatt Earp”, se valoró a Daniel Day Lewis para sustituirlo y la denominación cambió a Vincent Vega. Finalmente, John Travolta resultó el elegido para interpretar el rol. Molly Ringwald, Holly Hunter, Patricia Arquette, Isabella Rossellini, Meg Tilly, Alfre Woodard, Amy Irving, Kim Basinger, Melanie Griffith, Meg Ryan, Michelle Pfeiffer, Bridget Fonda, Helen Slater e, incluso, Julia Roberts (cuyo elevado salario excedía de las posibilidades financieras del film) fueron candidatas para encarnar a Mia Wallace, recayendo la elección en Thurman después de varias audiciones. También Harrison Ford iba a dar vida a Buth Coolidge pero, tras abandonar el proyecto y después de considerar a Sylvester Stallone o Michael Biehn como sustitutos, Tarantino se decantó por Bruce Willis.


Escenas de la película




domingo, 26 de mayo de 2019

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2019



En el día de ayer se dio a conocer el palmarés del Festival de Cine de Cannes 2019. El jurado, presidido por el director mexicano Alejandro González Iñárritu, ha designado al español Antonio Banderas mejor actor de esta edición y ha hecho a la película coreana "Parasite" merecedora de la Palma de Oro.
LISTADO COMPLETO DE PREMIOS

Sección Oficial

  • Palma de Oro: Parasite — Gisaengchung de Bong Joon-ho 
  • Gran Premio del Jurado: Atlantique de Mati Diop
  • Premio al Mejor Director: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne por Le jeune Ahmed 
  • Premio del Jurado: Les misérables de Ladj Ly ex-aequo Bacurau de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles
  • Premio al Mejor Guion: Céline Sciamma por Portrait de la jeune fille en feu 
  • Premio a la Interpretación Femenina: Emily Beecham por Little Joe de Jessica Hausner
  • Premio a la Interpretación Masculina: Antonio Banderas por Dolor y gloria de Pedro Almodóvar
  • Mención Especial del Jurado — Largometraje: It Must Be Heaven de Elia Suleiman 
  • Palma de Oro a Mejor Cortometraje: The Distance Between Us and The Sky de Vasilis Kekatos
  • Mención Especial del Jurado — Cortometraje: Monstruo Dios de Agustina San Martín
  • Cámara de Oro: Nuestras madres — Our Mothers de César Díaz (Semaine de la Critique)
  • Cannes Soundtrack 2019: Dolor y gloria de Pedro Almodóvar
  • FIPRESCI Sección Oficial: It Must Be Heaven de Elia Suleiman

Un Certain Regard
  • Premio Un Certain Regard (Mejor Película): A vida invisível de Eurídice Gusmão — The Invisible Life of Eurídice Gusmão de Karim Aïnouz 
  • Premio del Jurado: O que arde — Fire Will Come de Oliver Laxe
  • Premio a la Mejor Interpretación: Chiara Mastroianni por For chambre 212 — On A Magical Night de Christophe Honoré
  • Premio a la Mejor Dirección: Kantemir Balagov por Beanpole — Une grande fille 
  • Premio Especial del Jurado: Liberté de Albert Serra 
  • «Coup de coeur» del Jurado: La femme de mon frère — A Brother’s Love de Monia Chokri [trailer] ex-aequo The Climb de Michael Angelo Covino
  • Mención Especial del Jurado: Jeanne — Joan of Arc de Bruno Dumont 
  • FIPRESCI Un certain regard: Beanpole — Une grande fille de Kantemir Balagov

Quinzaine des Réalisateurs
  • Premio SACD: Une fille facile de Rebecca Zlotowski 
  • Label Europa Cinemas: Alice and the Mayor — Alice et le maire de Nicolas Pariser
  • Premio Illy de cortometraje: Stay Awake, Be Ready de Pham Thien An
  • FIPRESCI Quinzaine des Réalisateurs: The Lighthouse de Robert Eggers

Semaine de la Critique
  • Grand Prix Nespresso: J’ai perdu mon corps — I Lost My Body de Jérémy Clapin 
  • Pemio Fondation Louis Roederer a la Revelación: Ingvar E. Sigurðsson por Hvítur, hvítur dagur — A White White Day de Hlynur Pálmason
  • Premio SACD: César Díaz por Nuestras madres — Our Mothers
  • Premio Fondation Gan a la Diffusion: Jokers Films por Vivarium de Lorcan Finnegan
  • Premio Découverte Leitz Cine a un cortometraje: She Runs de Qiu Yang
  • Premio Canal + de cortometraje: Ikki illa meint — Sans mauvaise intention de Andrias Høgenni

viernes, 24 de mayo de 2019

LA VIUDA (Greta)

Reconozco que mi decisión de ver esta película se debió a los nombres que figuran en su cartel anunciador. Su director, Neil Jordan, es un cineasta un tanto irregular, aunque responsable de algunos notables trabajos en sus inicios profesionales. Su obra más destacada, “Juego de lágrimas”, le reportó un Oscar como mejor guionista. Se trataba de una excelente combinación de drama y thriller, basada en una sólida recreación de personajes y en una atrayente escenificación visual. No obstante, ya han transcurrido veintisiete años y no procede seguir viviendo de las rentas tanto tiempo. Con sus proyectos posteriores Jordan inició una discreta y moderada tendencia hacia el declive y, si bien ha mantenido siempre cierto nivel, nunca ha logrado superar la intensidad, originalidad y creatividad demostradas en la década de los ochenta y a principios de los años noventa. Su predilección por las cintas sostenidas sobre la intriga, el suspense e, incluso, la ciencia ficción gótica, le han llevado caer en el tópico y la superficialidad. 
Pese a anunciarse como un filme de producción irlandesa, “La viuda” encaja dentro del thriller norteamericano más clásico. Desarrollado en Nueva York, posee un hilo argumental y un estilo narrativo muy yanqui, apostando por un guion repleto de trampas para el espectador, por esa estética que impregna a la icónica ciudad, por una marcada tendencia al erotismo y por un tipo de entretenimiento básico, pero sumamente efectivo. Argumentos más que suficientes para entretener al público con las correspondientes dosis de intriga y distracción, pero no para trascender ni colaborar a que el título adquiera la relevancia cinematográfica necesaria para recordarse con el paso del tiempo. En realidad, la producción corresponde al año pasado pero la distribuidora no había encontrado todavía hueco para su presentación, condicionada a buen seguro por el escaso éxito obtenido en Estados Unidos. 
Una joven se encuentra atravesando una época bastante complicada, ya que su madre ha fallecido recientemente y se acaba de mudar a Manhattan. Tras encontrar una cartera en el metro de Nueva York, decide devolvérsela a su legítima propietaria y es así como conoce a una viuda con quien termina entablando una artificial e inusual amistad. Con el transcurso de los días va descubriendo en la mujer intenciones extrañas y querrá zanjar su atípica relación, aunque no le resultará nada fácil. 
Para cualquier aficionado al cine, el principal inconveniente de un largometraje es tener la sensación de que ya lo has visto más veces. Aquí se parte de otra trama y los personajes son distintos, pero la técnica y la fórmula empleadas son idénticas a las de otros estrenos. No cabe duda de que visualmente puede deleitar y de que los anzuelos escondidos en el relato son capaces de enganchar. Además, como su duración apenas supera la hora y media, dicho ardid se aguanta sin cansancio. Por ello, y aun no conteniendo ninguna virtud del Neil Jordan de “Mona Lisa” o “Michael Collins”, constituye un buen pasatiempo. 
Junto al propio realizador, destacan los nombres del trío protagonista. Isabelle Huppert, acostumbrada a perfiles maduros y sórdidos (sobre todo, a raíz de la premiada “Elle”, de Paul Verhoeven, con la que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz en 2017), se encarga de dar vida a la viuda. Sus dos premios César de entre nada menos que dieciséis candidaturas evidencian la sólida trayectoria de la intérprete francesa en títulos como “La pianista”, “La ceremonia” o “La dentellière”. Últimamente está asumiendo papeles de “mala” con los que, quizás injustamente, puede que pase a la posteridad. Le acompañan dos jóvenes promesas que ya han ofrecido destellos de calidad anteriormente. Chloë Grace Moretz se mostró irreverente y divertida en la primera entrega de “Kick-Ass: Listo para machacar”, con pocas escenas pero muy bien aprovechadas, en “(500) días juntos” y. demostrando versatilidad y capacidad, en “Déjame entrar”, de Matt Reeves, “La invención de Hugo” y “Viaje a Sils Maria”. Maika Monroe, por su parte, despuntó con “It Follows” y “The Guess”.

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Datos del filme
Título original: Greta
Año: 2018
Duración: 98 min.
País: Irlanda
Dirección: Neil Jordan
Guion: Ray Wright, Neil Jordan
Música: Dominik Scherrer
Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe

martes, 21 de mayo de 2019

30 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE "EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS" (30th Anniversary of the Premiere of "Dead Poets Society")

Se cumplen treinta años del estreno en Norteamérica de la película “El club de los poetas muertos”. Si bien llegó a las pantallas el 2 de junio de 1989 en Toronto y, de forma muy limitada, en muy pocas salas de Estados Unidos, fue una semana más tarde cuando se proyectó masivamente en las salas de todo el país logrando un gran éxito. Pese a su modesto presupuesto, logró recaudar más de doscientos treinta millones de dólares a nivel mundial. 

El argumento gira en torno a la prestigiosa academia estadounidense Welton, cuyo lema es “Tradición, honor, disciplina y excelencia”. Ambientada a mediados del siglo XX, tan elitista y tradicional institución recibe a un nuevo profesor de literatura llamado John Keating (Robin Williams). Los alumnos esperan a un docente convencional. Sin embargo, en su encuentro inicial, el maestro les pide que salgan de clase y, en medio de un pasillo, les recita un poema que el escritor Walt Whitman dedicó al presidente Abraham Lincoln: "Oh capitán, mi capitán" También les enseña el significado del aforismo latino “carpe diem”. Algunos de los chicos, intrigados, investigan su pasado y descubren que formó parte del “Club de los poetas muertos” y cuando le preguntan directamente sobre el asunto, él les explica que los miembros de dicho grupo se reunían en una cueva, escribían poesía, pensaban libremente y expresaban sus emociones. Rápidamente, los jóvenes deciden crear un nuevo "Club de los poetas muertos". 

La cinta ganó el Oscar al mejor guión y estuvo nominada a mejor película, mejor director y mejor actor principal.  Algunos de sus diálogos, secuencias y frases resultan, sin duda, memorables: 

- “Todos necesitamos ser aceptados, pero deben entender que sus convicciones son suyas, les pertenecen (...) aunque toda la manada diga: ¡no está bien! Robert Frost dijo: "Dos caminos divergen en un bosque y yo tomé el menos transitado de los dos, y aquello fue lo que cambió todo". Quiero que encuentren su propio camino.” 
- “Me interné en los bosques porque quería vivir intensamente; quería sacarle el jugo a la vida, desterrar todo lo que no fuese vida, para así no descubrir en el instante de mi muerte que no había vivido.” 
- “Oh mi yo, oh vida de sus preguntas que vuelven del desfile interminable de los desleales, de las ciudades llenas de necios. ¿Qué hay de bueno en estas cosas? Respuesta: Que tú estás aquí, que existe la vida y la identidad, que prosigue el poderoso drama y que tú puedes contribuir con un verso, ¡que prosigue el poderoso drama y que tú puedes contribuir con un verso!” 
- “El día de hoy no se volverá a repetir. Vive intensamente cada instante, lo que no significa alocadamente sino mimando cada situación, escuchando a cada compañero, intentando realizar cada sueño positivo, buscando el éxito del otro y examinándote de la asignatura fundamental, el amor, para que un día no lamentes haber malgastado egoístamente tu capacidad de amar y dar vida.” 
- “Coged las rosas mientras podáis, veloz el tiempo vuela. La misma flor que hoy admiráis, mañana estará muerta.” 
- “No olviden que, a pesar de todo lo que les digan, las palabras y las ideas pueden cambiar el mundo (...). Les contaré un secreto: no leemos y escribimos poesía porque es bonita. Leemos y escribimos poesía porque pertenecemos a la raza humana y la raza humana está llena de pasión. La medicina, el derecho, el comercio, la ingeniería, son carreras nobles y necesarias para dignificar la vida humana. Pero la poesía, la belleza, el romanticismo, el amor, son cosas que nos mantienen vivos.”



Escenas de la película






viernes, 17 de mayo de 2019

CASI IMPOSIBLE (Long Shot)

Reconozco que comencé a ver “Casi imposible” con muy pocas ganas. La deriva hortera y vulgar de la mayoría de las comedias norteamericanas (sirva como ejemplo el reciente estreno de “Timadoras compulsivas”), unida a la discutible filmografía de su director, Jonathan Levine (el responsable, o mejor dicho, el culpable, de títulos como “Seducción mortal” o “Descontroladas”) no me hacía presagiar nada bueno. Sin embargo, en ocasiones no hay nada como carecer de expectativas para alcanzar una razonable satisfacción. En ese sentido, “Casi imposible”, aunque se reviste de los envoltorios y adornos de las típicas películas de humor estadounidenses, oculta varias perlas dignas de admiración. Es obvio que Levine no es Jason Reitman ni, por supuesto, John Carney ni Woody Allen, quienes encabezan la resistencia para salvaguardar la comedia anglosajona de un destino devastador en el que parece estar embarrada actualmente, pero al menos se hallan en este trabajo diversos elementos acertados que dotan al conjunto de cierto aire de hilaridad con sentido. 
Si bien el film se presenta con la etiqueta de “comedia romántica”, en mi opinión no se ajusta a lo que dicho término comporta en la mente del espectador. A ello hay que añadir las constantes referencias a la política, un ingrediente que condimenta la historia alterando sustancialmente su desenlace final. Aun así, tampoco se trata de un largometraje al estilo de “El Presidente y Miss Wade”, que sí responde de forma convencional, cursi y superficial a ese triángulo cuyos vértices ocupan el humor, el romance y la clase política. “Casi imposible” resulta más irreverente, transgresora, alegre y alocada, lo que por momentos le hace tambalearse y rozar el desastre del chiste fácil y grosero, pero superando el riesgo con otras escenas en las que mantiene un perfecto equilibrio entre la agudeza divertida y la crítica destructora. 
Un periodista fracasado y sin esperanza profesional ni vital a la vista se reencuentra con su idílico y platónico primer amor. Ella, por el contrario, ha progresado laboralmente convirtiéndose en Secretaria de Estado del Gobierno, con aspiraciones de llegar incluso a la Presidencia. Pese a todos los puntos que les separan, existe algo que todavía les une. El peculiar sentido del humor del reportero resultará determinante para retomar una relación a todas luces casi imposible. Ella le contrata para escribirle sus discursos, aunque él no se siente cómodo entre tanto cargo público de la élite del poder y, contra todo pronóstico, aquella llama de atracción sentimental que nunca llegó a apagarse del todo, prende por completo, provocando inesperados y peligrosos incidentes. 
Basta ver el cartel de la cinta para constatar la nula química entre la pareja, una impresión que se difumina completamente a medida que avanza el metraje. La pareja de guionistas formada por Liz Hannah (“Los archivos del Pentágono”) y Dan Sterling (curtido en series televisivas como “South Park” o “The Office”) sabe entretener gracias a las ocurrentes situaciones que recrea, consiguiendo que el público empatice con los protagonistas y se deje arrastrar por sus locuras. 
Probablemente nos hallemos ante la mejor comedia norteamericana en lo que va de año y, aunque no mantiene el mismo nivel durante sus más de dos horas de duración, triunfa en el empeño, sobre todo cuando aborda temas que no son para nada intrascendentes. 
Gran parte del éxito final estriba en sus dos actores de cabecera. Ambos sobresalen y demuestran su enorme capacidad para hacer reír, pese a ser una de las cualidades más difíciles e infravaloradas de todo intérprete. Charlize Theron, Oscar a la mejor actriz por “Monster” e inolvidable en “Las normas de la casa de la sidra”, da fe nuevamente de su versatilidad artística. Sus últimos trabajos en “Tully” o “Young Adult” neutralizan otras prescindibles experiencias como heroína letal en absurdas películas de acción. Sin duda, posee una innegable vis cómica. A Seth Rogen también le hemos visto en proyectos tan cuestionables como “Juerga hasta el fin”, “Lío embarazoso”, “Supersalidos” o “Superfumados”, atesorando una amplia experiencia en esa modalidad de la comedia denostada por mí, si bien salta a la vista que cuando le ofrecen un guion más elaborado y a las órdenes de un realizador que no se desmadre logra redimirse.

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Datos del filme
Título original: Long Shot
Año: 2019
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Jonathan Levine
Guion: Dan Sterling, Liz Hannah
Música: Marco Beltrami, Miles Hankins
Fotografía: Yves Bélanger
Reparto: Seth Rogen, Charlize Theron, O'Shea Jackson Jr., Andy Serkis

miércoles, 15 de mayo de 2019

PIERCE BROSNAN

Pierce Brosnan, Oficial de la Orden del Imperio Británico, nació el 16 de mayo de 1953. Actor irlandés, debutó en el cine con “El largo Viernes Santo” (1980), de John Mackenzie, para dar luego el salto a la televisión en series como “Remington Steele” (1982–1987) y “La vuelta al mundo en 80 días” (1989). Repitió a las órdenes de Mackenzie en “El cuarto protocolo” (1987). 

Su carrera despuntó definitivamente en la década de los noventa, protagonizando “Mister Johnson” (1990), de Bruce Beresford e interviniendo como secundario en “Señora Doubtfire, papá de por vida” (1993), de Chris Columbus y “Un asunto de amor” (1994), de Glenn Gordon Caron. 

Posteriormente comenzó a dar vida al personaje de James Bond. Primero lo hizo en “GoldenEye” (1995), de Martin Campbell, a la que seguirían “El mañana nunca muere” (1997), de Roger Spottiswoode, “El mundo nunca es suficiente” (1999), de Michael Apted y “Muere otro día” (2002), de Lee Tamahori. De esa etapa son asimismo otras cintas como “El amor tiene dos caras” (1996), de Barbra Streisand, “Mars Attacks!” (1996), de Tim Burton, “Un pueblo llamado Dante's Peak” (1997), de Roger Donaldson, “El secreto de Thomas Crown” (1999), de John McTiernan y “El sastre de Panamá” (2001), de John Boorman. 

Ajeno ya a la “etiqueta Bond”, intervino en “Evelyn” (2002), de Bruce Beresford, “El gran golpe” (2004), de Brett Ratner, “Mamma Mia! La película” (2008), de Phyllida Lloyd y “El escritor” (2010), de Roman Polanski, sin duda uno de sus mejores trabajos. 

De la última época resultan destacables “Bienvenidos al fin del mundo” (2013), de Edgar Wright, “La conspiración de noviembre” (2014), otra vez con Roger Donaldson y “El extranjero” (2017), nuevamente con Martin Campbell.


Escena de "El sastre de Panamá"




Escena de "El secreto de Thomas Crown"



lunes, 13 de mayo de 2019

FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2019

Thierry Frémaux, director general del Festival de Cannes, acaba de presentar junto a su presidente, Pierre Lescure, la lista de películas que podrán verse este año en la 72ª edición del certamen francés, que se celebrará del 14 al 25 de mayo en la famosa ciudad de la Costa Azul. 

El cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu presidirá el Jurado Oficial, mientras que la libanesa Nadine Labaki lo hará con el de la sección paralela "Un certain regard".

La Palma de Oro de Honor a toda una carrera se entregará a la leyenda de la interpretación gala Alain Delon. A falta de los añadidos de última hora -que siempre faltan- (ahí está Tarantino zanjando el montaje de "Érase una vez en Hollywood" a contrarreloj), estas son las películas de Cannes 2019: 


Competición oficial:
  • The Dead Don’t Die, de Jim Jarmusch (inauguración) 
  • Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar 
  • Il traditore, de Marco Bellocchio 
  • The Wild Goose Lake, de Diao Yinan 
  • Parasite, de Bong Joon-ho 
  • Le jeune Ahmed, de Jean-Pierre & Luc Dardenne 
  • Roubaix, une lumière, de Arnaud Desplechin 
  • Atlantique, de Mati Diop 
  • Matthias et Maxime, de Xavier Dolan 
  • Little Joe, de Jessica Hausner 
  • Sorry We Missed You, de Ken Loach 
  • Les misérables, de Ladj Ly 
  • A Hidden Life, de Terrence Malick 
  • Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles 
  • La Gomera, de Corneliu Porumboiu 
  • Frankie, de Ira Sachs 
  • Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma 
  • It Must Be Heaven, de Elia Suleiman 
  • Sibyl, de Justine Triet 

Un certain regard
  • Vida invisivel, de Karim Aïnouz 
  • Dylda, de Kantemir Balagov 
  • The Swallows of Kabul, de Zabou Breitman & Eléa Gobé Mévellec 
  • La femme de mon frère, de Monia Chokri 
  • The Climb, de Michael Covino 
  • Jeanne, de Bruno Dumont 
  • O que arde, de Oliver Laxe 
  • Chambre 212, de Christophe Honoré 
  • Port Authority, de Danielle Lessovitz 
  • Papicha, de Mounia Meddour 
  • Adam, de Maryam Touzani 
  • Zhuo Ren Mi Mi, de Midi Z 
  • Liberté, de Albert Serra 
  • Bull, de Annie Silverstein 
  • Summer of Changsha, de Zu Feng 
  • Evge, de Nariman Aliev 

Fuera de competición:
  • Les plus belles années d’une vie, de Claude Lelouch 
  • Rocketman, de Dexter Fletcher  
  • Too Old to Die Young, de Nicolas Winding Refn [dos episodios]  
  • Diego Maradona, de Asif Kapadia 
  • La belle époque, de Nicolas Bedos 

Proyecciones de medianoche:
  • The Gangster, the Cop, the Devil, de Lee Won-tae 

Proyecciones especiales:
  • Share, de Pippa Bianco 
  • For Sama, de Waad Al Kateab & Edward Watts 
  • Family Romance, LLC., de Werner Herzog 
  • Tommaso, de Abel Ferrara 
  • Être vivant et le savoir, de Alain Cavalier 
  • Que sea ley, de Juan Solanas

viernes, 10 de mayo de 2019

LOS HERMANOS SISTERS (Les frères Sisters)

La especialidad del western constituye un género cinematográfico netamente norteamericano. No sólo hunde sus raíces en la esencia misma de la creación de los Estados Unidos, sino que vehicula buena parte de sus señas de identidad. Sin embargo, “The Sisters Brothers” es un largometraje de nacionalidad francesa cuyo título original, pese a estar rodado en inglés, es “Les frères Sisters” y está dirigido por el también galo Jacques Audiard, realizador muy conocido gracias a títulos como “Dheepan”, “Un profeta” o “De óxido y hueso”. Este cineasta cuenta en su haber con dos BAFTA británicos, tres premios del Festival de Cannes y nada menos que diez César de su Francia natal. Por lo tanto, es considerado todo un icono en el país vecino, si bien en esta ocasión se ha atrevido con una historia del Oeste aparentemente muy alejada de su cultura e idiosincrasia, demostrando que el lenguaje del cine carece de fronteras y que el talento no conoce límites artísticos. 
El largometraje no revela ninguna carencia ni ofrece escenas fuera de lugar. Su origen europeo, pues, no desentona ni evita ser calificado como una buena película de vaqueros de mitades del siglo XIX, época de consolidación del territorio estadounidense. Se nota que Audiard ha asimilado a la perfección la naturaleza de un género que exige para su disfrute ser aficionado a él ya que, si no se empatiza con este tipo de films, su estética y la violencia que contiene pueden resultar disonantes, pese a que la recreación sea creíble y los personajes se hallen correctamente perfilados. 
En plena efervescencia de la denominada “fiebre del oro”, dos hermanos desarrollan sus existencias en un mundo salvaje y hostil. Son asesinos a sueldo con numerosas muertes a sus espaldas, tanto de criminales como de inocentes y, aunque ambos asumen el papel que les ha tocado vivir, las afrontan desde perspectivas diferentes. El pequeño evita cualquier planteamiento más allá de sus fechorías, mientras que el mayor sueña con llevar una vida normal. En esta tesitura los dos son contratados de nuevo para matar a un buscador del preciado metal, pero esta vez el viaje pondrá a prueba su vínculo fraternal. 
Sobre la base de unas sólidas interpretaciones se va construyendo una reflexión sobre el amor y los vínculos familiares mientras, paralelamente, se visualizan con toda crudeza unos tiempos delirantes y maquiavélicos. El principal acierto de la cinta es combinar unos elementos líricos y sentimentales con otros centrados en las miserias humanas, denotando la sobrada capacidad de Audiard para transmitir contenidos de interés en lo que es otra vuelta de tuerca para reforzar su reputación profesional y su ya sólida carrera. Con “The Sisters Brothers” ha recibido el César al mejor director (el filme, otros tres premios más) y el León de Plata de Venecia al mejor realizador. 
Gran responsabilidad de los méritos de este proyecto recae también en el apartado interpretativo, personificado en Joaquin Phoenix y John C. Reilly. Phoenix dispone de una habilidad innata para meterse en la piel de depravados sin escrúpulos pero, simultáneamente, mostrar una notable ternura. Sus trabajos en “En la cuerda floja”, “Gladiator”, “The Master”, “Her” o “Two Lovers” evidencian sus cualidades para desempeñar personajes inadaptados, violentos y también sensibles. Una rara avis que termina por confundir al público sobre hasta qué punto interpreta o hasta qué punto es así (el rodaje de “En realidad, nunca estuviste aquí” da buena prueba de ello). Reilly es más proclive a abordar papeles con rasgos cómicos, como los de “Chicago”, “El aviador”, “Un dios salvaje” o la reciente de “El Gordo y el Flaco”. Actor versátil, nunca desentona en un reparto. Les acompañan Jake Gyllenhaal (“Zodiac”, “Prisioneros”, “Brokeback Mountain”) y el legendario Rutger Hauer, que pasará a la Historia del Séptimo Arte por su replicante de “Blade Runner” y que también ha participado en “Lady Halcón” o “Batman Begins”.

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Datos del filme

Título original: Les Frères Sisters
Año: 2018
Duración: 121 min.
País: Francia
Dirección: Jacques Audiard
Guion: Jacques Audiard, Thomas Bidegain (Novela: Patrick Dewitt)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Benoît Debie
Reparto: Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, Rebecca Root,

miércoles, 8 de mayo de 2019

ALBERT FINNEY

Albert Finney nació el 9 de mayo de 1936 y falleció el 8 de febrero de 2019. Actor británico de larga trayectoria, estuvo nominado cinco veces al Oscar y ganó múltiples premios, como tres Globos de Oro, dos BAFTA, el Oso de Plata del Festival de Berlín y la Copa Volpi de la Mostra de Venecia. 

Debutó en el cine en 1960 con “El animador” y “Sábado noche, domingo mañana”, obteniendo su primera candidatura a la estatuilla dorada de Hollywood por su interpretación en “Tom Jones”, de Tony Richardson. Cosechó un gran éxito con la cinta “Dos en la carretera” (1967), de Stanley Donen y que coprotagonizó con la actriz Audrey Hepburn. En la década de los setenta destacó en “Asesinato en el Orient Express” (1974), de Sidney Lumet (por la que fue de nuevo candidato al Oscar) y “Los duelistas” (1977), de Ridley Scott. 

Ya en los años ochenta estrenó títulos como “Annie” (1982), de John Huston, “La sombra del actor” (1983), de Peter Yates (tercera nominación al galardón de la Academia), “Bajo el volcán” (1984), de nuevo con John Huston (que le reportó su cuarta candidatura) y “Un ángel caído” (1987), de Alan J. Pakula. Comenzó los noventa interviniendo en “Muerte entre las flores”, de los hermanos Coen, a la que siguieron títulos como “La versión Browning” (1994), de Mike Figgis o “Washington Square” (1997), de Agnieszka Holland. 

Ya entrado en el nuevo siglo continuó sumando triunfos como los de “Erin Brockovich” y “Traffic” (2000), ambas de Steven Soderbergh, logrando por el primero de ellos su quinta y última nominación al Oscar. “Big Fish”, de Tim Burton o “El ultimátum de Bourne” (2007), de Paul Greengrass también contaron con su participación.

Escena de "Erin Brockovich"




Escena de "Muerte entre las flores"



lunes, 6 de mayo de 2019

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE TRIBECA 2019 (Tribeca Film Festival 2019)



El 18º Festival Anual de Cine de Tribeca, finalizado ayer domingo 5 de mayo, ha dado a conocer los ganadores del certamen en una ceremonia celebrada en el Teatro Stella Artois de Nueva York, otorgando además $ 165,000 en premios en efectivo. 


PALMARÉS COMPLETO


Sección Ficción Estados Unidos 
  • Premio de los fundadores a la mejor característica narrativa: Burning Cane, dirigida por Phillip Youmans. 
  • Mejor actriz en un largometraje narrativo de los Estados Unidos: Haley Bennett, en Swallow. 
  • Mención especial del jurado: Geetanjali Thapi, en Stray Dolls. 
  • Mejor actor en un largometraje narrativo de los Estados Unidos: Wendell Pierce, en Burning Cane. 
  • Mejor fotografía en un largometraje narrativo de los Estados Unidos: Phillip Youmans, por Burning Cane. 
  • Mejor guión en un largometraje narrativo de los Estados Unidos: Bridget Savage Cole y Danielle Krudy, por Blow the Man Down. 

Sección Ficción Internacional 
  • Mejor largometraje narrativo internacional: House of Hummingbird (Beol-sae) (Corea del Sur, EE. UU.), dirigida y escrita por Bora Kim. 
  • Mejor actriz en un largometraje narrativo internacional: Ji-hu Park, en House of Hummingbird (Beol-sae). 
  • Mejor actor en un largometraje narrativo internacional: Ali Atay, en Noah Land. 
  • Mejor cinematografía en un largometraje narrativo internacional: Kang Gook-hyun, para House of Hummingbird (Beol-sae). 
  • Mejor guión en un largometraje narrativo internacional: Noah Land (Nuh Tepesi), escrito por Cenk Ertürk. 

Sección Documental 
  • Mejor largometraje documental: Scheme Birds (Escocia, Suecia), dirigida y escrita por Ellen Fiske y Ellinor Hallin. 
  • Mejor fotografía en una película documental: Yang Sun y Shuang Liang, para Our Time Machine (China). 
  • Mejor edición en una película documental: Jennifer Tiexiera, para 17 Blocks (EE. UU.)

viernes, 3 de mayo de 2019

GLORIA BELL

Siempre he contemplado con reticencia y desagrado la figura del “remake”. Considero un planteamiento erróneo el hecho de rodar de nuevo una película ya producida, filmada y estrenada, máxime si el original ya cuenta con una calidad notable que deja escaso margen para la mejora. Desde los ejemplos más sangrantes e innecesarios (las versiones de “Psicosis” de Alfred Hitchcock y Gus Van Sant, las de “El planeta de los simios” de Franklin Schaffner y Tim Burton o las de “Desafío total” de Paul Verhoeven y Len Wiseman, entre otras muchas) hasta los más aceptables (“Valor de ley” de Henry Hathaway y de los hermanos Coen o “El cabo del miedo” de J. Lee Thompson y Martin Scorsese, por citar algunos) hallo en su mayoría un punto de sacrilegio inútil y la inevitable comparación que generan suele resultar un lastre difícil de soltar. 
En todo caso, existen dos supuestos concretos que juzgo aún más incompresibles, si cabe. El primero, filmar para el mercado norteamericano una película de otra nacionalidad con el absurdo pretexto de que allí se precisa de estrellas autóctonas para su comercialización (véase “Abre los ojos” de Alejandro Amenábar y su posterior “Vanilla Sky” -ya con Tom Cruise en el reparto- o el “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella, que derivó en la fallida “El secreto de una obsesión”, protagonizada por Julia Roberts y Nicole Kidman). El segundo, recurrir al mismo director como responsable de la nueva versión (como ya hiciera Alfred Hitchcock con “El hombre que sabía demasiado” en los años 1934 y 1956). 
Pues bien, en “Gloria Bell” coinciden ambos supuestos. Su realizador, Sebastián Lelio, estrenó en 2013 la cinta chilena “Gloria”, que destacó en festivales y certámenes, obteniendo un premio en el Festival de Cine de Berlín y una nominación al Goya a la mejor película latinoamericana. Ahora es él mismo quien asume este rodaje como producción estadounidense, contando con los actores Julianne Moore y John Turturro entre sus intérpretes. En definitiva, misma historia, mismo planteamiento y mismas secuencias, pero en idioma inglés y con la luminiscencia que desprenden esos grandes nombres de la industria de Hollywood. Con todo, el film es notable aunque, una vez visto el anterior, cabe preguntarse el motivo de la reiteración. Si la razón es que se digiera con mayor facilidad por el público anglosajón, me parece incomprensible, aparte de que dicho fenómeno no se produce en el sentido contrario. Pese a ello Lelio, hábilmente, vuelve a demostrar su capacidad para centrarse en lo esencial y narrar de forma cercana y creíble una recreación de personas auténticas. 
Gloria es una divorciada madura y de espíritu libre que desempeña un monótono empleo en una oficina. Como no puede reprimir su pasión por la pista de baile, se deja caer cada noche por las discotecas de Los Ángeles donde un día conoce a Arnold, con quien comienza un nuevo e inesperado romance plagado de emociones y complicaciones. 
Se trata de una obra construida sobre la base de unas buenas interpretaciones y de una habilidad certera para reflejar cinematográficamente la emociones. Transita entre la corrección y la lucidez para ofrecer un producto honesto, si bien no logra en ningún momento sustituir a la primera versión en la mente de sus espectadores. 
La actriz Julianne Moore sobresale prácticamente sin esfuerzo dentro del equipo artístico. Ganadora de un Oscar por “Siempre Alice” y candidata a la estatuilla por cintas tan interesantes y dispares como “Las horas”, “Lejos del cielo”, “Boogie Nights” o “El fin del romance”, aborda con solvencia el personaje sobre el que se asienta el largometraje. Le acompañan Sean Austin (que debutó en “Los Goonies” y se consolidó en la saga de “El señor de los anillos”), John Turturro (sensacional en “Quiz Show”, “Barton Fink” y “El gran Lebowski”) y Michael Cera (“Juno”, “Molly's Game”).

Trailer en castellano


Trailer en versión original



Datos del filme:
Título original: Gloria Bell
Año: 2018
Duración: 102 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Sebastián Lelio
Guion: Sebastián Lelio, Alice Johnson Boher
Fotografía: Natasha Braier
Reparto Julianne Moore, John Turturro, Michael Cera