En abril de 1996, se estrenó la película “Tesis” de Alejandro Amenábar. Se cumplen ahora, treinta años. Para conmemorarlo, su director ha vuelto a la Facultad de Ciencias de la Información, Facultad en la que estudió y grabó parte del filme, para compartir sus experiencias en un salón de actos completamente abarrotado.
El acto se celebró en Salón de Actos Carlos Saura de esa Facultad, y contó con la participación del propio director, quien mantuvo un coloquio con el público asistente tras la proyección.
En abril de 1996 Amenábar acababa de cumplir 24 años. La grabación del filme tuvo lugar durante las vacaciones de verano de 1995.
El largometraje ganó siete premios Goya (Mejor película, Mejor director novel, Mejor actor revelación, Mejor guion original, Mejor dirección de producción, Mejor montaje y Mejor sonido.
La cinta recibió muy buenas críticas y una gran acogida del público, dando inicio a una de las carreras cinematográficas más importantes de nuestra cinematografía.
En
la última edición de los premios BAFTA, otorgados por la Academia de Cine
Británico, “Incontrolable” (cuyo título original es “I Swear”) se alzó con dos
galardones: mejor actor protagonista y mejor casting. Comencé a verla sabiendo
que se basa en una historia real y que su trama se centra en un personaje que
sufre el denominado Síndrome de Tourette, trastorno neurológico caracterizado por
movimientos repetitivos y sonidos indeseados que no se pueden controlar. Por
ello, los afectados generan tics involuntarios y emiten ruidos o palabras
ofensivas sin control alguno. De entrada, este tipo de producciones me causan
cierto reparo, pues se exponen a caer en una sensiblería empalagosa –incluso,
manipuladora- o en una dramatización que supere la propia capacidad del
espectador. No obstante, la película transita con soltura y hasta encanto por
esta tragedia personal.
No
parece adecuado tildar de comedia a este largometraje, si bien los recursos
humorísticos y cómicos funcionan como un motor más de la narración. De hecho,
en algunos momentos conmueve de un modo espontáneo, provocando una sensación
placentera que constituye, a mi juicio, el principal mérito del film. Más allá
de la posible labor divulgativa sobre esta enfermedad (que no todo el mundo
considera como tal) y de la peligrosa deriva dramática sobre la que estos
relatos tienden a deambular, la proyección mantiene unos niveles de ritmo y
emoción sostenida que agradan.
Se
trata de una propuesta acerca de los buenos sentimientos y del esfuerzo por
superar las adversidades que, afortunadamente, no subraya con insistencia
ninguna moraleja ni pretende manipular al público para llevarlo a su terreno.
Refleja, además, ese regusto clásico que responde en gran medida a las señas de
identidad del cine británico.
Kirk
Jones asume la dirección y la elaboración del guión. Debutó como cineasta en
1998 con la comedia un tanto extravagante “Despertando a Ned”, para
posteriormente rodar “La niñera mágica” (2005), “Todos están bien” (2008) y la
segunda parte de “Mi gran boda griega” (2016). Con “Incontrolable” firma su
mejor obra.
Cuenta
la vida de John Davidson, una existencia marcada por el rechazo, la lucha y el
afán de superación. Diagnosticado con el Síndrome de Tourette a los 15 años,
sufrió el estigma y el repudio de sus compañeros, que lo tachaban de loco por
culpa de un trastorno poco conocido en aquellos tiempos. Ya de adulto,
transformó su sufrimiento en batalla para cambiar la percepción sobre las víctimas
como él, dedicándose a visibilizar su padecimiento y a concienciar al resto de
la sociedad.
Con
una duración cercana a las dos horas, la cinta no resulta larga y, sobre todo,
contagia optimismo, vitalidad y humanidad. Lástima que, al salir de la sala, esas
emociones se evaporen al contemplar en los informativos la penosa deriva de
nuestro planeta.
El
joven actor Robert Aramayo, protagonista absoluto, y responsable gracias a su
magnífica interpretación de sostener este complejo trabajo, ha recibido, además
del citado BAFTA, los reconocimientos del British Independent Film Awards y del
London Critics Circle Film Awards. Le acompañan Maxine Peake (“La teoría del
todo”) y Shirley Henderson (“Un gran día para ellas”).
Paolo
Sorrentino es un director y guionista italiano con estilo propio. A día de hoy,
probablemente sea el cineasta más relevante de Italia. Su cinta “La gran
belleza” ganó el Oscar y el BAFTA a la mejor película de habla no inglesa y
también ha cosechado premios en los Festivales de Cine de Cannes y Venecia. En
su filmografía, además del ya citado, se hallan títulos como “La juventud”
(2015), “Silvio (y los otros)” (2018) o, más recientemente, “Parthenope”
(2024). Este napolitano ha dotado a sus trabajos de un sello muy
característico, centrado sobre todo en las reflexiones sobre el paso del tiempo
y la melancolía, con historias que mezclan delicadeza y profundidad con cierto
toque de cinismo y descaro. Tal vez su mayor cualidad estribe en hablar de
temas cotidianos y relevantes con una visión totalmente personal y una estética
altamente cuidada. Desde el punto de vista visual resulta atrayente y, por lo
que se refiere al aspecto narrativo, interesante. Con independencia de que
algunos de sus filmes gusten más que otros, sus propuestas siempre se revisten
de elegancia y se construyen sobre ideas firmes. En definitiva, disfrutar de
sus obras equivale a adentrarse en un museo donde el visitante se va a sentir
sin duda interpelado.
Ahora
presenta “La grazia” (estrenada con su título original), que obtuvo varios
galardones en la última Mostra veneciana, junto a dos nominaciones a los
Premios del Cine Europeo (actor y guion). Se trata de un largometraje político,
pero más optimista de lo que el panorama real depara a través de los líderes
mundiales y de esa denominada “geopolítica” que nos deprimen a diario en los
informativos. La narrativa continúa presidida por el refinamiento y por ese
particular sentido del humor que engancha. A ratos poética y a ratos intensa,
supone una oferta sumamente interesante.
Mariano
De Santis, presidente ficticio de la República italiana, es un veterano
político demócrata, humanista y católico que, de repente, comienza a dudar
sobre la adopción de determinadas decisiones, en especial sobre vetar o no una
ley de eutanasia que le genera un profundo dilema moral.
Pese
a sus casi dos horas y cuarto de duración, “La grazia” no se percibe como larga
y logra mantener un ritmo adecuado durante todo el metraje. Se experimenta con
claridad la exquisitez en los planos, la distinción en la puesta en escena, la
sensibilidad en los temas tratados y una pizca de sorna que inevitablemente
mueve a la reflexión. Se trata de una de las grandes obras de Sorrentino, al
punto de que, si mantiene esta línea, habrá que esperar con ansiedad su
siguiente trabajo. El nombre define a la perfección el estado del realizador,
de gracia, y perpetúa su habilidad para aderezar cada encuadre de cámara con
una imagen hermosa y, casi cada diálogo, con un detalle certero. No he visto “Father
Mother Sister Brother”, de Jim Jarmusch (ganadora del reciente León de Oro)
pero, si superó a la propuesta de Sorrentino, me afanaré por visionarla.
Sea
como fuere, y más allá de sus aciertos cinematográficos, “La grazia” constituye
una llamada de atención sobre la inmensa distancia que existe entre la
gobernanza y la realidad. Acostumbrado a la mezquindad, la mediocridad y el histrionismo
que reflejan la mayoría de los medios de comunicación, esta mirada me
reconforta y alecciona acerca de los problemas y las responsabilidades
asociados a la utilización y al ejercicio del poder.
Se
sitúa al frente del reparto el actor Toni Servillo, habitual en el cine de Paolo
Sorrentino (“Las consecuencias del amor”, “La gran belleza”, “Fue la mano de
Dios”, “Silvio (y los otros)”. Ha actuado igualmente en “Gomorra” o “Una vida
tranquila”. Desempeña aquí una labor solvente sobre la que se sostiene el
grueso de la acción.
Robin Wright nació en Dallas (Texas) el 8 de abril de 1966. Comenzó su andadura profesional en la serie de televisión “Santa Bárbara” y, ya en 1987, protagonizó para la pantalla grande “La princesa prometida”, de Rob Reiner, uno de sus papeles más emblemáticos.
Posteriormente intervino en “El
clan de los irlandeses” (1990), “Forrest Gump” (1994) -otra de sus
interpretaciones más conocidas-, “Moll Flanders: El coraje de una mujer” (1996)
o “Mensaje en una botella” (1999). En el año 2000 actuó en “El protegido”.
En el presente siglo ha
participado en títulos tan destacados como “Nueve vidas” (2005), “La conspiración”
(2010), “Moneyball” (2011), “Millennium: Los hombres que no amaban a las
mujeres” (2011) y “Blade Runner 2029” (2017).
Asimismo, triunfó de nuevo en el ámbito televisivo gracias a “House of Cards”.
En
mi opinión, dentro del género de la ciencia ficción, el subgénero espacial
vivió un antes y un después en 2014, tras el estreno de “Interstellar”. Esta
obra maestra de Christopher Nolan reúne infinidad de méritos cinematográficos
de primera magnitud, además de hallarse envuelta en un halo de credibilidad y
rigor científico pocas veces logrado. Obviamente, la recién estrenada “Proyecto
Salvación” ni siquiera se acerca (probablemente, tampoco lo pretende) a los
niveles de la película protagonizada por Matthew McConaughey, pero sí alcanza una
cota de entretenimiento bastante aceptable, si bien desde una perspectiva más
cómica y liviana. Ambas propuestas se han abordado desde planos muy diferentes.
La primera, desde el drama y la docta pulcritud. La segunda, desde la comedia
sin pretensiones eruditas. En todo caso, atendiendo a los parámetros de
diversión y distracción, tanto una como otra llegan a metas similares por
diferentes caminos.
Se
podría afirmar que “Proyecto Salvación” se alza como un producto de visión
infantil o, mejor aún, ingenua, que dota a la narración de un estilo
desenfadado y hasta optimista. Sus directores, Phil Lord y Christopher Miller,
han sido también guionistas y productores de títulos como “La LEGO película”,
“Infiltrados en la Universidad” e “Infiltrados en clase”, de un tono cómico y
ligero, y con aciertos y desaciertos. En este nuevo trabajo tratan de mantener
esa dinámica jovial y graciosa que contagia al público de cierto entusiasmo. En
ese sentido, el visionado resulta sencillo y agradable.
El
problema radica en su excesiva duración, superior a las dos horas y media, ya
que mantener un listón elevado durante tanto tiempo entraña gran dificultad.
Por ello se torna predecible y un tanto cansina, cayendo en ocasiones en la
tontería más que en el candor. No obstante, en conjunto, constituye una opción
correcta como pasatiempo. A ratos, vivaz y placentera. Simpática, aunque con un
punto de insustancial.
Un
profesor de Ciencias despierta dentro de una nave espacial, a años luz de su
hogar y sin entender cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la
memoria, se dispone a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa
sustancia que provoca la extinción del Sol. Deberá recurrir a sus conocimientos
científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar cuanto hay en la Tierra y
evitar que el planeta sufra el mismo destino que el astro rey. En ese camino
encontrará a un curioso aliado con el que entablará una amistad inesperada.
A
cargo de un elevado presupuesto de más de doscientos millones de dólares, ha
obtenido una considerable taquilla durante el fin de semana de su estreno en
Estados Unidos, logrando recaudar más de ciento sesenta millones de dólares en
tres días. Todo apunta a que acreditará cifras sobresalientes y tendrá buena
acogida por parte de los espectadores, sustentadas en gran medida por el
carisma de su estrella principal y por su cuidado aspecto visual.
Encabeza
el reparto y soporta el peso del filme Ryan Gosling, quien actúa y, además,
produce la cinta. Tres veces nominado al Oscar, cuenta en su haber con cintas
tan destacadas como “La, La, Land”, “Los idus de marzo”, “Drive”, “Blue
Valentine” o “La gran apuesta”. Se trata de un actor versátil y eficaz que aquí
desempeña con solvencia su papel.
Le
acompañan Sandra Hüller (“Anatomía de una caída”, “La zona de interés”), Lionel
Boyce (de la serie “The Bear”), Milana Vayntrub (de la televisiva “This is Us”)
o Ken Leung (famoso por su participación en “Perdidos”).
El cineasta estadounidense Barry Sonnenfeld nació en Nueva York el 1 de abril de 1953.
Comenzó trabajando como director de fotografía para los hermanos Coen (“Sangre fácil”, “Arizona Baby”, “Muerte entre las flores”), así como en títulos tan conocidos como “Big”, "Cuando Harry encontró a Sally” o “Misery”. Posteriormente, empezó a producir y a dirigir sus propias películas.
Debutó como realizador en 1991 con “La familia Adams”, a la que siguió su secuela en 1993.
Filmó asimismo “Cómo conquistar Hollywood” y la saga “Men in Black”.
