A 500 MILLAS DE CASA (500 Miles)

La película "A 500 millas de casa", dirigida por el cineasta británico Morgan Matthews, se ha convertido en una pequeña sorpresa cinematográfica de este año. No ha acaparado grandes recaudaciones ni titulares, pero sí ha terminado por hacerse un hueco a base de la lenta (aunque efectiva) vía de los comentarios del público. Adaptación de una exitosa novela juvenil de Mark Lowery, la cinta destila en todo momento ese tono tierno y casi infantil que puede tanto enganchar como disgustar, usando sin disimulo el recurso de la emotividad. Pese a poder ser catalogada como una “road movie”, el viaje (o, en este caso, la huida) se alza como excusa para el desarrollo de los personajes y se convierte en una evocadora reflexión sobre el duelo, la culpa y la reconciliación familiar.

No obstante, en bastantes tramos del metraje deambula peligrosamente por esa delgada línea entre el afecto y una sensiblería que no convence. Dependerá de cada espectador recaer en un lado u otro. Pero, en general, el tono resulta grato y con un cierto regusto clásico que se agradece. Su realizador, sin demasiada experiencia profesional en la gran pantalla, posee nada menos que cuatro premios BAFTA en los ámbitos televisivo y documental. Por ello, evidencia capacidad narrativa y construye cimientos emocionales suficientemente sólidos como para sostener los cien minutos de proyección. 

La trama arranca en Sheffield, donde dos menores disfrutan de una infancia aparentemente idílica. Sin embargo, el conflicto estalla cuando uno de ellos escucha discutir a sus padres acerca de un inminente divorcio que amenaza con separarlos. Con la ingenuidad y la determinación propias de la niñez, los hermanos deciden escapar y recorrer las quinientas millas (unos ochocientos kilómetros) que les separan de casa de su abuelo, esperanzados de que él arregle la situación. En su camino, los muchachos avanzan gracias a su ingenio y a la ayuda de desconocidos, hasta la aparición de una música callejera que huye de sus propios problemas y se convierte en su protectora improvisada. 

A partir de ese momento, el largometraje adopta una estructura más aventurera, para volver finalmente al drama. Matthews aprovecha el paisaje irlandés para transformarlo en un personaje más del relato. El montaje juega asimismo con las rupturas temporales y los recuerdos de tiempos pasados de los protagonistas, preparando así la senda hacia un final enternecedor que incluye un giro argumental quizás algo forzado, pero muy eficaz en cuanto al impacto que provoca en el público.

Roman Griffin Davis y Dexter Sol Ansell dan vida a ambos jóvenes. El primero ha participado en algunos títulos conocidos, como “Jojo Rabits” (su debut en la actuación, que le proporcionó una candidatura a los Globos de Oro) junto a Scarlett Johansson, o “Silent Night”, en compañía de Keira Knightley. El segundo ha intervenido fugazmente en varias entregas de “Los juegos del hambre” y en “Here”, de Robert Zemeckis.

Bill Nighy encarna al abuelo. Célebre y prolífico intérprete británico, optó al Oscar por la deliciosa “Living” y trabajó en “Love Actually”, “Una cuestión de tiempo” o “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto”. Asume una importante dosis de la carga emocional y del peso actoral de esta historia.

De modo secundario figuran Maisie Williams (vista en series televisivas como “Juego de tronos”, “Doctor Who” o “Mary Shelley”), Clare Dunne (“Spider-Man: Lejos de casa”, “Cosas pequeñas como estas”), Michael Socha (“Papillon”, “This is England”) y Deirdre Monaghan (“Problemas de familia”).

GEORGES DELERUE

Georges Delerue nació en Roubaix el 12 de marzo de 1925 y falleció en Los Ángeles el 20 de marzo de 1992. Compositor francés de música de cine, fue candidato al Oscar en cinco ocasiones, obteniéndolo por "Un pequeño romance" (1979).

Estudió en el Conservatorio de París y, muy posteriormente, entró en contacto con el movimiento denominado Nouvelle Vague, del que sería uno de sus autores preferidos. De hecho, sus composiciones han acompañado numerosas películas del director François Truffaut.

Entre sus trabajos cabe citar “Hiroshima, mon amour”, de Alain Resnais; “Jules y Jim”, de François Truffaut; “Ricas y famosas”, de George Cukor; “Silkwood”, de Mike Nichols; “Salvador” y “Platoon”, ambas de Oliver Stone; “Crímenes del corazón”, de Bruce Beresford o “Magnolias de acero”, de Herbert Ross.

Sus candidaturas a la estatuilla dorada de Hollywood se debieron a "Agnes de Dios” (1986), la ganadora “Un pequeño romance” (1980), Julia (1978), “El día del delfín” (1974) y “Ana de los mil días” (1970). 

Obtuvo igualmente tres César del cine francés gracias a “El último metro” (1981), “El amor en fuga” (1980) y “¿Quiere ser el amante de mi mujer?” (1979).

Un pequeño romance

Jules y Jim

Platoon

PREESTRENO DE "LA ODISEA" (The Odyssey)

El estreno oficial en cines de "La Odisea" -la nueva película de Christopher Nolan- tendrá lugar el  próximo 17 de julio, aunque algunas salas ya han llevado a cabo un preestreno especial en formato IMAX. 

"La Odisea" (The Odyssey) es una cinta épica de acción británica-estadounidense, escrita, dirigida y producida por Nolan, que se basa en el poema griego homónimo de Homero y en la que el actor Matt Damon da vida a Odiseo, el rey griego de Ítaca. 

El film narra su largo y peligroso viaje de regreso a casa después de la Guerra de Troya, así como sus encuentros con seres míticos mientras intenta reunirse con su esposa, Penélope, interpretada por Anne Hathaway. 

El reparto coral incluye a Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Samantha Morton, Zendaya y Charlize Theron, entre otros. 

Nolan y su esposa, Emma Thomas, asumen también la producción a través de su compañía Syncopy Inc.

Entrevista con Christopher Nolan

Entrevista con Matt Damon

Premier 

SAM NEILL, IN MEMORIAM

El actor Sam Neill falleció ayer a los 78 años, según ha informado su familia en un comunicado por Instagram: “La pérdida fue repentina e inesperada, pero bendecida por el hecho de que Sam permaneció libre de cáncer”.

Neill nació en Omagh, Irlanda del Norte, el 14 de septiembre de 1947, si bien tenía nacionalidad neozelandesa. Comenzó a destacar a finales de los ochenta gracias a sus intervenciones en “Un grito en la oscuridad” (1988), junto a Meryl Streep, o “Calma total” (1989), en compañía de Nicole Kidman. En 1990 formó parte del elenco de “La caza del Octubre Rojo”, encabezado por Sean Connery.  

1993 fue uno de los momentos más relevantes de su carrera, al intervenir en “El piano”, de Jane Campion, y en “Parque Jurásico”, de Steven Spielberg, participando posteriormente en alguna de sus secuelas.

Rodó asimismo otros títulos, como “El hombre que susurraba a los caballos” (1998), de Robert Redford, o “Todos los días de mi vida” (2012), de Michael Sucsy. 

Recibió tres nominaciones al Globo de Oro en categoría televisiva: “Merlín” (1992), “La historia de Mary Lindell” (1991) y “Reilly - As de espías” (1985).

LA MUERTE DE ROBIN HOOD (The Death of Robin Hood)

En la historia del Séptimo Arte, el personaje de Robin Hood ha sido uno de los más llevados a la pantalla grande. Recuerdo versiones para todos los gustos. Desde las más antiguas (con Douglas Fairbanks o Errol Flynn) a las más modernas (con Russell Crowe o Taron Egerton). Desde las más aventureras (como la de Kevin Costner en 1991) a las más melancólicas (como la de Sean Connery en 1976). Desde la más cómica (que dirigió Mel Brooks en 1993) hasta la versión femenina (protagonizada por una adolescente Keira Knightley en 2001). Esta medieval leyenda inglesa ha estado presente en las carteleras década tras década desde que existe el cine. Algo tendrá, pues, este Robin de Locksley, si tantas veces se recurre a él para abordar nuevos proyectos. Ahora, en concreto, se estrena la última propuesta: “La muerte de Robin Hood”, encarnado para la ocasión por el actor australiano Hugh Jackman.

En algunos pasajes del metraje, al verle interpretar a un cansado y ya casi anciano héroe venido a menos, me hizo recordar otra de sus actuaciones que más me ha impresionado: dando vida en “Logan” a un Lobezno agotado y desconsolado, curtido en demasiadas batallas y con ansias de dejarlo todo atrás. Porque esta nueva visión del personaje en nada se parece a las cintas aventureras que muestran a un jovial, ágil e intrépido forajido, amado por el pueblo y odiado por los gobernantes. Aquí queda patente su declive y su ocaso. Tal vez sorprenda (y hasta disguste) a quienes esperen disfrutar con peleas de espadachines y vertiginosas contiendas entre buenos y malos, máxime por presentar al héroe de tal manera que los espectadores duden de su honorabilidad y mérito.  

Por el contrario, se trata de un largometraje contemplativo e introspectivo que traslada el relato de un hombre extenuado de sí mismo y deseoso de liberarse del estigma de su pasado, por muy glorioso que lo consideren. En definitiva, el público ha de acercarse a esta obra como a un drama. 

Michael Sarnoski (conocido por la compleja “Pig”, con Nicolas Cage al frente del elenco en 2019, o por “Un lugar tranquilo: Día 1”, precuela de “Un lugar tranquilo” -con el matrimonio formado por John Krasinski y Emily Blunt encabezando el reparto-) se sitúa tras la cámara. A mi juicio, lleva a cabo una buena labor de realización, si bien determinadas visiones melancólicas y reflexiones crepusculares se antojan un tanto pesadas y difíciles de digerir. 

Robin Hood intenta lidiar con sus demonios tras una larga vida de crímenes y venganzas. Cuando en una sangrienta batalla resulta herido de gravedad, es enviado a un misterioso castillo para que curen sus heridas. Allí conocerá a una mujer que le ofrecerá una oportunidad de redención final y de descanso real. 

Intérprete todoterreno, Hugh Jackman destaca en el musical, la comedia, la aventura y el drama sin aparente dificultad. Nominado al Oscar por “Los Miserables”, en su filmografía figuran títulos como “Prisioneros”, “El gran Showman” o la saga de Lobezno. Ejecuta su actuación con solvencia y acierto, demostrando ser un seguro en cualquier equipo artístico.

Le acompaña Jodie Comer, vista en la televisiva “Killing Eve” y en “El último duelo” o “Star Wars: Episodio IX - El ascenso de Skywalker”. Junto a ellos, Bill Skarsgård (“It”, “Nosferatu”) y Clive Russell (“Sherlock Holmes” de 2009, “El Rey Arturo” de 2004). 

HOWARD SHORE

Howard Shore nació en Toronto el 18 de octubre de 1946.

Compositor canadiense de música para películas, ha estado nominado al Oscar en cuatro ocasiones, tanto en el apartado de mejor banda sonora como en el de mejor canción, habiendo obtenido tres estatuillas. 

También cuenta con seis nominaciones a los BAFTA y otras seis a los Globos de Oro (de los que ha logrado tres).

Muy célebres son sus composiciones para “El silencio de los corderos” y para la saga de “El señor de los anillos”. Asimismo, colabora desde 1979 con el director David Cronenberg en todas sus cintas, a excepción de una.

Junto a los ya citados, cabe destacar sus trabajos para “Jo, ¡qué noche!” (1985), “La mosca” (1986), “Big” (1988), “Bésame antes de morir” (1991), “Mujer blanca soltera busca” (1992), “M. Butterfly” (1993), “Philadelphia” (1993), “Seven” (1995), “Copland” (1997), “El aviador” (2004), “Hugo” (2011) y “Spotlight” (2015).

El silencio de los corderos

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

Hugo

SUPERGIRL

En 1984, en plena efervescencia del éxito del “Superman” de Christopher Reeve (para entonces ya se habían estrenado tres entregas de las aventuras del célebre superhéroe), llegó a las pantallas “Supergirl”, interpretada por Helen Slater. El resultado no respondió al previsto por sus productores, las críticas fueron malas (o muy malas) y la recaudación en taquilla tampoco pudo maquillar dichas impresiones, por mucho que entre los secundarios se encontraran rostros tan populares y de indiscutible nivel como Faye Dunaway, Mia Farrow o Peter O'Toole. A cuarenta y dos años vista, la apuesta se repite de la mano del reciente “Superman” dirigido por James Gunn en 2025, y donde esta versión femenina de la heroína aparece fugazmente. 

Se trata ahora de una cinta más eficaz y elaborada que su antecesora, aunque sin llegar a despuntar en ningún momento. Refleja diversos aspectos en su contra.  De hecho, yo comencé a verla con cierta resistencia, pues estoy muy saturado de propuestas a menudo cansinas y reiterativas. Tal vez el problema se localicé en mí, pero en todo caso no puedo dejar de mencionarlo.

De otra parte, sus principales virtudes (además de la intérprete escogida, a la que me referiré al final de esta crítica) se centran en distracciones y envoltorios fastuosos que ocultan sus palpables carencias narrativas y de guion: un despliegue de canciones potentes, luces de colores y desparpajo visual que no se acompasan con una trama ni interesante ni atrayente.

El realizador Craig Gillespie, quien llamó mi atención en “Yo, Tonya” (por cuya actuación Margot Robbie recibió su primera nominación al Oscar), ha derivado hacia una senda de personajes imaginarios que, a mi juicio, le ha hecho retroceder. Dirigió “Cruella”, con Emma Stone encarnando a la malvada de Vil, y a continuación se ha decantado por esta “Supergirl” si bien, en mi opinión, su vertiente profesional mejora cuando se enfrenta a figuras reales. 

Más allá de cierto estilo llamativo en cuanto a la puesta en escena (desde el vestuario a los efectos especiales), el film no supone una propuesta rigurosa ni solvente, pese a que han dado la vuelta al personaje dotándolo de un oscuro pasado que configura un presente más complejo. Lástima que ni la historia ni sus compañeros de aventuras la acompañen adecuadamente.

Kara, prima de Superman, se ha fortalecido con el transcurso del tiempo y debido también a la caída de Krypton. Mientras viaja por diferentes lugares conoce a Ruthye, una joven que busca venganza a causa del asesinato de su padre. Las dos juntas inician una persecución contra un criminal enormemente peligroso, durante la que se enfrentarán a una serie de peligros y de criaturas que pueblan el lado más oscuro del universo. Kara deberá decidir si emplea su fuerza para destruir o para proteger.

Desconozco el futuro de este nuevo “spin off” de Superman ya que, en atención a su rentabilidad económica, quizá dé lugar a un reguero de proyectos similares.  Pero, si ya me parece un milagro que su metraje alcance una duración de hora y tres cuartos, prefiero no imaginarme idéntica situación en otros dos o tres largometrajes.

Milly Alcock, la actriz que da vida a “Supergirl”, posee un físico distinto que le proporciona cierto carisma en pantalla. Al igual que gran parte de los espectadores, la conocí gracias a la serie “La casa del dragón”, como Rhaenyra Targaryen en su época infantil (su principal trabajo a raíz de la repercusión de la precuela de “Juego de tronos”). Lleva a cabo su labor con solvencia e intuyo en ella capacidad artística para abordar otros retos que trasciendan a esta heroína, por lo que convendrá seguirle la pista profesional.

Completan el elenco David Corenswet (que repite como “Superman”), Eve Ridley (“The Witcher”), Matthias Schoenaerts (“La chica danesa”, “De óxido y hueso”), Ferdinand Kingsley (“Mank”) y Jason Momoa (“Aquaman”, “Dune: parte dos”).

GABRIEL YARED

Gabriel Yared nació en Beirut el 6 de octubre de 1949. 

Compositor franco-libanés, conocido principalmente por sus trabajos en el cine francés y estadounidense, posee un Oscar por la banda sonora de “El paciente inglés” y ha estado nominado en otras dos ocasiones al máximo galardón de la Academia de Cine de Hollywood (“Cold Mountain” y “El talento de Mr. Rippley”). Por dichos largometrajes recibió también premios y candidaturas a los Globos de Oro.

Igualmente ha ganado el César, que otorga la Academia de Cine de Francia, por la música de “El amante”.

Destacan asimismo sus composiciones para “Betty Blue” (1986), “La pasión de Camille Claudel” (1988), “City of Angels” (1998), “Mensaje en una botella” (1999), “Un asunto real” (2012) o “Judy” (2019).

El paciente Inglés

El talento de Mr. Ripley

El amante

 

 

BILL CONTI

Bill Conti nació en Rhode Island el 13 de abril de 1942. 

Compositor estadounidense de origen italiano y especializado en la música cinematográfica, ha estado tres veces nominado al Oscar, por sus bandas sonoras para “Rocky”, “Sólo para sus ojos” y “Elegidos para la gloria” (con la que finalmente ganó la preciada estatuilla de la Academia de Cine de Hollywood). 

Comenzó a estudiar piano a los siete años, para ingresar posteriormente en la Universidad Estatal de Luisiana y en la Juilliard School of Music. 

Aparte de para las películas ya mencionadas y la saga completa de “Rocky”, ha compuesto las partituras de “Harry y Tonto” (1974), “Una mujer descasada” (1978), “Gloria” (1980), “Evasión o victoria” (1981), “Karate Kid” (1984), “FX, Efectos mortales” (1985) o “Al filo de la noticia” (1987).

Asimismo, ha sido el director musical de las ceremonias de entrega de los Oscars durante varios años. 

Rocky

Elegidos para la gloria

Sólo para sus ojos

DREAMS

Resulta lógico que la tormentosa realidad que vive nuestro planeta se cuele de alguna manera en las manifestaciones artísticas. El cine, en consecuencia, tampoco permanece ajeno a los conflictos políticos, migratorios y sociales que reflejan a diario los medios de comunicación. Por ello, la tensa relación entre México y Estados Unidos en plena segunda era del Ejecutivo de Donald Trump, así como los cada vez más irresolubles problemas relativos a la inmigración, afloran en “Dreams”, a veces de modo subliminal y a veces, explícito.

El cineasta mejicano Michel Franco ya sorprendió por medio de su peculiar visión de las disputas colectivas con la cinta “Nuevo orden”, ganadora del Festival de Cine de Venecia en 2020. Posee una marcada preferencia por la descripción de las desigualdades o, al menos, de las diferencias entre estratos sociales e individuos que se interrelacionan.

En ese sentido, “Dreams” aborda los mismos temas, pero desde otras perspectivas, incidiendo en mayor medida en el ámbito sexual de los personajes y con una disección más fría y distante en cuanto al aspecto político de su discurso. Se subrayan numerosas metáforas y contradicciones, si bien esta trama se asemeja a las tradicionales propuestas de parejas con entornos sociales alejados y círculos que apenas se tocan.

Un joven bailarín de ballet mexicano sueña con obtener el reconocimiento internacional y vivir en EE.UU. Convencido de que su amante estadounidense, una filántropa de la alta sociedad, lo apoyará, decide dejar todo atrás para cumplir su sueño. Sin embargo, la pareja se halla mediatizada por los estereotipos que le imponen a ella su familia y sus amigos, empezando a cuestionarse la compatibilidad entre su estilo de vida y su relación amorosa.

Una ajustada duración de apenas hora y media evita que el metraje resulte largo, aunque, por momentos, la historia narrada no da para más, bien porque estar ya descrita, bien por su similitud con otras que plantean idénticos temas, aun desde distintos prismas. La deriva de ambos protagonistas y el escenario común en el que se mueven sostienen al guion durante un tramo de la proyección, pero sin impedir que se noten ciertas flaquezas narrativas.

“Dreams” se estrenó en 2025 en el Festival de Cine de Berlín y, sin poder ser calificada como una mala película, se sitúa claramente por debajo de otros títulos de su realizador. Además de la mencionada “Nuevo orden”, sus trabajos en “Sundown”, “Después de Lucía” o “Memory” dejan a este último largometraje un tanto desangelado ante la comparación.

Jessica Chastain encarna a la millonaria norteamericana. Ganadora de un Oscar por su papel en “Los ojos de Tammy Faye”, prefiero sus actuaciones en “La noche más oscura” y “Molly's Game”. En su currículum destacan filmes como “Interstellar”, la curiosa trilogía de “La desaparición de Eleanor Rigby” y “Criadas y señoras”. Actriz excelente, perfila a la perfección este personaje, dotándolo de solvencia y credibilidad y convirtiéndolo en lo mejor de “Dreams”. El bailarín Isaac Hernández debuta como actor con una interpretación correcta.

En intervenciones secundarias les acompañan Rupert Friend (famoso por dar vida a Peter Quinn en la magnífica serie de televisión “Homeland” y visto asimismo en “Orgullo y Prejuicio”, de Joe Wright o “Asteroid City), y el menos conocido Marshall Bell (“Desafío Total”, “Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto”).

BASIL POLEDOURIS

Basil Poledouris fue un compositor de música de cine de origen griego, nacido en Estados Unidos el 21 de agosto de 1945 y fallecido el 8 de noviembre de 2006. 

En los International Film Music Critics Award (IFMCA) estuvo nominado en cuatro ocasiones.

Son muy conocidas sus bandas sonoras para películas de acción y aventuras, destacando “El lago azul” (1980), “Conan el Bárbaro” (1982), “Conan el Destructor” (1984), “Amanecer rojo” (1984), “RoboCop” (1987), “La caza del Octubre Rojo” (1990), “Liberad a Willy” (1993) y “Entre el amor y el juego” (1999).

Se matriculó en la Universidad del Sur de California para estudiar cine y música. Allí conoció a los directores John Milius y Randal Kleiser, con los que más tarde terminó colaborando. La de "Conan el Bárbaro" se considera una de las mejores composiciones en este género cinematográfico. 

En 1985 llevó a cabo su trabajo en “Los señores del acero” (Flesh & Blood), de Paul Verhoeven, suponiendo el primer encuentro entre ambos, que se repitió en “Starship Troopers” (1997).

Su hija, Zoë Poledouris, ha seguido sus pasos. 

Conan el Bárbaro

La caza del Octubre Rojo

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (Disclosure Day)

A mi juicio, son numerosos los aspectos positivos a señalar en la última película de Steven Spielberg. También cabe alguno negativo, pero prefiero comenzar esta crítica resaltando el placer que me produjo revivir sensaciones de antaño cuando acudía a las salas de proyección a ver sus largometrajes, cuya diversión y entretenimiento me saciaban en aquella bendita década de los ochenta. Con “El día de la revelación” parece concluir una trilogía no oficial, tras “Encuentros en la tercera fase” y “E.T. El extraterrestre” y con un cierto aroma a la famosa serie televisiva “Expediente X”, otra de las ofertas que me atraparon en mi juventud.

El sello del cineasta, del que sobran las presentaciones, se reconoce completamente. Por todos conocido, yo lo asocio a mi propio crecimiento vital, pues su obra me ha acompañado desde la infancia hasta el día de hoy. La utilización de la luz en las imágenes, el movimiento de la cámara, el ritmo ágil (entre divertido e intenso) y, sobre todo, el aire infantil, bienintencionado, jovial y distendido que impregna, sobre todo, sus obras iniciales, me ha devuelto a otra época. Y he disfrutado de nuevo con ese divertimento aventurero, imaginativo y un punto iluso con el que asocio a aquellos tiempos. La fotografía de Janusz Kaminski y la música de John Williams (que escucho de fondo mientras escribo estas líneas) también contribuyen a dejarse llevar por esta iniciativa que aborda temas relevantes, aunque por medio de un estilo desenfadado y excitante que convierte en livianas las dos horas y media de proyección.

Como apunte tal vez un tanto desfavorable, se evidencian en el guion diversos recursos forzados y hasta pueriles que, cuando menos, chocan. El modo en el que los “buenos” escapan de los “malos” tras persecuciones y encerronas espectaculares se me antoja, en ocasiones, ridículo. Incluso la sorprendente transición de algún protagonista, caracterizado al inicio como villano, hacia el lado del bien, se torna demasiado utópica. Quizás ahí radique la parte más infantil de la propuesta y lo que puede afear su resultado final.

Aun así, Steven Spielberg, que cumplirá ochenta años en este 2026, sigue desarrollando su manera de cine a través de ese toque ingenuo con el que rodó “E.T. El Extraterrestre”, donde el espíritu candoroso encajaba como un guante, permitiendo conectarnos a todos con ese niño interior que llevamos dentro. Abundando en tal idea, el personaje encarnado por una monja le dice a una de las protagonistas, que fue novicia y se salió del convento: “El problema no es que perdieses la fe en Dios, es que perdiste la fe en la humanidad”. Se nota que Spielberg no ha perdido la fe en la humanidad. Personalmente, me gustaría ser como él en muchas cosas. También en esta.

El empleado de una corporación que trabaja para el Gobierno de los Estados Unidos ocultando la existencia de vida extraterrestre, decide fugarse con las pruebas para sacarlas a la luz. Los máximos responsables de esa conspiración le persiguen para evitarlo. Mientras tanto, la presentadora del tiempo de una cadena televisiva comienza a experimentar una serie de poderes y capacidades que no logra entender. Sin saberlo, el ex trabajador y la periodista acabarán conectados en la aventura, decididos a comunicar la verdad.

Para disfrutar de la proyección se requiere, como mínimo, interés por la ciencia ficción y afición por los universos alienígenas.  En la ya mencionada “Expediente X”, el agente del F.B.I. Fox Mulder tenía en su despacho un cartel con la imagen de un ovni y la frase “I Want to Believe” (Quiero creer). De lo contrario, la obra resulte incluso pesada. Si no, el regocijo queda garantizado.

Integran el reparto Emily Blunt (“Oppenheimer”, “El diablo viste de Prada”, “Destino oculto”), Colin Firth (“El discurso del rey”, “Un hombre soltero”, “El diario de Bridget Jones”), Colman Domingo (“Las vidas de Sing Sing”, “Selma”) y Josh O'Connor (“Rivales”).

JOHN POWELL

El compositor y director de orquesta británico John Powell nació en Londres el 18 de septiembre de 1963. 

Conocido por sus bandas sonoras para películas de animación y de acción real para directores como Doug Liman y Paul Greengrass, ha compuesto también la música de la saga de Jason Bourne y de títulos como “United 93” o “Green Zone”. 

Dos veces candidato al Oscar gracias a “Cómo entrenar a tu dragón” y “Wicked”, en los premios de la International Film Music Critics Award (IFMCA) ha recibido más de cuarenta nominaciones, habiendo sido galardonado en diez ocasiones. 

Entre sus trabajos más conocidos destacan “Shrek” (2001), “El caso Bourne” (2002), “El mito de Bourne” (2004), “Sr. Y Sra. Smith” (2005), “X-Men: The Last Stand” (2006), “El ultimátum de Bourne” (2007) “Kung Fu Panda” (2008) “Caza a la espía” (2010), “Cómo entrenar a tu dragón” (2010), “Solo: Una historia de Star Wars” (2018) o “La llamada de lo salvaje” (2020). 

“El caso Bourne”

“El mito de Bourne”

“Kung Fu Panda”

BACKROOMS

“Backrooms” supone una de las sorpresas más recientes de la taquilla norteamericana. En su primer fin de semana de exhibición, recaudó más de ochenta millones de dólares sólo en los Estados Unidos y más de ciento cuarenta a nivel mundial. Constituye todo un logro para su productora A24 (fundada en 2012 y todavía con esa aureola de potenciar el denominado “cine independiente”) que, con un presupuesto de apenas diez millones, la confirma como una de sus apuestas más rentables de 2026. A medio camino entre la ciencia ficción fantasiosa y el terror psicológico, se basa en un cortometraje previo, ya estrenado en Internet con visualizaciones millonarias y que, posteriormente, se alargó en forma de serie de episodios. Por lo tanto, llega a las salas de proyección con una potente legión de seguidores, lo que explicaría ese gran potencial recaudatorio durante sus primeros tres días.

El director de la adaptación y responsable de la difusión en la web es el joven Kane Parsons, de apenas veinte años (cumple los veintiuno en breve), quien comenzó como “youtuber” y que ahora, gracias al éxito de “Backrooms”, se ha ganado una posición dentro de la industria. Aquí se estrena como realizador y, para ser un debut, acredita cierta solvencia como narrador. Obviamente, se precisa tener interés en este género encuadrado en el terror sobrenatural y en los fenómenos inexplicables. Si uno se deja llevar por propuestas y ensoñaciones fantasiosas, la propuesta fílmica se califica como correcta. En caso contrario, cuando este tipo de dramas se atragantan, no se alzan como una opción a tener en cuenta.

El dueño de una tienda de muebles lucha contra su alcoholismo y su reciente divorcio. Visita regularmente a una terapeuta, quien también sufre un trauma relacionado con su madre esquizofrénica y con la demolición de la casa de su infancia. En el establecimiento empiezan a producirse extraños incidentes eléctricos. A la búsqueda de explicaciones, descubre una puerta en el sótano, por la que el protagonista se desplaza a una dimensión más allá de la realidad, de donde la doctora intenta rescatarlo.

No he visto publicaciones anteriores sobre esta historia, por lo que ignoro hasta qué punto se trata de una nueva adaptación, de una continuación o de una creación libre, pero parece claro que, como cinta de terror, cumple de sobra, incluso con niveles de intensidad y entretenimiento superiores a otras muestras de temática similar que recalan en nuestra cartelera. No obstante, me sorprende la enorme precocidad de su creador, ya que hace dos décadas (su edad actual) la repercusión de cualquier éxito en Internet era muchísimo menor que hoy.

Por ello, llama la atención la gran originalidad que infunde a su relato. Conviene apuntar el nombre de Parsons para seguirlo en futuros proyectos. En un metraje ajustado de escasos cien minutos, logra un importante impacto visual y una perturbadora sensación de intriga que se mantiene de modo bastante constante durante toda la proyección.

Encabeza el reparto Chiwetel Ejiofor, nominado al Oscar por su actuación en “12 años de esclavitud” y visto en la saga del “Doctor Strange” y en largometrajes como “Marte”, “American Gangster” o “Love Actually”. Aborda su personaje con corrección y ayuda a dotar al filme de esa intensidad contagiosa. Junto a él interviene Renate Reinsve, conocida por las obras de Joachim Trier “Valor sentimental” y “La peor persona del mundo”. Como secundarios, les acompañan Mark Duplass (“Tully”, “Bombshell”), Finn Bennett (de la serie “True Detective”) y Robert Bobroczkyi (“Alien: Romulus”).

PREESTRENO DE "EL DÍA DE LA REVELACIÓN"

“El día de la revelación” (“Disclosure Day”) es el título de la próxima película producida y dirigida por Steven Spielberg, a partir de un guion de David Koepp basado en una historia del propio cineasta.

Se trata de uno de los pioneros de la era del “Nuevo Hollywood” y uno de los realizadores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial.

Títulos como “Tiburón” (1975), “Encuentros en la tercera fase” (1977), la franquicia de “Indiana Jones” y “E.T., el extraterrestre” (1982), revolucionaron en su momento el Séptimo Arte y mantienen su vigencia en la actualidad. 

En años posteriores, comenzó a abordar temas humanistas como el Holocausto, el comercio atlántico de esclavos, los derechos civiles y políticos, la guerra y el terrorismo, en cintas como “El color púrpura” (1985), “El imperio del sol” (1987), “La lista de Schindler” (1993), “Amistad” (1997), “Savar al soldado Ryan” (1998), “Múnich” (2005), “War Horse” (2011), “Lincoln” (2012) o “El puente de los espías” (2015).

Candidato veinticinco veces al Oscar, lo ha ganado en tres ocasiones, además de recibir el Premio “Irving G. Thalberg”

Trailer

Entrevista con Steven Spielberg

Estreno del film

THE DRAMA

“The Drama” (estrenada en España con su título original) me ha sorprendido, lo que ya es mucho más de lo que me suele suceder con la inmensa mayoría de las películas que veo. Incluso en buena parte de su metraje, tal sorpresa me resultó agradable. Hasta en sus momentos menos atrayentes, me convenció el tono general de descaro y originalidad. Desde luego constituye una propuesta diferente, todo un logro en estos tiempos de evidente reiteración, y su trama demuestra un atrevimiento que el director aprovecha para adentrarse en zonas incómodas y proponer alternativas interesantes.

Se trata del realizador y guionista noruego Kristoffer Borgli, de quien carecía de referencias hasta la fecha, pero que, sin duda, ha arriesgado con este trabajo al redefinir el modelo clásico de comedia romántica para darle la vuelta completamente.

El largometraje se construye sobre la base de un par de figuras emergentes, muy exitosas entre el público juvenil, pero, a la par, se percibe un empeño de provocación valiéndose de una pizca de inteligencia y un gran cinismo, lo que termina por descolocar al espectador.

He de confesar que no se insertará en mi listado de cintas preferidas, ni tampoco la revisaré una y otra vez, como hago con las obras maestras o las que, sencillamente, me tocan el corazón. Pero, aun así, valoro sus méritos y la labor de sus intérpretes.  

A pocos días de su boda, una joven pareja debe enfrentarse a una crisis inesperada, cuando algunos secretos ocultos salen a la luz. Lo que parecía un amor inquebrantable se tambalea, al descubrir que no se conocen tanto como creían. Mientras lidian con dudas, miedos y revelaciones que amenazan con separarlos, tendrán que decidir si su amor alberga la fuerza suficiente como para resistir a la verdad o si su historia sentimental acabará antes de iniciarse. A caballo entre la incertidumbre y la esperanza, cada elección personal podría cambiarlo todo.

A cargo de la productora “A24” y con un presupuesto de unos veintiocho millones de dólares, lleva recaudados más de ciento veinte a nivel mundial. Todavía mantiene el cartel de “productora independiente” y, a decir verdad, se expone y se compromete con un tipo de cine que, sea o no comercial, marca diferencias. “Midsommar”, de Ari Aster; “Enemy”, de Denis Villeneuve; “The Witch”, de Robert Eggers; “The Florida Project”, de Sean Baker; “Minari”, de Lee Isaac Chung; “Moonlight”, de Barry Jenkins; “El año más violento”, de J.C. Chandor; “Ex Machina”, de Alex Garland; “Past Lives”, de Celine Song o “Lady Bird”, de Greta Gerwig ejemplifican las apuestas de “A24” y, con independencia de que otros de sus proyectos me horroricen, se trata de una compañía a la que agradezco su tendencia de ir a contracorriente. El grueso del film reposa sobre los hombros de sus dos protagonistas: Zendaya y Robert Pattinson. Ella, ya una estrella antes de verla yo por vez primera en “El gran Showman”, me llamó realmente la atención en “Malcolm & Marie”. Ha encarnado a la novia de Spiderman e intervenido en la saga “Dune”, de Denis Villeneuve. Habiendo triunfado asimismo en la serie televisiva “Euphoria”, la considero una actriz notable que, de conducir su carrera profesional con acierto, llegará lejos.

Él, por su parte, debutó con “Harry Potter”, aunque obtuvo su mayor éxito gracias a la saga “Crepúsculo”. Ha participado en “La ciudad perdida de Z”, de James Gray; “Tenet”, de Christopher Nolan y “The Batman”, de Matt Reeves. Pese a contar con menor desparpajo y soltura que su compañera de reparto, resiste a su empuje. Les acompañan en papeles secundarios Alana Haim (“Licorice Pizza” y “Una batalla tras otra”, ambas de Paul Thomas Anderson) y Mamoudou Athie (“Jurassic World: Dominion”).

JAMES NEWTON HOWARD

El compositor James Newton Howard nació en Los Ángeles, el 9 de junio de 1951. 

Ha sido nueve veces nominado al Oscar, gracias a sus composiciones de “El príncipe de las mareas”, “El fugitivo”, “Junior”, “One Fine Day” (en el apartado de mejor canción original), “La boda de mi mejor amigo”, “The Village”, “Michael Clayton”, “Defiance” y “Noticias del gran mundo”.

Durante los años ochenta y principios de los noventa fue teclista para Elton John, pero finalmente se dedicó a la música cinematográfica. 

Además de las citas bandas sonoras, también ha firmado las partituras de “Los juegos del hambre”, “Agua para elefantes”, “El caballero oscuro” (junto con Hans Zimmer), “La guerra de Charlie Wilson”, “Diamante de sangre”, “Lady in the Water” o “King Kong” (la versión de Peter Jackson). 

El príncipe de las mareas

El fugitivo

The Village

THE MANDALORIAN AND GROGU

Resulta difícil valorar y explicar la enorme repercusión e influencia que, tanto para la industria del cine como para sus millones de espectadores y aficionados, supone la saga de “Star Wars” creada bajo la mano de George Lucas. Tras las primera y segunda trilogías (Episodios IV, V, y VI -de 1977 a 1983- y Episodios I, II, y III -de 1999 a 2005-), el devenir de los personajes y sus aventuras se multiplicaron y, en cierta medida, se desnaturalizaron. A mi juicio, el punto de inflexión se produjo cuando Lucas vendió en 2012 a “The Walt Disney Company” su productora, “Lucas Film”, incluyendo los derechos de “Star Wars” e “Indiana Jones”. 

A partir de ese momento, la explotación comercial se llevó al extremo, y la creación artística perdió parte de su esencia. En cualquier caso, la evolución se diversificó, tanto en la gran pantalla como en las series de televisión y en las plataformas. Se rodaron cinco películas más: otra trilogía (Episodios VII, VIII y IX -entre 2015 y 2019-) y dos “spin-off” (“Rogue One: una historia de Star Wars” -2016- y “Han Solo: una historia de Star Wars” -2018-). En formato de serie, se torna prácticamente imposible seguir tal proliferación de producciones entre animación e imagen real. Aun así, obtuvo una notable repercusión “The Mandalorian”, que ha estrenado hasta la fecha tres temporadas y que ahora se traslada de la pequeña pantalla a las salas de proyección.

“The Mandalorian and Grogu” se aprovecha de la historia genérica de “Star Wars”, si bien con personajes diferentes a los ya vistos en las trilogías cinematográficas. Dotada de ritmo y atractivo visual, logra entretener, aunque a ese público fiel de los primeros episodios le parecerá una propuesta más desangelada y sin el gancho de aquellos actores y sus tramas legendarias.  

El director y también intérprete Jon Favreau, responsable como cineasta tanto de la serie en la que se basa el film como de franquicias como “Iron Man”, o de la versión en imagen no animada de “El rey león”, domina el espectáculo de las imágenes y la cadencia narrativa, si bien, en mi opinión, desatiende un tanto los personajes y el guion. Ello implica que, a buen seguro, gustará a los seguidores de la serie estrenada en “Disney +” y a los amantes del género de acción. Cumple con creces, desde la estricta pretensión del pasatiempo y a través de una cuidada recreación técnica. Sin embargo, no puede competir con las aventuras que le precedieron desde finales de la década de los setenta en adelante, incluso a partir del cambio de siglo.

En esta continuación de "The Mandalorian" como largometraje, el Imperio ha caído y los señores de la guerra continúan dispersos por toda la galaxia. Mientras, la incipiente Nueva República trabaja para proteger todo por lo que luchó la Rebelión, reclutando la ayuda del legendario caza recompensas mandaloriano Din Djarin y su joven aprendiz Grogu.

Dentro del elenco figura Pedro Pascal, muy de moda tras la innecesaria segunda parte de “Gladiator” y el desilusionante desembarco en la industria norteamericana de Celine Song con “Materialistas”. Ya protagonizó la versión televisiva y está acostumbrado a este tipo de franquicias, habiendo participado en “Los 4 Fantásticos: Primeros pasos” o en “Juego de tronos”. Le acompañan Sigourney Weaver (la legendaria teniente Ripley de la saga “Alien”, tres veces nominada al Oscar por sus actuaciones en “Gorilas en la niebla”, “Armas de mujer” y “Aliens, el regreso”) y Jeremy Allen White (The Bear). Asimismo, poniendo su voz sin aparecer en imagen, interviene el magnífico realizador Martin Scorsese. 

RACHEL PORTMAN

Rachel Portman nació en Surrey (Reino Unido) el 11 de diciembre de 1960. 

Compositora conocida principalmente por sus trabajos para el cine, fue la primera mujer en ganar el Oscar a la mejor banda sonora original por la película “Emma” (1996). 

Posteriormente, recibió otras dos nominaciones gracias a sus composiciones para “The Cider House Rules” (1999) y “Chocolat” (2000).

En 2010 le concedieron la Orden del Imperio Británico.

Además de sus partituras ya mencionadas, destacan las de “Belle” (2013), “One Day" (Siempre el mismo día) (2011), “Nunca me abandones” (2010), “La duquesa” (2008), “La mancha humana” (2003) o “La leyenda de Bagger Vance” (2000).

“The Cider House Rules”

“One Day" (Siempre el mismo día)

 

“Nunca me abandones”

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2026

‘Fjord’, protagonizada por Sebastian Stan y Renate Reinsve, se ha alzado con el premio a la mejor película del Festival de Cannes 2026, mientras que ‘Minotaur’, del ruso Andréi Zviáguintsev, ha obtenido el Gran Premio del Jurado. 

Palmarés completo

Palma de Oro: 'Fjord', de Cristian Mungiu

Gran Premio del Jurado (Grand Prix): 'Minotauro', de Andréi Zvyaguintsev

Premio del Jurado: 'The Dreamed Adventure', de Valeska Grisebach

Mejor dirección: ex aequo para

•     Pawel Pawlikowski por 'Fatherland'
•     Javier Calvo y Javier Ambrossi por 'La bola negra' 

Mejor actor: ex aequo para Emmanuel Macchia y Valentin Campagne por 'Coward', de Lukas Dhont

Mejor actriz: Virginie Efira y Tao Okamoto por 'All of a Sudden'

Mejor guion: Emmanuel Marre por 'Notre salut'

Otros premios

Palma de Oro al mejor cortometraje: 'Para los contrincantes', de Federico Luis

Cámara de Oro a la mejor ópera prima: 'Ben'Imana', de Marie Clementine Dusabejambo

Premio FIPRESCI en competición: 'Fjord', de Cristian Mungiu

Premio FIPRESCI de Una Cierta Mirada: 'Ben'Imana', de Marie Clementine Dusabejambo

Premio FIPRESCI a la mejor primera o segunda película de Quincena o Semana de la Crítica: 'La deuxième fille', de Jing Zou

JUGADA MAESTRA (How to Make a Killing)

Combinar la comedia con una trama de supuesta intriga criminal supone un reto bastante complicado. Por ello, numerosos proyectos que lo pretenden terminan por resultar un desastre o por caer en la irrelevancia.  Abundando en esta idea, se acaba de estrenar “Jugada maestra” (con un título original, “How to Make a Killing”, bastante más acertado) y, ciertamente, la maestría no aparece por ningún lado, aunque sí ciertos toques de glamour y sarcasmo que aspiran a sustentar el film durante sus escasos cien minutos de duración. Cuenta con varias secuencias divertidas y con el gancho de algunos intérpretes, además de con un guion lo suficientemente absurdo como para caricaturizar dicho suspense.  Sin embargo, su vertiente humorística peca de simpleza y carece del necesario mordiente, tal y como se demuestra en diálogos y situaciones ausentes de genialidad e incapaces de provocar ni risas ni sonrisas.

John Patton Ford, realizador que prácticamente debuta con este largometraje, se inició con otro trabajo en 2022 (“Emily, la estafadora”), aunque apenas se distribuyó, por lo que esta “Jugada maestra” constituye su desembarco inicial a las salas de proyección. Firma también el guion, aspecto donde radica, precisamente, la mayor parte de los problemas. Su punto cínico no llega nunca a ser rompedor ni original y, al final, se percibe con excesiva nitidez la artificialidad de la obra. La comedia negra ni siquiera alcanza un tono gris.  

Un joven inteligente y de carácter frío podría heredar una gran fortuna familiar si no ocupara un alejado octavo puesto en la línea de sucesión del magnate fallecido. Decidido a cambiar su destino, gesta un plan meticuloso y despiadado para acabar con todos los candidatos que se interponen entre él y la herencia. Al tiempo que su estrategia progresa, la ambición le envuelve en una espiral de violencia donde cada movimiento puede delatarlo.

La cinta se inspira en “Ocho sentencias de muerte” (“Kind Hearts and Coronets”), rodada en 1949 por Robert Hamer y protagonizada por Alec Guinness y Dennis Price, que obtuvo una nominación al BAFTA como mejor película británica del año. En mi opinión, el original supera a esta adaptación moderna y hace preferible su visionado.

Mi impresión, aunque no soy capaz de confirmarla, se centra en que el realizador no se atrevió a dar el paso al siguiente nivel, conformándose con una recreación cómoda pero simplista, tanto en el aspecto cómico como en el criminal, generando de ese modo un efecto placebo. Unir riqueza y opulencia a belleza atrae momentáneamente, pero, a la larga, condena la propuesta a la pobreza y a la indefinición respecto a sus posibilidades primarias. 

Encabeza el reparto Glen Powell, visto en notables éxitos de taquilla como “Top Gun: Maverick”, comedias como “Cualquiera menos tú” o títulos como “Figuras ocultas” o la encantadora “La sociedad literaria y el pastel de patata”. A mi juicio, interpreta siempre el mismo papel, aunque en distintos géneros. Habrá que seguir esperando su evolución futura. Le acompaña Margaret Qualley con un perfil un tanto insulso, pero que saca adelante gracias a su mera presencia. Partícipe de “La sustancia” o “Érase una vez en… Hollywood”, su potencial artístico queda fuera de toda duda. Ojalá sepa escoger próximas actuaciones que hagan justicia a su capacidad profesional. Entre los secundarios figuran nombres tan ilustres como el respetadísimo Ed Harris (cuatro veces nominado al Oscar) y Jessica Henwick (“Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion”).