DAVE GRUSIN

Dave Grusin nació en Colorado el 26 de junio de 1934. Músico y compositor estadounidense, ganador de un Oscar y de diez premios Grammy, ha estado nominado a la estatuilla dorada en ocho ocasiones. 

Así, ha optado a ella en 1979 por “El cielo puede esperar”, en 1980 por “Campeón”, en 1982 por “En el estanque dorado”, en 1983 por “Tootsie”, en 1990 por “Los fabulosos Baker Boys”, en 1991 por “Habana” y en 1994 por “La tapadera”.

Logró el preciado galardón en 1989 por “Un lugar llamado Milagro”.

Otras de sus bandas sonoras más relevantes son las de “Caprichos del destino” (1999), “Una árida estación blanca” (1989), “Los Goonies” y “Enamorarse” (ambas de 1984), “Ausencia de malicia” (1981) o “La chica del adiós” (1977).

"En el estanque dorado"

"Los fabulosos Baker Boys"

"Enamorarse"

DEPREDADOR DOMINANTE (Apex)

Se acaba de estrenar en la plataforma Netflix “Depredador dominante”, dirigida por el islandés Baltasar Kormákur, quien se dio a conocer en 2005 con “Verdades ocultas” y que posteriormente logró que su film “The Deep” fuese seleccionado para representar a su país en la categoría de mejor film de habla no inglesa en la 85º edición de los Oscar de Hollywood. A partir de ese momento, logró cierta fama con títulos como “Contraband”, protagonizado por Mark Wahlberg; “2 Guns”, de nuevo con Wahlberg y Denzel Washington; “Everest”, con Jason Clarke y Jake Gyllenhaal; o “A la deriva”, con Shailene Woodley. Su estilo está marcado por la acción y, en gran medida, por la recreación de experiencias extremas en parajes naturales. Tanto en las citadas “The Deep”, “Everest” y “A la deriva” como en la actual “Depredador dominante”, la hostilidad que alberga la naturaleza juega como un personaje más.

A través de una larga introducción que refleja sus penurias, una pareja trata de escalar un elevado risco en condiciones muy adversas para, a continuación, adentrarse en unos enclaves australianos en los que la protagonista se enfrentará también a la dificultad y a la hostilidad de ríos y montañas, haciendo frente además a un maníaco decidido a darle caza. Al final, como escribiría Thomas Hobbes en su obra “Leviatán” (1651), «el hombre es un lobo para el hombre», siendo aún más salvaje que los más inhóspitos mares y selvas.

La filmación resulta correcta, así como el esfuerzo por recrear la intensidad de las intrigas y tormentos que sufre el personaje principal, aunque nunca llega alcanzar un nivel realmente brillante. Aceptable como pasatiempo, en modo alguno supone una propuesta destacada en cuanto a su originalidad y fuerza.  Con una ajustada duración de apenas hora y media, logra mantener un ritmo constante durante toda la proyección. No obstante, denota cierto tufillo a telefilme de sobremesa, intuyéndose las herramientas para manipular al espectador con el fin de generarle angustia.

Sasha, una mujer intrépida y amante de las aventuras, trata de superar una tragedia personal adentrándose en el ecosistema de Australia para encontrar la paz interior. Le gusta superar sus propios límites, por lo que inicia una expedición extrema a lo largo de un río y de unas montañas salvajes. Sin embargo, su iniciativa pronto se convierte en una lucha desesperada por sobrevivir, cuando descubre que un peligroso y despiadado asesino la acecha tras haberla elegido como presa.

La cinta entretiene, pero sus expectativas se cumplen sólo en parte. En el fondo, su trama repetitiva no ofrece novedades ni sorpresas, desarrollándose de manera amena, pero previsible.  

Charlize Theron encarna a la intrépida sufridora. Ganadora de una estatuilla dorada por “Monster” (primera sudafricana en recibirlo), ha intervenido de forma notable en “Las normas de la casa de la sidra”, “El escándalo (Bombshell)”, “Tully” o “La leyenda de Bagger Vance”. En “Depredador dominante” cumple tanto con el reto físico como con el interpretativo, si bien no aparecerá en el listado de sus mejores trabajos.

Le acompaña Taron Egerton, que personificó al cantante Elton John en el biopic “Rocketman” (2019), valiéndole el Globo de Oro como actor en comedia o musical. A cargo de un papel secundario figura asimismo Eric Bana (“Black Hawk Down”, “Hulk”, “Múnich”).

RYÜICHI SAKAMOTO

Ryūichi Sakamoto nació en Tokio el 17 de enero de 1952 y falleció en la misma ciudad el 28 de marzo de 2023. Compositor, productor, pianista, cantante, escritor y actor japonés, compuso la banda sonora de "Feliz Navidad, Mr. Lawrence" (1983), que le reportó el BAFTA a la mejor música original, así como en la de “El último emperador” (1987), con la que consiguió un Oscar junto a sus compañeros David Byrne y Cong Su. 

Otros filmes en los que Sakamoto se encargó de la música fueron "The Sheltering Sky" (1990), de Bernardo Bertolucci (premiada por la Asociación de Críticos de Los Ángeles); "Tacones lejanos" (1991), de Pedro Almodóvar; "Pequeño Buda" (1993), también de Bertolucci; "Wild Palms" (1993), de Oliver Stone; "Love is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon" (1998), de John Maybury; "Snake Eyes" (1998) y "Femme Fatale" (2002), de Brian De Palma; "Gohatto" (1999), de Oshima; una canción para "Dhobi Ghat" (2011), de Kiran Rao; "Hara-kiri: Muerte de un samurai" (2011), de Takashi Miike; "El renacido" (2005), de Alejandro González Iñárritu; "El fotógrafo de Minamata" (2020), de Andrew Levitas; y "Monstruo" (2023), de Hirokazu Koreeda. 

Fue también el responsable musical de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, evento transmitido a más de mil millones de espectadores.

Feliz Navidad, Mr. Lawrence

El último emperador

The Sheltering Sky

OUTCOME

Jonah Hill es un conocido intérprete norteamericano que ha destacado principalmente en el género de la comedia. Incluso cuando las películas en las que interviene reflejan una vertiente dramática, sus personajes constituyen una vía de escape para que el público acabe sonriendo. Nominado a dos Oscars como mejor actor de reparto por “Moneyball: Rompiendo las reglas” y “El lobo de Wall Street”, cabe mencionar entre sus títulos más destacados “No mires arriba” y “Juego de armas”, a los que se unen otras propuestas más prescindibles que le foguearon como cómico, entre ellas “Infiltrados en clase” y su continuación, “Infiltrados en la Universidad”.

En su faceta como director, sin embargo, ha contado con peor fortuna. Tras rodar algunos documentales, episodios de series de televisión y videoclips musicales, debutó en la pantalla grande en 2018 con el largometraje de ficción “En los 90”. Ahora estrena en la plataforma Apple TV su segundo trabajo, “Outcome”, pretendida reflexión sobre la fama construida desde la parodia, aunque con ciertos toques propios de la intriga. A mi juicio, tal combinación resulta fallida, pese a que secuencias puntuales capten algo de atención en virtud de la figura que aparezca en escena. El estilo cómico deviene demasiado basto, simplón y, para mi particular sentido del humor, muy poco divertido, arrastrando al resto de la trama cuando aspira a introducir alguna pincelada más propia del “thriller”.     

Reef Hawk, una gran celebridad de Hollywood, ve peligrar su carrera tras la aparición de un misterioso vídeo con el que quieren chantajearle. Con ayuda de sus amigos y de su abogado, trata de descubrir al responsable, mientras reflexiona y afronta sus errores del pasado. En este laberinto, a medio camino entre la investigación y la redención, se replantea su culpa, la reparación del daño causado y su verdadera personalidad, lo que puede terminar por destruir o por salvar su imagen pública.

Hill busca engatusar a los espectadores ofreciéndoles un elenco de celebridades. Sin embargo, el guion flojea y la capacidad narrativa queda en evidencia, incluso hasta dar un poco de vergüenza ajena. No descarto que haya quienes rían con naturalidad ante las situaciones supuestamente hilarantes que propone el realizador, habida cuenta de que el humor un aspecto tan sumamente personal. Pero, por lo que a mí respecta, califico su ofrecimiento como tontería sin gracia. Además, tampoco atina con el cambio aleatorio de registro entre el drama y el enredo.    

Keanu Reeves da vida a la estrella de cine en apuros. Mantiene una sólida posición en la industria, ganada a pulso desde hace décadas gracias a sus participaciones en “Le llaman Bodhi”, “Drácula de Bram Stoker”, “Speed” o las sagas de “Matrix” y “John Wick”. Aquí actúa con corrección, pero la endeblez de su papel le impide un mayor lucimiento. Además del propio Jonah Hill, le acompañan de modo secundario Cameron Diaz (“La boda de mi mejor amigo”, “Gangs of New York”), el célebre director Martin Scorsese -quien ya había intervenido en “Quiz Show”, “El dilema” o “Los sueños de Akira Kurosawa”)-, Matt Bomer (“In Time”) o Ivy Wolk (“Anora”, “Si pudiera, te daría una patada”).

Tal vez la secuencia que mejor resume el film sea la de Reeves pidiendo perdón a Scorsese y soportando el sermón de este sobre cómo se siente ante los desplantes que ha sufrido. El impacto de ver a dos pesos pesados del Séptimo Arte tan dispares interactuando llama la atención. Incluso se percibe el esfuerzo de ambos por sacar adelante la escena de manera óptima. Lástima que los diálogos y la narración se manifiesten postizos y sin alma. Y ese problema, desde luego, no es atribuible a ninguno de ellos.

TREINTA ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE LA PELÍCULA "TESIS"

En abril de 1996 se estrenó la película “Tesis” de Alejandro Amenábar. Se cumplen ahora treinta años. Para conmemorarlo, su director ha vuelto a la Facultad de Ciencias de la Información, en la que estudió y grabó parte del filme, para compartir sus experiencias. 

El acto se celebró en un abarrotado Salón de Actos "Carlos Saura", y contó con la participación del propio cineasta, quien mantuvo un coloquio tras la proyección con los asistentes. 

Amenábar acababa de cumplir por aquel entonces 24 años y el rodaje de la película tuvo lugar durante las vacaciones de verano de 1995. 

El largometraje ganó siete premios Goya (película, director novel, actor revelación, guion original, dirección de producción, montaje y sonido). 

La cinta recibió muy buenas críticas y una gran acogida del público, dando inicio a una de las carreras cinematográficas más importantes de nuestra cinematografía. 

INCONTROLABLE (I Swear)

En la última edición de los premios BAFTA, otorgados por la Academia de Cine Británico, “Incontrolable” (cuyo título original es “I Swear”) se alzó con dos galardones: mejor actor protagonista y mejor casting. Comencé a verla sabiendo que se basa en una historia real y que su trama se centra en un personaje que sufre el denominado Síndrome de Tourette, trastorno neurológico caracterizado por movimientos repetitivos y sonidos indeseados que no se pueden controlar. Por ello, los afectados generan tics involuntarios y emiten ruidos o palabras ofensivas sin control alguno. De entrada, este tipo de producciones me causan cierto reparo, pues se exponen a caer en una sensiblería empalagosa –incluso, manipuladora- o en una dramatización que supere la propia capacidad del espectador. No obstante, la película transita con soltura y hasta encanto por esta tragedia personal.

No parece adecuado tildar de comedia a este largometraje, si bien los recursos humorísticos y cómicos funcionan como un motor más de la narración. De hecho, en algunos momentos conmueve de un modo espontáneo, provocando una sensación placentera que constituye, a mi juicio, el principal mérito del film. Más allá de la posible labor divulgativa sobre esta enfermedad (que no todo el mundo considera como tal) y de la peligrosa deriva dramática sobre la que estos relatos tienden a deambular, la proyección mantiene unos niveles de ritmo y emoción sostenida que agradan.

Se trata de una propuesta acerca de los buenos sentimientos y del esfuerzo por superar las adversidades que, afortunadamente, no subraya con insistencia ninguna moraleja ni pretende manipular al público para llevarlo a su terreno. Refleja, además, ese regusto clásico que responde en gran medida a las señas de identidad del cine británico.

Kirk Jones asume la dirección y la elaboración del guión. Debutó como cineasta en 1998 con la comedia un tanto extravagante “Despertando a Ned”, para posteriormente rodar “La niñera mágica” (2005), “Todos están bien” (2008) y la segunda parte de “Mi gran boda griega” (2016). Con “Incontrolable” firma su mejor obra.

Cuenta la vida de John Davidson, una existencia marcada por el rechazo, la lucha y el afán de superación. Diagnosticado con el Síndrome de Tourette a los 15 años, sufrió el estigma y el repudio de sus compañeros, que lo tachaban de loco por culpa de un trastorno poco conocido en aquellos tiempos. Ya de adulto, transformó su sufrimiento en batalla para cambiar la percepción sobre las víctimas como él, dedicándose a visibilizar su padecimiento y a concienciar al resto de la sociedad.

Con una duración cercana a las dos horas, la cinta no resulta larga y, sobre todo, contagia optimismo, vitalidad y humanidad. Lástima que, al salir de la sala, esas emociones se evaporen al contemplar en los informativos la penosa deriva de nuestro planeta.  

El joven actor Robert Aramayo, protagonista absoluto, y responsable gracias a su magnífica interpretación de sostener este complejo trabajo, ha recibido, además del citado BAFTA, los reconocimientos del British Independent Film Awards y del London Critics Circle Film Awards. Le acompañan Maxine Peake (“La teoría del todo”) y Shirley Henderson (“Un gran día para ellas”).

FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2026

El Festival de Cannes se celebrará del 12 al 23 de mayo de 2026. Las películas que competirán en su Sección Oficial son las siguientes:

• Minotaur, de Andrey Zvyagintsev
• El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen
• The Man I Love, de Ira Sachs
• Fatherland (1949), de Pawel Pawlikowski
• Moulin, de Laszlo Nemes
• Fjord, de Cristian Mungiu
• Histoire de la nuit, de Léa Mysius
• Notre salut, de Emmanuel Marre
• Gentle Monster, de Marie Kreutzer
• Hope, de Na Hong-Jin
• The Unknown, Arthur Harari
• Sudden, de Ryusuke Hamaguchi
• Sheep in the Box, de Irokazu Kore-eda
• Coward, de Lukas Dhont
• Garance, de Jeanne Herry
• Nagi Notes, de Hiroshi Fukada
• La bola negra, de Los Javis
• The Dreamed Adventure, de Valeska Grisebach
• A Woman’s Life, de Charline Bourgeois-Taquet
• Parallel Tales, de Asghar Farhadi
• Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar

LA GRAZIA

Paolo Sorrentino es un director y guionista italiano con estilo propio. A día de hoy, probablemente sea el cineasta más relevante de Italia. Su cinta “La gran belleza” ganó el Oscar y el BAFTA a la mejor película de habla no inglesa y también ha cosechado premios en los Festivales de Cine de Cannes y Venecia. En su filmografía, además del ya citado, se hallan títulos como “La juventud” (2015), “Silvio (y los otros)” (2018) o, más recientemente, “Parthenope” (2024). Este napolitano ha dotado a sus trabajos de un sello muy característico, centrado sobre todo en las reflexiones sobre el paso del tiempo y la melancolía, con historias que mezclan delicadeza y profundidad con cierto toque de cinismo y descaro. Tal vez su mayor cualidad estribe en hablar de temas cotidianos y relevantes con una visión totalmente personal y una estética altamente cuidada. Desde el punto de vista visual resulta atrayente y, por lo que se refiere al aspecto narrativo, interesante. Con independencia de que algunos de sus filmes gusten más que otros, sus propuestas siempre se revisten de elegancia y se construyen sobre ideas firmes. En definitiva, disfrutar de sus obras equivale a adentrarse en un museo donde el visitante se va a sentir sin duda interpelado.

Ahora presenta “La grazia” (estrenada con su título original), que obtuvo varios galardones en la última Mostra veneciana, junto a dos nominaciones a los Premios del Cine Europeo (actor y guion). Se trata de un largometraje político, pero más optimista de lo que el panorama real depara a través de los líderes mundiales y de esa denominada “geopolítica” que nos deprimen a diario en los informativos. La narrativa continúa presidida por el refinamiento y por ese particular sentido del humor que engancha. A ratos poética y a ratos intensa, supone una oferta sumamente interesante.

Mariano De Santis, presidente ficticio de la República italiana, es un veterano político demócrata, humanista y católico que, de repente, comienza a dudar sobre la adopción de determinadas decisiones, en especial sobre vetar o no una ley de eutanasia que le genera un profundo dilema moral.

Pese a sus casi dos horas y cuarto de duración, “La grazia” no se percibe como larga y logra mantener un ritmo adecuado durante todo el metraje. Se experimenta con claridad la exquisitez en los planos, la distinción en la puesta en escena, la sensibilidad en los temas tratados y una pizca de sorna que inevitablemente mueve a la reflexión. Se trata de una de las grandes obras de Sorrentino, al punto de que, si mantiene esta línea, habrá que esperar con ansiedad su siguiente trabajo. El nombre define a la perfección el estado del realizador, de gracia, y perpetúa su habilidad para aderezar cada encuadre de cámara con una imagen hermosa y, casi cada diálogo, con un detalle certero. No he visto “Father Mother Sister Brother”, de Jim Jarmusch (ganadora del reciente León de Oro) pero, si superó a la propuesta de Sorrentino, me afanaré por visionarla.

Sea como fuere, y más allá de sus aciertos cinematográficos, “La grazia” constituye una llamada de atención sobre la inmensa distancia que existe entre la gobernanza y la realidad. Acostumbrado a la mezquindad, la mediocridad y el histrionismo que reflejan la mayoría de los medios de comunicación, esta mirada me reconforta y alecciona acerca de los problemas y las responsabilidades asociados a la utilización y al ejercicio del poder. 

Se sitúa al frente del reparto el actor Toni Servillo, habitual en el cine de Paolo Sorrentino (“Las consecuencias del amor”, “La gran belleza”, “Fue la mano de Dios”, “Silvio (y los otros)”. Ha actuado igualmente en “Gomorra” o “Una vida tranquila”. Desempeña aquí una labor solvente sobre la que se sostiene el grueso de la acción.

ROBIN WRIGHT

Robin Wright nació en Dallas (Texas) el 8 de abril de 1966. Comenzó su andadura profesional en la serie de televisión “Santa Bárbara” y, ya en 1987, protagonizó para la pantalla grande “La princesa prometida”, de Rob Reiner, uno de sus papeles más emblemáticos.

Posteriormente intervino en “El clan de los irlandeses” (1990), “Forrest Gump” (1994) -otra de sus interpretaciones más conocidas-, “Moll Flanders: El coraje de una mujer” (1996) o “Mensaje en una botella” (1999). En el año 2000 actuó en “El protegido”.

En el presente siglo ha participado en títulos tan destacados como “Nueve vidas” (2005), “La conspiración” (2010), “Moneyball” (2011), “Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres” (2011) y “Blade Runner 2029” (2017).

Asimismo, triunfó de nuevo en el ámbito televisivo gracias a “House of Cards”.

PROYECTO SALVACIÓN (Project Hail Mary)

En mi opinión, dentro del género de la ciencia ficción, el subgénero espacial vivió un antes y un después en 2014, tras el estreno de “Interstellar”. Esta obra maestra de Christopher Nolan reúne infinidad de méritos cinematográficos de primera magnitud, además de hallarse envuelta en un halo de credibilidad y rigor científico pocas veces logrado. Obviamente, la recién estrenada “Proyecto Salvación” ni siquiera se acerca (probablemente, tampoco lo pretende) a los niveles de la película protagonizada por Matthew McConaughey, pero sí alcanza una cota de entretenimiento bastante aceptable, si bien desde una perspectiva más cómica y liviana. Ambas propuestas se han abordado desde planos muy diferentes. La primera, desde el drama y la docta pulcritud. La segunda, desde la comedia sin pretensiones eruditas. En todo caso, atendiendo a los parámetros de diversión y distracción, tanto una como otra llegan a metas similares por diferentes caminos.

Se podría afirmar que “Proyecto Salvación” se alza como un producto de visión infantil o, mejor aún, ingenua, que dota a la narración de un estilo desenfadado y hasta optimista. Sus directores, Phil Lord y Christopher Miller, han sido también guionistas y productores de títulos como “La LEGO película”, “Infiltrados en la Universidad” e “Infiltrados en clase”, de un tono cómico y ligero, y con aciertos y desaciertos. En este nuevo trabajo tratan de mantener esa dinámica jovial y graciosa que contagia al público de cierto entusiasmo. En ese sentido, el visionado resulta sencillo y agradable.

El problema radica en su excesiva duración, superior a las dos horas y media, ya que mantener un listón elevado durante tanto tiempo entraña gran dificultad. Por ello se torna predecible y un tanto cansina, cayendo en ocasiones en la tontería más que en el candor. No obstante, en conjunto, constituye una opción correcta como pasatiempo. A ratos, vivaz y placentera. Simpática, aunque con un punto de insustancial.  

Un profesor de Ciencias despierta dentro de una nave espacial, a años luz de su hogar y sin entender cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, se dispone a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del Sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar cuanto hay en la Tierra y evitar que el planeta sufra el mismo destino que el astro rey. En ese camino encontrará a un curioso aliado con el que entablará una amistad inesperada.

A cargo de un elevado presupuesto de más de doscientos millones de dólares, ha obtenido una considerable taquilla durante el fin de semana de su estreno en Estados Unidos, logrando recaudar más de ciento sesenta millones de dólares en tres días. Todo apunta a que acreditará cifras sobresalientes y tendrá buena acogida por parte de los espectadores, sustentadas en gran medida por el carisma de su estrella principal y por su cuidado aspecto visual.

Encabeza el reparto y soporta el peso del filme Ryan Gosling, quien actúa y, además, produce la cinta. Tres veces nominado al Oscar, cuenta en su haber con cintas tan destacadas como “La, La, Land”, “Los idus de marzo”, “Drive”, “Blue Valentine” o “La gran apuesta”. Se trata de un actor versátil y eficaz que aquí desempeña con solvencia su papel.

Le acompañan Sandra Hüller (“Anatomía de una caída”, “La zona de interés”), Lionel Boyce (de la serie “The Bear”), Milana Vayntrub (de la televisiva “This is Us”) o Ken Leung (famoso por su participación en “Perdidos”).

BARRY SONNENFELD

El cineasta estadounidense Barry Sonnenfeld nació en Nueva York el 1 de abril de 1953.

Comenzó trabajando como director de fotografía para los hermanos Coen (“Sangre fácil”, “Arizona Baby”, “Muerte entre las flores”), así como en títulos tan conocidos como “Big”, "Cuando Harry encontró a Sally” o “Misery”. Posteriormente, empezó a producir y a dirigir sus propias películas. 

Debutó como realizador en 1991 con “La familia Adams”, a la que siguió su secuela en 1993. 

Filmó asimismo “Cómo conquistar Hollywood” y la saga “Men in Black”. 

AMARGA NAVIDAD

La última película de Pedro Almodóvar es un puzle de muchas piezas que, inicialmente, se me antojó deslucido y poco interesante. Sin embargo, reconozco que, a medida que avanzaba la proyección y dichas piezas encajaban, terminó por formar un todo más lustroso y, por momentos, incluso brillante. Se entremezclan dos historias, una supuestamente real y otra supuestamente ficticia -la que escribe su protagonista, cineasta y narrador, a modo de guion para su próximo proyecto-. Y lo que plasma sobre el papel este alter ego de Almodóvar y, acto seguido, recrea en la pantalla, domina el relato de la primera parte del metraje durante más de una hora. Este inicio me pareció artificial, poco creíble y de un dramatismo tan intenso como trucado. El realizador se empeña en dar fe de sus señas de identidad en diversas escenas, tanto si proceden en el desarrollo de la acción como si rechinan y lo distorsionan. Por ello, mis sensaciones me llevaban a considerar que se trataba de otra propuesta fallida del manchego.

Pero, a partir de entonces, el film remontó y la ficción dio el relevo a la realidad como motor de la trama. Lo que me resultaba poco creíble se tornó en verosímil. Lo artificial, en auténtico. Y el dramatismo trucado, en la antesala de un clímax final apoteósico que da sentido a aquellos primeros minutos insulsos. Cabe destacar una concreta secuencia en la que el personaje del cineasta discute con sinceridad, elocuencia y acierto con una antigua asistente. Mientras ella le recriminaba la endeblez de su guion y la mediocridad de su trabajo más reciente, parecía que hablaba por mi boca sobre mi impresión del largometraje hasta ese momento. Y fue entonces cuando reparé en que todo encajaba y que esa especie de “auto ficción” supone, en realidad, una “auto crítica” del propio Almodóvar hacia sí mismo, regalándome a partir de ese instante su mejor cine desde “Hable con ella”.

El protagonista constituye un calco del cineasta, si bien siempre quedará la duda sobre el porcentaje de dramatización y de realismo empleados.  En torno a él gira el sector “verdadero” de la trama, en el que cuenta el desarrollo del argumento de su siguiente obra: ficción dentro de la ficción. Se centra en Elsa, una publicista cuya madre fallece en el largo puente que da comienzo al mes de diciembre. Encuentra refugio en su actividad profesional, una suerte de huida hacia adelante. Trabaja sin parar y no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia de su progenitora, hasta que una crisis de pánico le obliga a imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, se erige como tabla de salvación en esa etapa de crisis. Llegada a este punto, decide viajar a la isla de Lanzarote junto a varias amigas necesitadas, asimismo, de consuelo.

Gracias a esa remontada final, “Amarga Navidad” me dejó un buen sabor de boca. En el desenlace de la cinta me reencuentro con el cine de Almodóvar que a mí me gusta y que evidencia esa regla no escrita de que la calidad de una obra es directamente proporcional a su conexión con el artista. Aquí el autor ha sido valiente y honesto. Y, francamente, se agradece.

En consonancia con mi exposición anterior, observo una mayor excelencia en los actores que intervienen en esa parte “real”: Leonardo Sbaraglia (ganador de un Goya por “Intacto”, de Juan Carlos Fresnadillo y participante en “Dolor y gloria” o “Relatos Salvajes”), Aitana Sánchez Gijón (Goya de Honor y vista en “El maquinista” o “La camarera del Titanic”) o Quim Gutiérrez (“La niebla y la doncella”, “Azuloscurocasinegro”).

En la “ficción dentro de la ficción” figuran Bárbara Lennie (Goya por “Magical Girl”), Milena Smit (“Madres paralelas”) o Patrick Criado (“Bajo cero”).

PREMIOS SATELLITE 2026 (Satellite Awards 2026)

La 30ª edición de los Premios Satellite coronó a "Hamnet "y "Marty Supreme" como las grandes triunfadoras del año. Estos premios están otorgados por la International Press Academy.

LISTADO COMPLETO DE GANADORES

Cine: Películas y Dirección

Mejor película (Drama): Hamnet

Mejor película (Comedia o Musical): Marty Supreme

Mejor director: Chloé Zhao – Hamnet

Mejor película internacional: O Agente Secreto (Brasil)

Mejor película animada o Mix Media: Elio

Mejor película documental: Becoming Led Zeppelin

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Cine: Actuaciones

Mejor actor (Drama): Wagner Moura – O Agente Secreto

Mejor actriz (Drama): Jessie Buckley – Hamnet

Mejor actor (Comedia o Musical): Timothée Chalamet – Marty Supreme

Mejor actriz (Comedia o Musical): Rose Byrne – If I Had Legs I'd Kick You

Mejor actor de reparto: Stellan Skarsgård – Sentimental Value

Mejor actriz de reparto: Teyana Taylor – One Battle After Another

Mejor reparto en conjunto: Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery

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Televisión

Mejor serie dramática: Pluribus

Mejor serie de comedia o musical: Platonic

Mejor serie de género: Andor

Mejor miniserie o telefilme: Adolescence (Adolescencia)

Mejor actor (Drama): Diego Luna – Andor

Mejor actriz (Drama): Rhea Seehorn – Pluribus

Mejor actor (Comedia o Musical): Seth Rogen – The Studio

Mejor actriz (Comedia o Musical): Kristen Bell – Nobody Wants This

Mejor actor (Miniserie o Telefilme): Jacob Elordi – The Narrow Road to the Deep North

Mejor actriz (Miniserie o Telefilme): Robin Wright – First Ladies

Mejor reparto de televisión: Landman

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Categorías Técnicas y Guión

Mejor guión original: Sinners (Ryan Coogler)

Mejor guión adaptado: One Battle After Another (Paul Thomas Anderson)

Mejor banda sonora original: Sinners (Ludwig Göransson)

Mejor canción original: "Dream as One" – Avatar: Fire and Ash

Mejor fotografía: Train Dreams (Adolpho Veloso)

Mejor edición: One Battle After Another (Andy Jurgensen)

Mejores efectos visuales: Avatar: Fire and Ash

Mejor diseño de producción: Frankenstein

Mejor diseño de vestuario: Frankenstein

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Premios Especiales

Premio Mary Pickford: James Woods

Premio Nikola Tesla: Simon Hayes

Premio Auteur: F. Javier Gutiérrez

EL TESTAMENTO DE ANN LEE (The Testament of Ann Lee)

Es un misterio lo que mueve a un artista, en este caso a una cineasta, a fijarse en un concreto episodio histórico o en un determinado personaje para elaborar su relato y construir una película en torno a ello. La complejidad que implica rodar un largometraje debe presuponer que existe una conexión especial, de la naturaleza que sea, con esos contenidos. “El testamento de Ann Lee” se presenta como una recreación de hechos reales sucedidos a finales del siglo XVIII, con el fervor religioso de fondo y transitando por esa línea, en ocasiones difusa, que separa una religión de una secta. Visto así, tal vez suscite un cierto afán profundizar en tales episodios del pasado pero, al menos en mi caso, asistí a la proyección sin percibir el enlace entre los protagonistas y la trama, de modo que visioné con distancia y escaso interés la narrativa visual y sonora ideada por su directora, Mona Fastvold.

Fastvold, actriz, realizadora y productora noruega, empezó a resultar conocida tras participar en la producción de “The Brutalist”. Como intérprete, ha intervenido brevemente en “El amor y otras cosas imposibles”. Detrás de las cámaras, aprecié su trabajo en “El mundo que viene”, una cinta también de ambientación histórica que me recomendaron y que plasmaba un atrayente y emotivo triángulo compuesto con acierto por Vanessa Kirby, Casey Affleck y Katherine Waterston. Sin embargo, en “El testamento de Ann Lee” ha optado por una deriva musical y dramática algo confusa. Ciertamente, el musical constituye un género complejo para construir sobre él un drama. Funciona mejor frente a la comedia, el romance o los relatos desenfadados y ágiles.

Más allá de la corrección técnica y la optimización visual, lo que cuenta y cómo lo cuenta me genera extrañeza y, sobre todo, lejanía. Más allá de su originalidad formal, se apoderó de mí la apatía ante una propuesta que se enreda y se pierde en el propio laberinto creado por la cineasta.

Ann Lee, líder religiosa fundadora del movimiento “Shaker” a finales de 1770, erigió una especie de comunidad utópica. Venerada por sus seguidores como una figura divina, considerada incluso el Jesucristo femenino, Ann inspiró una forma de devoción única basada en la música, la danza y la vida colectiva. La narración explora su visión espiritual, el fervor de sus fieles y los ideales que marcaron aquel movimiento a la búsqueda de pureza, igualdad y trascendencia en plena era colonial.

Quizás algunos espectadores logren esa conexión mágica con la obra, disfruten con ella y se sientan compelidos por los bailes, las melodías y el mensaje. Pero, incluso en ese caso, las dos horas y cuarto de metraje se tornan, a mi juicio, excesivas. La patente falta de alicientes me supuso un obstáculo insalvable. No hablo de su rigor histórico, pues lo desconozco. Me basta con comprobar que la vertiente musical desentona y que el meollo central tampoco alcanza la intensidad requerida.

El film participó en el último Festival de Cine de Venecia con discreta fortuna. El papel principal corre a cargo de Amanda Seyfried, candidata al Oscar por “Mank” y participante en otros musicales como “Mamma mia!” o “Los miserables”. Se percibe su esfuerzo y desarrolla una buena labor, gracias a la que este año ha recibido una nominación a los Globos de Oro como mejor actriz de comedia o musical. Le acompañan Lewis Pullman (“Top Gun: Maverick”, “Malos tiempos en El Royale”), Thomasin McKenzie (“Jojo Rabbit”, “Última noche en el Soho”), Matthew Beard (“The Imitation Game”, “One Day”) y Tim Blake Nelson (“Lincoln”, “El increíble Hulk”).

CEREMONIA DE ENTREGA DE LOS PREMIOS OSCAR 2026 (Academy Awards 2026)

Momentos clave de la pasada ceremonia de entrega de los Oscar de Hollywood.

Mejor película:

Mejor dirección:

Mejor actor:

Mejor actriz:

Mejor película internacional:

In memoriam:

Homenaje a Robert Redford: 

Homenaje a Rob Reiner:

PREMIOS DE LA ACADEMIA DE CINE DE HOLLYWOOD (Academy Awards 2026)

La película de Paul Thomas Anderson,"Una batalla tras otra", llegó a la cita de este domingo con trece nominaciones y se alzó con seis premios: película, director, reparto, edición, guión adaptado y actor de reparto (Sean Penn).

Listado de ganadores de la 98º edición de los Premios de la Academia de Hollywood

Mejor película: Una batalla tras otra (Adam Somner, Sara Murphy y Paul Thomas Anderson)

Mejor dirección: Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra)

Mejor película internacional: Sentimental Value (Noruega)

Mejor actor protagonista: Michael B. Jordan (Sinners)

Mejor actriz protagonista: Jessie Buckley (Hamnet)

Mejor actor de reparto: Sean Penn (Una batalla tras otra)

Mejor actriz de reparto: Amy Madigan (Weapons)

Mejor guión original: Ryan Coogler (Sinners)

Mejor guión adaptado: Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra)

Mejor película de animación: KPop Demon Hunters

Mejor largometraje documental: Mr. Nobody Against Putin

Mejor casting: Cassandra Kulukundis (Una batalla tras otra)

Mejor montaje: Andy Jurgensen (Una batalla tras otra)

Mejor fotografía: Autumn Durald Arkapaw (Sinners)

Mejor diseño de producción: Tamara Deverell y Shane Vieau (Frankenstein)

Mejor diseño de vestuario: Kate Hawley (Frankenstein)

Mejor maquillaje y peluquería: Mike Hill, Jordan Samuel y Cliona Furey (Frankenstein)

Mejor canción original: “Golden”, de KPop Demon Hunters

Mejor banda sonora original: Ludwig Göransson (Sinners)

Mejor sonido: F1

Mejores efectos visuales: Avatar: Fire and Ash

Mejor cortometraje de ficción: The Singers y Two People Exchanging Saliva (empate)

Mejor cortometraje de animación: The Girl Who Cried Pearls

Mejor cortometraje documental: All the Empty Rooms

Premios honoríficos

• Tom Cruise
• Wynn Thomas
• Debbie Allen

Premio humanitario Jean Hersholt

• Dolly Parton

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2026

Biznaga de Oro a la mejor película española: Yo no moriré de amor, de Marta Matute

Biznaga de Oro a la mejor película iberoamericana: El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso

Biznaga de Plata ‘Peugeot’ Premio Especial del Jurado: Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa

Biznaga de Plata a la mejor dirección: Joaquín del Paso por El jardín que soñamos

Biznaga de Plata ‘Hotel AC Málaga Palacio’ a la mejor interpretación femenina: Júlia Mascort por Yo no moriré de amor

Mención Especial del Jurado a la mejor interpretación femenina: Ángeles Pradal por Ángeles

Biznaga de Plata ‘Make & Mark’ a la mejor interpretación masculina: Nicolás Zárate por Hangar rojo

Mención Especial del Jurado a la mejor interpretación masculina: Silver Chicón por Iván & Hadoum

Biznaga de Plata a la mejor interpretación femenina de reparto: María Magdalena Sanizo por La hija cóndor

Biznaga de Plata a la mejor interpretación masculina de reparto: Tomás del Estal por Yo no moriré de amor

Biznaga de Plata al mejor guión: Ian de la Rosa por Iván & Hadoum

Biznaga de Plata a la mejor música: Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero por La hija cóndor

Biznaga de Plata a la mejor fotografía: Gökhan Tiryaki por El jardín que soñamos

Biznaga de Plata al mejor montaje: Valeria Hernández y Sebastián Brahm por Hangar rojo

Biznaga de Plata Premio del Jurado de la Crítica: Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato

Biznaga de Plata Premio del Público ‘El País’: Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato

Biznaga de Plata Premio del Público (Votación en sala): Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz

¡LA NOVIA! (The Bride!)

Existen dudas sobre si procede atribuir a la mera causalidad la coincidencia temporal de dos producciones similares en las salas de proyección. Así, en 1997 los relatos de dos erupciones volcánicas (“Un pueblo llamado Dante's Peak” y “Volcano”) se estrenaron simultáneamente. Un año después, una serie de meteoritos acercándose a la Tierra con intención de destruirla acapararon las carteleras a través de “Deep Impact” y “Armageddon”. También en 2012, sendas propuestas se centraron en idéntica figura: “Blancanieves y la leyenda del cazador” y “Blancanieves (Mirror, Mirror)”. Más llamativa resultó a finales de los ochenta la decisión de abordar la misma historia que reflejan “Las amistades peligrosas” y “Valmont”. Y recientemente, apenas estrenada la versión de Frankenstein de Guillermo del Toro, Maggie Gyllenhaal firma una especie de adaptación de “La novia de Frankenstein”.

Antaño, estas películas inspiradas en criaturas deformes y engendros aterradores encajaron perfectamente en esa categoría denominada “serie B”, caracterizada por sus bajos presupuestos y que durante décadas se exhibieron en las pantallas grandes de todo el mundo.  Se trata de cintas que dan lugar a un curioso fenómeno ya que, pese a las críticas por su escasa calidad, generan cierto grado de veneración, como si, en el fondo, ese halo un tanto cutre les dotase de atractivo. Siempre que rememoro estos filmes me viene a la cabeza una escena de “Cómo conquistar Hollywood” en la que John Travolta decía a Rene Russo (cuyo personaje actuaba en esta clase de títulos) que realizó su mejor interpretación en “Criaturas viscosas 3”, mientras ella, sorprendida, le respondía incrédula si en verdad había visto semejante largometraje, creándose entre ambos un clima de burla, pero, a la vez, de respeto.

“¡La novia!” (entre admiraciones) no puede considerarse una muestra de “serie B”, teniendo en cuenta que su presupuesto asciende a los ochenta millones de dólares, costes de promoción y publicidad aparte. Tal inversión se aprecia en los planos, donde el colorido, los decorados y la propia recreación de sus esperpénticos personajes llama la atención por la grandilocuencia de la puesta en escena. Desde la banda sonora hasta el maquillaje se ven afectados por una suerte de majestuosidad superficial y de presentación excesiva, fruto de los recursos técnicos y económicos puestos a disposición de la idea. Por ello, cabe calificarla de visualmente hipnótica, incluso algo desproporcionada, y conduce a los espectadores a interesarse por su vistoso envoltorio.

Cosa distinta supone que, bajo ese papel de regalo, el artículo contenga suficiente enjundia. Porque, cuando el guion comienza a fallar y determinados mensajes en absoluto subliminales se potencian tanto que hasta desentonan, la citada puesta en escena se torna insuficiente. Desde el punto de vista de la emoción también flaquea bastante, de modo que, si bien no pertenece a la serie B en la forma, en el fondo termina asemejándose a “Criaturas viscosas 3”.

Gyllenhaal se sitúa por segunda vez detrás de la cámara, después del drama “La hija oscura”. En esta ocasión cambia completamente de registro y opta por una narrativa irregular, aunque apoyada en una estética de relumbrón. Como actriz ha participado en, entre otras, “La sonrisa de Mona Lisa” o “El caballero oscuro”.

Forma parte del elenco una primera figura como Christian Bale. Ganador de un Oscar por “The Fighter”, ha destacado en “La gran estafa americana”, “El vicio del poder”, “La gran apuesta” y, por supuesto, la trilogía de Christopher Nolan en la que da encarna a Bruce Wayne y a Batman.

Le da la réplica Jessie Buckley (muy galardonada esta temporada gracias a su protagonismo en “Hamnet”). Completan el reparto la siempre interesante Annette Bening (“Los timadores”, “American Beauty”), Peter Sarsgaard (“Septiembre 5”, “Algo en común”), Penélope Cruz (igualmente poseedora de la estatuilla dorada por “Vicky Cristina Barcelona”) y Jake Gyllenhaal, hermano de la directora (“Zodiac”, “Prisioneros”).

PREMIOS DEL SINDICATO DE GUIONISTAS DE LOS EE.UU. (WGA Awards)

Los Premios del Sindicato de Guionistas (WGA Awards) de Estados Unidos celebraron su 78.ª edición el domingo 8 de marzo de 2026.

Los ganadores han sido los siguientes:

Cine

• Mejor Guion Original: Sinners (Pecadores).
• Mejor Guion Adaptado: One Battle After Another (Una batalla tras otra). 

Televisión y Streaming

• Mejor Serie de Drama: The Pitt.
• Mejor Serie de Comedia: The Studio.
• Mejor Serie Nueva: The Pitt.
• Mejor Guion en Serie Limitada: Dying for Sex.

Documental

• Mejor Guion: 2,000 Meters to Andriivka

PEMIOS DE LA "INTERNATIONAL FILM MUSIC CRITICS ASSOCIATION" (IFMCA Awards 2025)

BANDA SONORA DEL AÑO: AVATAR: FIRE AND ASH, Simon Franglen

COMPOSITOR DEL AÑO: ALEXANDRE DESPLAT

COMPOSITOR REVELACIÓN DEL AÑO: CAMERON MOODY

COMPOSICIÓN DEL AÑO: “The Windtraders” de AVATAR: FIRE AND ASH, Simon Franglen

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – DRAMA: JAY KELLY, Nicholas Britell

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – COMEDIA: ANACONDA, David Fleming

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – ACTION/AVENTURA: PLAY DIRTY, Alan Silvestri

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – FANTASÍA/CIENCIA FICCIÓN/TERROR: AVATAR: FIRE AND ASH, Simon Franglen

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – TERROR/THRILLER: FRANKENSTEIN, Alexandre Desplat

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – ANIMACIÓN: ZOOTOPIA 2, Michael Giacchin

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – DOCUMENTAL: OCEAN WITH DAVID ATTENBOROUGH, Steven Pric

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – TV: ASTÉRIX ET OBÉLIX: LE COMBAT DES CHEFS, Mathieu Alvado

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – VIDEOJUEGO O MEDIO INTERACTIVO: CLAIR OBSCUR: EXPEDITION 33, Lorien Testard

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL – CORTO: LE SECRET DE MARTHA, Romain Paillot

MEJOR ESTRENO DE ARCHIVO: THE DARK CRYSTAL, Trevor Jones (La-La Land)

MEJOR GRABACIÓN NUEVA DE UNA BANDA SONORA EXISTENTE: THE CHAIRMAN, Jerry Goldsmith

29ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El Festival de Málaga mostrará la diversidad del cine en español en su 29ª edición, del 6 al 15 de marzo, con una programación que acogerá 263 audiovisuales entre todas sus secciones (largometrajes de ficción, documentales, cortometrajes, series de TV, etc). 

La Sección Oficial a concurso incluirá 22 películas (12 españolas y 10 latinoamericanas). A ellas hay que sumar 21 películas (19 españolas y 2 latinas) en sección oficial no competitiva, incluida la clausura.

 

A las españolas ya anunciadas (Calle Málaga, de Maryam Touzani -película inaugural-, Altas capacidades, de Víctor García León y Después de Kim, de Ángeles González-Sinde, se suman Corredora, de Laura García Alonso, Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa, La buena hija, de Julia de Paz, Lapönia, de David Serrano, Mala bèstia, de Bárbara Farré, Mi querida señorita, de Fer González Molina, Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz, Pizza Movies, de Carlo Padial y Yo no moriré de amor, de Marta Matute.

 

Junto a ellas, las latinoamericanas Ángeles, de Paula Markovitch (México, Argentina), El corazón del lobo, de Francisco J. Lombardi (Perú), El guardián, de Nuria Ibáñez (México, España), El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso (México), Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato (Chile, Argentina, Italia), Juana, de Daniel Giménez Cacho (México), La mujer de la fila, de Benjamín Ávila (Argentina, España), La hija Cóndor, de Álvaro Olmos Torrico (Bolivia, Perú, Uruguay), Mil pedazos, de Sergio Castro-San Martín (Chile Argentina, España) y Neurótica anónima, de Jorge Perugorría Rodríguez (Cuba).

Y los pases oficiales fuera de competición de las españolas 9 lunas, de Patricia Ortega, A una isla de ti, de Alexis Morante, Andy, de Román Parrado en formato cinefórum, Auri, de Violeta Salama, Cada día nace un listo, de Arantxa Echevarria, Casi todo bien, de Andrés Salmoyraghi y Rafael López Saubidet, Día de caza, de Pedro Aguilera, Dos días, de Gonzaga Manso, Femení Singular, de Xavi Puebla, Hora y veinte, de Marc Romero, Hugo 24, de Luc Knowles, La familia Benetón +2, de Joaquín Mazón -que será la clausura-, Los justos, de Jorge A. Lara y Fernando Pérez, Mallorca confidencial, de David Ilundain, Solos, de Guillermo Ríos, Todos los colores, de Beatriz de Silva (cinefórum), Un altre home, de David Moragas, Un hijo, de Nacho la Casa; (cinefórum) y Viaje al país de los blancos, de Dani Sancho. Asimismo, las latinas Bye bye paraíso, de Kim Elizondo Navarro (Costa Rica, Colombia, Uruguay) y La casaca de Dios, de Fernan Miras (Argentina, Estados Unidos).

 

El jurado de la Sección Oficial estará formado por la directora y guionista vasca Jaione Camborda Coll (presidenta), la directora del Festival Internacional de Cine de Morelia, Daniela Michel (México), el escritor y guionista peruano Santiago Roncagliolo, la actriz española Loreto Mauleón, la directora española Belén Funes, el director y actor argentino Gastón Pauls y la escritora también española Rosa Montero.

SCREAM 7

Hace ya tres años escribí sobre “Scream 6”. Ahora, al llegar a las salas de proyección la séptima parte de la saga, no puedo sino repetirme y no reprimirme. En definitiva, me limito a emular lo que hacen sus productores y el realizador de la cinta, unos reincidentes que insisten en estirar un chicle que desde hace tiempo no da más de sí.

Fue en 1996, tres décadas atrás, cuando se estrenó “Scream”, cuyo título en España se alargó hasta convertirse en “Scream. Vigila quién llama”. Se trataba de una cinta calificada de terror aunque, en realidad, parecía más pensada como mero entretenimiento juvenil. Su realizador, Wes Craven, se había ganado por aquel entonces un nombre dentro de tan particular género, con cintas como “Las colinas tienen ojos” (1977), “Pesadilla en Elm Street” (1984) o “Shocker, 100.000 voltios de terror” (1989). “Scream” obtuvo cierto éxito en cuanto a su elevada recaudación (más de ciento setenta millones de dólares con un presupuesto de apenas quince) y popularizó una colección de disfraces para “Halloween” y Carnaval. Ello derivó en la creación de un serial que alcanzó su cuarta entrega siempre bajo la dirección de Craven, además de algunos experimentos televisivos. Aun así, parecía un proyecto completamente amortizado.

Sin embargo, ante la crisis de ideas y la falta de asunción de riesgos que padece la industria cinematográfica norteamericana, la salida escogida consiste en echar la vista atrás y repescar para la taquilla referentes anteriores. A veces se lleva a cabo colocando al producto un barniz de nostalgia. Y, a veces, envolviéndolo en una pretendida adaptación a la época actual. El hecho cierto es que las productoras prefieren volver a rodar sobre lo filmado que apostar por propuestas novedosas e historias originales.

Esta mera reiteración de fórmulas y situaciones termina por provocar más hastío que interés. Quizá quien no haya visionado las anteriores narraciones halle un mínimo de innovación, pero los que conocimos los títulos de antaño asistimos con distancia y desinterés a unos tensiones y tramas que no transmiten sensación alguna. Detrás de la cámara, Kevin Williamson aterriza en la sala “Scream” al séptimo intento. Previamente, tan sólo había filmado en 1999 “Secuestrando a la Srta. Tingle”, otra muestra de terror desenfadado protagonizada por Helen Mirren y Katie Holmes. Sí participó, no obstante, como guionista y productor de dichos largometrajes e, incluso, de la serie de televisión del mismo nombre. Por lo tanto, su responsabilidad global en esta innecesaria ampliación de una historia carente de ideas queda fuera de toda duda.

Dicho esto, mientras tales inversiones resulten rentables, por más que sean dúplicas de otras y persistan en aciertos y errores, continuarán abordándose. “Scream 6” obtuvo cerca de ciento sesenta millones de dólares a nivel mundial. Teniendo en cuenta que su coste no superó los treinta y cinco, a la productora le salen los números, incluso añadiendo los gastos de publicidad y marketing. Aquí radica la única razón de la existencia de “Scream 7” que, si se comporta de igual manera desde el punto de vista económico, precederá a una octava, aunque cinematográficamente no aporte nada de nada.  

Se mantienen desde el principio Courteney Cox, célebre por la serie “Friends”, y Neve Campbell (“Juegos salvajes”, “El rascacielos”). Los demás compañeros de reparto se incorporaron a partir de 2022: Mason Gooding (“Aftermath”), Jasmin Savoy Brown (“Dreams in Nightmares”) o la más conocida Mckenna Grace (“Un don excepcional”, “A pesar de ti”).