El actor británico Tim Curry falleció el pasado martes en su casa de Los Ángeles a los 80 años de edad.
Curry saltó a la fama gracias a su interpretación del Dr. Frank-N-Furter en la icónica película “The Rocky Horror Picture Show” (1975), repitiendo el mismo papel que ya había interpretado en las producciones teatrales del citado espectáculo en Londres (1973) y Los Ángeles (1974).
Intervino también en cintas como “Annie” (1982), “Legend” (1985), “La caza del Octubre Rojo” (1990), “Solo en casa 2” (1992), “Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas” (1993), “The Shadow (La sombra)” (1994), “Los ángeles de Charlie” (2000) o “Kinsey” (2004).
Trabajó igualmente prestando su voz en numerosos largometrajes y series televisivas de animación.
Carter Burwell nació en Nueva York el 18 de noviembre de 1954. Compositor estadounidense de música cinematográfica, se inició en el Séptimo Arte de la mano de las películas de los hermanos Coen, con quienes ha colaborado de
forma frecuente desde sus comienzos como autor de bandas sonoras.
Ha
optado en tres ocasiones al Oscar de la Academia de Hollywood: en 2016 por “Carol”, en 2018 por “Tres anuncios a las afueras” y en 2023 por “Almas en pena de
Inisherin”. También ha sido candidato a cuatro Globos de Oro, además de por las
tres partituras ya citadas, por la de “Donde viven los
monstruos” (2009).
Su
debut tuvo lugar con la cinta “Sangre fácil” (1984),
dirigida también por los Coen, quienes desde entonces contaron con él en filmes como “Muerte entre las flores” (1990), “Barton
Fink” (1991), “Fargo” (1996) o “El hombre que nunca estuvo allí” (2001).
Otras de sus obras son “Rob Roy” de Michael Caton-Jones (1995), “Dioses y
monstruos” de Bill Condon (1998), “Cómo ser John Malkovich” de Spike Jonze
(1999) y “Misántropo” de Damián Szifron (2023).
La 83 edición del Festival de Cine de Venecia se celebrará del 2 al 12 de
septiembre. Este año George Clooney y Ellen Burstyn recibirán galardones
honoríficos, mientras que Maggie Gyllenhaal presidirá el jurado del certamen,
también integrado por Johnnie To, Kaouther Ben Hania, Shahrbanoo Sadat, Xavier
Giannoli, Daniel Blumberg y Francesco Casetti.
“Ink”,
la nueva película de Danny Boyle sobre el ascenso de Rupert Murdoch, será la
encargada de inaugurar este encuentro cinematográfico. El cineasta británico aspira al León de Oro, junto a otros realizadores como Casey Affleck, Werner
Herzog, May el-Toukhy, Nanni Moretti, Hirozaku Koreeda y Martin McDonagh.
PROGRAMACIÓN COMPLETA DE LA MOSTRA
Sección Oficial
Ink,
de Danny Boyle (Inauguración)
Company,
de Casey Affleck
Kami
Nour (A Bit of Light), de Ali Asgari
Ritorno
a Buenos Aires, de Marco Bechis
Un
bon petit soldat, de Stéphane Brizé
Il
fuoco che ti porti dentro, de Edoardo De Angelis
Kvinde
Ukendt (Woman Unknown), de May el-Toukhy
Bucking
Fastard, de Werner Herzog
15/18
A Place to Heal, de Cédric Kahn
Dau,
de Ilya Khrzhanovsky
Look
Back, de Hirozaku Koreeda
Ga-neung-han
Sa-rang (Possible Love), de Lee Chang-dong
Wild Horse Nine, de Martin McDonagh
Sucederá
questa notte, de Nanni Moretti
Primetime,
de Lance Oppenheim
The
Echo Chamber, de Andrea Pallaoro
Un
peu avant minuit, de Nicolas Pariser
L’estranea,
de Paolo Strippoli
Mr.
Nelson, Did you Kill People?, de Shinya Tsukamoto
Bunker,
de Florian Zeller
Fuera de la sección
oficial
Ficción
Nessun dolore, de Gianni Amelio
Father
Joe, de Barthélémy Grossmann
Scherzetto,
de Mario Martone
Place
to Be, de Kornél Mundruczó
No Paradise if You Are Killed by a Woman, de Halkawt Mustafa
Arrested
Memory, de Sabu
The Basics of Philosophy, de Paul Schrader
Un
bon avocat, de Tristan Seguela
Jupiter,
de Alexandre Smia
Dio
Ride, de Giovanni Veronesi
Documental
Be
Brave, de Francesco Carrozzini
What
Love Builds, de Russell Crowe
Burgundy,
de Michael Dweck y Gregory Kershaw
Musk,
de Alex Gibney
The Road to Jericho, de Amos Gitai
Citizen
Osama, de Ahmed Hassouna
Union Town, de Barbara Kopple
Holy Wood Dust, de Victor Kossakovsky
Letters,
de Andrei Kutsila
Biografía
de Jorge Luis Borges, de Mariano Llinás
My Undesirable Friends: Part II
Exile, de Julia Loktev
Boatbuilders,de
Luke Lorentzen
Imperium,
de Sergei Loznitsa
Shumei.
The Living Legacy of Kabuki, de Mike Takashi
Queer
Edward II, de Theo Rollason
Oasis:
Don’t Look Back in Anger, de Dylan Southern y Will Lovelace
Weichen,
de Tsai Ming-liang
Everest:
The Other Side, de Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin
From
Inside Out – The Architecture of Peter Zumthor, de Wim Wenders
Philip Glass nació en Baltimore el 31 de enero de 1937.
Compositor estadounidense de música clásica y bandas sonoras, estudió en la Juilliard School de Nueva York y ha sido nominado en tres ocasiones a los Oscars de Hollywood -por sus composiciones para “Kundun” , de Martin Scorsese, “Las horas”, de Stephen Daldry (con la que consiguió un Globo de Oro) y “Diario de un escándalo”, de Richard Eyre.
Comenzó a obtener repercusión en el mundo del cine gracias a la película experimental “Koyaanisqatsi”, dirigida por Godfrey Reggio y producida por Francis Ford Coppola.
Posteriormente, participó en “La colina de la hamburguesa”, de John Irvin y en el documental “Breve historia del tiempo”, de Errol Morris.
Otros de sus trabajos para la gran pantalla han sido “El show de Truman”, de Peter Weir, “Candyman”, de Bernard Rose y “El ilusionista”, de Neil Burger, por la que en 2007 se alzó con el Critics' Choice Award.
Terence Blanchard nació en Nueva
Orleans el 13 de marzo de 1962. Músico de jazz estadounidense y trompetista, ha compuesto varias bandas sonoras, especialmente para las películas de
Spike Lee.
Ganador de cinco Grammys, ha logrado asimismo dos nominaciones al Oscar por sus partituras para “Da 5 Bloods” (2021) y “BlacKkKlansman” (2019).
Debutó en el cine componiendo la
música de “Fiebre salvaje” (1991), a la que siguieron “Malcolm X” (1992), “Eve's
Bayou” (1997) y “Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam)” (1999).
Ya en el nuevo siglo destacan sus trabajos para “Pecado original” (2001), “La
última noche” (2002), “Plan oculto” (2006) o “Una noche en Miami” (2020).
Plan oculto
Sobre la música de Terence Blanchard en el cine de Spike Lee
El
género de comedia resulta muy complicado y, para llevarlo a cabo con acierto,
debe tomarse sumamente en serio. Decía Charles Chaplin que hacer reír requiere
la misma (o superior) precisión, técnica y disciplina que el drama. Si a ello
se añade el hecho de que cada persona posee su peculiar sentido del humor,
adentrarse en la aventura de rodar una película cómica requiere de una gran
habilidad. Se acaba de estrenar en la plataforma “Apple Tv” la cinta “Dink”,
que pretende ofrecer un entretenimiento ligero valiéndose de una comicidad
amable. Logra transitar por espacios en los que provoca la sonrisa, aunque, al
menos en mi caso, no llega a alcanzar la carcajada. Su reducido metraje de
apenas hora y media ayuda a que la atención del espectador se mantenga sin
dificultad, si bien, en el fondo, la sensación final se limita a haber pasado
un rato tan grato como insustancial.
Dirige
Josh Greenbaum, quien hasta la fecha se había centrado con cierto éxito en la
televisión y los documentales. De hecho, en 2025 recibió una nominación al
BAFTA al mejor documental, y su trabajo más elogiado es, probablemente, “Becoming
Bond”, otro documental con algunas partes dramatizadas sobre la sorprendente
historia de George Lazenby, actor que obtuvo el papel de James Bond contra todo
pronóstico. Greenbaum no tampoco desenvuelve mal en el marco de la estricta
ficción, pese a manifestar algunas carencias, y firma una obra afable que puede
servir como pasatiempo en esta época estival.
Un
antiguo tenista de renombre se ve obligado a entrenar a niños malcriados en el
club de campo de su padre. Desesperado por ganarse la aprobación de su progenitor,
apoya ciegamente la campaña de éste contra el nuevo deporte de moda: el
pickleball. Pero, cuando reaparece una vieja lesión que le impide jugar al
tenis, recurre a lo impensable para recuperarse y no sólo prueba el pickleball
sino que, gracias al encanto de una nueva compañera, descubre que le gusta. Situado
de lleno entre ambos bandos irreconciliables, se enfrenta finalmente a los
fantasmas de sus fracasos deportivos de antaño, incluido su enemigo de la
infancia, Andy Roddick.
La
notable labor de los actores, unida al toque simpático y benévolo de la
narración, se alían para que el largometraje cumpla (sin alardes, pero cumpla)
el propósito del entretenimiento visual. Ciertamente, el Séptimo Arte atesora
films destacadísimos sobre el mundo del deporte entre los que no se halla “Dink”,
pero sí constituye una opción válida si se visiona al margen de expectativas y
con la mera intención de pasar unos momentos amenos y agradables.
En
la comedia americana se torna relativamente frecuente la intervención de
personajes famosos interpretándose a sí mismos. En esta ocasión, los
tenistasAndy Roddick y John McEnroe
aparecen en las imágenes, contribuyendo a la comicidad y a la conexión con el
público.
Protagoniza
la cinta Jake Johnson, fogueado en el medio televisivo y visto asimismo como
secundario en la gran pantalla (“Sin compromiso”, con Natalie Portman y Ashton
Kutcher; “Jurassic World”, junto a Chris Pratt y Bryce Dallas Howard).
Desarrolla su actuación con corrección y efectividad suficientes.
Le
dan la réplica en un segundo plano los conocidos Ed Harris (cuatro veces
candidato a la estatuilla dorada de Hollywood por “Las horas”, “Pollock”, “El
show de Truman” y “Apollo 13”), Mary Steenburgen (ganadora de dicho premio en
1982 por “Melvin and Howard” y presente en los repartos de “Philadelphia” o
“Criadas y señoras”) y Ben Stiller (“Reality Bites”, “La vida secreta de Walter
Mitty”).
El músico estadounidense Michael Gore nació el 5 de marzo de 1951. En su debut como compositor de bandas sonoras, obtuvo dos Oscars en 1981 gracias a su trabajo para la película "Fama". Junto al letrista Dean Pitchford se alzó con el de mejor canción original por "Fame", y ganó también el de mejor banda sonora original.
Tres años después repitió nominación a la estatuilla dorada por sus partituras para “La fuerza del cariño” (Terms of Endearment).
Otras de sus composiciones son “La chica de rosa” (“Pretty in Pink”), en 1988; “No le digas que soy yo” (“The Boyfriend School”), en 1990; “Una bruja en Nueva York” (“The Butcher's Wife”) en 1991; o “Un marido para mi mujer” (“Mr. Wonderful”), en 1993.
Gore y Pitchford estrenaron asimismo en las tablas de Broadway "Carrie: The Musical", escrito por Lawrence D. Cohen y basado en la novela homónima de Stephen King publicada en 1974.
Christopher
Nolan se ha convertido en el cineasta moderno más influyente de este siglo. Más
allá de su excelente capacidad narrativa, su meticulosidad técnica y su
habilidad para sorprender visualmente y provocar un torbellino de sensaciones
en los espectadores, el repaso a su filmografía es, posiblemente, el mejor manual
de aprendizaje para quienes deseen adentrarse en el universo de la
cinematografía. Virtuoso y versátil, se interna en el género de acción, en la
ciencia ficción, en el drama o en la fantasía con naturalidad y, sobre todo,
con eficacia. Tan pronto aborda la biografía de un físico célebre como se
impulsa hacia el espacio sideral. Oscar al mejor director por la impecable “Oppenheimer”
y responsable de dos joyas como “Interstellar” y “Origen”, así como de la más
destacada trilogía sobre un superhéroe jamás filmada (la de Batman), incluso sus
obras menos populares (“Memento”, “El truco final”) presentan unos
sorprendentes niveles de entretenimiento, originalidad y calidad.
Ahora
ha decidido recrear el clásico de Homero “La Odisea”. A título personal, la
mitología griega no me atrae en exceso, de modo que observo con bastante
distancia sus monstruos, deidades y alegorías. En consecuencia, me asombra la
exquisitez técnica de una considerable parte del metraje, pero no me basta para
involucrarme en esa trama dominada por las leyendas y las fábulas mágicas.Sin embargo, sí reconozco que representa a la
perfección la vanidad, la estupidez y la mediocridad de los seres humanos, a
quienes acompañan unos dioses caprichosos, arbitrarios e incomprensibles.
No
obstante, y a medida que avanza la proyección, las piezas encajan y se percibe
de manera óptima la ingente cantidad de metáforas y lecciones vitales vigentes
en pleno siglo XXI, y se concluye que aquellos poemas cantados en el siglo VIII
antes de Cristo servían también entonces para evidenciar la mezquindad humana y
la incoherencia divina. Pasan los siglos, pero las esencias no cambian, de tal
manera que la cinta, trascendiendo a sus logros artísticos, es de visión
obligada en atención a sus clases prácticas de humanismo. Su última frase
resulta, en ese sentido, lapidaria: la civilización decae, pero olvidamos
nuestros errores.
Tras
la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso
a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan
desde hace mucho tiempo mientras protegen su reino de los numerosos
pretendientes que acechan el trono. Ese camino de vuelta se convertirá en una
epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas
mitológicas que pondrán a prueba, no sólo su ingenio y valentía, sino también
su propia humanidad.
Con
una fotografía imponente y una dirección artística portentosa, la narración
aguanta con firmeza sus casi tres horas de duración. Se nota la devoción y la
implicación personal de Nolan por esta historia, transformada en un proyecto
complejo y valiente que resiste a base de brillantez y competencia. Sin
alcanzar la cima de mis largometrajes favoritos del realizador, acrecienta su
mito y ese sello intransferible que le hace formar parte del olimpo de
cineastas que han marcado y siguen marcando la historia del Séptimo Arte. Posee
varias secuencias que pasarán a la historia del cine.
Encabeza
el majestuoso equipo actoral Matt Damon (protagonista de la saga “Bourne” y con
excelentes interpretaciones en “El talento de Mr. Ripley”, “Ford v Ferrari”,
“El indomable Will Hunting” o “Más allá de la vida”), acompañado por Anne
Hathaway (“Los miserables”, “El diablo viste de Prada”), Charlize Theron (“Las
normas de la casa de la sidra”, “Monster”), Zendaya (“Dune Parte 2”, “The
Drama”), Robert Pattinson (“Crepúsculo”, “La ciudad perdida de Z”), Tom Holland
(“Lo imposible”, “Spiderman”), John Leguizamo (“Moulin Rouge”, “Atrapado por su
pasado”), Mia Goth (“Frankenstein” de Guillermo del Toro), Lupita Nyong'o (“12
años de esclavitud”, “Black Panther”) y Samantha Morton (“Minority Report”, “Elizabeth:
la edad de oro”). Todos ellos realizan su labor con corrección, si bien
desearía destacar la inolvidable actuación de Damon y la forma en la que
Zendaya logra cautivar sobremanera a través de la pantalla en cada uno de sus
planos.
Evángelos Odysséas Papathanassíou, conocido artísticamente
con Vangelis, nació el 29 de marzo de 1943 y falleció el 17 de mayo de 2022. Músico y compositor de bandas sonoras, obtuvo un Oscar en 1982 por su
composición para la película “Carros de fuego”.
En los años ochenta popularizó sus temas en
largometrajes como “Missing” de Costa-Gavras (1982), “Blade Runner” de Ridley
Scott (1985) o “Motín a bordo” de Roger Donaldson (1984).
Ya en la década de los noventa destacaron sus aportaciones para “Lunas
de hiel”, de Roman Polanski (1992) o “1492: la conquista del paraíso”, de nuevo
con Ridley Scott (1992).
Entre sus últimos trabajos sobresalen los de “Alejandro Magno”, de
Oliver Stone (2004) o “El Greco”, de Yannis Smaragdis (2007)
En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre
a un asteroide: el “(6354) Vangelis”.
La
película "A 500 millas de casa", dirigida por el cineasta británico
Morgan Matthews, se ha convertido en una pequeña sorpresa cinematográfica de
este año. No ha acaparado grandes recaudaciones ni titulares, pero sí ha
terminado por hacerse un hueco a base de la lenta (aunque efectiva) vía de los
comentarios del público. Adaptación de una exitosa novela juvenil de Mark
Lowery, la cinta destila en todo momento ese tono tierno y casi infantil que
puede tanto enganchar como disgustar, usando sin disimulo el recurso de la
emotividad. Pese a poder ser catalogada como una “road movie”, el viaje (o, en
este caso, la huida) se alza como excusa para el desarrollo de los personajes y
se convierte en una evocadora reflexión sobre el duelo, la culpa y la
reconciliación familiar.
No
obstante, en bastantes tramos del metraje deambula peligrosamente por esa
delgada línea entre el afecto y una sensiblería que no convence. Dependerá de
cada espectador recaer en un lado u otro. Pero, en general, el tono resulta
grato y con un cierto regusto clásico que se agradece. Su realizador, sin
demasiada experiencia profesional en la gran pantalla, posee nada menos que
cuatro premios BAFTA en los ámbitos televisivo y documental. Por ello, evidencia
capacidad narrativa y construye cimientos emocionales suficientemente sólidos
como para sostener los cien minutos de proyección.
La
trama arranca en Sheffield, donde dos menores disfrutan de una infancia
aparentemente idílica. Sin embargo, el conflicto estalla cuando uno de ellos escucha
discutir a sus padres acerca de un inminente divorcio que amenaza con
separarlos. Con la ingenuidad y la determinación propias de la niñez, los hermanos
deciden escapar y recorrer las quinientas millas (unos ochocientos kilómetros) que
les separan de casa de su abuelo, esperanzados de que él arregle la situación. En
su camino, los muchachos avanzan gracias a su ingenio y a la ayuda de desconocidos,
hasta la aparición de una música callejera que huye de sus propios problemas y
se convierte en su protectora improvisada.
A
partir de ese momento, el largometraje adopta una estructura más aventurera,
para volver finalmente al drama. Matthews aprovecha el paisaje irlandés para
transformarlo en un personaje más del relato. El montaje juega asimismo con las
rupturas temporales y los recuerdos de tiempos pasados de los protagonistas,
preparando así la senda hacia un final enternecedor que incluye un giro
argumental quizás algo forzado, pero muy eficaz en cuanto al impacto que
provoca en el público.
Roman
Griffin Davis y Dexter Sol Ansell dan vida a ambos jóvenes. El primero ha participado
en algunos títulos conocidos, como “Jojo Rabits” (su debut en la actuación, que
le proporcionó una candidatura a los Globos de Oro) junto a Scarlett Johansson,
o “Silent Night”, en compañía de Keira Knightley. El segundo ha intervenido
fugazmente en varias entregas de “Los juegos del hambre” y en “Here”, de Robert
Zemeckis.
Bill
Nighy encarna al abuelo. Célebre y prolífico intérprete británico, optó al
Oscar por la deliciosa “Living” y trabajó en “Love Actually”, “Una cuestión de
tiempo” o “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto”. Asume una
importante dosis de la carga emocional y del peso actoral de esta historia.
De
modo secundario figuran Maisie Williams (vista en series televisivas como
“Juego de tronos”, “Doctor Who” o “Mary Shelley”), Clare Dunne (“Spider-Man:
Lejos de casa”, “Cosas pequeñas como estas”), Michael Socha (“Papillon”, “This
is England”) y Deirdre Monaghan (“Problemas de familia”).
Georges Delerue nació en Roubaix el 12 de marzo de 1925 y falleció en Los Ángeles el 20 de marzo de 1992. Compositor francés de música de cine, fue candidato al Oscar en cinco ocasiones, obteniéndolo por "Un pequeño romance" (1979).
Estudió en el Conservatorio de París y, muy posteriormente, entró en contacto con el movimiento denominado Nouvelle Vague, del que sería uno de sus autores preferidos. De hecho, sus composiciones han acompañado numerosas películas del director François Truffaut.
Entre sus trabajos cabe citar “Hiroshima, mon amour”, de Alain Resnais; “Jules y Jim”, de François Truffaut; “Ricas y famosas”, de George Cukor; “Silkwood”, de Mike Nichols; “Salvador” y “Platoon”, ambas de Oliver Stone; “Crímenes del corazón”, de Bruce Beresford o “Magnolias de acero”, de Herbert Ross.
Sus candidaturas a la estatuilla dorada de Hollywood se debieron a "Agnes de Dios” (1986), la ganadora “Un pequeño romance” (1980), Julia (1978), “El día del delfín” (1974) y “Ana de los mil días” (1970).
Obtuvo igualmente tres César del cine francés gracias a “El último metro” (1981), “El amor en fuga” (1980) y “¿Quiere ser el amante de mi mujer?” (1979).
El estreno oficial en cines de "La Odisea" -la nueva película de Christopher Nolan- tendrá lugar el próximo 17 de julio, aunque algunas salas ya han llevado a cabo un preestreno especial en formato IMAX.
"La Odisea" (The Odyssey) es una cinta épica de acción británica-estadounidense, escrita, dirigida y producida por Nolan, que se basa en el poema griego homónimo de Homero y en la que el actor Matt Damon da vida a Odiseo, el rey griego de Ítaca.
El film narra su largo y peligroso viaje de regreso a casa después de la Guerra de Troya, así como sus encuentros con seres míticos mientras intenta reunirse con su esposa, Penélope, interpretada por Anne Hathaway.
El reparto coral incluye a Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Samantha Morton, Zendaya y Charlize Theron, entre otros.
Nolan y su esposa, Emma Thomas, asumen también la producción a través de su compañía Syncopy Inc.
El actor Sam Neill falleció ayer a los 78 años, según ha informado su familia en un comunicado por Instagram: “La pérdida fue repentina e inesperada, pero bendecida por el hecho de que Sam permaneció libre de cáncer”.
Neill nació en Omagh, Irlanda del Norte, el 14 de septiembre de 1947, si bien tenía nacionalidad neozelandesa. Comenzó a destacar a finales de los ochenta gracias a sus intervenciones en “Un grito en la oscuridad” (1988), junto a Meryl Streep, o “Calma total” (1989), en compañía de Nicole Kidman. En 1990 formó parte del elenco de “La caza del Octubre Rojo”, encabezado por Sean Connery.
1993 fue uno de los momentos más relevantes de su carrera, al intervenir en “El piano”, de Jane Campion, y en “Parque Jurásico”, de Steven Spielberg, participando posteriormente en alguna de sus secuelas.
Rodó asimismo otros títulos, como “El hombre que susurraba a los caballos” (1998), de Robert Redford, o “Todos los días de mi vida” (2012), de Michael Sucsy.
Recibió tres nominaciones al Globo de Oro en categoría televisiva: “Merlín” (1992), “La historia de Mary Lindell” (1991) y “Reilly - As de espías” (1985).
En la historia del Séptimo Arte, el personaje de Robin Hood ha sido uno de los más llevados a la pantalla grande. Recuerdo versiones para todos los gustos. Desde las más antiguas (con Douglas Fairbanks o Errol Flynn) a las más modernas (con Russell Crowe o Taron Egerton). Desde las más aventureras (como la de Kevin Costner en 1991) a las más melancólicas (como la de Sean Connery en 1976). Desde la más cómica (que dirigió Mel Brooks en 1993) hasta la versión femenina (protagonizada por una adolescente Keira Knightley en 2001). Esta medieval leyenda inglesa ha estado presente en las carteleras década tras década desde que existe el cine. Algo tendrá, pues, este Robin de Locksley, si tantas veces se recurre a él para abordar nuevos proyectos. Ahora, en concreto, se estrena la última propuesta: “La muerte de Robin Hood”, encarnado para la ocasión por el actor australiano Hugh Jackman.
En algunos pasajes del metraje, al verle interpretar a un cansado y ya casi anciano héroe venido a menos, me hizo recordar otra de sus actuaciones que más me ha impresionado: dando vida en “Logan” a un Lobezno agotado y desconsolado, curtido en demasiadas batallas y con ansias de dejarlo todo atrás. Porque esta nueva visión del personaje en nada se parece a las cintas aventureras que muestran a un jovial, ágil e intrépido forajido, amado por el pueblo y odiado por los gobernantes. Aquí queda patente su declive y su ocaso. Tal vez sorprenda (y hasta disguste) a quienes esperen disfrutar con peleas de espadachines y vertiginosas contiendas entre buenos y malos, máxime por presentar al héroe de tal manera que los espectadores duden de su honorabilidad y mérito.
Por el contrario, se trata de un largometraje contemplativo e introspectivo que traslada el relato de un hombre extenuado de sí mismo y deseoso de liberarse del estigma de su pasado, por muy glorioso que lo consideren. En definitiva, el público ha de acercarse a esta obra como a un drama.
Michael Sarnoski (conocido por la compleja “Pig”, con Nicolas Cage al frente del elenco en 2019, o por “Un lugar tranquilo: Día 1”, precuela de “Un lugar tranquilo” -con el matrimonio formado por John Krasinski y Emily Blunt encabezando el reparto-) se sitúa tras la cámara. A mi juicio, lleva a cabo una buena labor de realización, si bien determinadas visiones melancólicas y reflexiones crepusculares se antojan un tanto pesadas y difíciles de digerir.
Robin Hood intenta lidiar con sus demonios tras una larga vida de crímenes y venganzas. Cuando en una sangrienta batalla resulta herido de gravedad, es enviado a un misterioso castillo para que curen sus heridas. Allí conocerá a una mujer que le ofrecerá una oportunidad de redención final y de descanso real.
Intérprete todoterreno, Hugh Jackman destaca en el musical, la comedia, la aventura y el drama sin aparente dificultad. Nominado al Oscar por “Los Miserables”, en su filmografía figuran títulos como “Prisioneros”, “El gran Showman” o la saga de Lobezno. Ejecuta su actuación con solvencia y acierto, demostrando ser un seguro en cualquier equipo artístico.
Le acompaña Jodie Comer, vista en la televisiva “Killing Eve” y en “El último duelo” o “Star Wars: Episodio IX - El ascenso de Skywalker”. Junto a ellos, Bill Skarsgård (“It”, “Nosferatu”) y Clive Russell (“Sherlock Holmes” de 2009, “El Rey Arturo” de 2004).
Howard Shore nació en Toronto el 18 de octubre de 1946.
Compositor canadiense de música para películas, ha estado nominado al Oscar en cuatro ocasiones, tanto en el apartado de mejor banda sonora como en el de mejor canción, habiendo obtenido tres estatuillas.
También cuenta con seis nominaciones a los BAFTA y otras seis a los Globos de Oro (de los que ha logrado tres).
Muy célebres son sus composiciones para “El silencio de los corderos” y para la saga de “El señor de los anillos”. Asimismo, colabora desde 1979 con el director David Cronenberg en todas sus cintas, a excepción de una.
Junto a los ya citados, cabe destacar sus trabajos para “Jo, ¡qué noche!” (1985), “La mosca” (1986), “Big” (1988), “Bésame antes de morir” (1991), “Mujer blanca soltera busca” (1992), “M. Butterfly” (1993), “Philadelphia” (1993), “Seven” (1995), “Copland” (1997), “El aviador” (2004), “Hugo” (2011) y “Spotlight” (2015).
En
1984, en plena efervescencia del éxito del “Superman” de Christopher Reeve
(para entonces ya se habían estrenado tres entregas de las aventuras del
célebre superhéroe), llegó a las pantallas “Supergirl”, interpretada por Helen
Slater. El resultado no respondió al previsto por sus productores, las críticas
fueron malas (o muy malas) y la recaudación en taquilla tampoco pudo maquillar dichas
impresiones, por mucho que entre los secundarios se encontraran rostros tan
populares y de indiscutible nivel como Faye Dunaway, Mia Farrow o Peter O'Toole.
A cuarenta y dos años vista, la apuesta se repite de la mano del reciente
“Superman” dirigido por James Gunn en 2025, y donde esta versión femenina de la
heroína aparece fugazmente.
Se
trata ahora de una cinta más eficaz y elaborada que su antecesora, aunque sin
llegar a despuntar en ningún momento. Refleja diversos aspectos en su
contra.De hecho, yo comencé a verla con
cierta resistencia, pues estoy muy saturado de propuestas a menudo cansinas y
reiterativas. Tal vez el problema se localicé en mí, pero en todo caso no puedo
dejar de mencionarlo.
De
otra parte, sus principales virtudes (además de la intérprete escogida, a la
que me referiré al final de esta crítica) se centran en distracciones y envoltorios
fastuosos que ocultan sus palpables carencias narrativas y de guion: un
despliegue de canciones potentes, luces de colores y desparpajo visual que no
se acompasan con una trama ni interesante ni atrayente.
El
realizador Craig Gillespie, quien llamó mi atención en “Yo, Tonya” (por cuya
actuación Margot Robbie recibió su primera nominación al Oscar), ha derivado
hacia una senda de personajes imaginarios que, a mi juicio, le ha hecho
retroceder. Dirigió “Cruella”, con Emma Stone encarnando a la malvada de Vil, y
a continuación se ha decantado por esta “Supergirl” si bien, en mi opinión, su
vertiente profesional mejora cuando se enfrenta a figuras reales.
Más
allá de cierto estilo llamativo en cuanto a la puesta en escena (desde el
vestuario a los efectos especiales), el film no supone una propuesta rigurosa
ni solvente, pese a que han dado la vuelta al personaje dotándolo de un oscuro
pasado que configura un presente más complejo. Lástima que ni la historia ni
sus compañeros de aventuras la acompañen adecuadamente.
Kara,
prima de Superman, se ha fortalecido con el transcurso del tiempo y debido
también a la caída de Krypton. Mientras viaja por diferentes lugares conoce a
Ruthye, una joven que busca venganza a causa del asesinato de su padre. Las dos
juntas inician una persecución contra un criminal enormemente peligroso,
durante la que se enfrentarán a una serie de peligros y de criaturas que
pueblan el lado más oscuro del universo. Kara deberá decidir si emplea su
fuerza para destruir o para proteger.
Desconozco
el futuro de este nuevo “spin off” de Superman ya que, en atención a su
rentabilidad económica, quizá dé lugar a un reguero de proyectos similares. Pero, si ya me parece un milagro que su metraje
alcance una duración de hora y tres cuartos, prefiero no imaginarme idéntica
situación en otros dos o tres largometrajes.
Milly
Alcock, la actriz que da vida a “Supergirl”, posee un físico distinto que le
proporciona cierto carisma en pantalla. Al igual que gran parte de los
espectadores, la conocí gracias a la serie “La casa del dragón”, como Rhaenyra
Targaryen en su época infantil (su principal trabajo a raíz de la repercusión
de la precuela de “Juego de tronos”). Lleva a cabo su labor con solvencia e intuyo
en ella capacidad artística para abordar otros retos que trasciendan a esta
heroína, por lo que convendrá seguirle la pista profesional.
Completan
el elenco David Corenswet (que repite como “Superman”), Eve Ridley (“The
Witcher”), Matthias Schoenaerts (“La chica danesa”, “De óxido y hueso”), Ferdinand
Kingsley (“Mank”) y Jason Momoa (“Aquaman”, “Dune: parte dos”).
Gabriel Yared nació en Beirut el 6 de octubre de 1949.
Compositor franco-libanés, conocido principalmente por sus trabajos en el cine
francés y estadounidense, posee un Oscar por la banda sonora de “El
paciente inglés” y ha estado nominado en otras dos ocasiones al máximo galardón de la
Academia de Cine de Hollywood (“Cold Mountain” y “El talento de Mr. Rippley”). Por dichos largometrajes recibió también premios y candidaturas a los Globos de
Oro.
Igualmente ha ganado el César, que otorga la Academia de Cine de Francia, por la música de “El amante”.
Destacan asimismo sus composiciones para “Betty Blue”
(1986), “La pasión de Camille Claudel” (1988), “City of Angels” (1998), “Mensaje
en una botella” (1999), “Un asunto real” (2012) o “Judy” (2019).
Bill Conti nació en Rhode Island el 13 de abril de 1942.
Compositor estadounidense de origen italiano y especializado en la música cinematográfica, ha estado tres veces nominado al Oscar, por sus bandas sonoras para “Rocky”, “Sólo para sus ojos” y “Elegidos para la gloria” (con la que finalmente ganó la preciada estatuilla de la Academia de Cine de Hollywood).
Comenzó a estudiar piano a los siete años, para ingresar posteriormente en la Universidad Estatal de Luisiana y en la Juilliard School of Music.
Aparte de para las películas ya mencionadas y la saga completa de “Rocky”, ha compuesto las partituras de “Harry y Tonto” (1974), “Una mujer descasada” (1978), “Gloria” (1980), “Evasión o victoria” (1981), “Karate Kid” (1984), “FX, Efectos mortales” (1985) o “Al filo de la noticia” (1987).
Asimismo, ha sido el director musical de las ceremonias de entrega de los Oscars durante varios años.
Resulta
lógico que la tormentosa realidad que vive nuestro planeta se cuele de alguna
manera en las manifestaciones artísticas. El cine, en consecuencia, tampoco
permanece ajeno a los conflictos políticos, migratorios y sociales que reflejan
a diario los medios de comunicación. Por ello, la tensa relación entre México y
Estados Unidos en plena segunda era del Ejecutivo de Donald Trump, así como los
cada vez más irresolubles problemas relativos a la inmigración, afloran en
“Dreams”, a veces de modo subliminal y a veces, explícito.
El
cineasta mejicano Michel Franco ya sorprendió por medio de su peculiar visión
de las disputas colectivas con la cinta “Nuevo orden”, ganadora del Festival de
Cine de Venecia en 2020. Posee una marcada preferencia por la descripción de
las desigualdades o, al menos, de las diferencias entre estratos sociales e
individuos que se interrelacionan.
En
ese sentido, “Dreams” aborda los mismos temas, pero desde otras perspectivas,
incidiendo en mayor medida en el ámbito sexual de los personajes y con una
disección más fría y distante en cuanto al aspecto político de su discurso. Se
subrayan numerosas metáforas y contradicciones, si bien esta trama se asemeja a
las tradicionales propuestas de parejas con entornos sociales alejados y
círculos que apenas se tocan.
Un
joven bailarín de ballet mexicano sueña con obtener el reconocimiento internacional
y vivir en EE.UU. Convencido de que su amante estadounidense, una filántropa de
la alta sociedad, lo apoyará, decide dejar todo atrás para cumplir su sueño.
Sin embargo, la pareja se halla mediatizada por los estereotipos que le imponen
a ella su familia y sus amigos, empezando a cuestionarse la compatibilidad
entre su estilo de vida y su relación amorosa.
Una
ajustada duración de apenas hora y media evita que el metraje resulte largo,
aunque, por momentos, la historia narrada no da para más, bien porque estar ya descrita,
bien por su similitud con otras que plantean idénticos temas, aun desde
distintos prismas. La deriva de ambos protagonistas y el escenario común en el
que se mueven sostienen al guion durante un tramo de la proyección, pero sin
impedir que se noten ciertas flaquezas narrativas.
“Dreams”
se estrenó en 2025 en el Festival de Cine de Berlín y, sin poder ser calificada
como una mala película, se sitúa claramente por debajo de otros títulos de su
realizador. Además de la mencionada “Nuevo orden”, sus trabajos en “Sundown”, “Después
de Lucía” o “Memory” dejan a este último largometraje un tanto desangelado ante
la comparación.
Jessica
Chastain encarna a la millonaria norteamericana. Ganadora de un Oscar por su
papel en “Los ojos de Tammy Faye”, prefiero sus actuaciones en “La noche más oscura”
y “Molly's Game”. En su currículum destacan filmes como “Interstellar”, la
curiosa trilogía de “La desaparición de Eleanor Rigby” y “Criadas y señoras”. Actriz
excelente, perfila a la perfección este personaje, dotándolo de solvencia y
credibilidad y convirtiéndolo en lo mejor de “Dreams”. El bailarín Isaac
Hernández debuta como actor con una interpretación correcta.
En
intervenciones secundarias les acompañan Rupert Friend (famoso por dar vida a Peter
Quinn en la magnífica serie de televisión “Homeland” y visto asimismo en
“Orgullo y Prejuicio”, de Joe Wright o “Asteroid City), y el menos conocido Marshall
Bell (“Desafío Total”, “Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto”).
Basil Poledouris fue un compositor de música de cine de origen griego, nacido en Estados Unidos el 21 de agosto de 1945 y fallecido el 8 de noviembre de 2006.
En los International Film Music Critics Award (IFMCA) estuvo nominado en cuatro ocasiones.
Son muy conocidas sus bandas sonoras para películas de acción y aventuras, destacando “El lago azul” (1980), “Conan el Bárbaro” (1982), “Conan el Destructor” (1984), “Amanecer rojo” (1984), “RoboCop” (1987), “La caza del Octubre Rojo” (1990), “Liberad a Willy” (1993) y “Entre el amor y el juego” (1999).
Se matriculó en la Universidad del Sur de California para estudiar cine y música. Allí conoció a los directores John Milius y Randal Kleiser, con los que más tarde terminó colaborando. La de "Conan el Bárbaro" se considera una de las mejores composiciones en este género cinematográfico.
En 1985 llevó a cabo su trabajo en “Los señores del acero” (Flesh & Blood), de Paul Verhoeven, suponiendo el primer encuentro entre ambos, que se repitió en “Starship Troopers” (1997).
