El músico inglés Clint Mansell nació el 7 de noviembre de 1963 e inicialmente fue vocalista principal de la banda de rock alternativo “Pop Will Eat Itself”.
Tras la disolución del grupo, se estableció Estados Unidos y empezó una carrera como compositor de bandas sonoras para películas.
En el cine comenzó de la mano del director Darren Aronofsky con sus dos primeras obras: “Pi, fe en el caos” (1998) y “Réquiem por un sueño” (2000), una de sus composiciones más aplaudidas.
Entre sus trabajos se encuentran “The Hole” (2001), “La fuente de la vida” (2006), “Definitivamente, quizá” (2008), “El luchador” (2008), “Moon” (2009), “Cisne negro” (2010), “Sólo una noche” (2010) y “Stoker” (2013).
Hace veintiocho años se estrenó “Prácticamente magia”, una película que pasó por la taquilla de forma discreta, pero que alcanzó cierta repercusión por la popularidad de sus dos actrices principales, Nicole Kidman y Sandra Bullock. Por aquel 1998 la primera venía de rodar “El pacificador” y su carrera estaba tomando impulso, además de que su matrimonio con Tom Cruise la situaba en las portadas de revistas y medios de comunicación. La segunda todavía saboreaba el gran éxito de “Speed” junto a Keanu Reeves y también se estaba consolidando en la industria. Esta fantasía cómica con toques sobrenaturales no destacó por nada en particular, pero fue un peldaño más en el ascenso de ambas intérpretes a lo que, años más tarde, fueron sus mejores años desde el punto de vista artístico.
Obviamente, resultaba del todo innecesario rodar su secuela, otro enésimo proyecto montado sobre la falsa ilusión de atrapar a los espectadores con la nostalgia del pasado pero que, en el fondo, alberga carencia de originalidad e incapacidad para asumir riesgos a través de nuevos guiones, personajes y situaciones. Se nota la artificialidad del producto y la pretensión de alargar de forma redundante lo que quedó perfectamente cerrado hace casi tres décadas.
El hecho de que Kidman y Bullock produzcan también “Prácticamente magia 2” (junto con Denise Di Novi) evidencia que ellas se han empeñado en retomar esta historia. Ignoro los motivos. Desde luego, si confiaban en impulsar de ese modo unas carreras en cierto declive, no parece el camino más adecuado.
En esta ocasión, ha variado el realizador, cambiando al actor y director Griffin Dunne (más célebre por interpretar algunos títulos como “¡Jo, qué noche!”, de Martin Scorsese o “Un hombre lobo americano en Londres”, de John Landis) por Susanne Bier, cineasta danesa que se dio a conocer internacionalmente con varias cintas rodadas bajo los parámetros del movimiento fílmico “Dogma 95” y cuyo largometraje “En un mundo mejor” ganó en 2011 el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Brier se deja arrastrar aquí por la inercia y la apatía que suelen asociarse a este tipo de producciones, firmando un trabajo que no termina de destacar por nada en concreto.
Las aventuras de estas dos brujas que luchan contra predestinaciones y maldiciones familiares pueden entretener a los incondicionales de la entrega inicial o a los admiradores de las protagonistas. Si bien cabe calificar alguna secuencia como acertada, las más de dos horas de metraje se antojan excesivas y superfluas en su mayor parte.
La principal baza a su favor radica en el casting. No hay que olvidar que Nicole Kidman y Sandra Bullock se consolidaron tras filmar “Prácticamente magia” y que se alzaron con sus estatuillas doradas de Hollywood (Kidman, por “Las horas”; Bullock por “The Blind Side: Un sueño posible”), disfrutando desde entonces de una posición firme en el complejo universo del Séptimo Arte. Sin embargo, esta última propuesta no aporta nada a sus respectivas filmografías.
Acompañan de nuevo a las dos estrellas Dianne Wiest y Stockard Channing, con cuyos papeles de menor protagonismo garantizan siempre unas actuaciones destacadas. La primera ha recibido sendos Oscars por su participación en dos creaciones de Woody Allen (“Hannah y sus hermanas” y “Balas sobre Broadway”). La segunda, después del éxito de “Grease” en 1978, ha intervenido en las interesantes “Se acabó el pastel” o “Seis grados de separación”.
Entre las nuevas incorporaciones figuran Joey King (“Bullet Train”, “Independence Day: Contraataque”) y Maisie Williams (“Juego de tronos”, “El libro del amor”).
‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy, se ha alzado con el prestigioso León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia. Asimismo, Mathilde Arcel, protagonista de ‘Woman Unknown’, recibió la Copa Volpi a la mejor actriz, estrenándose también como protagonista de un film. Por su parte, el actor John Malkovich ganó la Copa Volpi al mejor actor por su interpretación en ‘Wild Horse Nine’.
LISTADO DE GALARDONES
Selección Oficial
León de Oro a la mejor película: ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy
León de Plata – Gran Premio del Jurado: ‘Possible Love’, de Lee Chang-dong
León de Plata – Mejor dirección: Iliá Jrzhanovski, por ‘DAU’
Copa Volpi a la mejor actriz: Mathilde Arcel por ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy
Copa Volpi al mejor actor: John Malkovich por ‘Wild Horse Nine’, de Martin McDonagh
Mejor guión: Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce por ‘Un bon petit soldat’, de Brizé
Premio Especial del Jurado: ‘Naza’, de Yuval Abraham y Rachel Szor
Premio Marcello Mastroianni al mejor intérprete emergente: Malou Khebizi por ’15/18′, de Cédric Kahn
Sección Horizontes (dedicada a las nuevas vanguardias)
Mejor película: ‘Un détour par Diane’, de Ann Sirot y Raphaël Balboni
Mejor dirección: Jacqueline Lentzou por ‘A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra’
Premio Especial del Jurado: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu
Mejor actriz: Laleh Marzban por ‘Moragheb’ (‘Falling House’)
Mejor actor: Riccardo Scamarcio por ‘I figli della scimmia’
Mejor guión: Tommaso Landucci y Damiano Femfert por ‘I figli della scimmia’
Mejor cortometraje: ‘Quelques instants de bonheur’, de Shaden Safieddine Tazi.
Venecia Spotlight (centrada en obras innovadoras y originales en su relación con el público)
Premio del público: ‘I matter’, de Alina Şerban
León del Futuro, Premio Venecia Ópera Prima: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu
Venecia Clásicos
Mejor restauración: ‘La lunga notte del ’43’, de Florestano Vancini
Venecia Inmersiva
Gran Premio: ‘The Pigeon Ring’, de Yuqi Zhang y Shixin Tao
Premio Especial del Jurado: ‘Out of the Ashes’, de Rory Mitchell y Nonny de la Peña
Premio a la dirección: Peter Flaherty por ‘Empire at Sea’
La
semana pasada tuvo lugar a nivel mundial el estreno de la película “Mayday”,
expresión inglesa que designa una señal internacional de petición de ayuda o
socorro. Es posible que cuando los responsables del proyecto eligieron tal
nombre implícitamente quisieran expresar algo más que el título del
largometraje. “Mayday”, que se emite a través de la plataforma Apple Tv, debe
encuadrarse dentro de la subcategoría de la parodia, una especie de comedia con
reglas propias que recurre al absurdo como vehículo para provocar la risa. A mi
juicio, sin embargo, se trata de un peligroso camino. El sentido del humor
resulta siempre muy subjetivo y cada persona se divierte a su manera, por lo que,
al bordear dicho absurdo, se corre el riesgo de cruzar la delgada línea entre
la comicidad y la extravagancia carente de gracia. A mí me ocurre, por ejemplo,
con la saga “Agárralo como puedas”, protagonizada por Leslie Nielsen, donde
algunas concretas escenas contempladas individualmente provocan hilaridad, pero
dentro de una proyección de dos horas terminan por indigestarme.
En
ese sentido, “Mayday” cuenta con un elenco de actores conocidos, una
realización técnica correcta y varias secuencias de innegable agudeza capaces
de hacer sonreír al público, si bien esos recursos no sostienen los ciento diez
minutos de duración, además de que, en determinados momentos, se introducen
determinados elementos más propios del género de acción e intriga y que no acaban
de combinar adecuadamente con el resto del guion. Se trata de una cinta de
espías con numerosas referencias burlescas a “Top Gun” y que se presenta como
una “bromance”, concepto que desconocía por completo hasta que me topé con la
promoción del film y que, al parecer, se refiere a una relación afectiva
intensa, muy cercana y de apoyo mutuo entre dos o más hombres, y que trasciende
la amistad tradicional, aunque prescindiendo del carácter sexual. Acudir a esta
clase de palabras prefabricadas ya supone, en mi opinión, otra parodia.
John
Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, responsables de “Noche de juegos” y “Dungeons
& Dragons: Honor entre ladrones” comparten la labor de dirección y guion. Se
nota que se divierten y que poseen un estilo desenfadado y disparatado. Incluso
logran, al menos por lo que a mí respecta, transmitir esa sensación de
entretenimiento jocoso en algunas partes del metraje. Sin embargo, se torna
demasiado infantil y facilón en su conjunto.
Un
teniente de la Marina estadounidense es enviado a una misión secreta a
territorio de Rusia en mitad de la Guerra Fría, pero la operación termina
fracasando y queda atrapado tras las líneas enemigas. Un extraño hombre ruso, ex
agente de la KGB, aunque enamorado en realidad de la cultura norteamericana, lo
encuentra. Entre ellos surge una insólita alianza, al tiempo que los altos
mandos soviéticos buscan al intruso.
Sorprende
ver en este proyecto al actor y realizador Kenneth Branagh, quien se dio a
conocer por medio de sus adaptaciones de obras de William Shakespeare y cuya
filmografía se alza tan dispar como errática. Tan pronto dirige “Belfast” o
“Hamlet” como una innecesaria versión de “Cenicienta” o sus recargadas y
saturadas representaciones sobre el detective Hércules Poirot. Cabe esperar de
él lo mejor y lo peor. En esta ocasión no se le puede atribuir ningún demérito,
por mucho que a mí me cueste entender qué le interesó de esta propuesta. Interpreta al individuo encandilado por el
mismo personaje que encarnó Tom Cruise en “Top Gun”. Ryan Reynolds, muy alejado
de mis preferencias artísticas si exceptúo las varias veces que he visionado
“Definitivamente, quizás”, da vida al piloto perdido. Junto a ellos intervienen
David Morse (“La milla verde”, “Contact”, “En tierra hostil”) y Maria Bakalova,
quien se ponía en la piel de Ivana Trump en “The Apprentice (La historia de
Trump)”.
La 74ª edición del Festival de Cine de San Sebastián se celebrará entre los próximos días 18 y 26 de septiembre. Las películas anunciadas para competir por la Concha de Oro son las siguientes:
Geister / Ghost Song — Fatih Akin (Inauguración a concurso)
El mal padre — Roberto Bueso
5 minutos más — Javier Ruiz Caldera
Sants / Saints — Mikel Gurrea
7:40 ce matin-là / Milo — Nicole Garcia
Artakalan / What Remains — Yeşim Ustaoğlu
Bian jing / Border — Ah Biao
The Debut — Jesse Eisenberg
Les Misérables (Los Miserables) — Fred Cavayé
Garrat du váimmu / Brace Your Heart — Amanda Kernell
Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son — Gabriel Martins
Krux — Tony Vahl
Muyou no hito / In My Father's Room — Maha Harada
Fuera de Competición / Clausura
Le Faux Soir — Michaël R. Roskam
Premios Donostia
En esta edición se reconocen las trayectorias del director Werner Herzog y de la actriz Naomi Watts.
El cineasta neoyorkino Will Gluck parece sentirse muy cómodo en la comedia, dado que su filmografía se inserta al completo en dicho género. Ha tenido la fortuna (o la habilidad) de contar con intérpretes populares y atractivos, sobre todo para el público juvenil, lo que a buen seguro le ha ayudado a alcanzar notables resultados en las taquillas. “Rumores y mentiras” (2010), protagonizada por Emma Stone; “Con derecho a roce” (2011), junto a Mila Kunis y Justin Timberlake; la versión de “Annie” (2014), con Cameron Díaz y Jamie Foxx; o “Cualquiera menos tú” (2023), cuyo elenco encabezaron Sydney Sweeney y Glen Powell, conforman un ramillete de películas más o menos similares y con ese tono ligero, insustancial y divertido que se acomoda perfectamente a estos tiempos estivales.
Ahora reincide en los aciertos y en los errores de sus anteriores trabajos con “Una noche al año” (One Night Only), sin mostrar reparos por el hecho de que se le encasille en este tipo de propuestas redundantes y repetitivas. Dichas comedias, a las que con tanta facilidad se califica de románticas, reúnen a millones de devotos espectadores que las visionan con agrado. Yo mismo, en algunos casos, he visto infinidad de veces “Cuando Harry encontró a Sally” o “Algo para recordar” y continuaré haciéndolo, aunque considero que estos filmes de finales de los ochenta y principios de los noventa se hallan a años luz de cualquier cinta de Gluck. “Una noche al año” contiene cierto encanto capaz de engatusar, si bien su guion, gracia y comicidad no pasan de mediocres. Más allá de su absurda premisa inicial (una ley prohíbe el sexo extramatrimonial durante 364 días al año y concede una única jornada anual para un desenfreno libre de ataduras y que ha llevado a publicistas y responsables de marketing a considerar tal propuesta como una especie de “La purga” en la esfera sexual), la trayectoria del realizador se torna a estas alturas muy previsible y carente de interés.
Pese a una duración que apenas sobrepasa la hora y media, es imposible dejar de mirar el reloj durante varios momentos del metraje, confirmando los peores presagios de ausencia de entretenimiento. Su supuesta originalidad radica en la extravagancia de la trama, pero, allende el indudable gancho de sus protagonistas, el relato pierde fuerza demasiado pronto.
En cuanto a la parte que refleja el control social y la represión estatal de los niveles de intimidad, al margen de rozar lo descabellado, no combina adecuadamente con el aspecto sentimental de la narración. Lejos de llegar a entender si se trata de una crítica, una sátira o un mero pasatiempo, el largometraje defrauda en su conjunto.
No obstante, procede salvar y hasta destacar tanto a Monica Barbaro como a Callum Turner. La primera ya ha estado nominada al Oscar por su excelente actuación en “Un completo desconocido” y ha disfrutado de las mieles del éxito de la recaudación con “Top Gun: Maverick”. Logra rescatar varias escenas gracias a su presencia e interpretación. Él, a su vez, ha participado en varias entregas de la saga “Animales fantásticos” y en otros títulos como “Canción de Nueva York” o la versión de “Emma”, de Autumn de Wilde. Da la réplica adecuada a su compañera de reparto.
A cargo de papeles secundarios les acompañan Maya Hawke (hija de los actores Ethan Hawke y Uma Thurman, y vista en la serie de televisión “Stranger Things”), Molly Ringwald (icono ochentero tras sus intervenciones en “El club de los cinco” o “La chica de rosa”) y Julia Fox (“Diamantes en bruto”).
Ludwig Göransson nació en Suecia el 1 de septiembre de 1984. Compositor y músico, ha logrado una notable fama en el mundo del cine gracias, sobre todo, a sus bandas sonoras para Christopher Nolan y Ryan Coogler.
Su primer trabajo tuvo lugar en 2007 en la cinta “Happy Holidays”, de Sassy Mohen. En 2013 comenzó su colaboración con Coogler, en “Fruitvale Station”, colaborando con dicho cineasta en “Creed” (2015), “Black Panther” (2018), “Black Panther: Wakanda Forever” (2022) y “Sinners” (2025).
Su primera obra para Christopher Nolan fue “Tenet” (2020), a la que siguieron “Oppenheimer” (2023) y “La odisea” (2026).
Ha ganado tres Oscars de la Academia de Hollywood (“Black Panther”, “Oppenheimer” y “Sinners”) y un Globo de Oro (“Oppenheimer”).
