MUÑECO DIABÓLICO (Child's Play)

Se cumplen tres décadas del estreno en España de la película “Muñeco diabólico” (1988), que llegó a las salas de nuestro país un año después. La propuesta, un tanto ridícula, contenía un argumento absurdo. Aun así, por alguna inexplicable razón, obtuvo cierta repercusión. Los ingredientes para cocinar aquel terrorífico guiso fueron un niño pequeño, una madre soltera y un malvado espíritu que habitaba en el interior de un juguete, dando como resultado uno de esos productos que tienen sentido en la mente de sus creadores pero que lo pierden cuando deben ser explicados en voz alta, momento en el que se pone de manifiesto la magnitud de la ridiculez. En el presente largometraje sucede una circunstancia similar. A ratos cumple con los objetivos previstos pero, cuando hay que traducirlo en palabras, constatas la magnitud de la memez que te han colado. 

Pero lo cierto es que aquella cinta originaria que parecía estar destinada al olvido se ha convertido en una longeva saga que incluye las también espantosas “Muñeco diabólico 2”, “Muñeco diabólico 3”, “La novia de Chucky” (las actrices Jennifer Tilly y Katherine Heigl todavía se están arrepintiendo de su participación), “La semilla de Chucky”, “La maldición de Chucky” y “Cult of Chucky”, exhibida en la pasada edición del Sitges Film Festival y destinada directamente a los formatos DVD y Blu-ray. Alex Vincent, aquel tierno pequeño de la primera entrega, hipotecó su carrera participando hasta en cuatro de los títulos (en el último, como treintañero desubicado). Sobra decir que si el film inicial avergonzaba con un cierto disimulo, los siguientes ya lo hacían a las claras. Para colmo, si bien el paso directo de “Cult of Chucky” al consumo doméstico invitaba a adivinar el entierro definitivo de la franquicia, la realidad es que no ha sido así. 

Por desgracia, la actual deriva de la industria del cine consiste en alargar los proyectos en el tiempo hasta esquilmarlos por completo para, desde su total hundimiento, reiniciarlos de nuevo. Esa ha sido la vía por la que recibimos al “Muñeco diabólico” por enésima vez. Y es que la verdadera pesadilla, esa que me produce auténtico pánico, no es otra que la absoluta falta de visión, originalidad y valentía que reflejan la mayoría de los productores norteamericanos y que debería provocar entre los aficionados al Séptimo Arte un profundo terror. Seth Grahame-Smith y David Katzenberg (responsables, entre otras, de “Abraham Lincoln: cazador de vampiros”, “Orgullo y prejuicio y zombies” o la reciente readaptación de “It”) encargaron al director noruego Lars Klevberg que resucitara al juguete Chucky y el resultado ha sido el previsible. A medida que se insiste en una misma idea, aumenta el grado del esperpento. En este caso lo más diabólico, sin duda, son unos productores empeñados en desgastar, repetir y exprimir trabajos anteriores para venderse como sus modernizadores. Sin embargo, esta moda perversa de, con esta excusa, volver a rodar para las nuevas generaciones filmes antiguos constituye, como regla general, un timo de proporciones descomunales. 

Hay que decir que el argumento no varía, de modo que la sorpresa no tiene cabida. Pero, como elemento diferenciador respecto al título de 1988, lo que se ve ni siquiera tiene sentido en la mente del espectador. El salto a la verbalización para que el despropósito resulte obvio es, pues, innecesario. La escasa hora y media de metraje se hace eterna y la imposibilidad de causar miedo, patente. A mi juicio, y visto lo visto, lo preferible es que el público actual recurra a la cinta de Tom Holland. Creo que tampoco les gustará pero, al menos, posee un aire retro y cutre con el que podrán disfrutar. 

Dentro del equipo artístico destaca la colaboración de Mark Hamill, el mismísimo Luke Skywalker, que aquí se limita a prestar su voz al muñeco (en la versión original, claro está). Junto a él intervienen Aubrey Plaza (“Seguridad no garantizada”, “Scott Pilgrim contra el mundo”), Gabriel Bateman (“Annabelle”) y Brian Tyree Henry (“Viudas”, “El blues de Beale Street”). Dios quiera que no nos hallemos ante el punto de partida de otra saga -aunque será lo más probable-. Por cierto, la citada pareja de productores ha finalizado la segunda parte de “It” (“It: Capítulo 2”), que se estrenará este mismo año, y ha anunciado los rodajes de “Gremlins 3” y “Beetlejuice 2”. Lo dicho. Que los realmente diabólicos son ellos.

Trailer en castellano 

Trailer en versión original

Datos del filme

Título original: Child's Play
Año: 2019
Duración: 90 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Lars Klevberg
Guion: Tyler Burton Smith (Personajes: Don Mancini)
Música: Bear McCreary
Fotografía: Brendan Uegama
Reparto: Aubrey Plaza, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, Gabriel Bateman

20 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE MATRIX (20th Anniversary of the Premiere of "Matrix")

Se cumplen veinte años del estreno de “Matrix”, cinta de ciencia ficción protagonizada por Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss y Hugo Weaving. En 1999, los hermanos Larry y Andy Wachowski revolucionaron el género con este largometraje de artes marciales, efectos visuales rompedores, estética cercana al videojuego y guión con tintes filosóficos. 

La película ganó cuatro Oscars (efectos visuales, sonido, montaje y montaje de efectos sonoros) y, con un presupuesto de sesenta y tres millones de dólares, logró recaudar más de cuatrocientos sesenta a nivel mundial. Contó con dos secuelas,  “The Matrix Reloaded” y “The Matrix Revolutions”, ambas estrenadas en 2003. 

La historia nos presenta un futuro en el que, tras una dura guerra, casi todos los seres humanos han sido esclavizados por las máquinas y las inteligencias artificiales. Éstas los mantienen en suspensión, con sus mentes conectadas a una realidad virtual que representa el final del siglo XX, Matrix. Los hombres son usados para obtener energía y los pocos que no están suspendidos o que han sido liberados viven en la ciudad de Zion y disponen de naves que se mueven por el subsuelo para entrar de forma clandestina a Matrix y liberar a otros conectados. Morfeo (Laurence Fishburne) cree que hay alguien en Matrix que es “El Elegido”, llamado según una profecía a acabar con la guerra y con la maquinaria, y que puede tratarse de Neo (Keanu Reeves), un pirata informático que vive atrapado en Matrix. Éste es liberado gracias a la acción de Trinity (Carrie-Anne Moss), miembro de la tripulación de Morfeo, pero al mismo tiempo es perseguido por unos personajes virtuales creados por programas de la Matrix, unos agentes liderados por Smith (Hugo Weaving) que pretenden acceder a los computadores de Zion gracias a la traición de otro subordinado de Morfeo, Cypher. Dichos agentes consiguen capturar finalmente a Morfeo, de modo que Neo se ve forzado a rescatarle arriesgando su propia vida. En efecto, al final de la primera película,Neo se revelará como “El Elegido”.

Escenas de la película

EMMA SUÁREZ

Emma Suárez nació en Madrid el 25 de junio de 1964. Actriz española ganadora de tres premios Goya, inició su carrera cinematográfica en la adolescencia, al resultar elegida para protagonizar la película “Memorias de Leticia Valle” (1980), adaptación de una novela de Rosa Chacel. 

En los años ochenta trabajó con José Luis Garci en “Sesión continua” (1984), con Carlos Suarez en “El jardín secreto” (1984), con José Luis Borau en “Tata mía” (1986) y con Isabel Coixet en “Demasiado viejo para morir joven” (1989). 

Durante la década de los 90 se significó por sus colaboraciones con el director y guionista vasco Julio Medem, con quien filmó las cintas “Vacas” (1992), “La ardilla roja” (1993) y “Tierra” (1996). Por la segunda fue nominada al Goya como mejor actriz principal, galardón que obtuvo finalmente al dar vida a la condesa de Belflor en “El perro del hortelano” (1996), film realizado por la desaparecida cineasta Pilar Miró sobre una obra del escritor Lope de Vega. 

Once años después Emma volvió a ser candidata al Goya por “Bajo las estrellas” (2007), de Félix Viscarret y figura también en su filmografía “La ciudad de los prodigios” (1999), de Mario Camus, basada en una novela de Eduardo Mendoza. 

2016 fue especialmente prolífico prolífico en su trayectoria artística, ya que intervino en “Julieta”, de Pedro Almodóvar, “La próxima piel”, “Las furias" y “Falling”. Por la primera volvió a hacerse con el máximo galardón del cine español y, en la misma edición, ganó además el premio a la mejor actriz de reparto por “La próxima piel”, de Isaki Lacuesta.

Escena de "El perro del hortelano"

Escena de "El jardín secreto"

TOLKIEN

El punto fuerte de la película “Tolkien” es, sin ninguna duda, su cuidada ambientación, su armonioso sentido estético. Sin embargo, dicha afirmación aúna el halago y la crítica, ya que describe una de esas elegantes y precisas producciones donde vestuario, dirección artística y fotografía conducen al espectador a una atrayente atmósfera de cine de época pero, al mismo tiempo, desatienden la contundencia del guion y reflejan debilidad en la dirección. El embelesamiento visual surte su efecto durante un tiempo, pero se termina echando de menos una mayor enjundia en la trama y una superior valentía en la realización. Viendo el tráiler es posible morder el anzuelo, a juzgar por la similitud con otras cintas de corte anglosajón que transcurren a principios del siglo pasado y que ofrecen, además de una sólida recreación de decorados y una ornamentación exquisita, argumentos consistentes y actuaciones memorables. Las expectativas estéticas se cumplen con creces y las interpretativas, en buena medida. Pero tanto el ritmo narrativo como la robustez de la historia se resienten y dan lugar a un largometraje que se percibe blando. 

Ciertamente, el personaje que da origen al título resulta muy atrayente: John Ronald Reuel Tolkien, escritor, militar y profesor universitario británico, nacido en la actual Sudáfrica y mundialmente famoso por novelas de género fantástico como “El Señor de los Anillos” o “El Hobbit”, ya adaptadas a la pantalla grande a través de consagradas sagas cinematográficas. Los adeptos a sus relatos se cuentan por millones y su peculiar universo transmite una filosofía cuasireligiosa que engancha a personas de diferentes culturas y distintos pensamientos. En definitiva, se trata de una propuesta interesante, pero también entraña un desafío considerable. Y dicho reto se logra sólo en parte, habida cuenta que la obra resulta bonita, pero demasiado tópica y lineal. Aun así, los seguidores más acérrimos de Tolkien quedarán satisfechos con su protagonismo. 

La época se centra en los años de formación del autor, cuando halla amistad e inspiración entre un grupo de escritores y artistas de la escuela, incluido el amor de su vida, Edith Bratt. Estas experiencias, unidas a la influencia del estallido de la Primera Guerra Mundial, inspirarán a Tolkien sus famosos libros sobre la Tierra Media. El chipriota Dome Karukoski, cineasta desconocido para el público español, es el responsable del film. Más popular resulta uno de los guionistas, Stephen Beresford, que ganó un BAFTA como realizador por la cinta “Pride” (2014), ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes y nominada también al Globo de Oro a la mejor comedia o musical. 

Más allá de unas imágenes bien rodadas y de unas secuencias emotivas a salvo de cualquier reproche, se impone la sensación de transitar por una senda excesivamente convencional y un tanto anodina, necesitada de ritmo narrativo lo que, pese a una notable realización que compensa gran parte de sus carencias, le sitúa muy lejos de los títulos de referencia del género. Con esa puntualidad inglesa del tradicional té de las cinco, encandilará sobre todo a un público que desee sumergirse de modo nostálgico y sentimental en un emotiva recreación histórica. 

La pareja protagonista lleva a cabo unas acertadas y meritorias actuaciones. El ya adulto Nicholas Hoult (aquel pequeño que desquiciaba a Hugh Grant en “Un niño grande”) ha tenido la oportunidad de participar en cuatro entregas de la saga “X Men”, en la premiada “La favorita” y en “Un hombre soltero”. Demuestra versatilidad y oficio, sin desentonar en ningún momento. En cuanto a Lily Collins, ha intervenido en “La excepción a la regla”, “Un invierno en la playa” y, actualmente, en “Extremadamente cruel, malvado y perverso”, a través de Netflix. Les acompañan Colm Meaney, prolífico actor irlandés que tan pronto figura en filmes como “Alerta máxima” y “Con Air” como en “Dublineses”, de John Huston o “The Commitments”, de Alan Parker, y el jovencísimo Guillermo Bedward, todavía en cartelera gracias a “Rocketman”, biopic del cantante Elton John.

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Datos del filme

Título original: Tolkien
Año: 2019
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Dome Karukoski
Guion: David Gleeson, Stephen Beresford
Música: Thomas Newman
Fotografía: Lasse Frank Johannessen
Reparto: Nicholas Hoult, Lily Collins, Genevieve O'Reilly, Colm Meaney

KATHLEEN TURNER

Kathleen Turner nació en Misuri el 19 de junio de 1954. Actriz estadounidense premiada con dos Globos de Oro y candidata al Oscar de Hollywood, se convirtió en estrella gracias a su debut cinematográfico, “Fuego en el cuerpo” (1981), thriller dirigido por Lawrence Kasdan y co-protagonizado por William Hurt. 

A las órdenes de John Huston en “El honor de los Prizzi” (1985), obtuvo una nominación a la estatuilla dorada y un año después recibió el prestigioso Globo de Oro por su interpretación en “Peggy Sue se casó” (1986), de Francis Ford Coppola. Asimismo, se encargó de dar voz a Jessica Rabbit en “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” (1988). 

En la década de los ochenta compartió créditos en varias ocasiones con el actor Michael Douglas, convirtiéndose en una de las parejas de mayor éxito merced a las cintas de aventuras “Tras el corazón verde” (1984) -que le reportaría su segundo Globo de Oro- y “La joya del Nilo” (1985), así como a la comedia “La guerra de los Rose” (1989). En esa misma época rodó la interesante “El turista accidental”, (1988) de Lawrence Kasdan. 

Posteriormente su carrera decayó y apenas cabe destacar de ella su aparición en un papel secundario en la inquietante “Las vírgenes suicidas” (1999), de Sophia Coppola.

Escena de "Fuego en el cuerpo"

Escena de "Tras el corazón verde"

X MEN: FÉNIX OSCURA (X Men: Dark Phoenix)

La de “X-Men” llegó a ser una de las sagas cinematográficas con mejor evolución. La primera cinta, estrenada en el año 2000, resultó decepcionante. Remontó ligeramente en 2003 con la segunda entrega y se estancó con la tercera, que llegó a las pantallas en 2006. Sin embargo, a partir de entonces mutó, al igual que su propia temática, diversificándose en dos rumbos bien diferentes. De un lado, se rodaron las cintas centradas en el personaje de “Lobezno” y, de otro, se filmaron los largometrajes sobre los inicios del profesor Charles Xavier, Magneto y el resto de mutantes, un cambio que revitalizó la serie ofreciendo títulos notables e, incluso, alguna joya. 

Así, “Logan”, se enmarca entre las películas más sobresalientes basadas el mundo del cómic, con un excelente trabajo en la dirección a cargo de James Mangold y una merecida nominación al Oscar al mejor guion adaptado. “X-Men: Días del futuro pasado” supuso otro ejercicio de vibrante ritmo narrativo, en aquella ocasión de la mano de Bryan Singer. Todo hacía, pues, presagiar que la franquicia, en una metamorfosis paralela, había renacido gracias a interesantes aventuras y destacadas elaboraciones visuales. Sin embargo, esa buena racha parece haber tocado ya a su fin. Si en “X-Men: Apocalipsis” se empezaban a apreciar notables síntomas de desgaste, “X-Men: Fénix Oscura” es la confirmación de que el declive se agudiza y, más que situarnos ante una propuesta oscura, nos coloca ante un apagón que pretende nutrirse tanto de los coletazos de entregas anteriores como de la benevolencia de los espectadores más aficionados. 

Y es que, tras diez proyectos en veinte años, quizá sea el momento de descansar y aparcar una idea lo suficientemente exprimida. De hecho, “X-Men: Fénix Oscura” desentona del resto de títulos de una forma grosera. El elemento dramático que movía a buena parte de los personajes queda aquí desdibujado. La complejidad de la trama se simplifica hasta el extremo. La originalidad y la frescura visual se sustituyen por unos ineficaces efectos especiales. En definitiva, constituye un retroceso en todos los sentidos. 

Puede que una de las razones radique en la condición de debutante de su realizador, Simon Kinberg, que se estrena en la labor de dirección aunque posee una considerable experiencia como guionista y productor, incluso de esta misma saga. A mi juicio, ha caído en dos trampas que suponen una serie amenaza para la cinematografía: la corrección política y el afán de estirar en demasía un proyecto. Ambas tendencias obran como verdaderas enfermedades cuando afectan a las artes. Además, en algunos momentos del metraje, la proyección avanza con tediosa lentitud y ausencia de motor dramático, cómico o emocional. 

Durante una misión de rescate en el espacio, Jean Grey está a punto de morir al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa, la radiación la ha hecho más poderosa, pero también más inestable. Jean desata sus poderes en formas que no puede controlar ni comprender, cayendo en una incontrolada y peligrosa espiral que daña a sus propios compañeros. Los “X-Men” no tendrán más remedio que enfrentarse a ella. 

El elenco permanece conformado por grandes intérpretes que repiten personaje. James McAvoy y Michael Fassbender han demostrado sobradamente su calidad profesional, reuniendo en sus filmografías una serie de trabajos de imprescindible visión. Idéntica valoración merecen Jessica Chastain y Jennifer Lawrence y, si bien la primera debuta en la saga, los demás son unos veteranos al margen de cualquier reparo interpretativo. Dicho de otro modo, si la cinta no funciona no es por su culpa. Sea como fuere, la verdadera protagonista es Sophie Turner, quien ya participara en “X-Men: Apocalipsis” y que ha alcanzado fama mundial gracias a su papel en la archifamosa serie de televisión “Juego de tronos”.

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Datos del filme:

Título original: X-Men: Dark Phoenix
Año: 2019
Duración: 116 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Simon Kinberg
Guion: Simon Kinberg (Historia: John Byrne, Chris Claremont, Dave Cockrum. Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain

30 ANIVERSARIO DEL ESTRENO DE INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA (30th Anniversary of the Premiere of "Indiana Jones and the Last Crusade”)

Se cumplen 30 años del estreno de “Indiana Jones y la última cruzada", largometraje estadounidense de aventuras dirigido por Steven Spielberg y producido por Robert Watts, George Lucas y Frank Marshall. 

Se trata de la tercera entrega en términos cronológicos de la franquicia protagonizada por el personaje de Jones y obtuvo un Oscar al mejor montaje de efectos sonoros, junto a dos nominaciones más a mejor banda sonora y mejor sonido. 

John Williams, responsable de la música de toda la serie, compuso también esta partitura, con la que cumplía su décima colaboración con Spielberg y que le reportó un premio de la Broadcast Music Inc. y una candidatura al prestigioso Grammy.  

Formaron parte del equipo artístico los actores Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Alison Doody y John Rhys-Davies, optando Connery al Globo de Oro al mejor actor de reparto. 

El rodaje de la película se desarrolló en diversas localizaciones de España, Reino Unido, Italia, Jordania y Estados Unidos, recaudando finalmente más de cuatrocientos setenta millones de dólares a nivel mundial y alcanzando un enorme éxito.

Escenas de la película

LA ESTRATEGIA DEL PEQUINÉS

Cine negro y novela negra comparten alma pero sus cuerpos son muy distintos. En cuanto al primero, su componente visual y el estilo narrativo que impone cada director resultan elementos esenciales. Para la segunda, sin embargo, son la trama y los personajes los que marcan su naturaleza. La película de John Houston “El halcón maltés”, basada en la novela homónima de Dashiell Hammett y protagonizada por Humphrey Bogart y Mary Astor, suele ser considerada como la gran muestra inicial de dicho género cinematográfico, muy atrayente para ese público que se deja caer con consciente pasividad en brazos de antihéroes, figuras oscuras y atmósferas de delincuencia regidas por reglas y códigos propios. 

Tan particular universo plagado de perdedores, de ilusiones y sueños, de malvados sin escrúpulos, de barrios marginales, drogas, prostitución, lujo e ingentes cantidades de dinero de idéntica negritud, cuenta en España con un escritor que lo refleja de un modo magistral. Porque Alexis Ravelo ya ha dado el salto de gran novelista a excelente creador, convirtiéndose en un artista completo y de referencia. Capaz de dibujar con maestría los escenarios precisos sobre los que desarrollar sus historias, moldea cuidadosamente cada palabra para que los lectores perciban la ficción como realidad y la realidad como ficción, introduciéndoles en un laberinto donde, al mismo tiempo, se pierden y se encuentran. Valiéndose de unos diálogos tan contundentes como efectivos, sus protagonistas bailan al ritmo que él les impone, obligándoles lo mismo a ejecutar unos valses plenos de sentimiento que unas brutales coreografías callejeras. 

Por estas y por otras muchas razones, “La estrategia del pequinés” recibió el prestigioso Premio Hammett a la mejor novela negra publicada en 2013, merced a la asombrosa habilidad de Ravelo para trasladar a las calles de Las Palmas de Gran Canaria determinadas situaciones límite que normalmente se asocian a urbes como Chicago o Nueva York. 

El principal activo de la presente adaptación a la gran pantalla estriba, pues, en su sólida y eficiente trama, hasta el punto de que la meta del entretenimiento ya se había alcanzado antes de comenzar el rodaje. Alguno de los méritos de la obra literaria se han quedado por el camino y otros se han desaprovechado, lo que, unido a un presupuesto en exceso ajustado, da como resultado un trabajo modesto que aúna lo “naif” con lo “noir” pero que, pese a sus carencias técnicas y de montaje, conforma una propuesta de agradable visión. 

Hace bastante tiempo que “El Rubio” abandonó el ejercicio de la delincuencia. Sin embargo, la grave enfermedad que padece su mujer, unida a la oferta de un popular distribuidor local de droga llamado “Junior” para atracar a uno de sus jefes, le aboca a regresar a su antigua actividad. Para llevar a cabo el asalto, “el Rubio” recurrirá a su amigo Tito “el Palmera”, antaño colaborador de un pasado boyante y actual parado de larga duración cuyo sueño es regentar un bar. Contará también con Cora, una prostituta cada vez menos joven que sobrevive con la ilusión de dejar atrás la profesión de una vez por todas. Pero, como pasa siempre en estos casos, los planes nunca guardan fidelidad con su idea inicial. 

Aunque no llegue a codearse con los grandes títulos del género ni a aportar unas destacables contribuciones artísticas, el film se ve con agrado y alcanza un nivel notable de entretenimiento, logrando el objetivo de que el público empatice con los personajes. 

La labor de los integrantes del reparto puede calificarse de correcta e, incluso en determinadas escenas, de muy acertada. Unax Ugalde, con actuaciones tan interesantes como la de “Bon appétit”-, se alza con el protagonismo de la película. Similar efectividad cabe atribuirse a la actriz grancanaria Kira Miró (“Truman”, “Los abrazos rotos”) y a Jorge Bosch (“Los lobos de Washington”, “Nada que perder”). Todos ellos han abordado sus respectivos papeles con afán, aunque con otra dirección el jugo probablemente hubiera podido ser mayor. Aun así, no cabe duda de que componen un digno elenco.

Trailer

Datos del filme

Título original: La estrategia del pequinés
Año: 2019
Duración: 96 min.
País: España
Dirección: Elio Quiroga
Guion: David Muñoz, Elio Quiroga, Alexis Ravelo (Novela: Alexis Ravelo)
Música: Brutalizzed Kids, Elio Quiroga, Alejandro Ramos, Due
Fotografía: Juan Antonio Castaño
Reparto: Unax Ugalde, Kira Miró, Enrique Alcides, Ismael Fritschi, Gonzalo Hernández, Jorge Bosch

MARK WAHLBERG

Mark Wahlberg nació en Boston el 5 de junio de 1971. Actor, modelo, cantante y productor estadounidense, inicialmente integró el grupo de rap “Marky Mark & the Funky Bunch”, que alcanzó el éxito con el disco "Music for the People". Más tarde, triunfó también en la gran pantalla, hasta el punto de  resultar nominado a los Oscar en 2006 por su papel de reparto en “The Departed”. Desde el 29 de julio de 2010 cuenta con su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. 

Debutó en el cine en 1994 con la comedia “Un poeta entre reclutas”, protagonizada por Danny DeVito y dirigida por Penny Marshall. Al año siguiente participó junto a Leonardo DiCaprio en “Diario de un rebelde” (1995), si bien alcanzó la fama internacional gracias a la película “Boogie Nights” (1997). 

Comenzó su fructífera relación con el realizador David O. Russell con “Tres reyes” (1999), repitiendo más tarde en “Extrañas coincidencias” (2004) y “The Fighter” (2010), una de sus mejores cintas. 

Otros títulos de su filmografía son "La tormenta perfecta" (2000), “El planeta de los simios” (2001), “The Italian Job” (2003), “Shooter: El tirador” (2007), “La noche es nuestra” (2007), “El incidente” (2008), “The Lovely Bones” (2009) y “Día de patriotas” (2016). A su citada nominación como mejor actor secundario por “Infiltrados”, hay que añadir otra más como productor de “The Fighter”, por cuya interpretación optó asimismo al Globo de Oro como mejor actor principal.

Secuencias de sus films

"The Fighter"

"The Lovely Bones"