VALOR SENTIMENTAL (Sentimental Value)

Joachim Trier, pese a haber nacido en Dinamarca, es el cineasta noruego más famoso en estos momentos. En 2022 fue nominado al Oscar por su guion de “La peor persona del mundo”, film que compitió igualmente en la categoría de mejor película internacional (que finalmente recayó en la japonesa “Drive My Car”). No obstante, “La peor persona del mundo” ganó el Premio Goya a la mejor película europea, su actriz protagonista recibió asimismo un galardón aquel año en Cannes y, al margen de lo anterior, obtuvo un notable rendimiento en taquilla para lo que es habitual en el modesto cine del Norte de Europa. Ahora estrena “Valor sentimental”, presente en cuantas ceremonias cinematográficas se celebren a partir de ahora. Actualmente, y quedando aún gran parte de reconocimientos por anunciar, Trier ya ha sido reconocido también en el último Festival de Cannes, su cinta ha resultado distinguida con nueve nominaciones a los Premios del Cine Europeo y ocho a los Globos de Oro, además de resultar mencionada por la National Board of Review como una de los cinco mejores filmes extranjeros del año. Nos hallamos, pues, ante un trabajo de visión imprescindible.

“Valor sentimental” se alza como digna sucesora de “La peor persona del mundo” y continúa su estilo narrativo y visual. Cabe presumir que los mismos espectadores que disfrutaron de la primera repitan experiencia con la segunda. En este nuevo proyecto predomina cierta inclinación al estilo de cine de Ingmar Bergman, con todo lo que ello supone. Sea como fuere, se trata de un drama honesto que rezuma originalidad y autenticidad. Quizás algunos tramos del metraje se hagan más pesados, pero la coherencia del conjunto y su calidad interpretativa y cinematográfica no dejan lugar a dudas. Parafraseando el propio título, su valor cinematográfico resulta incuestionable.

Tras la muerte de su madre, dos hijas se reencuentran con su distanciado padre, un antiguo y renombrado director de cine que ofrece a una de ellas, actriz de teatro, un personaje en su próxima película. Ella lo rechaza y más tarde se entera de que le ha dado el papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood. De repente, las dos hermanas se ven inmersas en una complicada relación, tanto con su progenitor como con la actriz estadounidense, sorprendida e involucrada en medio de esta compleja dinámica familiar.

El realizador acredita una sobrada habilidad para describir los sentimientos de las personas y sus complejidades. Y lo hace de una forma natural, nada artificial, que invita al espectador a adentrarse en las vidas ajenas. Más allá de lo que se pueda reflexionar sobre la familia, sitúa al público frente a un drama intenso y poderoso con alguna pincelada cómica, y ante una puesta en escena sobria y acertada. A poco que logre elevar ligeramente su listón en cuanto al ritmo narrativo, se convertirá en uno de los cineastas más destacados de su tiempo, habida cuenta de que dirige, escribe y coproduce.

Uno de los aspectos más destacados de “Valor sentimental” es el alto nivel interpretativo de su equipo artístico, empezando por la excelente actriz Renate Reinsve, habitual en la filmografía de Trier y que ya encabezó el reparto de la citada “La peor persona del mundo”. Construye su personaje de manera sólida y creíble, y aporta un plus al resultado final. El veterano actor sueco Stellan Skarsgård, visto en superproducciones de Hollywood y en filmes europeos de estilo independiente, ha actuado en las dos entregas de “Dune”, de Denis Villeneuve, en varias muestras de la factoría Marvel, como “Los Vengadores” o “Thor”, y en “El indomable Will Hunting”. Cabe indicar que su trayectoria se asocia a Lars von Trier (“Rompiendo las olas”, “Melancolía”, “Dogville”). La más desconocida del elenco es Inga Ibsdotter Lilleaas, sin apenas estrenos en España, todo lo contrario de Elle Fanning quien, pese a su juventud y gracias a su enorme potencial, posee un currículum memorable, que incluye “Babel”, “El curioso caso de Benjamin Button”, “Super 8” y “A Complete Unknown”, entre otras, demostrando un sobresaliente bagaje profesional.   

PREDATOR: BADLANDS

Recuerdo cuando en el año 1987 se estrenó “Depredador”, con un Arnold Schwarzenegger en pleno ascenso a la cima de su carrera, tras despuntar con “Conan” y la primera entrega de “Terminator”. Su director, John McTiernan, experimentaba un estado de gracia, ya que filmó, una tras otra, tres películas de acción con gran acierto y éxito. A la ya citada “Depredador”, le siguieron “Jungla de cristal” (1988) y “La caza del Octubre Rojo” (1990). Se trata de una cinta entretenida y bien narrada que ha resistido notablemente el paso del tiempo, habida cuenta de que a día de hoy su visionado no desentona en absoluto.

Pero con ella también pasó lo que suele suceder habitualmente. Tras la original, proliferó un reguero de producciones con desigual fortuna, aunque con un mismo denominador común: ninguna llegó a superar a la inicial. Así, por las salas de proyección pasaron “Depredador 2” (1990) -con distintos director y actores-, “Alien vs. Predator” Partes I y II (2004 y 2007), “Predators” (2010), “Predator: Dark Ages” (2015) y “Predator” (2018). A medida que se sucedían más y más entregas, reconociéndoles una mayor precisión técnica como fruto del desarrollo de los efectos especiales, en todas ellas se manifestaba el agotamiento de la saga y la esquilmación total de tan singular alienígena.  

Pero la cosa no quedó ahí. En 2022 el director Dan Trachtenberg estrenó “Predator: La presa”, y ahora llega a los cines “Predator: Badlands”, a cargo del mismo realizador norteamericano. Para colmo, rizando el rizo, el cineasta acaba de concluir el rodaje de “Predator: Asesino de asesinos”. La razón por la que ha rodado tres filmes en un trienio (dos en el mismo año) supone un misterio. Hasta la fecha era conocido como responsable de algún episodio de la serie “Black Mirror” y del largometraje “Calle Cloverfield 10”. En cualquier caso, si bien se percibe un toque más personal en sus últimos trabajos, mi sensación no varía. La saga “Predator” debió darse por concluida hace mucho tiempo, puesto que su avalancha de propuestas satura más de lo que entretiene.  

Al final me ocurre que, aun pudiendo revisionar la obra de 1987 si la encuentro por casualidad en algún pase televisivo, me produce una enorme pereza asistir a sus evoluciones (o como quieran denominar a estas nuevas intentonas). Tal vez la explicación radique en la propensión a revisar lo disfrutado en nuestra adolescencia y juventud. Pero, a cuarenta años vista, me resulta manifiestamente innecesario insistir en el personaje.

No obstante, el entusiasmo de Trachtenberg revitaliza una saga que había descendido a su punto más bajo cuando a algún iluminado se le ocurrió cruzarla con la de “Alien”. De hecho, daba la sensación de aspirar a otra extraña mezcolanza, en esta ocasión con “Jurassic World”, pero, se mire por donde se mire, lo suyo hubiera sido dejarlo todo en aquella selva en la que combatieron Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Sonny Landham y compañía.

Sorprende encontrar en este reparto a Elle Fanning, quien, pese a su juventud, cuenta con un envidiable currículum profesional que acredita su valía. “Babel”, “El curioso caso de Benjamin Button”, “Super 8”, “A Complete Unknown” o la próxima “Valor sentimental” dan fe de ello. Desde luego, no dejará huella alguna con este papel de cíborg. Le acompañan Dimitrius Schuster-Koloamatangi, muy vinculado a series de televisión, y Cameron Brown, cuya carrera se relaciona principalmente con el cometido de especialista en escenas de acción.

A COMPLETE UNKNOWN

Determinados directores de cine me suscitan una conexión especial. Viendo sus obras surge en mí de forma casi innata e inmediata un vínculo con su forma de contar historias y un engarce directo con las sensaciones y sentimientos que desean transmitir. James Mangold es uno de ellos. La primera cinta suya que visioné fue “Copland”, el más atípico de los filmes de Sylvester Stallone, y me pareció una propuesta interesante. Asimismo, juzgué su versión de “El tren de las 3:10” como muy buena, y considero sus dos aportaciones al Universo “X-Men” (“Lobezno inmortal” y “Logan”) de lo más destacado de la saga. También disfruté mucho con “Le Mans '66”, de modo que cuando supe que iba a estrenar un largometraje sobre la vida de Bob Dylan ya intuí que resultaría de mi agrado. Había degustado con anterioridad su biopic de Johnny Cash “En la cuerda floja”. No obstante, y pese a que mis expectativas eran de por sí elevadas, confieso que salí de la sala de proyección más entusiasmado todavía. 

Personalmente, me parece la mejor película de 2024. Su narración se presenta impecable y las actuaciones, sublimes. Todo en ella fluye con una armonía embriagadora. Se trata de un fantástico viaje a una época pasada, en algunos casos añorada, y que nunca volverá. Pero, fundamentalmente, ofrece la extraordinaria radiografía de una serie de personajes dispares, todos atrayentes a su manera, todos comprensibles y todos adorables, por más que su protagonista se empeñe en ser odioso. Pocos trabajos han reflejado tan bien la dificultad que entraña que dos personas se complementen a la perfección. La recurrente frase entre Bob Dylan y Sylvie Russo (extraída de “La extraña pasajera”, protagonizada por Bette Davis) apenas constituye un ejemplo de los numerosos diálogos excelentes y escenas memorables que reúne. 

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, “A Complete Unknown” (sin traducción en España) cuenta la historia del meteórico ascenso de un jovencísimo cantante de Minnesota, Bob Dylan, desde las salas de conciertos hasta la cumbre de las listas de éxitos. Sus complejas relaciones con otros músicos de la época y con sus propios descubridores y managers culminó en 1965 en el Newport Folk Festival, cuando decidió actuar con una guitarra eléctrica, enfureciendo así a los puristas del folk. 

No sé qué parte es leyenda y qué parte realidad. En una secuencia de “Begin Again”, de John Carney, Keira Knightley y Mark Ruffalo discuten acercan de la autenticidad musical y ella pone como ejemplo a Bob Dylan, mientras que él lo cataloga de producto comercial. No me atrevo a afirmar si el resultado es fidedigno o no. De lo que estoy convencido es de que se alza como creíble, emotivo y emocionante. Obviamente, apreciar la figura de Dylan facilita la labor, dada su presencia constante durante el metraje. Pero, salvada esa premisa, la brillantez de “A Complete Unknown” no deja lugar a dudas. 

Uno de sus mayores logros radica en la actuación coral de un elenco de intérpretes en estado de gracia, encabezado por un sensacional Timothée Chalamet. Actor en permanente progresión, acumula en su filmografía bastantes títulos imprescindibles. Encarna con soltura y eficacia un perfil complejo, asumiendo con éxito tan arduo y enrevesado reto. Por lo que se refiere a Edward Norton, borda su papel y funciona como contrapeso perfecto. Su imprescindible diálogo con Dylan sobre la parábola del balancín se muestra como la metáfora de ambos por excelencia. Por su parte, Monica Barbaro como Joan Baez se encumbra gracias a su más importante desempeño profesional hasta la fecha. Los tres han optado a la estatuilla dorada de Hollywood en su reciente edición, si bien cuesta creer que Elle Fanning no haya corrido la misma suerte, habida cuenta de su adorable recreación.  A ella se deben la mayor parte de nudos en el estómago padecidos por los espectadores. 

El hecho de no haber obtenido ninguno de los ocho Oscars a los que aspiraba en modo alguno desluce el nivel de esta propuesta. En mi opinión, este completo desconocido es una completa maravilla. 

MALÉFICA: MAESTRA DEL MAL (Maleficent: Mistress of Evil)

Otro ejemplo más de la deriva completamente desnortada de la productora Walt Disney Pictures es esta innecesaria e insulsa continuación de “Maléfica”, largometraje de 2014 que ya evidenciaba serias carencias, pero que en las taquillas internacionales superó los setecientos cincuenta millones de dólares de recaudación (“merchandising” aparte, por supuesto). Por tanto, era muy previsible que su secuela -hubiese algo que contar o no- no tardase en llegar a las salas de proyección. Si la inicial se basaba de forma moderna, libre y superficial en el cuento de Charles Perrault “La bella durmiente”, esta segunda carece de apoyo alguno a la hora de cimentar la trama. Me temo que a ello se debe que hayan apostado decididamente por centrarse en los efectos especiales, los decorados y el vestuario, igualmente modernos, libres y superficiales. En cualquier caso, cada plano se adorna con un colorido pomposo, una ambientación desmesurada y unos trucos visuales tan espectaculares como superfluos. 

La debilidad del guion y la carencia absoluta de una historia mínimamente construida acarrean que la única baza con la que jugar sea la de la citada espectacularidad visual. Cierto que durante algunos minutos es posible dejarse llevar por su envoltorio llamativo, fantasioso y meramente sensorial. Sin embargo, a poco que avanza el metraje, la vacuidad de la propuesta queda patente. Diríase que se trata de una película para niños (razón por la que el público adulto no conectaría con ella), pero yo mismo me resisto a creer que pueda establecer tal conexión con ninguna generación o grupo social. A lo sumo servirá, o como mero pasatiempo o para dar buena cuenta de una bolsa de palomitas sin moverse de la butaca durante dos horas. Sea como fuere, olvidarán rápidamente una cinta que, más que buena o mala, es insustancial. Más que maléfica, es completamente anodina. 

Dirige el noruego Joachim Rønning que, si bien cosechó cierta popularidad y crédito con su nominación al Oscar al mejor film de habla no inglesa por “Kon-Tiki”, se ha especializado después en secuelas y continuaciones tan olvidables como “Piratas del Caribe: La venganza de Salazar” o esta misma “Maléfica: Maestra del mal”. Aun así, reeditará sin duda el éxito de taquilla de su predecesora y a buen seguro se venderán de nuevo sus juguetes con cada menú infantil en los restaurantes de comida rápida. Es innegable que servirá para enriquecer a sus productores y para lanzar líneas de colonias o de ropa inspiradas en los personajes. En esa visión comercial que define al universo Disney se triunfará. Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico, aquí no hay nada que ver. 

Capítulo aparte merece la actriz Angelina Jolie. Más allá de la primera impresión que generó en sus inicios profesionales allá por los años noventa (cuando, quizá por la novedad, por su belleza o por su marcada propensión a la provocación, llamaba la atención), basta contemplar sus interpretaciones para comprobar sus grandes limitaciones. Salvo contadas excepciones, aborda cualquier actuación, con independencia del personaje al que dé vida, con el mismo rictus facial. Dejando a un lado el discutible Oscar recibido dos décadas atrás por su papel en “Inocencia interrumpida” o de la mención de algún título meritorio, el conjunto de su carrera es una suma de idénticos recursos, gestos, miradas y expresiones, al margen del perfil interpretado o del género al que pertenezca. Por desgracia, “Maléfica: Maestra del mal” tampoco es una excepción. Resulta también tristísimo encontrar a un icono como Michelle Pfeiffer involucrada en este tipo de producciones. A diferencia de Jolie, Pfeiffer sí posee gran variedad de registros y cuenta con una filmografía plagada de excelentes trabajos de imprescindible visión. La Elvira de “El precio del poder” nada tiene que ver con la Madame de Tourvel de “Las amistades peligrosas”, ni con la Susie Diamond de “Los fabulosos Baker Boys” o la Ellen Olenska de “La edad de la inocencia”. ¿Será verdad que, al llegar a cierta edad, no existen propuestas interesantes para las veteranas de Hollywood? Eso no lo sé, pero sí sé que ella no se merecía un proyecto como este. Por su parte, la joven Elle Fanning continúa abriéndose camino con títulos como “Super 8”, de J.J. Abrams, “Mary Shelley”, de Haifaa Al-Mansour o “La seducción”, de Sofia Coppola. Bastante mejor opción que la de “Maléfica” es verla ahora en cartel con “Día de lluvia en Nueva York”, de Woody Allen.

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Datos del filme

Título original: Maleficent: Mistress of Evil
Año: 2019
Duración: 118 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Joachim Rønning
Guion: Linda Woolverton, Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Henry Braham
Reparto: Angelina Jolie, Michelle Pfeiffer, Elle Fanning, Ed Skrein, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Sam Riley

MARY SHELLEY

Haifaa Al-Mansour es la primera mujer directora de cine de Arabia Saudí, un logro encomiable en un país conocido especialmente por su trato discriminatorio hacia el género femenino. Pese a esta circunstancia, la realizadora debutó a lo grande en 2012 con “La bicicleta verde”, estrenando mundialmente dicho trabajo en el Festival de Venecia de aquel año y logrando una nominación en los BAFTA a la mejor película de habla no inglesa. Aunque no obtuvo la misma candidatura al Oscar, gracias a ella el reino saudita participó por primera vez en los premios de la Academia de Hollywood presentando un título a competición. Se trataba de una cinta meritoria, honesta, valiente, muy emotiva, con varias secuencias que sacudían el alma de manera amable y a cargo de una autora reconocible que, poco tiempo después, ha dado el salto a la industria norteamericana. Ahora presenta su segundo largometraje, encabezado por un elenco más internacional. 

En esta ocasión ha elegido a un personaje destacado de la Historia de la literatura, la escritora Mary Shelley, mundialmente famosa por su novela “Frankenstein”. Como consecuencia, se percibe una menor implicación emocional y personal en un proyecto cuyo nivel y resultado son inferiores a “La bicicleta verde”. Sin embargo, teniendo en cuenta que muy pocas personas habrán visionado aquel debut, estas apreciaciones no afectarán a los actuales espectadores. Aun así, determinadas señas de identidad propia se mantienen, como la delicadeza de la filmación y el toque feminista que desprende. El cambio de ambientación, de género cinematográfico, de época y de cultura le permite, además, reforzar sus reconocidas habilidades con mayores dosis de elegancia e intensidad, lo que da lugar a un resultado correcto que implica el crecimiento de Al-Mansour como cineasta. 

Narra la historia de una joven probablemente adelantada a su tiempo que, en los albores del siglo XIX, conoce a un poeta carismático y de ideas también innovadoras. Pese a la diferencia de edad entre ambos, inician un romance al que la familia de la chica se opone, lo que les aboca a una relación semi clandestina. Como vía de escape y en una pésima época para cualquier autora, la muchacha comienza a escribir. 

Se trata de una biografía presentada como una metamorfosis de su protagonista, incidiendo en cierta aureola gótica y en una disimulada corrección formal. Se echa de menos un guion más incisivo, pues se intuye la existencia de material para haber podido explotar más la trama, si bien las resbaladizas fronteras entre el drama, el romance, el discurso reivindicativo y la atmósfera misteriosa se transitan con destreza. De hecho, se agradece profundamente hallar en cartelera una propuesta, para variar, sin estridencias .“Mary Shelley” es una cinta notable que, sin duda, va a apuntalar la carrera de su directora. 

La actriz Elle Fanning se alza como la protagonista absoluta del relato. La descubrí en un papel secundario en la contundente y devastadora “Babel” y más tarde en la acertada e ingeniosa “Super 8”. Desde entonces atesora interesantes actuaciones a las órdenes de figuras como Alejandro G. Iñárritu, J.J. Abrams, Sofia Coppola o Nicolas Winding Refn y, si es capaz de orientar su carrera con acierto, le estará aguardando un futuro prometedor. Su interpretación es muy adecuada y ayuda al éxito global de film. Le acompañan en el reparto Maisie Williams (“El libro del amor”, “Juego de tronos”), Douglas Booth (“El destino de Júpiter”, “Noé”) y Tom Sturridge (“Radio encubierta”).

Trailer en castellano

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Datos del film

Título original: Mary Shelley
Año: 2017
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Haifaa Al-Mansour
Guion: Emma Jensen, Haifaa Al-Mansour
Música: Amelia Warner
Fotografía: David Ungaro
Reparto: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Maisie Williams