"SHORTLIST" DE LA ACADEMIA DE CINE DE HOLLYWOOD

La Academia de cine de Hollywood ha anunciado hoy las denominadas “shortlists” o listas de finalistas de las 12 categorías de los Oscar.

Las nominaciones se darán a conocer el próximo 22 de enero.

MEJOR FOTOGRAFÍA

• “Ballad of a Small Player”
• “Bugonia”
• “Die My Love”
• “F1”
• “Frankenstein”
• “Hamnet”
• “Marty Supreme”
• “Nouvelle Vague”
• “One Battle after Another”
• “Sentimental Value”
• “Sinners”
• “Sirât”
• “Song Sung Blue”
• “Sound of Falling”
• “Train Dreams”
• “Wicked: For Good”

 

MEJOR CASTING

• “Frankenstein”
• “Hamnet”
• “Marty Supreme”
• “One Battle after Another”
• “The Secret Agent”
• “Sentimental Value”
• “Sinners”
• “Sirât”
• “Weapons”
• “Wicked: For Good”

MEJOR MÚSICA

• “Avatar: Fire and Ash” 
• “Bugonia” 
• “Captain America: Brave New World” 
• “Diane Warren: Relentless” 
• “F1”
• “Frankenstein”
• “Hamnet”
• “Hedda”
• “A House of Dynamite”
• “Jay Kelly”
• “Marty Supreme”
• “Nuremberg”
• “One Battle after Another”
• “Sinners”
• “Sirât” 
• “Train Dreams” 
• “Tron: Ares”
• “Truth and Treason”
• “Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery”
• “Wicked: For Good”

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

• “As Alive As You Need Me To Be” from “Tron: Ares”
• “Dear Me” from “Diane Warren: Relentless”
• “Dream As One” from “Avatar: Fire and Ash”
• “Drive” from “F1”
• “Dying To Live” from “Billy Idol Should Be Dead”
• “The Girl In The Bubble” from “Wicked: For Good”
• “Golden” from “KPop Demon Hunters” 
• “Highest 2 Lowest” from “Highest 2 Lowest” 
• “I Lied To You” from “Sinners”
• “Last Time (I Seen The Sun)” from “Sinners”
• “No Place Like Home” from “Wicked: For Good”
• “Our Love” from “The Ballad of Wallis Island” 
• “Salt Then Sour Then Sweet” from “Come See Me in the Good Light”
• “Sweet Dreams Of Joy” from “Viva Verdi!” 
• “Train Dreams” from “Train Dreams”

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

• “The Alto Knights”
• “Frankenstein”
• “Kokuho”
• “Marty Supreme”
• “Nuremberg”
• “One Battle after Another”
• “Sinners”
• “The Smashing Machine”
• “The Ugly Stepsister”
• “Wicked: For Good”

MEJORES EFECTOS VISUALES

• “Avatar: Fire and Ash”
• “The Electric State”
• “F1” 
• “Frankenstein”
• “Jurassic World Rebirth”
• “The Lost Bus” 
• “Sinners”
• “Superman”
• “Tron: Ares”
• “Wicked: For Good”

 

MEJOR SONIDO

• “Avatar: Fire and Ash”
• “F1”
• “Frankenstein”
• “Mission: Impossible – The Final Reckoning”
• “One Battle after Another”
• “Sinners”
• “Sirât” 
• “Springsteen: Deliver Me from Nowhere”
• “Superman”
• “Wicked: For Good”

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

• Argentina, “Belén” 
• Brazil, “The Secret Agent” 
• France, “It Was Just an Accident” 
• Germany, “Sound of Falling” 
• India, “Homebound” 
• Iraq, “The President’s Cake” 
• Japan, “Kokuho” 
• Jordan, “All That’s Left of You”
• Norway, “Sentimental Value”
• Palestine, “Palestine 36” 
• South Korea, “No Other Choice”
• Spain, “Sirât” 
• Switzerland, “Late Shift”
• Taiwan, “Left-Handed Girl”
• Tunisia, “The Voice of Hind Rajab”

 

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

• “The Alabama Solution”
• “Apocalypse in the Tropics”
• “Coexistence, My Ass!”
• “Come See Me in the Good Light”
• “Cover-Up”
• “Cutting through Rocks”
• “Folktales”
• “Holding Liat”
• “Mr. Nobody against Putin”
• “Mistress Dispeller”
• “My Undesirable Friends: Part 1 – Last Air in Moscow”
• “The Perfect Neighbor”
• “Seeds”
• “2000 Meters to Andriivka”
• “Yanuni”

 

MEJOR CORTO DE FICCIÓN

• “Ado”
• “Amarela”
• “Beyond Silence”
• “The Boy with White Skin”
• “Butcher’s Stain”
• “Butterfly on a Wheel”
• “Dad’s Not Home”
• “Extremist” 
• “A Friend of Dorothy”
• “Jane Austen’s Period Drama”
• “Pantyhose”
• “The Pearl Comb”
• “Rock, Paper, Scissors”
• “The Singers”
• “Two People Exchanging Saliva”

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN

• “Autokar”
• “Butterfly”
• “Cardboard”
• “Éiru”
• “Forevergreen”
• “The Girl Who Cried Pearls”
• “Hurikán”
• “I Died in Irpin”
• “The Night Boots”
• “Playing God”
• “The Quinta's Ghost”
• “Retirement Plan”
• “The Shyness of Trees”
• “Snow Bear”
• “The Three Sisters”

 

MEJOR CORTO DOCUMENTAL

• “All the Empty Rooms”
• “All the Walls Came Down”
• “Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud”
• “Bad Hostage”
• “Cashing Out”
• “Chasing Time”
• “Children No More: “Were and Are Gone”” 
• “Classroom 4”
• “The Devil Is Busy”
• “Heartbeat”
• “Last Days on Lake Trinity”
• “On Healing Land, Birds Perch”
• “Perfectly a Strangeness”
• “Rovina’s Choice”
• “We Were the Scenery”

 

A COMPLETE UNKNOWN

Determinados directores de cine me suscitan una conexión especial. Viendo sus obras surge en mí de forma casi innata e inmediata un vínculo con su forma de contar historias y un engarce directo con las sensaciones y sentimientos que desean transmitir. James Mangold es uno de ellos. La primera cinta suya que visioné fue “Copland”, el más atípico de los filmes de Sylvester Stallone, y me pareció una propuesta interesante. Asimismo, juzgué su versión de “El tren de las 3:10” como muy buena, y considero sus dos aportaciones al Universo “X-Men” (“Lobezno inmortal” y “Logan”) de lo más destacado de la saga. También disfruté mucho con “Le Mans '66”, de modo que cuando supe que iba a estrenar un largometraje sobre la vida de Bob Dylan ya intuí que resultaría de mi agrado. Había degustado con anterioridad su biopic de Johnny Cash “En la cuerda floja”. No obstante, y pese a que mis expectativas eran de por sí elevadas, confieso que salí de la sala de proyección más entusiasmado todavía. 

Personalmente, me parece la mejor película de 2024. Su narración se presenta impecable y las actuaciones, sublimes. Todo en ella fluye con una armonía embriagadora. Se trata de un fantástico viaje a una época pasada, en algunos casos añorada, y que nunca volverá. Pero, fundamentalmente, ofrece la extraordinaria radiografía de una serie de personajes dispares, todos atrayentes a su manera, todos comprensibles y todos adorables, por más que su protagonista se empeñe en ser odioso. Pocos trabajos han reflejado tan bien la dificultad que entraña que dos personas se complementen a la perfección. La recurrente frase entre Bob Dylan y Sylvie Russo (extraída de “La extraña pasajera”, protagonizada por Bette Davis) apenas constituye un ejemplo de los numerosos diálogos excelentes y escenas memorables que reúne. 

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, “A Complete Unknown” (sin traducción en España) cuenta la historia del meteórico ascenso de un jovencísimo cantante de Minnesota, Bob Dylan, desde las salas de conciertos hasta la cumbre de las listas de éxitos. Sus complejas relaciones con otros músicos de la época y con sus propios descubridores y managers culminó en 1965 en el Newport Folk Festival, cuando decidió actuar con una guitarra eléctrica, enfureciendo así a los puristas del folk. 

No sé qué parte es leyenda y qué parte realidad. En una secuencia de “Begin Again”, de John Carney, Keira Knightley y Mark Ruffalo discuten acercan de la autenticidad musical y ella pone como ejemplo a Bob Dylan, mientras que él lo cataloga de producto comercial. No me atrevo a afirmar si el resultado es fidedigno o no. De lo que estoy convencido es de que se alza como creíble, emotivo y emocionante. Obviamente, apreciar la figura de Dylan facilita la labor, dada su presencia constante durante el metraje. Pero, salvada esa premisa, la brillantez de “A Complete Unknown” no deja lugar a dudas. 

Uno de sus mayores logros radica en la actuación coral de un elenco de intérpretes en estado de gracia, encabezado por un sensacional Timothée Chalamet. Actor en permanente progresión, acumula en su filmografía bastantes títulos imprescindibles. Encarna con soltura y eficacia un perfil complejo, asumiendo con éxito tan arduo y enrevesado reto. Por lo que se refiere a Edward Norton, borda su papel y funciona como contrapeso perfecto. Su imprescindible diálogo con Dylan sobre la parábola del balancín se muestra como la metáfora de ambos por excelencia. Por su parte, Monica Barbaro como Joan Baez se encumbra gracias a su más importante desempeño profesional hasta la fecha. Los tres han optado a la estatuilla dorada de Hollywood en su reciente edición, si bien cuesta creer que Elle Fanning no haya corrido la misma suerte, habida cuenta de su adorable recreación.  A ella se deben la mayor parte de nudos en el estómago padecidos por los espectadores. 

El hecho de no haber obtenido ninguno de los ocho Oscars a los que aspiraba en modo alguno desluce el nivel de esta propuesta. En mi opinión, este completo desconocido es una completa maravilla. 

PREMIOS OSCARS 2025 (Academy Awards 2025)

LISTADO COMPLETO DE GANADORES

MEJOR PELÍCULA: “ANORA”, Alex Coco, Samantha Quan, Sean Baker

MEJOR DIRECTOR: Sean Baker, “Anora”

MEJOR ACTOR: Adrien Brody, “The Brutalist”

MEJOR ACTRIZ: Mikey Madison, “Anora”

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Kieran Culkin, “A Real Pain”

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Zoe Saldaña, “Emilia Pérez”

MEJOR GUION ORIGINAL: Sean Baker, “Anora”

MEJOR GUION ADAPTADO: Peter Straughan, “Cónclave”

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL: “Aún estoy aquí” (Brasil)

MEJOR FOTOGRAFÍA: Lol Crawley, “The Brutalist”

MEJOR MONTAJE: Sean Baker, “Anora”

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Nathan Crowley, Lee Sandales, “Wicked”

MEJOR VESTUARIO: Paul Tazewell, “Wicked” 

MEJOR SONIDO: Gareth John, Richard King, Ron Bartlett, Doug Hemphill, “Dune: parte dos”

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Pierre Olivier Persin, Stéphanie Guillon, Marilyne Scarselli, “La sustancia”

MEJOR BANDA SONORA: Daniel Blumberg, “The Brutalist”

MEJOR CANCIÓN: Clément Ducol, Camille, Jacques Audiard por "El mal" DE “Emilia Pérez”

MEJORES EFECTOS VISUALES: Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe, Gerd Nefzer, “Dune: parte dos”

MEJOR DOCUMENTAL: Basel Adra, Rachel Szor, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, “No Other Land”

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Gints Zilbalodis, Ron Dyens, Matiss Kaza, Gregory Zalcman, “Flow, un mundo que salvar”

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN: Shirin Sohani, Hossein Molayemi, “A la sombra del ciprés"

MEJOR CORTOMETRAJE: Trent, Victoria Warmerdam, “No soy un robot”

MEJOR CORTO DOCUMENTAL: Molly O'Brien, Lisa Remington, “La única mujer de la orquesta”

PREMIOS HONORÍFICOS: Quincy Jones, Juliet Taylor

PREMIO IRVING G. THALBERG: Barbara Broccoli, Michael G. Wilson

PREMIO JEAN HERSHOLT A LA LABOR HUMANITARIA: Richard Curtis

AÚN ESTOY AQUÍ (Ainda Estou Aqui)

Una de las agradables sorpresas cinematográficas de este año (sorpresas ha habido muchas, pero agradables, no tantas) es “Aún estoy aquí”, cinta brasileña que ha destacado en el reciente calendario de premios del Séptimo Arte. No resulta nada habitual que una película de Brasil obtenga tres nominaciones a los Oscars de Hollywood, y menos aún que tales candidaturas correspondan a mejor película, mejor película internacional y mejor actriz protagonista. Este listado de reconocimientos se extiende también a los Globos de Oro, los BAFTA y la Mostra de Venecia. Y, a mi juicio, se ha incluido muy acertadamente esta pequeña joya, que ofrece una lección de Historia y de cine.

Su director, Walter Salles, puede presumir de haber ganado dos BAFTA y de haber conquistado con su filmografía los cinco festivales más prestigiosos del planeta: Sundance, Berlín, Cannes, San Sebastián y la citada Venecia. De hecho, se trata de una hazaña a la altura de poquísimos realizadores. “Estación central de Brasil” (1998), “Diarios de motocicleta” (2004) y, ahora, “Aún estoy aquí”, suponen una sobresaliente carta de presentación para un cineasta que sabe contar historias y dotarlas de realismo y emotividad. 

Nos sitúa ante una narración sencilla y honesta, construida sobre la labor interpretativa, el guion y la coherencia de la dirección. Frente a otras propuestas que pretenden resaltar a base de extravagancia, excesos y subrayados innecesarios, Salles retorna, no sólo a los años setenta, sino a una filmación clásica que, al menos yo, agradezco sobremanera en estos tiempos donde la exageración y la excentricidad se consideran signos de modernidad y rebeldía. 

Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, cuenta cómo la madre del escritor se vio obligada a ejercer el activismo político tras la captura de su marido durante la dictadura militar de 1971. Bajo un régimen opresor y ante la incertidumbre del entorno político, la mujer lucha por la supervivencia en un país dominado por el miedo y la represión, y se enfrenta a una sociedad profundamente fracturada, en la que las decisiones personales y políticas discurren entrelazadas. 

La intensidad y el nivel artístico se mantienen a lo largo de las dos horas y cuarto de proyección, por lo que estoy seguro de que este largometraje no perderá vigencia ni envejecerá mal en un futuro. Su brío, energía y emoción rezuman casi en cada plano, pese a sustentarse la filmación sobre trazos simples y estilos sobrios. Nada hay que se rinda a un recurso artificial o a un añadido postizo, ayudando así al espectador a sentirse testigo de la realidad que ocurre ante sus ojos. 

El peso interpretativo de la obra reside sobre dos mujeres que comparten bastante más que el nombre: Fernanda Torres y Fernanda Montenegro. Madre e hija en la vida real, su propia historia parece sacada de una película. Ambas han optado a la estatuilla dorada de Hollywood. Montenegro, gracias a su actuación en la citada “Estación central de Brasil”, aunque el galardón recayó finalmente en Gwyneth Paltrow por su papel en “Shakespeare in Love”. Torres, merced a su actual intervención en “Aún estoy aquí”. Además, se da la circunstancia de que las dos aspiran a dicho reconocimiento a las órdenes del mismo director, en lo que constituye una concatenación de coincidencias sin precedentes en toda Iberoamérica.  Ignoro cuál será el resultado final, que se desvelará en la madrugada del domingo al lunes pero, si finalmente resultan agraciadas, no me causará sorpresa ni extrañeza. Completan el reparto Selton Mello (“El payaso”, “Lope”), Valentina Herszage y Marjorie Estiano (“Los buenos modales”).

LAS VIDAS DE SING SING (Sing Sing)

El tema carcelario ha generado multitud de películas, hasta el punto de constituir casi un género cinematográfico en sí mismo. Desde el drama a la acción y la aventura, títulos como “Cadena perpetua”, “El expreso de medianoche”, “La leyenda del indomable”, “Brubaker”, “Papillon”, “La gran evasión”, “El hombre de Alcatraz”, “El beso de la mujer araña”, “Huracán Carter”, “Pena de muerte” o “El puente sobre el río Kwai” dan una pequeña idea de la variedad de obras en las que la privación de libertad adopta un tratamiento tan singular que la hace merecedora de conformar un subgénero específico. “Sing Sing”, eje central de una de las cintas del año, figura precisamente entre las cárceles más famosas de Estados Unidos.

Al parecer, “Las vidas de Sing Sing” es el primer film estrenado de forma simultánea en las salas de cine y en las prisiones estadounidenses. En 2024 se han rodado varios proyectos calificados de “independientes” que han sobresalido en los listados de nominaciones y premios que ya comienzan a entregarse.  A la “La sustancia” y “Anora” se debe añadir este trabajo dirigido por el prácticamente debutante Greg Kwedar quien, pese a ello, ha logrado llamar la atención por su frescura y su capacidad de transmitir, de forma simple pero íntegra, historias humanas creíbles e interesantes. Incluido por el American Film Institute y por la National Board of Review entre los diez mejores largometrajes de la temporada, ha obtenido hasta este momento una candidatura a los Globos de Oro, tres a los BAFTA y otros tres a los Independent Spirit Awards.

En el día de ayer se conoció quiénes optan a los Premios de la Academia de Hollywood y “Las vidas de Sing Sing” aspira a tres Oscars (Mejor actor protagonista, guion adaptado y canción).

Con un presupuesto de dos millones de dólares (muy exiguo para lo que es habitual en la industria norteamericana), demuestra que las grandes inversiones no siempre resultan necesarias para contar buenas historias. Dudo si el estilo visual y el manejo de la cámara obedecen a esa escasez de presupuesto o, por el contrario, corresponden a una voluntaria decisión narrativa para acercar la filmación a un formato cuasi documental. En cualquier caso, salvados dichos aspectos formales, se trata de un drama carcelario notablemente interpretado y   con un aura muy potente de esperanza.

Sobre el aviso de “basado en una historia real”, en efecto se inspira en un reportaje publicado en la revista “Esquire”, firmado por el periodista John H. Richardson (uno de los tres guionistas del filme). En aquella crónica hablaba de un grupo de teatro donde participaban algunos presos y cómo ese contacto con el arte conseguía apartarlos de sus tragedias personales y, en cierta medida, redimirlos como seres humanos. Reconozco que esta propuesta ha supuesto para mí toda una sorpresa. Modesta y honesta, con un metraje ajustado y una realización rayana en la simplicidad, refleja una meritoria habilidad para comunicar sensaciones y sentimientos. Al margen de manipulaciones artificiales, alcanza a tocar algunas fibras sensibles del público, entreteniéndole por la vía de la emoción.

Encabeza el reparto un destacado Colman Domingo, quien ya fue candidato a la estatuilla dorada de Hollywood por su actuación en “Rustin” y que repite de nuevo la experiencia gracias a esta interpretación.  Ganador de un Emmy por su participación en la serie televisiva “Euphoria”, intervino en papeles secundarios en “El blues de Beale Street”, “Lincoln” y “Ejecución inminente”. Aquí asume el peso actoral con solvencia y eficacia.

Junto a él se encuentra Paul Raci (aspirante también al Oscar como secundario en 2021 por “Sound of Metal”) y actúan numerosos expresidiarios que, durante su encarcelamiento, fueron alumnos de aquel programa educativo vinculado al teatro.