ELLIOT GOLDENTHAL

Elliot Goldenthal nació el 2 de mayo de 1954 en Nueva York.  Compositor estadounidense de música especializado en la composición de bandas sonoras, fue discípulo de Aaron Copland y de John Corigliano.

Ha estado nominado al Oscar en cuatro ocasiones, tres de ellas en la categoría de mejor banda sonora y una en la de mejor canción original, recibiéndolo en 2003 gracias a tu trabajo para la película “Frida”, de Julie Taymor. 

Entre sus partituras destacan “Drugstore Cowboy" (1989), “Alien 3” (1992), “Entrevista con el vampiro” (1994), “Heat” (1995), “Tiempo de Matar” (1996), “Michael Collins” (1996), “Esfera” (1999), “Final Fantasy: The Spirits Within” (2001) y “Enemigos públicos” (2009).

Heat

Entrevista con el vampiro

Frida

PATRICK STEWART, IN MEMORIAM

El actor Patrick Stewart, conocido por dar vida al célebre profesor Xavier de la saga “X-Men” o al capitán Picard de “Star Trek”, murió el pasado 28 de octubre en su casa de Los Ángeles a los 86 años de edad. 

Stewart nació en Mirfield, Inglaterra, el 13 de julio de 1940. Formado en la tradición teatral británica, se incorporó a la Royal Shakespeare Company en 1966, donde interpretó numerosos papeles del repertorio shakespeariano.

Comenzó a gozar de repercusión en la pantalla grande con “Excalibur” (1981) y “Dune” (1984). Su personaje en “Star Trek: The Next Generation” (1987-1994) le otorgó de proyección internacional, hasta el punto de retomarlo en la serie “Star Trek: Picard” (2020-2023). Interpretó asimismo a Charles Xavier durante casi un cuarto de siglo, desde su primera aparición en “X-Men” (2000) hasta su última intervención en “Avengers: Doomsday” (2026).

Otros de sus títulos más recientes fueron “Coda” (2019) y “Los Ángeles de Charlie” (2019).

 

SENTIDO Y SENSIBILIDAD (Sense and Sensibility)

¿Había alguna necesidad de rodar una nueva versión de “Sentido y sensibilidad” tras la película de 1995 que ya adaptó la célebre novela de Jane Austen? Yo me decanto por responder negativamente. El tema de los “remakes” resulta recurrente y polémico, sobre todo cuando se pretende volver a rodar después de excelentes cintas previas, incluso de obras maestras. Este debate ya se generó cuando en 2021 Steven Spielberg estrenó “West Side Story”. Personalmente, varias escenas del musical de Spielberg me parecieron claramente mejores con respecto al original de los años sesenta, pero en esa ocasión también respondí a la pregunta de la misma manera. Hemos tenido que tolerar el retorno a la gran pantalla de clásicos tan impecables como “Rebeca” o “Psicosis”, y el mero hecho de pensar en idénticos proyectos con, por ejemplo, “Casablanca” o “Memorias de África” me produce verdadero espanto. 

Vaya por delante que juzgo correcta esta versión de “Sentido y sensibilidad” que llega a las salas de proyección, puesto que queda libre de grandes errores. Una buena ambientación, unas efectivas actuaciones y una adecuada dirección se unen para acreditar que las tramas de la joven e imperecedera escritora británica nacida en el siglo XVIII mantienen su vigencia al cabo de los siglos. Sin embargo, no procede obviar las comparaciones con el trabajo del realizador taiwanés Ang Lee ni, como consecuencia, esquivar la consabida interrogación: ¿era necesario? Por lo que a mí se refiere, volveré a ver el largometraje de la década de los noventa más veces, pero éste no lo creo, si bien insisto en no calificarlo negativamente, habida cuenta de que la emoción y el apego que sentí entonces no los he sentido ahora.

Ambientada en la Inglaterra de la época georgiana, narra la historia de un acaudalado caballero que fallece dejando a su segunda esposa y a sus tres hijas en una situación económica bastante precaria, debido a las estrictas leyes de herencia vigentes. Obligadas a abandonar su hogar, las damas se mudan a una modesta cabaña en el campo. Allí las dos hijas mayores, enfrentando el choque entre la necesidad económica y sus propios sentimientos, compiten por la atención de diversos pretendientes en una búsqueda constante por encontrar el amor verdadero.

Doy por descontado que algunos espectadores acudirán al cine sin haber visto la anterior adaptación y, en tal caso, supongo que su impresión inicial será positiva. Lo que me cuesta un mundo comprender es la incapacidad de un elevado porcentaje de jóvenes para disfrutar de filmes antiguos, y limitarse a los actuales. En primer lugar, porque apenas existen novedades. Y, en segundo, porque, ni siquiera en esta concreta propuesta, la adaptación implica una apuesta diferente a las tratadas con antelación, provocando así (al menos a mí) una molesta impresión de “déjà vu”. 

Dirige Georgia Oakley, quien recibió en 2023 una nominación al BAFTA al mejor debut por “Blue Jean”. Se trata de su segunda incursión en la gran pantalla y muestra, en términos generales, sus aptitudes detrás de la cámara. Cabe confiar en que en su futura carrera opte por títulos más innovadores. 

Forman parte del equipo artístico Daisy Edgar-Jones (vista en la serie “Normal People”), George MacKay (“Captain Fantastic”, “1917”, “Peter Pan” de 2003), Esmé Creed-Miles (de la televisiva “Hanna”), Bodhi Rae Breathnach (“Hamnet”), Herbert Nordrum (“La peor persona del mundo”) o Caitriona Balfe (“Belfast”, “Ford vs Ferrari”). Todos realizan en conjunto una labor aceptable, aunque los odiosos contrastes con Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant y Alan Rickman se tornen inevitables. 

NOMINACIONES A LOS PREMIOS GOTHAM 2026

Las nominaciones para los Premios Gotham 2026 (los galardones que inauguran la temporada de premios de cine independiente en Estados Unidos) acaban de ser anunciadas de cara a la ceremonia que se celebrará en Nueva York el próximo 30 de noviembre.

"All of a Sudden", "Clarissa," "La Gradiva", "La invitación" y "Tender Loving Care" reúnen cuatro candidaturas cada una. 

Todos los nominados a los Gotham Awards 2026

Mejor  película

• Clarissa, de Arie Esiri y Chuko Esiri.
• Club Kid, de Jordan Firstman.
• The Debut, de Jesse Eisenberg.
• Dreams in Nightmares, de Shatara Michelle Ford.
• La invitación, de Olivia Wilde.
• Josephine, de Beth de Araújo.
• Mouse, de Kelly O’Sullivan y Alex Thompson.
• Paper Tiger, de James Gray.
• Primetime, de Lance Oppenheim.
• Teenage Sex and Death at Camp Miasma, de Jane Schoenbrun.
• Your Mother Your Mother Your Mother, de Bassam Tariq.

Mejor película internacional

• All of a Sudden, de Ryusuke Hamaguchi.
• Ben’Imana, de Marie-Clémentine Dusabejambo.
• Blue Heron, de Sophy Romvari.
• Everytime, de Sandra Wollner.
• Fatherland, de Pawel Pawlikowski.
• Filipiñana, de Rafael Manuel.
• La Gradiva, de Marine Atlan.
• Minotaur, de Andrey Zvyagintsev.
• Possible Love, de Lee Chang-dong.
• Tender Loving Care, de Mike Leigh.

Mejor documental

• Closure, de Michal Marczak.
• A Fox Under a Pink Moon, de Soraya Akhlaghi y Mehrdad Oskouei.
• NAZA, de Yuval Abraham y Rachel Szor.
• Once Upon a Time in Harlem, de David Greaves.
• You Can See Everything, de Nathan Fielder y Lance Oppenheim.

Mejor dirección

• Ryusuke Hamaguchi, por All of a Sudden.
• Sandra Wollner, por Everytime.
• Andrey Zvyagintsev, por Minotaur.
• Jane Schoenbrun, por Teenage Sex and Death at Camp Miasma.
• Mike Leigh, por Tender Loving Care.

Dirección revelación

• Sophy Romvari, por Blue Heron.
• Jordan Firstman, por Club Kid.
• Aleshea Harris, por Is God Is.
• Marine Atlan, por La Gradiva.
• Joel Alfonso Vargas, por Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo).
• John Early, por Maddie’s Secret.

Mejor guion original

• Sandra Wollner, por Everytime.
• Marine Atlan y Anne Brouillet, por La Gradiva.
• Lee Chang-dong y Oh Jung-mi, por Possible Love.
• Mike Leigh, por Tender Loving Care.
• Martin McDonagh, por Wild Horse Nine.

Mejor guion adaptado

• Ryusuke Hamaguchi, por All of a Sudden.
• Chuko Esiri, por Clarissa.
• Rashida Jones y Will McCormack, por La invitación
• Simon Lyashenko y Andrey Zvyagintsev, por Minotaur.
• Ajon Singh, por Primetime.

Mejor interpretación protagonista

• Mahershala Ali, por Your Mother Your Mother Your Mother.
• Gillian Anderson, por Teenage Sex and Death at Camp Miasma.
• Jeon Do-yeon, por Possible Love.
• John Early, por Maddie’s Secret.
• John Malkovich, por Wild Horse Nine.
• Ian McKellen, por The Christophers.
• Julianne Moore, por The Debut.
• Sophie Okonedo, por Clarissa.
• Andrew Scott, por Elsinore.
• John Turturro, por The Only Living Pickpocket in New York.

Mejor interpretación de reparto

• Tom Courtenay, por Queen at Sea.
• Esmé Creed-Miles, por Sense and Sensibility.
• Penélope Cruz, por La invitación
• Adam Driver, por Paper Tiger.
• Andrew Garfield, por Artificial.
• Skyler Gisondo, por Primetime.
• Sandra Hüller, por Fatherland.
• Kate O’Flynn, por Tender Loving Care.
• Tao Okamoto, por All of a Sudden.
• Channing Tatum, por Josephine.

Interpretación revelación

• Adia, por Your Mother Your Mother Your Mother.
• India Amarteifio, por Clarissa.
• Guitarricadelafuente, por La Bola Negra.
• Colas Quignard, por La Gradiva.
• Mason Reeves, por Josephine.

Premio Gotham del público

• Backrooms, de Kane Parsons.
• La Bola Negra, de Javier Ambrossi y Javier Calvo.
• The Drama, de Kristoffer Borgli.
• La invitación, de Olivia Wilde.
• Michael, de Antoine Fuqua.
• Obsession, de Curry Barker.
• Project Hail Mary, de Phil Lord y Christopher Miller.
• You Can See Everything, de Nathan Fielder y Lance Oppenheim.

ALBERTO IGLESIAS

Alberto Iglesias nació en San Sebastián el 21 de octubre de 1955. 

Compositor español conocido por sus trabajos en el mundo del cine, es autor de la música de películas españolas y extranjeras, muchas de ellas dirigidas por Pedro Almodóvar y Julio Medem. 

Ha sido nominado en cuatro ocasiones a los Oscars de la Academia de Hollywood: “El jardinero fiel” (The Constant Gardener), “Cometas en el cielo” (The Kite Runner), “El topo” (Tinker Tailor Soldier Spy) y “Madres paralelas”. 

Asimismo, ha recibido diecinueve candidaturas a los Premios Goya, alzándose con doce galardones. 

También ha sido reconocido en el Festival de Cannes y, por tres veces, en la Academia de Cine Europea. 

"El topo"

"El jardinero fiel"

"Hable con ella"

TOM SKERRITT, IN MEMORIAM

El actor Tom Skerritt falleció el pasado 21 de octubre a los 93 años de edad. Había nacido en Detroit el 25 de agosto de 1933. 

Entre sus películas más importantes figuran “M*A*S*H” (1970), “Alien” (1979), “Top Gun” (1986) y “Magnolias de acero” (1989). También participó en la serie televisiva “Picket Fences”.

Debutó en el cine en 1962 en “War Hunt”, de Denis Sanders y otros de sus títulos de referencia han sido “Poltergeist III” de Gary Sherman, “Jaque al asesino” de Carl Schenkel, “El río de la vida” de Robert Redford y “Contacto” de Robert Zemeckis.

Descanse en paz.

ANIMALES (Animals)

Ben Affleck, si bien como actor resulta bastante limitado, es un director notable. Su primera película, “Adiós pequeña, adiós”, constituyó un muy buen debut, al que siguieron “The Town, ciudad de ladrones” y “Argo” (que le valió un Oscar como productor, al ser considerada la mejor cinta de 2012). Hace tres años dirigió “Air” con su amigo Matt Damon como protagonista, una propuesta divertida y emotiva que narraba cómo la empresa “Nike” fichó a Michael Jordan para promocionar sus zapatillas deportivas. De la suma de estos cuatro títulos se desprende capacidad y talento innegables detrás de la cámara.

Por ello, no esperaba que su último trabajo, “Animales”, estrenada en la plataforma Netflix, me pareciera tan mediocre. Para empezar, aborda una trama demasiado manida dentro del Séptimo Arte, basada en “El cielo y el infierno”, de Akira Kurosawa (1963) que, a su vez, versionó recientemente Spike Lee en “Del cielo al infierno” (2025) y cuyo reparto encabezaba Denzel Washington. El hecho de que, apenas doce meses después, Affleck pretendiera contar lo mismo que Lee, pese a algunas diferencias sobre los personajes incluidas en el guion, suponía de por sí una mala idea. Pero, además, la forma de hacerlo deviene plana, poco emocionante e, incluso, un tanto monótona, careciendo del ritmo y la intensidad necesarios en un “thriller” de estas características.

Un candidato a la alcaldía de Los Ángeles, en plena campaña electoral, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado, solicitándole siete millones de dólares para su liberación. En plena angustia por la situación, y cuando todavía la familia se debate entre avisar a la policía o gestionar privadamente el problema, el niño aparece sano y salvo, evidenciándose que los secuestradores se han confundido de objetivo y ha retenido a un amigo del muchacho. Tras el alivio por recuperar al chico, se abre otro dilema: si se desoyen las peticiones de los delincuentes, abandonando a su suerte al otro menor, o si, por el contrario, mantienen su participación en el rescate. Con el fin de obtener los votos de la comunidad hispana a la que pertenece el capturado, continúan en contacto con los malhechores para recuperar al chaval, si bien contratan los servicios de una persona especializada en tratar con esta clase de individuos y que propone eliminarles como parte de la estrategia. Teniendo en el punto de mira las posibles repercusiones políticas, trazan un plan que, como cabía imaginar, no sale cómo estaba previsto. 

Mientras veía el largometraje no paraba de preguntarme cómo semejante proyecto logró captar el interés de Ben Affleck, habida cuenta de que, dada la proximidad con “Del cielo al infierno” y la endeblez del guion, procedía destinar la propuesta al olvido. Previsible y fallido, nada existe en “Animales” que recuerde a los rodajes de “The Town, ciudad de ladrones” o “Argo”, obras con una gran carga dramática y una destacada tensión narrativa. Se trata de uno de los films más decepcionantes que he visto esta temporada, apenas comparable con un irrelevante telefilme de sobremesa. La parte positiva radica en su ajustada duración, en torno a la hora y media, que no alarga sin necesidad lo que ni siquiera tendría que haberse iniciado.

Acompaña a Ben Affleck la actriz Kerry Washington, vista en “Django desencadenado”, “Ray”, “Espera al último baile” o “La mancha humana”. También aparece Gillian Anderson, la legendaria agente Dana Scully de la serie “Expediente X” y la icónica Margaret Thatcher de “The Crown”, quien actuó asimismo en, entre otras, “El último rey de Escocia”. Entre los secundarios figuran Steven Yeun (“Minari”), Adriana Paz (“Emilia Pérez”) y Luis Gerardo Méndez (“Narcos: Mexico”).

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE LONDRES 2026

El Festival de Cine de Londres del BFI 2026 distinguió a “Imperium”, de Sergei Loznitsa, como mejor película de su sección oficial. El anuncio del palmarés de la edición número 70, realizado el domingo 18 de octubre, también incluyó a “9 Temples to Heaven”, que obtuvo el Premio Sutherland a la ópera prima.

Palmarés del Festival de Londres 2026

• Mejor película: Imperium, de Sergei Loznitsa.
• Ópera prima/Premio Sutherland: 9 Temples to Heaven, de Sompot Chidgasornpongse.
• Documental/Premio Grierson: Concrete Land, de Asmahan Bkerat.
• Cortometraje: Aman, de Rahul Roye.
• Mención en ópera prima: MASC, de Bertil Nilsson.
• Mención en documental: Queer Edward II, de Theo Rollason.
• Mención en cortometraje: Daughters of the Late Colonel, de Elizabeth Hobbs.

CINTAS PRESELECCIONADAS POR LOS DIFERENTES PAÍSES PARA OPTAR AL OSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2027

Albania: A State Film / Film di stato, de Roland Sejko

Alemania: Everytime, de Sandra Wollner

Arabia Saudita: A Matter of Life and Death, de Anas Ba-Tahaf

Argelia: Roqia, de Yanis Koussim

Argentina: The Virgin of the Quarry Lake / La virgen de la tosquera, de Laura Casabé

Armenia: In the Land of Arto / Le Pays d'Arto, de Tamara Stepanyan

Australia: First Light, de James J. Robinson

Austria: Rose, de Markus Schleinzer

Bangladesh: Roid, de Mejbaur Rahman Sumon

Bélgica: Coward, de Lukas Dhont

Bolivia: The Condor Daughter / La hija cóndor, de Álvaro Olmos Torrico

Bosnia y Herzegovina: The Widower / Udovac, de Hari Šečić

Brasil: Gugu's World / Feito Pipa, de Allan Deberton

Bulgaria: The Dreamed Adventure/ Das geträumte Abenteuer, de Valeska Grisebach

Camboya: Becoming Human, de Polen Ly

Camerún: Mabanda, de Kang Quintus

Canadá: Nina Roza, de Geneviève Dulude-de Celles

Colombia: Rains Over Babel / Llueve sobre Babel, de Gala del Sol

Congo: Rumba Royale, de Yohane Dean Lengol y Hamed Mobasser

Corea del Sur: Possible Love, de Lee Chang-dong

Costa Rica: If We Don't Burn, How Do We Light Up the Night / Si no ardemos, cómo iluminar la noche, de Kim Torres

Croacia: God Will Not Help / Bog neće pomoći, de Hana Jušić

Cuba: Malecón, de Carlos Larrazabal

Chad: Soumsoum, the Night of the Stars / Soumsoum, la nuit des astres, de Mahamat-Saleh Haroun

Chile: The Meltdown / El deshielo, de Manuela Martelli

China: Once Upon a Time in the Middle East, de Wen Muye

Chipre: Hold onto Me, de Myrsini Aristidou

Dinamarca: Woman Unknown / Kvinde ukendt, de May el-Toukhy

Ecuador: The Ivy / Hiedra, de Ana Cristina Barragán

Egipto: The Stories, de Abu Bakr Shawky

El Salvador: Vértices, de Arturo López Rodas

Eslovaquia: Flood / Potopa, de Martin Gonda

Eslovenia: Fantasy, de Kukla

España: La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi

Estonia: Our Erika / Meie Erika, de German Golub

Filipinas: Filipiñana, de Rafael Manuel

Finlandia: The Squirrel / Orava, de Markus Lehmusruusu

Francia: Minotaur, de Andrey Zvyagintsev

Georgia: Guria, de Levan Koguashvili

Grecia: Broken Vein, de Yannis Economides

Guatemala: Mountains of Fire / Cordillera de fuego, de Jayro Bustamante

Hong Kong: Sons of the Neon Night, de Juno Mak

Hungría: Silent Friend / Stille Freundin, de Ildikó Enyedi

India: Gondhal, de Santosh Davakhar

Indonesia: Four Seasons in Java / Empat Musim Pertiwi, de Kamila Andini

Irak: No Paradise If You Are Killed by a Woman, de Halkawt Mustafa

Irán: Land of Angels, de Babak Khajehpasha

Irlanda: Aontas, de Damian McCann

Islandia: The Ground Beneath Our Feet, de Yrsa Roca Fannberg

Israel: Tell Me Everything, de Moshe Rosenthal

Italia: The Spiral / L'estranea, de Paolo Strippoli

Japón: All of a Sudden / Sudain, de Ryûsuke Hamaguchi

Jordania: Sink, de Zain Duraie

Kazajistán: Abel, de Elzat Eskendir

Kenia: One Woman One Bra, de Vincho Nchogu

Kirguistán: Cassandra, de Bekzat Pirmatov

Kosovo: Dua, de Blerta Basholli

Letonia: Ulya / Uļa, de Viesturs Kairišs

Líbano: Furies, de Rami Kodeih

Lituania: How to Divorce During the War / Skyrybos karo metu, de Andrius Blaževičius

Luxemburgo: Child, de Cyrus Neshvad

Macedonia del Norte: 17, de Kosara Mitić

Malasia: The Fox King / Semusim Lara, de Woo Ming Jin

Malta: Żejtune, de Alex Camilleri [de]

Marruecos: Strawberries / La más dulce, de Laïla Marrakchi

México: On the Road / En el camino, de David Pablos

Mongolia: Independence: Keeper of the Prophecy, de B. Tamir

Montenegro: To Hold a Mountain / Planina, de Biljana Tutorov y Petar Glomazić

Nepal: Elephants in the Fog, de Abinash Bikram Shah

Nigeria: Dear Ajayi, de Damilola Orimogunje

Noruega: Growth of the Soil / Markens grøde, de Hans Petter Moland

Nueva Zelanda: Mārama, de Taratoa Stappard

Países Bajos: Paikar, de Dawood Hilmandi

Panamá: Chichero, de Aarón Bromley y Arturo Montenegro

Pakistán: Hanging by a Wire, de Mohammed Ali Naqvi

Paraguay: Narciso, de Marcelo Martinessi

Palestina: Citizen Osama, de Ahmed Hassouna

Perú: Night Has Come / Vino la noche, de Paolo Tizón

Polonia: Fatherland / Ojczyzna, de Paweł Pawlikowski

Portugal: The Scent of Things Remembered / A Memória do Cheiro das Coisas, de António Ferreira

Reino Unido: Rehearsals for a Revolution, de Pegah Ahangarani

República Checa: If Pigeons Turned to Gold / Kdyby se holubi promenili ve zlato, de Pepa Lubojacki

República Dominicana: Melodrama, de Andrés Farías

Ruanda: Ben'Imana, de Marie Clémentine Dusabejambo

Rumania: Fjord, de Cristian Mungiu

Senegal: The Attachment / Liti Liti, de Mamadou Khouma Gueye

Serbia: Wanderlust / Izlet, de Nenad Pavlović

Singapur: We Are All Strangers, de Anthony Chen

Siria: The Other Side of the Sun, de Tawfik Sabouni

Sri Lanka: Riverstone, de Lalith Rathnayake

Sudáfrica: Variations on a Theme / Variasies op 'n Tema, de Devon Delmar y Jason Jacobs

Suecia: Adult Supervision / Arkipelag, de Alex Schulman

Suiza: Who Is Still Alive / Qui vit encore, de Nicolas Wadimoff

Tailandia: 9 Temples to Heaven, de Sompot Chidgasornpongse

Taiwán: A Foggy Tale, de Chen Yu-hsun

Turquía: Like a Limbless Tree / Kesilmiş Bir Ağaç Gibi, de Tunç Davut

Ucrania: Traces, de Alisa Kovalenko

Uruguay: A Loose End / Un cabo suelto, de Daniel Hendler

Venezuela: Death Has No Master / La muerte no tiene dueño, de Jorge Thielen Armand

EL PRECIO DE LA RED (The Social Reckoning)

En el año 2010 se estrenó “La red social”, cinta en la que se reflejaba el nacimiento de Facebook. Dirigida por el siempre solvente y, en ocasiones, magistral David Fincher, se alzó con tres Oscars de un total de ocho nominaciones, y con cuatro Globos de Oro que incluían el de mejor película dramática. El guionista (y también ganador de los dos citados galardones) fue Aaron Sorkin, a mi juicio uno de los guionistas más brillantes de todos los tiempos, responsable de títulos como “Algunos hombres buenos”, “Moneyball” o “La guerra de Charlie Wilson” y, en el medio televisivo, de series como “The Newsroom”. Creó, asimismo, aquella maravilla titulada “El ala oeste de la Casa Blanca”. 

Sorkin dio el salto a la realización con la muy notable “Molly's Game” y ahora retoma una especie de segunda parte de “La red social” para seguir narrando con su estilo propio la historia de Facebook: diálogos ágiles y mordientes, intensidad narrativa y profunda carga reflexiva. Por lo tanto, el entretenimiento y el ingenio quedan garantizados. 

En “El precio de la red” se relatan los acontecimientos acaecidos casi dos décadas después de que el genio programador Mark Zuckerberg y un grupo de pioneros de la tecnología inventaran la que acabaría convirtiéndose en la mayor plataforma de redes sociales del mundo. Basada en hechos reales, se centra en la figura de una joven ingeniera de la compañía que, ayudada por un reportero del Wall Street Journal, emprende una arriesgada investigación con la que acaba destapando los secretos más ocultos de dicha red social. El reportaje -una serie de artículos conocida como "The Facebook Files" (Los archivos de Facebook)-se publicó en 2021 y reveló sus efectos nocivos en los adolescentes, y su proliferación a sabiendas de una desinformación que contribuyó a actos de violencia política.

EL cartel del largometraje se promociona con la ilustrativa frase “Ya no estamos aquí para hacer amigos”, habida cuenta de que, en sus orígenes, el concepto de “amigos en Facebook” supuso una forma de entender tal auge, al tiempo que se distorsionaba el concepto de “amigo” hasta hacerlo irreconocible. En cualquier caso, a quien le gustó “La red social”, también le gustará esta nueva propuesta.

Tal vez Sorkin no posea la habilidad de Fincher tras la cámara, como queda de manifiesto en esta secuela, pero su maestría como responsable del texto imprime tal ritmo a los diálogos y a la trama que compensa cualquier otro tipo de carencia. En una época protagonizada por las polémicas sobre las inteligencias artificiales y los constantes pleitos con las grandes compañías que gestionan estas aplicaciones, el film resulta especialmente oportuno e inquietante. Pero, más allá de las reflexiones que genere, cumple sobradamente desde el estricto punto de vista del entretenimiento. No obstante, para que surta el efecto deseado, los espectadores han de sentirse mínimamente compelidos por la problemática que aborda, por más que se trate de una oferta bien construida y, por momentos, sumamente amena. 

Encabeza el elenco Mikey Madison (conocida por la sorprendentemente oscarizada “Anora”, que le valió incluso a ella misma una estatuilla, y a la que hemos visto también en “Érase una vez en Hollywood” o en la versión de “Scream” de 2022). Le acompaña Jeremy Allen White, célebre por la serie de televisión “The Bear” y que interpreta al cantante Bruce Springsteen en “Springsteen: Deliver Me From Nowhere”. Esta vez es Jeremy Strong quien da vida a Mark Zuckerberg. El actor estadounidense participó en “La gran apuesta” y “El juicio de los 7 de Chicago”, obras igualmente de Aaron Sorkin. Junto a ellos, Anna Lambe (en cartelera con “En el corazón de la bestia”) y Billy Magnussen (“La gran apuesta”).

DARIO MARIANELLI

Dario Marianelli nació en Pisa el 21 de junio de 1963. Compositor italiano de bandas sonoras, posee un Oscar y un Globo de Oro.

Saltó a la fama gracias a sus composiciones para las películas del director Joe Wright, con quien ha trabajado en “Orgullo y prejuicio” (2005), “Expiación” (2007) -por la que ganó el premio de la Academia de Cine de Hollywood- o “Anna Karenina” (2012).

Otros de sus trabajos son “V de vendetta” (2005), de James McTeigue; “La extraña que hay en ti” (2007), de Neil Jordan; “Ágora” (2009), de Alejandro Amenábar; “Jane Eyre” (2011), de Cary Fukunaga o “La pesca de salmón en Yemen” (2011), de Lasse Hallström. 

Expiación

Orgullo y prejuicio

Anna Karenina

DIGGER

La parodia, por su propia naturaleza, tiende a la exageración. Su objetivo suele centrarse en la crítica, ya sea reflexiva o no, pero la vía utilizada para ello incluye una serie de excesos, aspavientos, caricaturas y extralimitaciones que, aun pudiendo provocar humor y divertimento, se arriesgan a caer en un absurdo y una insensatez que, al final, conducen al rechazo. Y, si bien en el trasfondo se pretende llamar la atención sobre la ilógica realidad de este mundo, protagonizada por líderes sacados de un irreverente episodio de serie televisiva, lo normal es dejarse arrastrar por la desmesura y la teatralidad más provocadoras.

En este contexto halla su origen “Digger”, la última película de Alejandro González Iñárritu que, como sucede ante cualquier exageración, contará con fieles defensores y con acérrimos detractores. Estas recreaciones extravagantes encantan o decepcionan, sin posibilidad de término medio. Algunas crónicas la han comparado con “¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú”, cinta de Stanley Kubrick del año 1964. Otras, en cambio, tan sólo subrayan la irracionalidad e incoherencia de su trama. En ese sentido, yo mismo he aludido en varias de mis críticas anteriores a una célebre cita del film “The International - Dinero en la sombra”: la diferencia entre la verdad y la ficción es que esta debe tener sentido. Aquí, sin embargo, la ausencia de sentido queda fuera de toda duda. 

Un hombre muy poderoso comete un error catastrófico que pone en riesgo a la humanidad en pleno. Avergonzado y decidido a redimirse, comienza una peligrosa misión para reparar el daño causado y demostrar que todavía puede convertirse en un verdadero héroe colectivo. Decidido a superar sus propios límites para salvar a los habitantes del planeta y recuperar su honor, se enfrentará a amenazas globales, dilemas morales y desconfianzas generalizadas. 

Una vez admitido ese tono desproporcionado y caricaturesco, el espectador tal vez se deje llevar por el despropósito propuesto y se recocije con la comicidad del relato.  Por lo que a mí respecta, asistí perplejo a la proyección. Pese a reconocer que, en ocasiones, conducir situaciones verídicas hasta el ridículo más absoluto genera risas y alcanza el propósito de una denuncia implícita, su metraje superior a dos horas me resultó claramente indigesto.  La reiteración en la exageración, en los gritos y en la superficialidad me saturó pronto, por lo que el deseado disfrute no tuvo lugar. 

No obstante, Alejandro González Iñárritu me parece un gran director y nada hacía presagiar que en su filmografía –que incluye títulos tan destacados como “21 gramos”, “Babel”, “El renacido” y “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)”- figurase esta obra que hasta cuesta calificar de comedia. Cuestión distinta supone la defensa de propuestas de esta naturaleza como consecuencia necesaria para neutralizar esa constante superación del nivel de disparate de las noticias en los tiempos que corren. 

Tom Cruise encabeza el reparto, llevando a cabo un trabajo muy acertado, habida cuenta del personaje tan extravagante que representa. Se nota que se ajusta al guion y a las pretensiones del realizador, aun a riesgo de saturar con el permanente tono grotesco, burlón y repleto de aspavientos. Cuatro veces nominado al Oscar y poseedor de uno honorífico, en su carrera profesional atesora éxitos internacionales y actuaciones relevantes. Representa a la estrella de Hollywood por antonomasia y probablemente repetirá candidatura en próximas entregas de premios, pese a que la marca “Digger” no ayuda.  A cargo de papeles secundarios le acompañan Riz Ahmed (nominado a la estatuilla dorada por su actuación en “Sound of Metal”), John Goodman (“Argo”, “El gran Lebowski”), Sandra Hüller (“Anatomía de una caída”) o Jesse Plemons (“El vicio del poder”, “Bugonia”).

EVA MARIE SAINT, IN MEMORIAM

La actriz Eva Marie Saint falleció el 6 de octubre de 2026 a los 102 años. Nacida en Newark, Nueva Jersey, el 4 de julio de 1924, fue una de las actrices más destacadas de la época dorada de Hollywood, llegando a compartir protagonismo con estrellas como Paul Newman, Cary Grant, Warren Beatty o Marlon Brando.

En 1954 ganó un Oscar por “La Ley del silencio”, de Elia Kazan. En 1959 rodó a las órdenes de Alfred Hitchcock “Con la muerte en los talones” y, al año siguiente, “Éxodo”, de Otto Preminger.

Otras de sus películas fueron “Todos caen” (1962), de John Frankenheimer; “36 horas” (1964), de George Seaton; “¡Que vienen los rusos!” (1966), de Norman Jewison o “Grand Prix” (1966), de nuevo con Frankenheimer.

En el mundo de la televisión intervino en infinidad de series, como “La conquista del Oeste”, “Vacaciones en el mar” o “Luz de luna”. 

FESTIVAL DE CINE DE LONDRES 2026

La 70ª edición del BFI London Film Festival tendrá lugar entre los días 7 y 18 de octubre. "Elsinore", con Andrew Scott, abrirá el encuentro, mientras que "The Debut", dirigida por Jesse Eisenberg y protagonizada por Julianne Moore, será la película de clausura.

Competición oficial

Woman Unknown - May el-Toukhy 

My Notes on Mars - Lili Horvát 

The Difficult Bride - Rubaiyat Hossain

Look Back - Hirokazu Koreeda

Imperium - Sergei Loznitsa

Act 3 - Christine Molloy, Joe Lawlor

7 Miles Out - Carol Morley 

Glaxo - Benjamín Naishtat

The Idiot(s) - Małgorzata Szumowska, Michał Englert

Ketticè - Giovanni Tortorici 

Competición de primeros realizadores

Our Share of Sand - Shalini Adnani

Fruit Gathering - Aung Phyoe

9 Temples to Heaven - Sompot Chidgasornpongse 

Forest High - Manon Coubia

Ben’Imana - Marie-Clémentine Dusabejambo

A Common Story - Anna Foglietta

Masc - Bertil Nilsson 

Lady - Olive Nwosu 

The Last Day - Rachel Rose 

Animol - Ashley Walters

Competición en documentales

Concrete Land - Asmahan Bkerat

Ba’s Book - Ashley Duong

Once Upon a Time in Harlem - William Greaves, David Greaves

Dependence - Grace Harper Brighouse 

The Calf Doll - Ankur Hooda 

Concrete Turned to Sand - Jessica Johnson, Ryan Ermacora

Queer Edward II - Theo Rollason 

Sumo: Spirit Weighs Nothing - Erik Shirai

EN EL CORAZÓN DE LA BESTIA (Heart of the Beast)

El director, productor y guionista norteamericano David Ayer cuenta con una filmografía muy marcada por el suspense y la violencia. Se dio a conocer en su faceta de escritor de guiones gracias a títulos como “Día de entrenamiento” o la primera entrega de “The Fast and the Furious”, allá por 2011. Ambos trabajos ayudan a entender el tipo de cine que escogió para su salto detrás de la cámara. Debutó como realizador en 2005 con uno de los largometrajes más desconocidos de Christian Bale (“Vidas al límite”) para, posteriormente, seguir rodando acerca de la virulencia callejera y policial, así como sobre la corrupción, en “Dueños de la calle” (con Keanu Reeves) o “Sin tregua” (de la mano de Jake Gyllenhaal). Después llegó su primera colaboración con Brad Pitt en la cinta bélica “Corazones de acero” y, tras un breve ínterin en el que coqueteó desafortunadamente con el cómic y el género fantástico, rodó dos films bastante prescindibles protagonizados por Jason Statham. Obviamente, lo suyo no es la comedia, habida cuenta de que la acción intensa y la fuerza bruta marcan gran parte de su estilo narrativo y su trayectoria.

Ahora repite con Pitt a través de “En el corazón de la bestia”, a mi juicio su mejor obra. Si bien mantiene la intensidad e, incluso, la primacía de la potencia física, las refleja por medio de un formato y una pretensión muy diferentes. Se trata de un relato de aventuras en el sentido más clásico del término, recurriendo a un modelo narrativo convencional que beneficia al conjunto de la trama y al objetivo del entretenimiento. Mostrando hermosos paisajes y convirtiendo a la propia naturaleza en otro personaje de la historia, Ayer se adentra en el espíritu de Jack London y ofrece en poco más de hora y media una narración vehemente y emotiva.

Tras sobrevivir a un brutal accidente aéreo, un ex soldado de las Fuerzas Especiales permanece perdido en Alaska junto a su fiel perro. Heridos, solos y perseguidos por los peligros naturales, ambos deberán confiar en su entrenamiento, su vínculo inquebrantable y su instinto de supervivencia para superar desafíos extremos y encontrar el camino de regreso a casa. A cada paso, el frío, la soledad y los viejos fantasmas del pasado pondrán a prueba su resistencia.

Si bien algunas escenas me remitían a “Hacia rutas salvajes”, el drama dirigido por Sean Penn, o a “El renacido”, de Alejandro González Iñárritu, la preeminencia de la acción y del ritmo convierte a esta “En el corazón de la bestia” en una propuesta más aventurera, donde la supervivencia y la lealtad entre animal y amo constituyen su motor central. Entretiene y hasta conmueve, circunstancia totalmente novedosa en la producción de David Ayer.

Presentándola en el reciente Festival de Cine de San Sebastián, Brad Pitt concitó la máxima expectación. Excelente actor, acreedor ya de dos estatuillas doradas (una, como productor de “12 años de esclavitud” y otra, como intérprete en “Érase una vez en… Hollywood”), resultó nominado por primera vez en 1997 merced a su actuación en “12 monos” y atesora papeles memorables como los de “Moneyball”, “El curioso caso de Benjamin Button”, “Seven” o “El club de la lucha”. Se nota que en esta ocasión se ha entregado a su labor, dotando a su perfil de verdad y autenticidad.

Aunque no sea lo habitual, dedicaré una merecida mención al perro, un pastor alemán llamado realmente Uber y cuyo entrenamiento como rescatador y policía le permitió realizar las secuencias de acción sin mayores complicaciones. La conexión entre ambos se transmite en todo momento.

Completan el exiguo reparto J.K. Simmons (Oscar por “Whiplash” y célebre por sus apariciones como secundario en “La, La, Land”, “Juno”, “Up in the Air” o la saga de Spiderman de Sam Raimi) y Anna Lambe (vista en una temporada de la serie televisiva “True Detective”).

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN 2026

‘Tender Loving Care’, el adiós de Mike Leigh al Séptimo Arte, se alzó con la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián de 2026. 

A sus 83 años, Leigh se despide de la profesión con otro gran premio en un certamen de clase A, ya que fue Palma de Oro en Cannes con "Secretos y mentiras" (1996) y León de Oro en Venecia con "El secreto de Vera Drake" (2004).  

Sus películas, además, suman 18 candidaturas al Oscar, de las cuales siete han recaído en su persona.

PALMARÉS COMPLETO

• Concha de Oro: Tender Loving Care, de Mike Leigh.
• Premio Especial del Jurado: Border, de Ah Biao.
• Concha de Plata a la mejor dirección: Amanda Kernell por Garrat du váimmu.
• Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista: ex aequo para Kate O’Flynn por Tender Loving Care y Asta Kamma August, por Markens grøde.
• Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto: Javier Cámara por Cinco minutos más.
• Mejor guion: Mike Leigh por Tender Loving Care.
• Mejor fotografía: Oskar Dahlsbakken por Markens grøde.
• Nuevos Directores: Body of Glass, de Naëmi Ada.
• Horizontes latinos: La ilusión de un verano sin fin, de Alessandra Sanguinetti.
• Zabaltegi–Tabakalera: Adolescencia, sexo y muerte en campamento Miasma, de Jane Schoenbrun.
• Premio del público: La bola negra, de Javier Ambrossi y Javier Calvo.
• Premio del público a la mejor película europea: NAZA, de Yuval Abraham y Rachel Szor.
• Premio de la juventud: La ilusión de un verano sin fin, de Alessandra Sanguinetti.
• Premio RTVE-Otra mirada: Soudain, de Ryusuke Hamaguchi.
• Premio Zinemira: Txakun txakür, de Elsa Oliarj-Inès.

COYOTE VS. ACME

En mi niñez e, incluso, en mi adolescencia, los dibujos animados de “Looney Tunes” (cuya traducción podría significar algo así como “sintonías chifladas”) ocuparon un lugar muy especial. Esta franquicia, perteneciente a la compañía Warner Brothers, contaba con los inolvidables Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky, el canario Piolín, el gato Silvestre, el Coyote y el Correcaminos, entre otros. Pasé muchas horas frente al televisor disfrutando con las divertidas aventuras de tan excéntricos personajes. Ahora se estrena en la pantalla grande “Coyote vs. Acme”, recurriendo a la combinación de imagen real y animada al estilo de “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” (1988), la también ocurrente y entretenida obra de Robert Zemeckis.

Y lo cierto es que he disfrutado con su visionado. Se trata de una cinta ágil, risueña, graciosa y melancólica que consigue conectar con varias generaciones que, durante varias etapas de la vida, nos entretuvimos con estas animaciones que, pese a repetir tramas, trampas y enfrentamientos, provocaban nuestras carcajadas. No descarto que tal disfrute se deba a la conexión con nuestro niño interior, que ahí sigue pese al paso del tiempo. Yo defiendo la tesis de que lo que nos engancha y encandila de pequeños perdura para siempre. Y, desde luego, este largometraje acopla novedad y tradición con un acierto digno de elogio. 

No obstante, el film ha corrido un serio riesgo de no llegar a las salas de proyección. En 2023, la Warner Brothers anunció que abandonaba el proyecto, en el que llevaba trabajando casi cinco años y había invertido unos setenta millones de dólares. Al parecer, en los problemas financieros de la productora se encontraría el origen de la decisión de no asumir el resto de costes derivados de la promoción, y se decantaron por el beneficio de la deducción fiscal como pérdida de la inversión efectuada hasta entonces. Al final, por fortuna, con un retraso considerable y a través de duras negociaciones con la distribuidora, “Coyote vs. Acme” ha visto la luz con notable éxito. En menos de tres semanas ha recaudado setenta y cinco millones y va camino del éxito de crítica y público.

En el empeño del Coyote por perseguir al Correcaminos, todos los productos fabricados por la empresa “ACME Corporation” suponen un fracaso, de modo el carnívoro contrata a un abogado humano, tan desafortunado como él, para demandar a la compañía. Cuando aquel descubre que el jefe de su antiguo bufete es el director general de ACME, cliente y letrado se alían para ganar el juicio.

El objetivo principal de la propuesta (entretener y divertir) se logra con creces. Su ajustada duración de apenas cien minutos basta para mostrar con brillantez y toques de genialidad el espíritu burlón de estas simpáticas figuras. Sorprende la participación como guionista de James Gunn, director de la trilogía de “Guardianes de la Galaxia” y del último “Superman” de 2025. Le acompañan en su labor de escritura Samy Burch (nominada al Oscar al mejor guion original por “May December”) y Jeremy Slater (más vinculado al terror y al género fantástico, como demostró en “Los cuatro fantásticos” o “Godzilla X Kong: The New Empire”). Aunque, de entrada, no parezcan los perfiles más adecuados para narrar esta historia, el resultado sin duda funciona. 

Entre los actores de carne y hueso se hallan Will Forte (habitual en la televisión americana gracias a “Saturday Night Live” y visto “Nebraska”), John Cena (ex luchador reconvertido en intérprete -por ejemplo, en la décima entrega de “Fast & Furious”-), Luis Guzmán (“Traffic”, “Magnolia”) y Lana Condor (“X-Men: Apocalypse”).

CLINT MANSELL

El músico inglés Clint Mansell nació el 7 de noviembre de 1963 e inicialmente fue vocalista principal de la banda de rock alternativo “Pop Will Eat Itself”. 

Tras la disolución del grupo, se estableció Estados Unidos y empezó una carrera como compositor de bandas sonoras para películas.

En el cine comenzó de la mano del director Darren Aronofsky con sus dos primeras obras: “Pi, fe en el caos” (1998) y “Réquiem por un sueño” (2000), una de sus composiciones más aplaudidas. 

Entre sus trabajos se encuentran “The Hole” (2001), “La fuente de la vida” (2006), “Definitivamente, quizá” (2008), “El luchador” (2008), “Moon” (2009), “Cisne negro” (2010), “Sólo una noche” (2010) y “Stoker” (2013).

Réquiem por un sueño

Sólo una noche

Cisne negro

PRÁCTICAMENTE MAGIA 2 (Practical Magic 2)

Hace veintiocho años se estrenó “Prácticamente magia”, una película que pasó por la taquilla de forma discreta, pero que alcanzó cierta repercusión por la popularidad de sus dos actrices principales, Nicole Kidman y Sandra Bullock. Por aquel 1998 la primera venía de rodar “El pacificador” y su carrera estaba tomando impulso, además de que su matrimonio con Tom Cruise la situaba en las portadas de revistas y medios de comunicación. La segunda todavía saboreaba el gran éxito de “Speed” junto a Keanu Reeves y también se estaba consolidando en la industria. Esta fantasía cómica con toques sobrenaturales no destacó por nada en particular, pero fue un peldaño más en el ascenso de ambas intérpretes a lo que, años más tarde, fueron sus mejores años desde el punto de vista artístico. 

Obviamente, resultaba del todo innecesario rodar su secuela, otro enésimo proyecto montado sobre la falsa ilusión de atrapar a los espectadores con la nostalgia del pasado pero que, en el fondo, alberga carencia de originalidad e incapacidad para asumir riesgos a través de nuevos guiones, personajes y situaciones. Se nota la artificialidad del producto y la pretensión de alargar de forma redundante lo que quedó perfectamente cerrado hace casi tres décadas. 

El hecho de que Kidman y Bullock produzcan también “Prácticamente magia 2” (junto con Denise Di Novi) evidencia que ellas se han empeñado en retomar esta historia. Ignoro los motivos. Desde luego, si confiaban en impulsar de ese modo unas carreras en cierto declive, no parece el camino más adecuado.  

En esta ocasión, ha variado el realizador, cambiando al actor y director Griffin Dunne (más célebre por interpretar algunos títulos como “¡Jo, qué noche!”, de Martin Scorsese o “Un hombre lobo americano en Londres”, de John Landis) por Susanne Bier, cineasta danesa que se dio a conocer internacionalmente con varias cintas rodadas bajo los parámetros del movimiento fílmico “Dogma 95” y cuyo largometraje “En un mundo mejor” ganó en 2011 el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Brier se deja arrastrar aquí por la inercia y la apatía que suelen asociarse a este tipo de producciones, firmando un trabajo que no termina de destacar por nada en concreto. 

Las aventuras de estas dos brujas que luchan contra predestinaciones y maldiciones familiares pueden entretener a los incondicionales de la entrega inicial o a los admiradores de las protagonistas. Si bien cabe calificar alguna secuencia como acertada, las más de dos horas de metraje se antojan excesivas y superfluas en su mayor parte. 

La principal baza a su favor radica en el casting. No hay que olvidar que Nicole Kidman y Sandra Bullock se consolidaron tras filmar “Prácticamente magia” y que se alzaron con sus estatuillas doradas de Hollywood (Kidman, por “Las horas”; Bullock por “The Blind Side: Un sueño posible”), disfrutando desde entonces de una posición firme en el complejo universo del Séptimo Arte. Sin embargo, esta última propuesta no aporta nada a sus respectivas filmografías. 

Acompañan de nuevo a las dos estrellas Dianne Wiest y Stockard Channing, con cuyos papeles de menor protagonismo garantizan siempre unas actuaciones destacadas. La primera ha recibido sendos Oscars por su participación en dos creaciones de Woody Allen (“Hannah y sus hermanas” y “Balas sobre Broadway”). La segunda, después del éxito de “Grease” en 1978, ha intervenido en las interesantes “Se acabó el pastel” o “Seis grados de separación”. 

Entre las nuevas incorporaciones figuran Joey King (“Bullet Train”, “Independence Day: Contraataque”) y Maisie Williams (“Juego de tronos”, “El libro del amor”).

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA 2026

‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy, se ha alzado con el prestigioso León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia. Asimismo, Mathilde Arcel, protagonista de ‘Woman Unknown’, recibió la Copa Volpi a la mejor actriz, estrenándose también como protagonista de un film. Por su parte, el actor John Malkovich ganó la Copa Volpi al mejor actor por su interpretación en ‘Wild Horse Nine’. 

LISTADO DE GALARDONES

Selección Oficial

• León de Oro a la mejor película: ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy
• León de Plata – Gran Premio del Jurado: ‘Possible Love’, de Lee Chang-dong
• León de Plata – Mejor dirección: Iliá Jrzhanovski, por ‘DAU’
• Copa Volpi a la mejor actriz: Mathilde Arcel por ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy
• Copa Volpi al mejor actor: John Malkovich por ‘Wild Horse Nine’, de Martin McDonagh
• Mejor guión: Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce por ‘Un bon petit soldat’, de Brizé
• Premio Especial del Jurado: ‘Naza’, de Yuval Abraham y Rachel Szor
• Premio Marcello Mastroianni al mejor intérprete emergente: Malou Khebizi por ’15/18′, de Cédric Kahn

Sección Horizontes (dedicada a las nuevas vanguardias)

• Mejor película: ‘Un détour par Diane’, de Ann Sirot y Raphaël Balboni
• Mejor dirección: Jacqueline Lentzou por ‘A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra’
• Premio Especial del Jurado: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu
• Mejor actriz: Laleh Marzban por ‘Moragheb’ (‘Falling House’)
• Mejor actor: Riccardo Scamarcio por ‘I figli della scimmia’
• Mejor guión: Tommaso Landucci y Damiano Femfert por ‘I figli della scimmia’
• Mejor cortometraje: ‘Quelques instants de bonheur’, de Shaden Safieddine Tazi.
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• Venecia Spotlight (centrada en obras innovadoras y originales en su relación con el público)
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• Premio del público: ‘I matter’, de Alina Şerban
• León del Futuro, Premio Venecia Ópera Prima: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu

Venecia Clásicos

• Mejor restauración: ‘La lunga notte del ’43’, de Florestano Vancini

Venecia Inmersiva

• Gran Premio: ‘The Pigeon Ring’, de Yuqi Zhang y Shixin Tao
• Premio Especial del Jurado: ‘Out of the Ashes’, de Rory Mitchell y Nonny de la Peña
• Premio a la dirección: Peter Flaherty por ‘Empire at Sea’