viernes, 18 de septiembre de 2026

PRÁCTICAMENTE MAGIA 2 (Practical Magic 2)



Hace veintiocho años se estrenó “Prácticamente magia”, una película que pasó por la taquilla de forma discreta, pero que alcanzó cierta repercusión por la popularidad de sus dos actrices principales, Nicole Kidman y Sandra Bullock. Por aquel 1998 la primera venía de rodar “El pacificador” y su carrera estaba tomando impulso, además de que su matrimonio con Tom Cruise la situaba en las portadas de revistas y medios de comunicación. La segunda todavía saboreaba el gran éxito de “Speed” junto a Keanu Reeves y también se estaba consolidando en la industria. Esta fantasía cómica con toques sobrenaturales no destacó por nada en particular, pero fue un peldaño más en el ascenso de ambas intérpretes a lo que, años más tarde, fueron sus mejores años desde el punto de vista artístico. 
Obviamente, resultaba del todo innecesario rodar su secuela, otro enésimo proyecto montado sobre la falsa ilusión de atrapar a los espectadores con la nostalgia del pasado pero que, en el fondo, alberga carencia de originalidad e incapacidad para asumir riesgos a través de nuevos guiones, personajes y situaciones. Se nota la artificialidad del producto y la pretensión de alargar de forma redundante lo que quedó perfectamente cerrado hace casi tres décadas. 
El hecho de que Kidman y Bullock produzcan también “Prácticamente magia 2” (junto con Denise Di Novi) evidencia que ellas se han empeñado en retomar esta historia. Ignoro los motivos. Desde luego, si confiaban en impulsar de ese modo unas carreras en cierto declive, no parece el camino más adecuado.  
En esta ocasión, ha variado el realizador, cambiando al actor y director Griffin Dunne (más célebre por interpretar algunos títulos como “¡Jo, qué noche!”, de Martin Scorsese o “Un hombre lobo americano en Londres”, de John Landis) por Susanne Bier, cineasta danesa que se dio a conocer internacionalmente con varias cintas rodadas bajo los parámetros del movimiento fílmico “Dogma 95” y cuyo largometraje “En un mundo mejor” ganó en 2011 el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Brier se deja arrastrar aquí por la inercia y la apatía que suelen asociarse a este tipo de producciones, firmando un trabajo que no termina de destacar por nada en concreto. 
Las aventuras de estas dos brujas que luchan contra predestinaciones y maldiciones familiares pueden entretener a los incondicionales de la entrega inicial o a los admiradores de las protagonistas. Si bien cabe calificar alguna secuencia como acertada, las más de dos horas de metraje se antojan excesivas y superfluas en su mayor parte. 
La principal baza a su favor radica en el casting. No hay que olvidar que Nicole Kidman y Sandra Bullock se consolidaron tras filmar “Prácticamente magia” y que se alzaron con sus estatuillas doradas de Hollywood (Kidman, por “Las horas”; Bullock por “The Blind Side: Un sueño posible”), disfrutando desde entonces de una posición firme en el complejo universo del Séptimo Arte. Sin embargo, esta última propuesta no aporta nada a sus respectivas filmografías. 
Acompañan de nuevo a las dos estrellas Dianne Wiest y Stockard Channing, con cuyos papeles de menor protagonismo garantizan siempre unas actuaciones destacadas. La primera ha recibido sendos Oscars por su participación en dos creaciones de Woody Allen (“Hannah y sus hermanas” y “Balas sobre Broadway”). La segunda, después del éxito de “Grease” en 1978, ha intervenido en las interesantes “Se acabó el pastel” o “Seis grados de separación”. 
Entre las nuevas incorporaciones figuran Joey King (“Bullet Train”, “Independence Day: Contraataque”) y Maisie Williams (“Juego de tronos”, “El libro del amor”).



martes, 15 de septiembre de 2026

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA 2026



‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy, se ha alzado con el prestigioso León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia. Asimismo, Mathilde Arcel, protagonista de ‘Woman Unknown’, recibió la Copa Volpi a la mejor actriz, estrenándose también como protagonista de un film. Por su parte, el actor John Malkovich ganó la Copa Volpi al mejor actor por su interpretación en ‘Wild Horse Nine’. 


LISTADO DE GALARDONES


Selección Oficial
  • León de Oro a la mejor película: ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy
  • León de Plata – Gran Premio del Jurado: ‘Possible Love’, de Lee Chang-dong
  • León de Plata – Mejor dirección: Iliá Jrzhanovski, por ‘DAU’
  • Copa Volpi a la mejor actriz: Mathilde Arcel por ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy
  • Copa Volpi al mejor actor: John Malkovich por ‘Wild Horse Nine’, de Martin McDonagh
  • Mejor guión: Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce por ‘Un bon petit soldat’, de Brizé
  • Premio Especial del Jurado: ‘Naza’, de Yuval Abraham y Rachel Szor
  • Premio Marcello Mastroianni al mejor intérprete emergente: Malou Khebizi por ’15/18′, de Cédric Kahn
Sección Horizontes (dedicada a las nuevas vanguardias)
  • Mejor película: ‘Un détour par Diane’, de Ann Sirot y Raphaël Balboni
  • Mejor dirección: Jacqueline Lentzou por ‘A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra’
  • Premio Especial del Jurado: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu
  • Mejor actriz: Laleh Marzban por ‘Moragheb’ (‘Falling House’)
  • Mejor actor: Riccardo Scamarcio por ‘I figli della scimmia’
  • Mejor guión: Tommaso Landucci y Damiano Femfert por ‘I figli della scimmia’
  • Mejor cortometraje: ‘Quelques instants de bonheur’, de Shaden Safieddine Tazi.

  • Venecia Spotlight (centrada en obras innovadoras y originales en su relación con el público)

  • Premio del público: ‘I matter’, de Alina Şerban
  • León del Futuro, Premio Venecia Ópera Prima: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu
Venecia Clásicos
  • Mejor restauración: ‘La lunga notte del ’43’, de Florestano Vancini
Venecia Inmersiva
  • Gran Premio: ‘The Pigeon Ring’, de Yuqi Zhang y Shixin Tao
  • Premio Especial del Jurado: ‘Out of the Ashes’, de Rory Mitchell y Nonny de la Peña
  • Premio a la dirección: Peter Flaherty por ‘Empire at Sea’

viernes, 11 de septiembre de 2026

MAYDAY


La semana pasada tuvo lugar a nivel mundial el estreno de la película “Mayday”, expresión inglesa que designa una señal internacional de petición de ayuda o socorro. Es posible que cuando los responsables del proyecto eligieron tal nombre implícitamente quisieran expresar algo más que el título del largometraje. “Mayday”, que se emite a través de la plataforma Apple Tv, debe encuadrarse dentro de la subcategoría de la parodia, una especie de comedia con reglas propias que recurre al absurdo como vehículo para provocar la risa. A mi juicio, sin embargo, se trata de un peligroso camino. El sentido del humor resulta siempre muy subjetivo y cada persona se divierte a su manera, por lo que, al bordear dicho absurdo, se corre el riesgo de cruzar la delgada línea entre la comicidad y la extravagancia carente de gracia. A mí me ocurre, por ejemplo, con la saga “Agárralo como puedas”, protagonizada por Leslie Nielsen, donde algunas concretas escenas contempladas individualmente provocan hilaridad, pero dentro de una proyección de dos horas terminan por indigestarme.  

En ese sentido, “Mayday” cuenta con un elenco de actores conocidos, una realización técnica correcta y varias secuencias de innegable agudeza capaces de hacer sonreír al público, si bien esos recursos no sostienen los ciento diez minutos de duración, además de que, en determinados momentos, se introducen determinados elementos más propios del género de acción e intriga y que no acaban de combinar adecuadamente con el resto del guion. Se trata de una cinta de espías con numerosas referencias burlescas a “Top Gun” y que se presenta como una “bromance”, concepto que desconocía por completo hasta que me topé con la promoción del film y que, al parecer, se refiere a una relación afectiva intensa, muy cercana y de apoyo mutuo entre dos o más hombres, y que trasciende la amistad tradicional, aunque prescindiendo del carácter sexual. Acudir a esta clase de palabras prefabricadas ya supone, en mi opinión, otra parodia.

John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, responsables de “Noche de juegos” y “Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones” comparten la labor de dirección y guion. Se nota que se divierten y que poseen un estilo desenfadado y disparatado. Incluso logran, al menos por lo que a mí respecta, transmitir esa sensación de entretenimiento jocoso en algunas partes del metraje. Sin embargo, se torna demasiado infantil y facilón en su conjunto.

Un teniente de la Marina estadounidense es enviado a una misión secreta a territorio de Rusia en mitad de la Guerra Fría, pero la operación termina fracasando y queda atrapado tras las líneas enemigas. Un extraño hombre ruso, ex agente de la KGB, aunque enamorado en realidad de la cultura norteamericana, lo encuentra. Entre ellos surge una insólita alianza, al tiempo que los altos mandos soviéticos buscan al intruso.

Sorprende ver en este proyecto al actor y realizador Kenneth Branagh, quien se dio a conocer por medio de sus adaptaciones de obras de William Shakespeare y cuya filmografía se alza tan dispar como errática. Tan pronto dirige “Belfast” o “Hamlet” como una innecesaria versión de “Cenicienta” o sus recargadas y saturadas representaciones sobre el detective Hércules Poirot. Cabe esperar de él lo mejor y lo peor. En esta ocasión no se le puede atribuir ningún demérito, por mucho que a mí me cueste entender qué le interesó de esta propuesta.  Interpreta al individuo encandilado por el mismo personaje que encarnó Tom Cruise en “Top Gun”. Ryan Reynolds, muy alejado de mis preferencias artísticas si exceptúo las varias veces que he visionado “Definitivamente, quizás”, da vida al piloto perdido. Junto a ellos intervienen David Morse (“La milla verde”, “Contact”, “En tierra hostil”) y Maria Bakalova, quien se ponía en la piel de Ivana Trump en “The Apprentice (La historia de Trump)”.





martes, 8 de septiembre de 2026

FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN 2026



La 74ª edición del Festival de Cine de San Sebastián se celebrará entre los próximos días 18 y 26 de septiembre. Las películas anunciadas para competir por la Concha de Oro son las siguientes:

  • Geister / Ghost Song — Fatih Akin (Inauguración a concurso)
  • El mal padre — Roberto Bueso
  • 5 minutos más — Javier Ruiz Caldera 
  • Sants / Saints — Mikel Gurrea
  • 7:40 ce matin-là / Milo — Nicole Garcia
  • Artakalan / What Remains — Yeşim Ustaoğlu
  • Bian jing / Border — Ah Biao
  • The Debut — Jesse Eisenberg
  • Les Misérables (Los Miserables) — Fred Cavayé
  • Garrat du váimmu / Brace Your Heart — Amanda Kernell
  • Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son — Gabriel Martins
  • Krux — Tony Vahl
  • Muyou no hito / In My Father's Room — Maha Harada 

Fuera de Competición / Clausura


Le Faux Soir — Michaël R. Roskam 

Premios Donostia 

En esta edición se reconocen las trayectorias del director Werner Herzog y de la actriz Naomi Watts.

viernes, 4 de septiembre de 2026

UNA NOCHE AL AÑO (One Night Only)



El cineasta neoyorkino Will Gluck parece sentirse muy cómodo en la comedia, dado que su filmografía se inserta al completo en dicho género. Ha tenido la fortuna (o la habilidad) de contar con intérpretes populares y atractivos, sobre todo para el público juvenil, lo que a buen seguro le ha ayudado a alcanzar notables resultados en las taquillas. “Rumores y mentiras” (2010), protagonizada por Emma Stone; “Con derecho a roce” (2011), junto a Mila Kunis y Justin Timberlake; la versión de “Annie” (2014), con Cameron Díaz y Jamie Foxx; o “Cualquiera menos tú” (2023), cuyo elenco encabezaron Sydney Sweeney y Glen Powell, conforman un ramillete de películas más o menos similares y con ese tono ligero, insustancial y divertido que se acomoda perfectamente a estos tiempos estivales. 
Ahora reincide en los aciertos y en los errores de sus anteriores trabajos con “Una noche al año” (One Night Only), sin mostrar reparos por el hecho de que se le encasille en este tipo de propuestas redundantes y repetitivas. Dichas comedias, a las que con tanta facilidad se califica de románticas, reúnen a millones de devotos espectadores que las visionan con agrado. Yo mismo, en algunos casos, he visto infinidad de veces “Cuando Harry encontró a Sally” o “Algo para recordar” y continuaré haciéndolo, aunque considero que estos filmes de finales de los ochenta y principios de los noventa se hallan a años luz de cualquier cinta de Gluck. “Una noche al año” contiene cierto encanto capaz de engatusar, si bien su guion, gracia y comicidad no pasan de mediocres. Más allá de su absurda premisa inicial (una ley prohíbe el sexo extramatrimonial durante 364 días al año y concede una única jornada anual para un desenfreno libre de ataduras y que ha llevado a publicistas y responsables de marketing a considerar tal propuesta como una especie de “La purga” en la esfera sexual), la trayectoria del realizador se torna a estas alturas muy previsible y carente de interés. 
Pese a una duración que apenas sobrepasa la hora y media, es imposible dejar de mirar el reloj durante varios momentos del metraje, confirmando los peores presagios de ausencia de entretenimiento. Su supuesta originalidad radica en la extravagancia de la trama, pero, allende el indudable gancho de sus protagonistas, el relato pierde fuerza demasiado pronto. 
En cuanto a la parte que refleja el control social y la represión estatal de los niveles de intimidad, al margen de rozar lo descabellado, no combina adecuadamente con el aspecto sentimental de la narración. Lejos de llegar a entender si se trata de una crítica, una sátira o un mero pasatiempo, el largometraje defrauda en su conjunto. 
No obstante, procede salvar y hasta destacar tanto a Monica Barbaro como a Callum Turner. La primera ya ha estado nominada al Oscar por su excelente actuación en “Un completo desconocido” y ha disfrutado de las mieles del éxito de la recaudación con “Top Gun: Maverick”. Logra rescatar varias escenas gracias a su presencia e interpretación. Él, a su vez, ha participado en varias entregas de la saga “Animales fantásticos” y en otros títulos como “Canción de Nueva York” o la versión de “Emma”, de Autumn de Wilde. Da la réplica adecuada a su compañera de reparto. 
A cargo de papeles secundarios les acompañan Maya Hawke (hija de los actores Ethan Hawke y Uma Thurman, y vista en la serie de televisión “Stranger Things”), Molly Ringwald (icono ochentero tras sus intervenciones en “El club de los cinco” o “La chica de rosa”) y Julia Fox (“Diamantes en bruto”). 


martes, 1 de septiembre de 2026

LUDWIG GÖRANSSON



Ludwig Göransson nació en Suecia el 1 de septiembre de 1984. Compositor y músico, ha logrado una notable fama en el mundo del cine gracias, sobre todo, a sus bandas sonoras para Christopher Nolan y Ryan Coogler.

Su primer trabajo tuvo lugar en 2007 en la cinta “Happy Holidays”, de Sassy Mohen. En 2013 comenzó su colaboración con Coogler, en “Fruitvale Station”, colaborando con dicho cineasta en “Creed” (2015), “Black Panther” (2018), “Black Panther: Wakanda Forever” (2022) y “Sinners” (2025). 

Su primera obra para Christopher Nolan fue “Tenet” (2020), a la que siguieron “Oppenheimer” (2023) y “La odisea” (2026). 

Ha ganado tres Oscars de la Academia de Hollywood (“Black Panther”, “Oppenheimer” y “Sinners”) y un Globo de Oro (“Oppenheimer”).


Oppenheimer

La odisea

Black Panther




jueves, 27 de agosto de 2026

IN MEMORIAM: TIM CURRY



El actor británico Tim Curry falleció el pasado martes en su casa de Los Ángeles a los 80 años de edad. 

Curry saltó a la fama gracias a su interpretación del Dr. Frank-N-Furter en la icónica película “The Rocky Horror Picture Show” (1975), repitiendo el mismo papel que ya había interpretado en las producciones teatrales del citado espectáculo en Londres (1973) y Los Ángeles (1974).

Intervino también en cintas como “Annie” (1982), “Legend” (1985), “La caza del Octubre Rojo” (1990), “Solo en casa 2” (1992), “Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas” (1993), “The Shadow (La sombra)” (1994), “Los ángeles de Charlie” (2000) o “Kinsey” (2004).

Trabajó igualmente prestando su voz en numerosos largometrajes y series televisivas de animación.

Descanse en paz. 




miércoles, 26 de agosto de 2026

CARTER BURWELL


Carter Burwell nació en Nueva York el 18 de noviembre de 1954. Compositor estadounidense de música cinematográfica, se inició en el Séptimo Arte de la mano de las películas de los hermanos Coen, con quienes ha colaborado de forma frecuente desde sus comienzos como autor de bandas sonoras.

Ha optado en tres ocasiones al Oscar de la Academia de Hollywood: en 2016 por “Carol”, en 2018 por “Tres anuncios a las afueras” y en 2023 por “Almas en pena de Inisherin”. También ha sido candidato a cuatro Globos de Oro, además de por las tres partituras ya citadas, por la de “Donde viven los monstruos” (2009).

Su debut tuvo lugar con la cinta “Sangre fácil” (1984), dirigida también por los Coen, quienes desde entonces contaron con él en filmes como “Muerte entre las flores” (1990), “Barton Fink” (1991), “Fargo” (1996) o “El hombre que nunca estuvo allí” (2001).

Otras de sus obras son “Rob Roy” de Michael Caton-Jones (1995), “Dioses y monstruos” de Bill Condon (1998), “Cómo ser John Malkovich” de Spike Jonze (1999) y “Misántropo” de Damián Szifron (2023).


Carol



Tres anuncios a las afueras



Muerte entre las flores


 

 


lunes, 24 de agosto de 2026

83º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA


La 83 edición del Festival de Cine de Venecia se celebrará del 2 al 12 de septiembre. Este año George Clooney y Ellen Burstyn recibirán galardones honoríficos, mientras que Maggie Gyllenhaal presidirá el jurado del certamen, también integrado por Johnnie To, Kaouther Ben Hania, Shahrbanoo Sadat, Xavier Giannoli, Daniel Blumberg y Francesco Casetti.

“Ink”, la nueva película de Danny Boyle sobre el ascenso de Rupert Murdoch, será la encargada de inaugurar este encuentro cinematográfico. El cineasta británico aspira al León de Oro, junto a otros realizadores como Casey Affleck, Werner Herzog, May el-Toukhy, Nanni Moretti, Hirozaku Koreeda y Martin McDonagh.


PROGRAMACIÓN COMPLETA DE LA MOSTRA


Sección Oficial

  • Ink, de Danny Boyle (Inauguración)
  • Company, de Casey Affleck
  • Kami Nour (A Bit of Light), de Ali Asgari
  • Ritorno a Buenos Aires, de Marco Bechis
  • Un bon petit soldat, de Stéphane Brizé
  • Il fuoco che ti porti dentro, de Edoardo De Angelis
  • Kvinde Ukendt (Woman Unknown), de May el-Toukhy
  • Bucking Fastard, de Werner Herzog
  • 15/18 A Place to Heal, de Cédric Kahn
  • Dau, de Ilya Khrzhanovsky
  • Look Back, de Hirozaku Koreeda
  • Ga-neung-han Sa-rang (Possible Love), de Lee Chang-dong
  • Wild Horse Nine, de Martin McDonagh
  • Sucederá questa notte, de Nanni Moretti
  • Primetime, de Lance Oppenheim
  • The Echo Chamber, de Andrea Pallaoro
  • Un peu avant minuit, de Nicolas Pariser
  • L’estranea, de Paolo Strippoli
  • Mr. Nelson, Did you Kill People?, de Shinya Tsukamoto
  • Bunker, de Florian Zeller


Fuera de la sección oficial

Ficción

  • Nessun dolore, de Gianni Amelio
  • Father Joe, de Barthélémy Grossmann
  • Scherzetto, de Mario Martone
  • Place to Be, de Kornél Mundruczó
  • No Paradise if You Are Killed by a Woman, de Halkawt Mustafa
  • Arrested Memory, de Sabu
  • The Basics of Philosophy, de Paul Schrader
  • Un bon avocat, de Tristan Seguela
  • Jupiter, de Alexandre Smia
  • Dio Ride, de Giovanni Veronesi

Documental

  • Be Brave, de Francesco Carrozzini
  • What Love Builds, de Russell Crowe
  • Burgundy, de Michael Dweck y Gregory Kershaw
  • Musk, de Alex Gibney
  • The Road to Jericho, de Amos Gitai
  • Citizen Osama, de Ahmed Hassouna
  • Union Town, de Barbara Kopple
  • Holy Wood Dust, de Victor Kossakovsky
  • Letters, de Andrei Kutsila
  • Biografía de Jorge Luis Borges, de Mariano Llinás
  • My Undesirable Friends: Part II 
  • Exile, de Julia Loktev
  • Boatbuilders,de  Luke Lorentzen
  • Imperium, de Sergei Loznitsa
  • Shumei. The Living Legacy of Kabuki, de Mike Takashi
  • Queer Edward II, de Theo Rollason
  • Oasis: Don’t Look Back in Anger, de Dylan Southern y Will Lovelace
  • Weichen, de Tsai Ming-liang
  • Everest: The Other Side, de Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin
  • From Inside Out – The Architecture of Peter Zumthor, de Wim Wenders


miércoles, 12 de agosto de 2026

PHILIP GLASS



Philip Glass nació en Baltimore el 31 de enero de 1937. 

Compositor estadounidense de música clásica y bandas sonoras, estudió en la Juilliard School de Nueva York y ha sido nominado en tres ocasiones a los Oscars de Hollywood -por sus composiciones para “Kundun” , de Martin Scorsese, “Las horas”, de Stephen Daldry (con la que consiguió un Globo de Oro) y “Diario de un escándalo”, de Richard Eyre.

Comenzó a obtener repercusión en el mundo del cine  gracias a la película experimental “Koyaanisqatsi”, dirigida por Godfrey Reggio y producida por Francis Ford Coppola. 

Posteriormente, participó en “La colina de la hamburguesa”, de John Irvin y en el documental “Breve historia del tiempo”, de Errol Morris. 

Otros de sus trabajos para la gran pantalla han sido “El show de Truman”, de Peter Weir, “Candyman”, de Bernard Rose y “El ilusionista”, de Neil Burger, por la que en 2007 se alzó con el Critics' Choice Award.


Las horas


Diario de un escándalo


Kundun




sábado, 1 de agosto de 2026

TERENCE BLANCHARD


 

Terence Blanchard nació en Nueva Orleans el 13 de marzo de 1962. Músico de jazz estadounidense y trompetista, ha compuesto varias bandas sonoras, especialmente para las películas de Spike Lee.

Ganador de cinco Grammys, ha logrado asimismo dos nominaciones al Oscar por sus partituras para “Da 5 Bloods” (2021) y “BlacKkKlansman” (2019).

Debutó en el cine componiendo la música de “Fiebre salvaje” (1991), a la que siguieron “Malcolm X” (1992), “Eve's Bayou” (1997) y “Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam)” (1999).

Ya en el nuevo siglo destacan sus trabajos para “Pecado original” (2001), “La última noche” (2002), “Plan oculto” (2006) o “Una noche en Miami” (2020).


Plan oculto


Sobre la música de 
Terence Blanchard en el cine de Spike Lee





viernes, 31 de julio de 2026

DINK (The Dink)



El género de comedia resulta muy complicado y, para llevarlo a cabo con acierto, debe tomarse sumamente en serio. Decía Charles Chaplin que hacer reír requiere la misma (o superior) precisión, técnica y disciplina que el drama. Si a ello se añade el hecho de que cada persona posee su peculiar sentido del humor, adentrarse en la aventura de rodar una película cómica requiere de una gran habilidad. Se acaba de estrenar en la plataforma “Apple Tv” la cinta “Dink”, que pretende ofrecer un entretenimiento ligero valiéndose de una comicidad amable. Logra transitar por espacios en los que provoca la sonrisa, aunque, al menos en mi caso, no llega a alcanzar la carcajada. Su reducido metraje de apenas hora y media ayuda a que la atención del espectador se mantenga sin dificultad, si bien, en el fondo, la sensación final se limita a haber pasado un rato tan grato como insustancial.

Dirige Josh Greenbaum, quien hasta la fecha se había centrado con cierto éxito en la televisión y los documentales. De hecho, en 2025 recibió una nominación al BAFTA al mejor documental, y su trabajo más elogiado es, probablemente, “Becoming Bond”, otro documental con algunas partes dramatizadas sobre la sorprendente historia de George Lazenby, actor que obtuvo el papel de James Bond contra todo pronóstico. Greenbaum no tampoco desenvuelve mal en el marco de la estricta ficción, pese a manifestar algunas carencias, y firma una obra afable que puede servir como pasatiempo en esta época estival.

Un antiguo tenista de renombre se ve obligado a entrenar a niños malcriados en el club de campo de su padre. Desesperado por ganarse la aprobación de su progenitor, apoya ciegamente la campaña de éste contra el nuevo deporte de moda: el pickleball. Pero, cuando reaparece una vieja lesión que le impide jugar al tenis, recurre a lo impensable para recuperarse y no sólo prueba el pickleball sino que, gracias al encanto de una nueva compañera, descubre que le gusta. Situado de lleno entre ambos bandos irreconciliables, se enfrenta finalmente a los fantasmas de sus fracasos deportivos de antaño, incluido su enemigo de la infancia, Andy Roddick.

La notable labor de los actores, unida al toque simpático y benévolo de la narración, se alían para que el largometraje cumpla (sin alardes, pero cumpla) el propósito del entretenimiento visual. Ciertamente, el Séptimo Arte atesora films destacadísimos sobre el mundo del deporte entre los que no se halla “Dink”, pero sí constituye una opción válida si se visiona al margen de expectativas y con la mera intención de pasar unos momentos amenos y agradables.

En la comedia americana se torna relativamente frecuente la intervención de personajes famosos interpretándose a sí mismos. En esta ocasión, los tenistas   Andy Roddick y John McEnroe aparecen en las imágenes, contribuyendo a la comicidad y a la conexión con el público.

Protagoniza la cinta Jake Johnson, fogueado en el medio televisivo y visto asimismo como secundario en la gran pantalla (“Sin compromiso”, con Natalie Portman y Ashton Kutcher; “Jurassic World”, junto a Chris Pratt y Bryce Dallas Howard). Desarrolla su actuación con corrección y efectividad suficientes.

Le dan la réplica en un segundo plano los conocidos Ed Harris (cuatro veces candidato a la estatuilla dorada de Hollywood por “Las horas”, “Pollock”, “El show de Truman” y “Apollo 13”), Mary Steenburgen (ganadora de dicho premio en 1982 por “Melvin and Howard” y presente en los repartos de “Philadelphia” o “Criadas y señoras”) y Ben Stiller (“Reality Bites”, “La vida secreta de Walter Mitty”).




martes, 28 de julio de 2026

MICHAEL GORE



El músico estadounidense Michael Gore nació el 5 de marzo de 1951. En su debut como compositor de bandas sonoras, obtuvo dos Oscars en 1981 gracias a su trabajo para la película "Fama". Junto al letrista Dean Pitchford se alzó con el de mejor canción original por "Fame", y ganó también el de mejor banda sonora original.

Tres años después repitió nominación a la estatuilla dorada por sus partituras para “La fuerza del cariño” (Terms of Endearment).

Otras de sus composiciones son “La chica de rosa” (“Pretty in Pink”), en 1988; “No le digas que soy yo” (“The Boyfriend School”), en 1990; “Una bruja en Nueva York” (“The Butcher's Wife”) en 1991; o “Un marido para mi mujer” (“Mr. Wonderful”), en 1993.

Gore y Pitchford estrenaron asimismo en las tablas de Broadway "Carrie: The Musical", escrito por Lawrence D. Cohen y basado en la novela homónima de Stephen King publicada en 1974.


Fama


La fuerza del cariño


La chica de rosa






viernes, 24 de julio de 2026

LA ODISEA (The Odyssey)



Christopher Nolan se ha convertido en el cineasta moderno más influyente de este siglo. Más allá de su excelente capacidad narrativa, su meticulosidad técnica y su habilidad para sorprender visualmente y provocar un torbellino de sensaciones en los espectadores, el repaso a su filmografía es, posiblemente, el mejor manual de aprendizaje para quienes deseen adentrarse en el universo de la cinematografía. Virtuoso y versátil, se interna en el género de acción, en la ciencia ficción, en el drama o en la fantasía con naturalidad y, sobre todo, con eficacia. Tan pronto aborda la biografía de un físico célebre como se impulsa hacia el espacio sideral. Oscar al mejor director por la impecable “Oppenheimer” y responsable de dos joyas como “Interstellar” y “Origen”, así como de la más destacada trilogía sobre un superhéroe jamás filmada (la de Batman), incluso sus obras menos populares (“Memento”, “El truco final”) presentan unos sorprendentes niveles de entretenimiento, originalidad y calidad.

Ahora ha decidido recrear el clásico de Homero “La Odisea”. A título personal, la mitología griega no me atrae en exceso, de modo que observo con bastante distancia sus monstruos, deidades y alegorías. En consecuencia, me asombra la exquisitez técnica de una considerable parte del metraje, pero no me basta para involucrarme en esa trama dominada por las leyendas y las fábulas mágicas.  Sin embargo, sí reconozco que representa a la perfección la vanidad, la estupidez y la mediocridad de los seres humanos, a quienes acompañan unos dioses caprichosos, arbitrarios e incomprensibles.

No obstante, y a medida que avanza la proyección, las piezas encajan y se percibe de manera óptima la ingente cantidad de metáforas y lecciones vitales vigentes en pleno siglo XXI, y se concluye que aquellos poemas cantados en el siglo VIII antes de Cristo servían también entonces para evidenciar la mezquindad humana y la incoherencia divina. Pasan los siglos, pero las esencias no cambian, de tal manera que la cinta, trascendiendo a sus logros artísticos, es de visión obligada en atención a sus clases prácticas de humanismo. Su última frase resulta, en ese sentido, lapidaria: la civilización decae, pero olvidamos nuestros errores.

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras protegen su reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Ese camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba, no sólo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Con una fotografía imponente y una dirección artística portentosa, la narración aguanta con firmeza sus casi tres horas de duración. Se nota la devoción y la implicación personal de Nolan por esta historia, transformada en un proyecto complejo y valiente que resiste a base de brillantez y competencia. Sin alcanzar la cima de mis largometrajes favoritos del realizador, acrecienta su mito y ese sello intransferible que le hace formar parte del olimpo de cineastas que han marcado y siguen marcando la historia del Séptimo Arte. Posee varias secuencias que pasarán a la historia del cine.

Encabeza el majestuoso equipo actoral Matt Damon (protagonista de la saga “Bourne” y con excelentes interpretaciones en “El talento de Mr. Ripley”, “Ford v Ferrari”, “El indomable Will Hunting” o “Más allá de la vida”), acompañado por Anne Hathaway (“Los miserables”, “El diablo viste de Prada”), Charlize Theron (“Las normas de la casa de la sidra”, “Monster”), Zendaya (“Dune Parte 2”, “The Drama”), Robert Pattinson (“Crepúsculo”, “La ciudad perdida de Z”), Tom Holland (“Lo imposible”, “Spiderman”), John Leguizamo (“Moulin Rouge”, “Atrapado por su pasado”), Mia Goth (“Frankenstein” de Guillermo del Toro), Lupita Nyong'o (“12 años de esclavitud”, “Black Panther”) y Samantha Morton (“Minority Report”, “Elizabeth: la edad de oro”). Todos ellos realizan su labor con corrección, si bien desearía destacar la inolvidable actuación de Damon y la forma en la que Zendaya logra cautivar sobremanera a través de la pantalla en cada uno de sus planos.




miércoles, 22 de julio de 2026

VANGELIS



Evángelos Odysséas Papathanassíou, conocido artísticamente con Vangelis, nació el 29 de marzo de 1943 y falleció el 17 de mayo de 2022. Músico y compositor de bandas sonoras, obtuvo un Oscar en 1982 por su composición para la película “Carros de fuego”.

En los años ochenta popularizó sus temas en largometrajes como “Missing” de Costa-Gavras (1982), “Blade Runner” de Ridley Scott (1985) o “Motín a bordo” de Roger Donaldson (1984).

Ya en la década de los noventa destacaron sus aportaciones para “Lunas de hiel”, de Roman Polanski (1992) o “1492: la conquista del paraíso”, de nuevo con Ridley Scott (1992).

Entre sus últimos trabajos sobresalen los de “Alejandro Magno”, de Oliver Stone (2004) o “El Greco”, de Yannis Smaragdis (2007)

En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el “(6354) Vangelis”.


Blade Runner





Missing





Carros de fuego




 


viernes, 17 de julio de 2026

A 500 MILLAS DE CASA (500 Miles)



La película "A 500 millas de casa", dirigida por el cineasta británico Morgan Matthews, se ha convertido en una pequeña sorpresa cinematográfica de este año. No ha acaparado grandes recaudaciones ni titulares, pero sí ha terminado por hacerse un hueco a base de la lenta (aunque efectiva) vía de los comentarios del público. Adaptación de una exitosa novela juvenil de Mark Lowery, la cinta destila en todo momento ese tono tierno y casi infantil que puede tanto enganchar como disgustar, usando sin disimulo el recurso de la emotividad. Pese a poder ser catalogada como una “road movie”, el viaje (o, en este caso, la huida) se alza como excusa para el desarrollo de los personajes y se convierte en una evocadora reflexión sobre el duelo, la culpa y la reconciliación familiar.

No obstante, en bastantes tramos del metraje deambula peligrosamente por esa delgada línea entre el afecto y una sensiblería que no convence. Dependerá de cada espectador recaer en un lado u otro. Pero, en general, el tono resulta grato y con un cierto regusto clásico que se agradece. Su realizador, sin demasiada experiencia profesional en la gran pantalla, posee nada menos que cuatro premios BAFTA en los ámbitos televisivo y documental. Por ello, evidencia capacidad narrativa y construye cimientos emocionales suficientemente sólidos como para sostener los cien minutos de proyección. 

La trama arranca en Sheffield, donde dos menores disfrutan de una infancia aparentemente idílica. Sin embargo, el conflicto estalla cuando uno de ellos escucha discutir a sus padres acerca de un inminente divorcio que amenaza con separarlos. Con la ingenuidad y la determinación propias de la niñez, los hermanos deciden escapar y recorrer las quinientas millas (unos ochocientos kilómetros) que les separan de casa de su abuelo, esperanzados de que él arregle la situación. En su camino, los muchachos avanzan gracias a su ingenio y a la ayuda de desconocidos, hasta la aparición de una música callejera que huye de sus propios problemas y se convierte en su protectora improvisada. 

A partir de ese momento, el largometraje adopta una estructura más aventurera, para volver finalmente al drama. Matthews aprovecha el paisaje irlandés para transformarlo en un personaje más del relato. El montaje juega asimismo con las rupturas temporales y los recuerdos de tiempos pasados de los protagonistas, preparando así la senda hacia un final enternecedor que incluye un giro argumental quizás algo forzado, pero muy eficaz en cuanto al impacto que provoca en el público.

Roman Griffin Davis y Dexter Sol Ansell dan vida a ambos jóvenes. El primero ha participado en algunos títulos conocidos, como “Jojo Rabits” (su debut en la actuación, que le proporcionó una candidatura a los Globos de Oro) junto a Scarlett Johansson, o “Silent Night”, en compañía de Keira Knightley. El segundo ha intervenido fugazmente en varias entregas de “Los juegos del hambre” y en “Here”, de Robert Zemeckis.

Bill Nighy encarna al abuelo. Célebre y prolífico intérprete británico, optó al Oscar por la deliciosa “Living” y trabajó en “Love Actually”, “Una cuestión de tiempo” o “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto”. Asume una importante dosis de la carga emocional y del peso actoral de esta historia.

De modo secundario figuran Maisie Williams (vista en series televisivas como “Juego de tronos”, “Doctor Who” o “Mary Shelley”), Clare Dunne (“Spider-Man: Lejos de casa”, “Cosas pequeñas como estas”), Michael Socha (“Papillon”, “This is England”) y Deirdre Monaghan (“Problemas de familia”).




jueves, 16 de julio de 2026

GEORGES DELERUE



Georges Delerue nació en Roubaix el 12 de marzo de 1925 y falleció en Los Ángeles el 20 de marzo de 1992. Compositor francés de música de cine, fue candidato al Oscar en cinco ocasiones, obteniéndolo por "Un pequeño romance" (1979).

Estudió en el Conservatorio de París y, muy posteriormente, entró en contacto con el movimiento denominado Nouvelle Vague, del que sería uno de sus autores preferidos. De hecho, sus composiciones han acompañado numerosas películas del director François Truffaut.

Entre sus trabajos cabe citar “Hiroshima, mon amour”, de Alain Resnais; “Jules y Jim”, de François Truffaut; “Ricas y famosas”, de George Cukor; “Silkwood”, de Mike Nichols; “Salvador” y “Platoon”, ambas de Oliver Stone; “Crímenes del corazón”, de Bruce Beresford o “Magnolias de acero”, de Herbert Ross.

Sus candidaturas a la estatuilla dorada de Hollywood se debieron a "Agnes de Dios” (1986), la ganadora “Un pequeño romance” (1980), Julia (1978), “El día del delfín” (1974) y “Ana de los mil días” (1970). 

Obtuvo igualmente tres César del cine francés gracias a “El último metro” (1981), “El amor en fuga” (1980) y “¿Quiere ser el amante de mi mujer?” (1979).


Un pequeño romance


Jules y Jim


Platoon



miércoles, 15 de julio de 2026

PREESTRENO DE "LA ODISEA" (The Odyssey)



El estreno oficial en cines de "La Odisea" -la nueva película de Christopher Nolan- tendrá lugar el  próximo 17 de julio, aunque algunas salas ya han llevado a cabo un preestreno especial en formato IMAX. 

"La Odisea" (The Odyssey) es una cinta épica de acción británica-estadounidense, escrita, dirigida y producida por Nolan, que se basa en el poema griego homónimo de Homero y en la que el actor Matt Damon da vida a Odiseo, el rey griego de Ítaca. 

El film narra su largo y peligroso viaje de regreso a casa después de la Guerra de Troya, así como sus encuentros con seres míticos mientras intenta reunirse con su esposa, Penélope, interpretada por Anne Hathaway. 

El reparto coral incluye a Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Samantha Morton, Zendaya y Charlize Theron, entre otros. 

Nolan y su esposa, Emma Thomas, asumen también la producción a través de su compañía Syncopy Inc.


Entrevista con Christopher Nolan


Entrevista con Matt Damon


Premier 



martes, 14 de julio de 2026

SAM NEILL, IN MEMORIAM



El actor Sam Neill falleció ayer a los 78 años, según ha informado su familia en un comunicado por Instagram: “La pérdida fue repentina e inesperada, pero bendecida por el hecho de que Sam permaneció libre de cáncer”.

Neill nació en Omagh, Irlanda del Norte, el 14 de septiembre de 1947, si bien tenía nacionalidad neozelandesa. Comenzó a destacar a finales de los ochenta gracias a sus intervenciones en “Un grito en la oscuridad” (1988), junto a Meryl Streep, o “Calma total” (1989), en compañía de Nicole Kidman. En 1990 formó parte del elenco de “La caza del Octubre Rojo”, encabezado por Sean Connery.  

1993 fue uno de los momentos más relevantes de su carrera, al intervenir en “El piano”, de Jane Campion, y en “Parque Jurásico”, de Steven Spielberg, participando posteriormente en alguna de sus secuelas.

Rodó asimismo otros títulos, como “El hombre que susurraba a los caballos” (1998), de Robert Redford, o “Todos los días de mi vida” (2012), de Michael Sucsy. 

Recibió tres nominaciones al Globo de Oro en categoría televisiva: “Merlín” (1992), “La historia de Mary Lindell” (1991) y “Reilly - As de espías” (1985).





viernes, 10 de julio de 2026

LA MUERTE DE ROBIN HOOD (The Death of Robin Hood)




En la historia del Séptimo Arte, el personaje de Robin Hood ha sido uno de los más llevados a la pantalla grande. Recuerdo versiones para todos los gustos. Desde las más antiguas (con Douglas Fairbanks o Errol Flynn) a las más modernas (con Russell Crowe o Taron Egerton). Desde las más aventureras (como la de Kevin Costner en 1991) a las más melancólicas (como la de Sean Connery en 1976). Desde la más cómica (que dirigió Mel Brooks en 1993) hasta la versión femenina (protagonizada por una adolescente Keira Knightley en 2001). Esta medieval leyenda inglesa ha estado presente en las carteleras década tras década desde que existe el cine. Algo tendrá, pues, este Robin de Locksley, si tantas veces se recurre a él para abordar nuevos proyectos. Ahora, en concreto, se estrena la última propuesta: “La muerte de Robin Hood”, encarnado para la ocasión por el actor australiano Hugh Jackman.

En algunos pasajes del metraje, al verle interpretar a un cansado y ya casi anciano héroe venido a menos, me hizo recordar otra de sus actuaciones que más me ha impresionado: dando vida en “Logan” a un Lobezno agotado y desconsolado, curtido en demasiadas batallas y con ansias de dejarlo todo atrás. Porque esta nueva visión del personaje en nada se parece a las cintas aventureras que muestran a un jovial, ágil e intrépido forajido, amado por el pueblo y odiado por los gobernantes. Aquí queda patente su declive y su ocaso. Tal vez sorprenda (y hasta disguste) a quienes esperen disfrutar con peleas de espadachines y vertiginosas contiendas entre buenos y malos, máxime por presentar al héroe de tal manera que los espectadores duden de su honorabilidad y mérito.  

Por el contrario, se trata de un largometraje contemplativo e introspectivo que traslada el relato de un hombre extenuado de sí mismo y deseoso de liberarse del estigma de su pasado, por muy glorioso que lo consideren. En definitiva, el público ha de acercarse a esta obra como a un drama. 

Michael Sarnoski (conocido por la compleja “Pig”, con Nicolas Cage al frente del elenco en 2019, o por “Un lugar tranquilo: Día 1”, precuela de “Un lugar tranquilo” -con el matrimonio formado por John Krasinski y Emily Blunt encabezando el reparto-) se sitúa tras la cámara. A mi juicio, lleva a cabo una buena labor de realización, si bien determinadas visiones melancólicas y reflexiones crepusculares se antojan un tanto pesadas y difíciles de digerir. 
Robin Hood intenta lidiar con sus demonios tras una larga vida de crímenes y venganzas. Cuando en una sangrienta batalla resulta herido de gravedad, es enviado a un misterioso castillo para que curen sus heridas. Allí conocerá a una mujer que le ofrecerá una oportunidad de redención final y de descanso real. 

Intérprete todoterreno, Hugh Jackman destaca en el musical, la comedia, la aventura y el drama sin aparente dificultad. Nominado al Oscar por “Los Miserables”, en su filmografía figuran títulos como “Prisioneros”, “El gran Showman” o la saga de Lobezno. Ejecuta su actuación con solvencia y acierto, demostrando ser un seguro en cualquier equipo artístico.

Le acompaña Jodie Comer, vista en la televisiva “Killing Eve” y en “El último duelo” o “Star Wars: Episodio IX - El ascenso de Skywalker”. Junto a ellos, Bill Skarsgård (“It”, “Nosferatu”) y Clive Russell (“Sherlock Holmes” de 2009, “El Rey Arturo” de 2004). 




martes, 7 de julio de 2026

HOWARD SHORE



Howard Shore nació en Toronto el 18 de octubre de 1946.

Compositor canadiense de música para películas, ha estado nominado al Oscar en cuatro ocasiones, tanto en el apartado de mejor banda sonora como en el de mejor canción, habiendo obtenido tres estatuillas. 

También cuenta con seis nominaciones a los BAFTA y otras seis a los Globos de Oro (de los que ha logrado tres).

Muy célebres son sus composiciones para “El silencio de los corderos” y para la saga de “El señor de los anillos”. Asimismo, colabora desde 1979 con el director David Cronenberg en todas sus cintas, a excepción de una.

Junto a los ya citados, cabe destacar sus trabajos para “Jo, ¡qué noche!” (1985), “La mosca” (1986), “Big” (1988), “Bésame antes de morir” (1991), “Mujer blanca soltera busca” (1992), “M. Butterfly” (1993), “Philadelphia” (1993), “Seven” (1995), “Copland” (1997), “El aviador” (2004), “Hugo” (2011) y “Spotlight” (2015).



El silencio de los corderos



El señor de los anillos: La comunidad del anillo


Hugo