FRNCIS FORD COPPOLA, PREMIO DE HONOR DEL AMERICAN FILM INSTITUTE

Francis Ford Coppola recibió recientemente el premio del American Film Institute (50th AFI Life Achievement Award Honoree). Coppola, miembro fundador del consejo del AFI recibió el galardón en una ceremonia en el Teatro Dolby que reunió a legendarias estrellas de una época del cine.

Steven Spielberg proclamó que “The Godfather” es “la mejor película estadounidense que se haya hecho”, Robert De Niro lamentó, en tono de broma, que haya sido elegido para la secuela y no para la original, y Harrison Ford apenas contuvo el llanto al reflexionar sobre su papel en la cinta “The Conversation” de 1974

Coppola se sentó entre Spielberg y George Lucas, mientras actores y otros cineastas como Spike Lee, Dustin Hoffman, Al Pacino y Morgan Freeman participaron en el evento.

Lucas, viejo amigo y colega de Coppola, le entregó el premio. Ambos se conocen desde hace décadas y fundaron la casa productora American Zoetrope, en 1969.

“Reuniste a un grupo de jóvenes estudiantes de cine, nos juntaste. Nos mudamos a San Francisco con la esperanza de vencer al sistema. Y lo hicimos. Como los cineastas de los albores del arte, no teníamos reglas. Las escribimos, y tú sostenías la pluma”, dijo Lucas.

82º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA

El Festival Internacional de Cine de Venecia comenzará su 82ª edición el miércoles 27 de agosto y se desarrollará hasta el 6 de septiembre con 23 películas compitiendo por el León de Oro, entre ellas las nuevas obras de Guillermo del Toro, Yorgos Lanthimos, Kathryn Bigelow, Jim Jarmusch y Noah Baumbach.

La película de apertura será “La grazia” de Paolo Sorrentino, mientras que el cierre estará a cargo de “Dog 51” del francés Cédric Jiménez.

PELÍCULAS A COMPETICIÓN

- 'La grazia', de Paolo Sorrentino (filme de apertura).

- 'The Wizard of the Kremlin', de Olivier Assayas.

- 'Jay Kelly', de Noah Baumbach.

- 'The Voice of Hind Rajab', de Kaouther Ben Hania.

- 'A House of Dynamite', de Kathryn Bigelow.

- 'The Sun Rises On Us All', de Cai Shangjun.

- 'Frankenstein', de Guillermo del Toro.

- 'Elisa', de Leonardo Di Costanzo.

- 'À pied D'oeuvre', de Valérie Donzelli.

- 'Silent Friend', de Ildikó Enyedi.

- 'The Testament of Ann Lee', de Mona Fastvold.

- 'Father Mother Sister Brother', de Jim Jarmusch.

- 'Bugonia', de Yorgos Lanthimos.

- 'Duse', de Pietro Marcello.

- 'Un film fatto per Bene', de Franco Maresco.

- 'Orphan', de László Nemes.

- 'L'étranger', de François Ozon.

- 'No Other Choice', de Park Chan-wook.

- 'Sotto Le Nuvole', de Gianfranco Rosi.

- 'The Smashing Machine', de Benny Safdie.

- 'Girl', de Shu Qi.

FUERA DE CONCURSO

FICCIÓN:

- 'Chien 51', de Cédric Jimenez.

- 'Sermon to the void', de Hilal Baydarov.

- 'L'isola di Andrea', de Antonio Capuano.

- 'Il maestro', de Andrea Di Stefano.

- 'After The Hunt', de Luca Guadagnino.

- 'Hateshinaki Scarlet', de Mamoru Hosoda.

- 'The Last Viking', de Anders Thomas Jensen.

- 'In the Hand of Dante', de Julian Schnabel.

- 'La Valle dei Sorrisi', de Paolo Strippoli.

- 'Dead Man's Wire', de Gus Van Sant.

- 'Orfeo', de Virgilio Villoresi.

NO FICCIÓN:

- 'Kabul, Between Prayers', de Aboozar Amini.

- 'Ferdinando Scianna - Il fotografo dell'ombra', de Roberto Andò.

- 'Marc by Sofia', de Sofia Coppola

- 'I diari di Angela - Noi due cineasti. Capitolo Terzo', de Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi.

- 'Ghost Elephants', de Werner Herzog.

- 'My father and Qaddafi', de Jihan K.

- 'The Tale of Sylian', de Tamara Kotevska.

- 'Nuestra Tierra', de Lucrecia Martel.

- 'Remake', de Ross McElwee

- 'Kim Novak's vertigo', de Alexandre Philippe.

- 'Cover-Up', de Laura Poitras y Mark Obenhaus.

- 'Broken English', de Jane Pollard y Iain Forsyth.

- 'Notes of a true criminal', de Alenxander Rodnyansky y Andriy Alferov.

- 'Director's Diary', de Aleksandr Sokurov.

- 'Back Home', de Tsai Ming-liang.

JENNIFER LAWRENCE, PREMIO DONOSTIA EN SAN SEBASTIÁN

Jennifer Lawrence recibirá el premio Donostia en San Sebastián. La 73ª edición del Festival de Cine de esa ciudad, se celebrará del 19 a 27 de septiembre.

La intérprete estadounidense, ganadora de un premio Oscar en 2012 por 'El lado bueno de las cosas', se convierte así en el Premio Donostia más joven de la historia con 35 años y recibirá el galardón en una gala que se celebrará el 26 de septiembre en el Auditorio Kursaal.

Tras recibir el premio, con el que el Festival reconoce toda su carrera, se proyectará su último trabajo 'Die My Love'

Ganadora de un Oscar por su actuación en “El lado bueno de las cosas”, ha demostrado su capacidad interpretativa en títulos como “La gran estafa americana”, “Joy” o “Winter´s Bone”.

Ha ganado el BAFTA británico, por “La gran estafa americana”; tres veces el Globo de Oro (por “El lado bueno de las cosas”, “La gran estafa americana” y “Joy”, así como galardones en los Festivales de Venecia (“Lejos de la tierra quemada”) y en los galardones de la National Board of Review (por “Winter's Bone”).

Ha protagonizado la saga de “Los juegos del hambre”, así como ha participado en la saga de “X-Men”. 

Otras películas suyas son “Como locos”, “El castor”, “La casa al final de la calle”, “Passengers”, “Gorrión rojo” o “Causeway”. 

VERÓNICA ECHEGUI, IN MEMORIAM

La actriz Verónica Fernández de Echegaray, más conocida como Verónica Echegui, falleció el 24 de agosto de 2025 a los 42 años en Madrid. 

Debutó en el cine en “Yo soy la Juani” de Bigas Luna (2006). Posteriormente destacó en películas como “Seis puntos sobre Emma” de Roberto Pérez Toledo (2011); “Katmandú, un espejo en el cielo” de Icíar Bollaín (2011); “La niebla y la doncella” de Andrés M. Koppel (2017); “Explota, explota” de Nacho Álvarez (2020); o “Justicia artificial” de Simón Casal (2024)

Ganadora de un Goya (Mejor Cortometraje de Ficción) de un total de cinco nominaciones, Echegui destacó por su versatilidad, su capacidad para dar vida a personajes complejos y auténticos, y su riesgo escogiendo proyectos.

TERENCE STAMP, IN MEMORIAM

Ha fallecido el actor británico Terence Stamp. Nació en Londres, el 22 de julio de 1938 y murió el 17 de agosto de 2025.

Su debut cinematográfico en “La fragata infernal” (1962), bajo la dirección de Peter Ustinov, le valió una nominación al Oscar como mejor actor de reparto. En esa década, destacó en “El coleccionista” (1965), de William Wyler, que le mereció el premio en el Festival de Cannes, y en "Teorema" (1968), de Pier Paolo Pasolini.

El éxito mundial lo logró con “Superman” (1978) de Richard Donner, participando posteriormente en su secuela.

En la década de los ochenta lo pudimos ver en “The Hit (La venganza)” (1984) de Stephen Frears; “Peligrosamente juntos” (1986) de Ivan Reitman; o “Wall Street” (1987) de Oliver Stone.

En 1991 protagonizó ”Beltenebros” de Pilar Miró. De esa década también son “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto” (1994) de Stephan Elliott o “Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma” (1999) de George Lucas.

También intervino en “Superagente 86 de película” (2006) de Peter Segal; “Valkiria” (2008) de Bryan Singer; “Destino oculto” (2011) de George Nolfi; o “Última noche en el Soho” (2021) de Edgar Wright.

LOS CUATRO FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS (The Fantastic Four: First Steps)

Santa Cruz de Tenerife es ya una capital con mayor número de cines cerrados que abiertos. Varios edificios que antaño acogieron salas de proyección se encuentran ahora acumulando polvo y sufriendo la decrepitud propia de la ausencia total de actividad. Los Multicines Oscar, Greco y Price, junto con el Cine Víctor, suman diecinueve pantallas que han cesado de trasladar imágenes. Cada vez llegan a Canarias menos películas y las opciones de acceder a la enorme variedad de propuestas del Séptimo Arte se reducen, por no decir que se eliminan. Yo lo denomino “ultraperiferia cinematográfica”, como símil a la condición de algunas regiones que, como nuestro archipiélago, tienen reconocida diversos territorios de la Unión Europea.   

El monopolio de determinadas distribuidoras impone cada vez más un concreto tipo de producciones. Así, después de soportar las nuevas versiones de “Jurassic World”, “Superman” y “Sé lo que hicisteis el último verano”, la originalidad llama a la puerta (nótese la ironía) con otra adaptación de “Los cuatro fantásticos”, mientras el pasado fin de semana se estrenaba en otros puntos de España la cinta italiana “Leer 'Lolita' en Teherán”, la danesa “Condenados” o la francesa “Mi querida ladrona”. La primera, ciertamente, puede visionarse en los laguneros Multicines Tenerife en una sesión diaria. Pero, como estreno en sentido estricto, son “Los cuatro fantásticos” quienes disponen de infinidad de pases. En estos momentos, el mayor impulso cinematográfico de nuestra isla corre a cargo de los responsables de “Charlas de cine” y de los miembros del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, cuya encomiable labor incluye también la reposición de clásicos. Así están las cosas.

Por lo tanto, como me fue imposible asistir en ese horario a “Leer 'Lolita' en Teherán” para realizar mi crítica semanal, no tuve más remedio que recurrir a “Los cuatro fantásticos”. Ya en 2005 fui testigo del film protagonizado por Jessica Alba, Chris Evans, Ioan Gruffudd y Michael Chiklis, así como de su posterior secuela, por lo que confieso que me enfrenté a esta reciente aventura con escasa predisposición.

Encarnan de por sí a unos súper héroes que no me agradan especialmente, a lo que se añade mi saturación por este subgénero. No descarto, pues, que esa barrera previa me impidiese disfrutar de la obra. En cualquier caso, la previsibilidad de la trama no puede compensarse con su considerable inversión en los aspectos técnicos. Para no variar, vuelvo a ir a contracorriente. Leo críticas elogiosas plagadas de estrellas en las puntuaciones referidas al entretenimiento. Yo, sin embargo, tan sólo percibo una reiteración sin sentido y que no aporta nada.

Un casi debutante Matt Shakman, cuya trayectoria como realizador se ha desarrollado en episodios puntuales de numerosas series televisivas como “A dos metros bajo tierra”, “House”, “The Good Wife”, “Juego de tronos” o “The Great”, se sitúa detrás de la cámara. Realiza su trabajo con corrección, ofreciendo una narración ágil y coherente. A mi juicio, el problema no radica tanto en la dirección cuanto en la deriva actual de la industria del cine entendido como arte.  

En cuanto al elenco, y pese a que el título aluda a cuatro personajes, todo gira en torno al papel de Vanessa Kirby, quien tan pronto aparece en franquicias de éxito como “Fast and Furious” o “Misión imposible”, como en proyectos más arriesgados, novedosos y frescos (“Fragmentos de una mujer” -por cuya actuación recibió una nominación al Oscar), “El mundo que viene”) o en comedias románticas (“Antes de ti”). Junto a ella intervienen Pedro Pascal (“Gladiator II”, “The Mandalorian”), Joseph Quinn (también “Gladiator II”, “Un lugar tranquilo: Día 1”), Ralph Ineson (“La bruja”, “Misántropo”) y Julia Garner (“Las ventajas de ser un marginado”, “The Americans” -excelente serie de televisión-).

SÉ LO QUE HICÍSTEIS EL ÚLTIMO VERANO (I Know What You Did Last Summer)

Víctimas de esta epidemia que asola a la cinematografía norteamericana (sin expectativas de cura, por ahora) y que se traduce en que las productoras se centran casi en exclusiva en filmar nuevas versiones, secuelas y precuelas de lo que en su día fueron apuestas nuevas y originales, la semana pasada llegó a las pantallas españolas “Sé lo que hicisteis el último verano”, revisión de la cinta del mismo título estrenada en 1997. Aquel thriller adolescente presentó una segunda parte dos años más tarde, con el imaginativo título de “Aún sé lo que hicisteis el último verano”.

A la pregunta de si esta propuesta de 2025 aporta alguna novedad respecto a la de finales de los noventa, la respuesta es rotundamente negativa. Sin embargo, parece darse por supuesto que las presentes generaciones no ven largometrajes antiguos (si es que menos de tres décadas después cabe calificarlos así) y que, por ende, procede rodar adaptaciones de sus predecesoras.

En la historia del Séptimo Arte abundan esta clase de revisiones, en general fallidas. Uno de los cineastas más afectados ha sido Alfred Hitchcock, obteniéndose resultados paupérrimos de sus extraordinarias “Crimen perfecto”, “Psicosis” o “Rebeca”. Sea como fuere, la nula propensión a arriesgar a través de un proyecto novedoso, original y diferente, unida a la tendencia a apostar únicamente por fórmulas de probada rentabilidad económica o de éxito popular asegurado, empieza a alzarse como seña de identidad de la reciente industria cinematográfica estadounidense. Así, y parafraseando el título de este filme, yo tengo claro lo que no hicieron durante el último verano los productores de estas obras tan reiterativas y repetitivas: dar opciones artísticas a la originalidad y a la innovación.

Un grupo amigos provoca involuntariamente un accidente mortal. A partir de ese momento, deciden encubrir su participación y establecer un pacto de silencio. Un año después, el pasado regresa para atormentarlos y se ven obligados a enfrentarse a una aterradora verdad: alguien sabe lo que hicieron el último verano y, al parecer, se dispone a buscar venganza. A medida que los implicados resultan acechados uno a uno por un asesino, descubren que dicha situación ya ha sucedido antes y recurren a dos supervivientes de aquellos hechos acaecidos tiempo atrás.

Se trata de un previsible thriller de temática plana dirigido especialmente al público juvenil, pero que también puede entretener durante apenas hora y media a quienes visionaron el original de 1997, ya que la intervención de jóvenes apuestos y asustados se repite.  A título particular, y como espectador de la misma historia hace un cuarto de siglo, me resultó (para no variar) cansino e innecesario y me desconecté enseguida de la proyección. 

Dos de aquellos intérpretes actúan nuevamente:  Freddie Prinze Jr. y Jennifer Love Hewitt. El primero rodó “Scooby-Doo” y varias comedias románticas (“Alguien como tú”), y apareció fugazmente en la exitosa serie televisiva “Friends”. La segunda protagonizó para la pequeña pantalla “Entre fantasmas”, y figuró asimismo en “Las seductoras” o “El esmoquin”.

Como miembros sobrevenidos de la pandilla se añaden Madelyn Cline (“Identidad borrada”, “Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion”), Chase Sui Wonders (“The Studio”), Sarah Pidgeon (“Gotham”), Jonah Hauer-King (“La sirenita” de 2023) y Tyriq Withers (“Tell me lies”).

 

SUPERMAN

Si tuviera que elegir una sola escena de las dos películas “Kill Bill”, rodadas por Quentin Tarantino, sería aquella en la que David Carradine reflexionaba sobre los superhéroes. En el diálogo que mantenía con Uma Thurman apuntaba la gran diferencia que existía entre Superman y el resto de personajes de cómic. Así, mientras que Spiderman y Batman eran seres humanos que, por diversas circunstancias, se convertían en héroes amparándose en un disfraz que les ayudaba a ocultar su verdadera naturaleza, con Superman se producía el efecto contrario. Él se "humanizaba" para disimular su condición sobrenatural. Dicho de otro modo, Peter Parker y Bruce Wayne se esconden tras Spiderman y Batman, pero es Superman quien encubre a Clark Kent.

El hecho cierto es que se inicia en 2025 otra posible saga de este último, bajo las órdenes del director James Gunn (responsable de “Guardianes de la galaxia” y “El escuadrón suicida”). He de reconocer que la idea de “empezar una nueva saga” me produce cierta pereza, habida cuenta de esta machacona tendencia en la actual industria norteamericana. Resulta inevitable recordar las cuatro cintas protagonizadas por Christopher Reeve, Margot Kidder y Gene Hackman en 1978, 1980, 1983 y 1987 (aunque Hackman no participó en la tercera). Tras un parón de casi veinte años, se estrenó en 2006 “Superman Returns”, con Brandon Routh dando vida al personaje principal, Kate Bosworth como Lois Lane y Kevin Spacey en el papel de Lex Luthor. En 2013, Zack Snyder recogió el testigo en la realización y filmó “El hombre de acero”, con Henry Cavill y Amy Adams encabezando el reparto. Más tarde llegó a las carteleras (también con Cavill) la desnortada trilogía de “La Liga de la Justicia”, formada por “Batman v Superman: El amanecer de la justicia” (2016), “La Liga de la Justicia” (2017) y “La Liga de la Justicia de Zack Snyder” (2021). Ahora se pretende volver al origen: nuevo protagonista, nuevo director, nuevo intento de revitalizar la trama pero, en esencia, la misma historia e idénticos personajes.

Sin duda, el “hombre de la capa roja” suscita un enorme interés y, si bien no encarna a mi superhéroe favorito, siento una gran devoción por la música compuesta para él por John Williams y valoro cómo refleja esa lucha entre el bien y el mal que tanto engancha a los espectadores. No obstante, pese a que las dos horas aproximadas de proyección se tornan llevaderas, esta propuesta dista mucho de incitarme al aplauso y el mérito técnico de numerosas de sus escenas no conlleva el necesario enganche emocional. Pretende (y, a veces, incluso logra) alcanzar un nivel superior de agilidad, diversión y luminosidad pero, a estas alturas, sorprender por la vía de los efectos especiales y conmover a través de contenidos tan reiterativos entraña una elevada dificultad.  

Por distintas razones, continúo prefiriendo los títulos de Zack Snyder en 2013 y de Richard Donner en 1978. El primero ofrece más rigor e intensidad. El segundo, mayor encanto y fantasía. En cualquier caso, ambos iniciaron unas sagas que se alargaron excesivamente, como sucederá a buen seguro con esta de 2025. No obstante, a poco que rescaten al niño o a la niña que cada uno conserva en su interior, no recibirá el calificativo de mala producción.

David Corenswet da vida al reciente Superman. No muy conocido para el gran público, ha intervenido en “Twisters” y en algún episodio de la serie de televisión “House of Cards”. Sin merecer una crítica especialmente negativa por su actuación, durante largos tramos del metraje no termina de encajarme en la figura del superhéroe. Integran el equipo artístico otros nombres más conocidos, como Bradley Cooper (que ya acumula doce nominaciones al Oscar, incluyendo las de actor principal, actor de reparto, productor y guionista), Rachel Brosnahan (“La maravillosa Sra. Maisel”), Nicholas Hoult (“Un niño grande”, “Jurado Nº2”, “Nosferatu”), Michael Rooker (“J.F.K.: Caso abierto”, “Arde Mississippi”, “Henry: Retrato de un asesino”) o la modelo Sara Sampaio.

JURASSIC WORLD: EL RENACER (Jurassic World: Rebirth)

En 1993 Steven Spielberg dominó la industria del cine a través de dos propuestas completamente antagónicas y que arrasaron en ámbitos muy diferentes. “La lista de Schindler” conquistó las principales ceremonias internacionales de premios, mientras que “Parque Jurásico” encabezó las taquillas a nivel mundial. Por aportar un dato que refleje la entidad de semejante liderazgo, aquel año recaudó en Estados Unidos más del doble de lo ingresado por la segunda película más taquillera (“El fugitivo”). Aquella apuesta por una cinta sobre dinosaurios resultaba entonces muy novedosa, ya que mezclaba acción, humor y tensión con cierta habilidad. Ganó tres Oscars de los denominados técnicos (sonido, efectos especiales y montaje de efectos sonoros). Hasta ahí, nada que reprochar.

Posteriormente, se rodaron secuelas y variaciones sobre el mismo tema: “El mundo perdido: Jurassic Park” (1997), “Parque Jurásico III” (2001), “Jurassic World” (2015), “Jurassic World: El reino caído” (2018), “Jurassic World: Dominion” (2022) y, ahora, “Jurassic World: El renacer” (2025). A título personal, considero que desde hace tiempo se está alargando innecesariamente una saga que ya había dado todo de sí al mundo del espectáculo. No basta con la renovación de los rostros protagonistas, ya que el motor de la historia se perpetúa, provocando la saturación y reiterando la reiteración. 

Dirige el proyecto Gareth Edwards, quien en 2016 filmó un meritorio “spin off” de “Star Wars” (“Rogue One: Una historia de Star Wars”), pero cuya filmografía se compone mayoritariamente de adaptaciones de monstruos varios con irregular resultado (“Monsters” en 2010, “Godzilla” en 2014 y “The Creator” en 2023). Manifiesta cierto dominio del ritmo narrativo, si bien los materiales que utiliza se revelan ya muy trillados y, pese a la inversión y a la calidad técnica, la tarea de sorprender se le complica. 

Tiempo después de los acontecimientos narrados en “Jurassic World Dominion”, la ecología del planeta Tierra resulta insoportable para los dinosaurios. Los pocos que todavía sobreviven se hallan en ambientes aislados de regiones ecuatoriales, donde el clima se parece más al que conocieron antaño. Las tres criaturas de mayor tamaño dentro de esa biosfera tropical contienen en su ADN la clave para fabricar un medicamento que aportará importantes beneficios médicos a la raza humana. Una experta en operaciones encubiertas es contratada para dirigir un equipo de especialistas en una misión secreta, cuyo objetivo estriba en conseguir dicho material genético. Pero la intervención quedará truncada tras un accidente acuático que les conducirá a una isla misteriosa, donde se ubicó hace años un centro de investigación ultrasecreto del Parque Jurásico.

Más allá del reconocimiento de determinadas escenas altamente logradas y de las dosis de nostalgia que transporta al inicio de este fenómeno cinematográfico en 1993, el film aporta escasa originalidad y buena parte de sus bazas para mantener la tensión y el interés se sustentan sobre una reincidencia que sonroja más que asombra. A mi juicio, otras dos horas y cuarto de dinosaurios a estas alturas sobran.

Encabeza el reparto Scarlett Johansson. Nominada dos veces a la estatuilla dorada por “Historia de un matrimonio” y “Jojo Rabbit”, cuenta en su carrera profesional con actuaciones tan destacadas como las emblemáticas de “Lost in Translation”, “Match Point” o “La joven de la perla”. También encarna a su particular personaje de heroína de Marvel, Natasha Romanoff, alias la “Viuda Negra”. Le dan la correspondiente réplica Mahershala Ali (ganador de dos premios de la Academia de Hollywood gracias a sus papeles en “Green Book” y “Moonlight”), Jonathan Bailey (“Wicked”), Rupert Friend (“Homeland”, “Orgullo y prejuicio”) y Manuel Garcia-Rulfo (“Viudas”, “Los siete magníficos” de 2016).

F1: LA PELÍCULA ("F1: The Movie")

El inicio del verano resulta propicio para la llegada a las carteleras de los denominados “blockbusters”, término que identifica a las películas llamadas a obtener un gran éxito de taquilla, fruto de sus ingentes presupuestos tanto de producción como de promoción. En Estados Unidos suelen escoger fechas próximas a su fiesta nacional del 4 de julio para llevar a cabo tales estrenos. En este 2025, uno de los largometrajes que mejor responde a este concepto es “F1: La película” (abreviatura de Fórmula 1).

Se sitúa tras la cámara Joseph Kosinski, un cineasta acostumbrado a este tipo de filmes, que rodó el título más taquillero de 2022: “Top Gun: Maverick”, con más de setecientos millones de dólares recaudados tan sólo en el mercado norteamericano. Precisamente viendo “F1: La película”, me vino a la cabeza una escena de “Top Gun” (1986), en la que ambos protagonistas chocaban sus manos con fuerza mientras se gritaban el uno al otro “necesito velocidad”. Al parecer, con esta nueva propuesta cinematográfica se pretende saciar dicha necesidad. De hecho, alguna crítica ya ha definido a “F1: La película” como un “Top Gun” sobre ruedas.

Se trata, sin duda, de una cinta trepidante en numerosas secuencias, con unos aspectos técnicos muy cuidados y una elevada intensidad narrativa, lo que refleja a la perfección todos los méritos y deméritos habituales en las superproducciones de Hollywood. A mi juicio, pues, no engaña en su oferta, habida cuenta de que los espectadores conocen de antemano qué clase de entretenimiento va a recibir. 

También existe (y llega a saturar) de modo palpable un exceso de chulería y prepotencia durante todo el metraje. Tal vez muestre fielmente el mundo de la Fórmula 1. Carezco de datos suficientes para afirmarlo o desmentirlo. En todo caso, se orienta al deleite de un público que disfruta ante el lujo, el despotismo y los egos.

Un piloto retirado, apodado “el más grande de todos los tiempos”, una auténtica leyenda en la década de los noventa, vio truncada parcialmente su carrera como consecuencia de un accidente en la pista. Treinta años después continúa en activo, aunque alejado de la adrenalina de la competición al más alto nivel. En un momento dado, recibe la llamada de un antiguo compañero, propietario de un equipo de Fórmula 1 en apuros, que le convence para volver a revivir aquellas viejas sensaciones como el mejor del mundo. Sin embargo, su acompañante de equipo, un joven novato, no se lo pondrá nada fácil.

Imagino que el grado de satisfacción del visionado variará en función de circunstancias tan concretas como ser o no aficionado al automovilismo y a las carreras de coches. Tal vez por esa razón, el metraje (que supera las dos horas y media) me resultó demasiado largo. Además, determinadas exageraciones desentonan más que afinan el relato. Aun así, se alcanza el doble objetivo de entretener y recaudar.

Encabeza el reparto Brad Pitt, ganador de dos Oscars (uno, como mejor actor secundario por “Érase una vez en... Hollywood” y otro, como productor de “12 años de esclavitud”), quien representa a la perfección a una estrella del Séptimo Arte. Su envidiable filmografía incluye ejemplos del nivel de “Thelma & Louise”, “Seven”, “El club de la lucha”, “Babel”, “El curioso caso de Benjamin Button” o “Moneyball”. Aquí desempeña su papel con eficacia y soltura.

Le acompañan el televisivo Damson Idris (“Black Mirror”, “The Twilight Zone”), Javier Bardem (estatuilla dorada por su actuación en “No es país para viejos” y nominado asimismo por “Antes que anochezca” y “Being the Ricardos”), Kerry Condon (“Almas en pena de Inisherin”) y Joseph Balderrama (“The Batman”).

28 AÑOS DESPUÉS (28 Years Later)

Las películas sobre muertos vivientes (oxímoron en toda regla) suelen integrar un subgénero cinematográfico bastante cutre y simple. No obstante, el número de producciones sobre dichos seres resulta sorprendentemente elevado y cabe reconocer que, en su mayor parte, se encuadran en el terror más basto y hortera. Sin embargo, existen algunas dignas excepciones. Desde la clásica “La noche de los muertos vivientes”, dirigida por George A. Romero en 1968, hasta la reciente “Guerra mundial Z”, de Marc Foster (2013), se hallan varias sorpresas e, incluso, un par de joyas que merecen salvarse de la quema. Se puede discutir qué se entiende por “zombie” para seleccionar los largometrajes con una valoración superior. Drácula encarna, sin duda, al “no muerto” más famoso, si bien sus adaptaciones no suelen incluirse en este catálogo. ¿Cabe calificarse ”La invasión de los ladrones de cuerpos” como una cinta de zombies? No es posible preguntárselo ya a Don Siegel, pero no faltan opiniones para todos los gustos.  Entre las obras que se alzan como propuestas sugerentes acerca de tan macabros relatos figura la, por el momento, trilogía de Danny Boyle, compuesta por “28 días después” (2002), “28 semanas después” (2007) –bajo la dirección del cineasta tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo- y ahora, “28 años después” (2025). Recuerdo mi primer visionado de “28 días después”. Pese a la tendencia a la repetición, propia de este tipo de filmes, la encontré original, ágil, inquietante, violenta y correctamente narrada. Cierto es que se precisa de un mínimo interés por el género ya que, de lo contrario, podría tornarse en una tortura. Pero, cumplido ese requisito, la historia y el notable grado de entretenimiento basado en la angustia me impactaron.  Circunstancia similar me sucedió con la segunda entrega. Ahora se cierra la saga (aunque nunca se debe descartar que en el futuro se baraje un cuarto título) manteniendo el brío y la energía.

Danny Boyle me resulta un realizador interesante. Saltó a la fama en 1996 con “Trainspotting” y a partir de entonces ha ideado proyectos de lo más variopintos. Poco tienen que ver “Millones” (2004) con “127 horas” (2010) o “Sunshine” (2007) con “Slumdog Millionaire” (2008). Sea como fuere, se trata de un profesional con destreza para la narrativa visual y tacto para la dirección actoral. Y, pese a que no toda su filmografía me apasione, le reconozco un estilo particular a la hora de abordar sus trabajos y de manejar la cámara con habilidad.

La principal virtud de “28 años después” radica en su capacidad para alargar la esencia de sus predecesoras, evitando la sensación de agotamiento. Mantiene idéntico nivel de angustia y de potencia. Al parecer, se ha rodado por medio de iPhones 15 Pro Max, evidenciando así hasta qué punto y con qué velocidad evoluciona la tecnología.

Han transcurrido ya tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas y la ciudadanía sigue aún sometida a una estricta cuarentena. Un grupo de supervivientes vive en una pequeña isla, conectada al continente por una única carretera fuertemente custodiada. Cuando uno de sus miembros decide abandonar ese enclave y aventurarse en el oscuro y peligroso territorio continental, descubrirá una serie de secretos, maravillas y horrores, no sólo relacionados con los infectados, sino también con otros sobrevivientes transformados por los efectos de la enfermedad.

Dentro del elenco, un siempre magnético Ralph Fiennes (“El paciente inglés”, “El jardinero fiel” “La lista de Schindler”) acompaña a Jodie Comer (“El último duelo” “Killing Eve”) y a Aaron Taylor-Johnson (“Animales nocturnos”, “Kick Ass”, “Nosferatu”).

ECHO VALLEY

Michael Pearce es un joven director y guionista británico que en 2017 despuntó en la industria cinematográfica al ganar el premio BAFTA al mejor debutante por su película “Beast”. En dicho largometraje ya evidenció su preferencia por el “thriller” y los personajes sórdidos. Se trata de una propuesta interesante, con ciertas dosis de originalidad y esa frescura de quien se inicia en el Séptimo Arte con valentía. Sin embargo, tan prometedor comienzo no obtuvo continuidad a posteriori, ya que apenas rodó otro proyecto de menor calado.  Ahora, ocho años después de aquel estreno triunfal, presenta su nuevo trabajo: “Echo Valley”.

Sin alcanzar el nivel de “Beast”, retorna al suspense y a la recreación de perfiles atormentados e inquietantes, en una cinta de factura correcta y contenido aceptable, que cumple con la misión de entretener y que condensa en poco tiempo una intriga apta, aunque desprovista de singularidad. No resulta común en la actualidad visionar un film de tan exiguo metraje (no llega a los noventa minutos de duración), pero he de decir que se agradece, si quiera para contrapesar la reciente tendencia a alargar exageradamente las narraciones hasta las casi tres horas.  

El título en cuestión no pasará a la Historia, como no lo hará su trama recurrente, propia de un telefilme de sobremesa. Aun así, funciona como pasatiempo para los amantes de relatos tensos y angustiosos. Contiene algunas partes poco creíbles pero, a tenor de la realidad de nuestro mundo, no me atrevo a ser demasiado riguroso con la credibilidad que reflejan algunos planteamientos artísticos. Su punto fuerte estriba en la habilidad para distraer y amenizar al público.  Su cuidada fotografía constituye probablemente su mayor baza, si bien se excede al remover los (bajos) instintos de protagonistas y espectadores.

Se denomina “Echo Valley” a una zona rural aislada, tranquila y rodeada de colinas. Allí una mujer lleva una vida solitaria, criando y entrenando caballos, e intentando reconstruirse tras una dolorosa tragedia personal. Esa rutina salta por los aires cuando su hija, con quien mantiene una relación complicada y distante, llama inesperadamente a su puerta, aterrada, temblorosa y empapada en sangre. El impactante reencuentro sacudirá la apacible existencia de la madre, enfrentándola a los demonios de su pasado y empujándola a proteger a la joven, aunque ello implique traspasar límites morales y legales.

Estrenada en la plataforma Apple Tv+ y pese a un casting integrado por figuras de gran renombre, le cuesta evitar la etiqueta de producción menor para unos destinatarios que, una vez transcurrida la proyección, la condenarán al olvido. Sin grandes fallos. Sin grandes aciertos.  

Forman el dúo interpretativo Julianne Moore y Sydney Sweeney. La primera, actriz consagrada, ganó un Oscar por “Siempre Alice” y ha estado nominada en otras cuatro ocasiones por “Lejos del cielo”, “Las horas”, “El fin del romance” y Boogie Nights”. Su filmografía reúne décadas de excelentes títulos. La segunda se abrió camino en series de televisión como “El cuento de la criada”, “Heridas abiertas”, “Euphoria” o “The White Lotus”, hasta su salto a la gran pantalla con “Érase una vez en… Hollywood” y “Cualquiera menos tú”. Sus papeles pecan un tanto de planos y previsibles, pero encajan en el relato.

Entre los secundarios figuran Kyle MacLachlan, inquietante y extraño actor muy vinculado a propuestas extravagantes de directores como David Lynch (“Dune” de 1982, “Twin Peaks”, “Terciopelo azul”) y  Domhnall Gleeson (“Una cuestión de tiempo”, “Anna Karenina” de Joe Wright, “Ex Machina”).

BALLERINA

De un tiempo a esta parte, el género de acción ha evolucionado hacia una suerte de musical, teniendo en cuenta el carácter excesivamente coreográfico de las escenas que incluyen luchas y peleas. Empezó representando un toque oriental, pero se ha expandido de tal manera que las patadas, puñetazos y disparos van acompañados en la actualidad de unos milimétricos movimientos corporales que, al menos en mi caso, relaciono más con un baile que con un enfrentamiento cuerpo a cuerpo. Se trata de una tendencia más o menos reciente, ya que no se hallan escenografías de este tipo en las filmografías de cineastas consagrados del género desde hace décadas, como por ejemplo John McTiernan.

Para valorar y asumir estas licencias artísticas, se torna imprescindible tener en cuenta sus incursiones en otras variantes como la ciencia ficción o la fantasía, lo que abre las puertas a la utilización de mayor número de recursos y a la ampliación de los límites asociados a la credibilidad. Dicho de otro modo, no existe comparación entre “Matrix” y “El contable”. Se podrá ejercer la libertad para rodar un largometraje u otro pero, una vez escogido el modelo, resulta esencial conocer sus limitaciones.

La saga de John Wick, protagonizada por Keanu Reeves, se compone de cuatro películas y hasta la fecha cuenta con una legión de fieles seguidores, incrementando en cada nueva entrega tanto los importes de realización como las respectivas recaudaciones. La primera costó veinte millones y obtuvo cerca de ochenta a nivel mundial, mientras que la última pasó de cien a cuatrocientos.   Su estética, muy visual y violenta, intenta combinar la sofisticación con cierto toque de vulgaridad, marcando un antes y un después en las secuencias con armas de fuego.  Ahora, como alternativa para continuar exprimiendo esta gallina de los huevos de oro y rentabilizar el mercado, se estrena un “spin off” del serial, pero encabezado por una figura femenina.

La presente producción entiende el divertimento como una desenfadada y disparatada forma de exageración, colocando al espectador ante un cúmulo de situaciones poco creíbles, si bien adornadas con un llamativo envoltorio. No cabe tomarse nada en serio sino, simplemente, dejarse llevar por las imágenes. Algunas propuestas pueden calificarse como sorprendentes y sin duda contienen partes entretenidas, pero no encajan en el género de acción que yo reconozco. Acoger de buen grado esos excesos visuales y esa exageración indisimulada se me hace muy cuesta arriba.   

Eve Macarro es una asesina entrenada desde su infancia por la Ruska Roma, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. La mujer intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, deberá atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Ana de Armas, actriz española de origen cubano que ya destaca profesionalmente en la industria norteamericana, encabeza el reparto. Tras participar en la divertida “Juego de armas”, su presencia sorprendió gratamente en “Blade Runner 2049”. Recibió una nominación al Globo de Oro por su papel en “Puñales por la espalda”, optó al Oscar gracias a su interpretación de Marilyn Monroe en “Blonde” y, además, ha sido “chica Bond” en “Sin tiempo para morir”.  No obstante, le convendría supervisar con mimo la elección de sus próximos proyectos. En “Ballerina” baila y se mueve con soltura y gracia.

Repite de nuevo Keanu Reeves encarnando a su mítico personaje de modo secundario. Les acompañan otros perfiles tan dispares como los de Anjelica Huston (“Los timadores”, “El honor de los Prizzi”), Gabriel Byrne (“Muerte entre las flores”, “Sospechosos habituales”) y Catalina Sandino Moreno (“El año más violento”, “María, llena eres de gracia”).

LA TRAMA FENICIA (The Phoenician Scheme)

El cineasta Wes Anderson resulta muy reconocible por su obra, pues posee un estilo muy singular y diferenciado de sus colegas. El uso (y, en ocasiones, el abuso) de las tonalidades pastel y la marcada tendencia a la recreación del absurdo como forma de narración son sólo dos de sus principales características. Siempre me han merecido un gran respeto los directores de cine con un sello que les define y que mantienen con firmeza, al margen de si agradan o no a la industria o a un mayor número de espectadores. Anderson integra ese grupo, si bien sus películas no conectan con mis gustos. Aun así, reconozco su integridad como artista, por más que no me motiva lo que cuenta ni cómo lo cuenta.  

Mencionaría “Academia Rushmore” como su largometraje más valorado por mí, al que añadiría “Moonrise Kingdom” y, ya dentro del género de animación, “Fantástico Sr. Fox”. En cualquier caso, los nombro sin demasiado entusiasmo, aunque percibo en ellos una superior corrección en la recreación de los personajes y en las tramas que sustentan el hilo argumental de dichos trabajos. Por supuesto, se trata únicamente de una cuestión de preferencias sobre mi modo de entender la narración cinematográfica. La rebuscada manera en la que el realizador tejano recrea (y, a mi juicio, exagera) la absurdez para alcanzar la comicidad no casa con mi sentido del humor, por lo que asumo sus proyecciones desde una indiferencia que me impide disfrutarlas.

No niego que, aisladamente, alguna de sus escenas me haga gracia y, durante un tiempo, ese uso artificial de los colores me llame la atención. Pero, analizando el conjunto, su parte ilógica e irracional termina por impregnarlo todo y me deja un regusto a propuesta descabellada que no me satisface.  

Frente a un relato tan poco habitual (las aventuras de un rico empresario y su hija monja), intentar acertar en el planteamiento de su sinopsis a través de algunos párrafos carece también de sentido. Baste decir que el tono irónico, más bien satírico, inunda la totalidad de las imágenes, los diálogos y las actuaciones, llevándolos al borde del disparate. No descarto que en el fondo se hallen profundas moralejas, críticas sesudas y problemas de actualidad, pero yo dejé de buscar mensajes subliminales e intenciones ocultas a la media hora, cuando el cúmulo de situaciones surrealistas y exageraciones teatrales ya me habían saturado. Sea como fuere, no dudo de que Anderson disponga de numerosos admiradores que se deleitarán con su fabulaciones y excentricidades.

El equipo artístico puede distribuirse en dos grupos. Por un lado, quienes interpretan a los personajes principales. Por otro, quienes realizan pequeños cameos con el fin de engatusar el público, habida cuenta de que las celebridades abundan. Encabeza el reparto Benicio del Toro, Oscar por su labor en “Traffic”, de Steven Soderbergh y con icónicas actuaciones en títulos como “Sicario”, “21 gramos” o “Sospechosos habituales”. Le acompañan Mia Threapleton (“Un pequeño caos”), Michael Cera (“Juno”), Willem Dafoe (cuya extensa filmografía no procede resumirse en pocas líneas), F. Murray Abraham (estatuilla dorada por “Amadeus”), Tom Hanks (premiado doblemente por la Academia de Hollywood merced a sus papeles en “Forrest Gump” y “Philadelphia”), Jeffrey Wright (“American Fiction”), Scarlett Johansson (“Lost in Traslation”), Bill Murray (habitual de este cineasta) y Benedict Cumberbatch (“Descifrando enigma”, “Doctor Strange”).

MISIÓN: IMPOSIBLE SENTENCIA FINAL (Mission: Impossible - The Final Reckoning)

En 1996, hace casi treinta años, se estrenó “Misión Imposible” en pantalla grande. Previamente, había sido una serie de televisión que se emitió entre 1966 y 1973. En ambos casos, su pegadizo y potente tema musical, compuesto por el músico Lalo Schifrin, daba inicio a un entretenimiento de aventuras y agentes secretos que supuso todo un triunfo. En su versión cinematográfica ha dado origen a ocho películas, a cargo de los directores Brian de Palma, John Woo, J. J. Abrams, Brad Bird y Christopher McQuarrie (responsable de las cuatro últimas). Reconozco que el film inicial me gustó. Más allá de la evidente exageración y inverosimilitud de su escena final, poseía una trama ágil y trepidante que, a mediados de los noventa, constituyó una novedad recibida con aplausos.  

A partir de ahí, los títulos estrenados han presentado altibajos, si bien el serial ha evolucionado ampliando tres de sus aspectos: el metraje, el presupuesto y la obsesión por rodar secuencias increíbles y descabelladas. Esta tendencia al aumento y el exceso no siempre se alza como la mejor vía para progresar. De hecho, si la primera entrega duraba ciento diez minutos, la más reciente alcanza los ciento sesenta y nueve. Y, si el presupuesto de aquella se elevó hasta los ochenta millones de dólares, el de esta ronda los cuatrocientos. Cada nuevo proyecto se define por la máxima circense de “más difícil todavía”, encadenando planos asombrosos y, en ocasiones, hasta inconcebibles. Semejante apuesta ha generado legiones de aficionados y resultados económicos muy rentables, no acompañados en todos los casos de calidad artística y fílmica. A mi juicio, tan peculiar sentido del espectáculo ha restado rigor y rentabilidad a los sucesivos estrenos. 

Las salas de proyección reciben ahora la octava cinta, rodada como segunda parte de la séptima y, según parece, punto final de la saga. Trata de combinar la intensidad de la acción con homenajes nostálgicos a las aventuras del pasado. Echando la vista atrás, se hallan momentos destacados y escenas logradas aunque, a la larga, esa ansia por superarse conduce a algunos extremos un tanto ridículos.  

Aun así, no cabe duda de que la sintonía de Schifrin conserva intacta su capacidad de hacer hervir la sangre, y las peripecias del agente Ethan Hunt mantienen su habitual nivel de entretenimiento, pese a que las exageraciones desvirtúan su esencia en parte.  Juzgo innecesarias las tres horas de duración y la pomposidad de determinados planos secuencia, que se asimilan a bailes coreografiados.  En definitiva, un conjunto de misiones posibles e imposibles que, al menos, centran su objetivo en dicho entretenimiento, con independencia de que los medios empleados para obtenerlo resulten efectivos, aunque discutibles.  

Como de costumbre encabeza el reparto Tom Cruise, paradigma de estrella de Hollywood cuya filmografía contiene multitud de éxitos. Desde hace más de una década, sus papeles de acción han acaparado y monopolizado su carrera. Antes alternaba trabajos como “Top Gun” con otros como “Rain Man”, y sus actuaciones en ”El color del dinero”, “Algunos hombres buenos”, “Nacido el cuatro de Julio” o ”Leones por corderos” evidencian su versatilidad interpretativa. Sin embargo, de un tiempo a esta parte, no cambia de género. Confío en que a partir de ahora se decante por otro tipo de personajes. 

Aquí le acompañan Hayley Atwell (“La duquesa”), Ving Rhames (“Pulp Fiction”), Esai Morales (“La bamba”), Angela Bassett (“Días extraños”) y Cary Elwes (“La princesa prometida”).

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES 2025

LISTADO COMPLETO DE GANADORES

• Palma de Oro: Un simple accidente, de Jafar Panahi.
• Gran Premio del Jurado: Sentimental Value, de Joachim Trier.
• Premio del Jurado ex aequo: Sirât, de Oliver Laxe y Sound of Falling, de Mascha Schilinski.
• Premio Especial del Jurado: Resurrection, de Bi Gan.
• Mejor actriz: Nadia Melliti por La petite dernière, de Hafsia Herzi.
• Mejor actor: Wagner Moura por O Agente secreto, de Kleber Mendoça Filho.
• Mejor director: Kleber Mendoça Filho por O agente secreto.
• Mejor guion: Recién nacidas, de los hermanos Dardenne.
• Palma de Oro al mejor cortometraje: I’m Glad You’re Dead Now, de Twafeek Baron.
• Cámara de Oro a la mejor primera película de un cineasta: The President´s Cake, de Hasan Hadi.

DESTINO FINAL: LAZOS DE SANGRE (Final Destination: Bloodlines)

En su momento llegó a emitirse (desconozco si aún se sigue haciendo) un programa televisivo titulado “1.000 maneras de morir”. Se trataba de una producción estadounidense dedicada a explicar las más insólitas y sorprendentes formas de fallecimiento. Poseía un tono entre la comedia negra y el entretenimiento incómodo a través de la angustia, habida cuenta de las macabras vías expuestas por las que perder la vida. Siempre he sospechado que los guionistas de la saga “Destino final” eran sus seguidores y se inspiraban en aquellos episodios para trasladar después a la pantalla grande los diversos métodos ideados para agonizar y perecer. 

“Destino Final” inició su andadura en el año 2000, estrenándose sus secuelas en 2003, 2006, 2009 y 2011. Ahora se presenta su sexta entrega: “Destino final: Lazos de sangre”. Destinada a un público juvenil y con la pretensión de mezclar terror y desenfreno, se desarrolla sobre esa incierta línea que pretende aunar humor y terror, una combinación sin duda compleja. El serial nunca llegó a alcanzar un gran éxito de taquilla, si bien los ingresos han superado los costes en cada largometraje. Por lo tanto, atendiendo estrictamente al punto de vista de la rentabilidad, debería haber terminado hace tiempo.  

Sin embargo, determinado público encuentra excitación y deleite ante tan rocambolescos accidentes que terminan en un baño de sangre. Personalmente, me cuesta aceptar semejante punto de partida, centrado en explotar la fragilidad de la vida, por más que actualmente esta fórmula esquilmada y sin apenas interés resulte amena para algunos espectadores.   

Acosada por una aterradora pesadilla recurrente, una joven estudiante universitaria vuelve a su hogar para buscar a la única persona que podría detener la terrible amenaza que acecha a su familia. Mientras lucha por comprender el misterio que esconden sus sueños y la oscura conexión con su destino, habrá de enfrentarse a sus miedos más profundos y descubrir cómo romper el ciclo de muerte que se cierne sobre ellos. 

Ciertamente, en este último proyecto no se aprecia un pronunciado declive con relación a los anteriores, ya que mantiene el nivel de sus predecesoras. Pese a un montaje efectivo y una narración coherente, mi desconexión estriba en la ausencia de atractivo de la historia. No descarto que la explicación se halle en un desfase generacional por mi parte pero, incluso si me retrotraigo un cuarto de siglo a aquel primer visionado, mantengo idéntico distanciamiento ante una propuesta que, al menos por entonces, sí consideraba más original. Calificado como un serial de “segunda clase”, así como de consumo fácil y rápido, confío en que no se contemple la posibilidad de un séptimo rodaje, dado que existen otras alternativas para dedicarse al cine de terror. 

Figura en el reparto Tony Todd, un habitual del género quien, además de participar en las cintas anteriores de la saga, aparece también en la de “Candyman” y en la versión de “El cuervo” de 1994. Debutó en 1986 a las órdenes de Oliver Stone en “Platoon”, trabajando a continuación con Clint Eastwood en “Bird”. Le acompañan Brec Bassinger (“A 47 metros 2: el terror emerge”), Richard Harmon (“El secreto de Adaline”), Rya Kihlstedt (“Deep Impact”) y Teo Briones (“Wind River”).

UNA QUINTA PORTUGUESA

Para mí ha supuesto una grata sorpresa toparme en la cartelera con la cinta “Una quinta portuguesa”. Con la enorme dificultad que entraña aparentar sencillez y, al mismo tiempo, esconder la complejidad ligada a la autenticidad, nos presenta una historia construida sobre los personajes y sus emociones. Consigue generar una extraña armonía que conduce al espectador a un clima de relajación y descanso, como el que proporciona esa finca rural que, entre vegetación y naturaleza, acoge a personas tan diferentes y tan similares. Se trata de una película bonita, serena en la estética y el ritmo, pero potente en el planteamiento, logrando una coherencia y una afinación muy logradas en su conjunto.

La dirección corre a cargo de Avelina Prat, quien debutó en la ficción en 2022 con el largometraje “Vasil”, al que me acerqué por casualidad tras leer un artículo de recomendación de Isabel Coixet, y que constituyó un más que acertado debut de esta realizadora y guionista valenciana. A mi juicio, con este segundo trabajo se supera, tanto en su faceta de escritora como de cineasta, confirmando que se debe tener muy en cuenta su nombre y seguir su carrera profesional con interés.

Un profesor de vida tranquila y rutinaria se ve sorprendido inesperadamente por el repentino y abrupto abandono de su esposa, un acontecimiento que en principio considera una desaparición pero que, posteriormente, ha de afrontar como el voluntario deseo de su pareja de dejar todo atrás, sin despedidas ni justificaciones. Afectado y desorientado, emprende un cambio vital que le lleva a suplantar la identidad de otro hombre y a ejercer labores de jardinero en una finca. En dicho lugar conocerá a nuevos vecinos y establecerá una inesperada amistad con la dueña del inmueble, aceptando las bondades de unos afectos sobrevenidos y las incomodidades de una existencia que no le pertenece.

Reconozco mi especial conexión con los relatos sobre usurpaciones de personalidad y con las tramas centradas en individuos que se hacen pasar por otros. Resulta curioso comprobar cómo, en ocasiones, quienes se identifican y se ven correctamente reflejados en identidades falsas, simultáneamente se sienten extraños con sus verdaderos nombres y realidades. En “Velvet Goldmine” se pronuncia la siguiente frase: "Un hombre no es sincero cuando habla de sí mismo, dale una máscara y dirá la verdad". A veces, pues, se torna preciso ser otro para ser uno mismo.

“Una quinta portuguesa” se revela como un drama sobre las segundas oportunidades, las relaciones humanas y la necesidad de auto evadirse para alcanzar una plena evolución. A medio camino entre la fábula, el melodrama y la redención, el espectador sosegado disfrutará de un guion delicioso, unos perfiles

bien interpretados y una inusual sensación que aúna placidez e incomodidad ante el cúmulo de verdades y mentiras que se entremezclan hasta confundirse por completo.

Tras haber participado en el último Festival de Cine de Málaga, confío en que el film no caiga en el olvido y continúe proyectándose en otros certámenes que premian los títulos más relevantes del año ya que, en mi opinión, merecerá ser recordado en el futuro y perdurará en el tiempo.

Destaca dentro del reparto la artista lusa María de Medeiros. La adorable Fabienne de “Pulp Fiction” recibió en 1994 la Copa Volpi a la mejor actriz en la Mostra de Venecia por “Três Irmãos”. Ha intervenido asimismo en “Cita con Venus”, “El detective y la muerte” o “Mi vida sin mí”. Aquí desempeña una relevante labor, habida cuenta de que la acción se sustenta en gran medida sobre las actuaciones.  

Le acompañan Manolo Solo (ganador de un Goya por “Tarde para la ira”), Branka Katic (“Enemigos públicos”) e Ivan Barnev (“Vasil”). Cada uno de ellos aporta su cuota de talento para construir este excelente proyecto global.

THUNDERBOLTS* (Thunderbolts*)

Desde la factoría Marvel han decidido añadir un asterisco a su último título, “Thunderbolts*”, como cuando un escritor desea explicar o matizar a sus lectores algún aspecto de un texto, más allá de la frase que están leyendo. Al parecer pretenden -medio en serio, medio en broma- aclarar que recurren a este grupo de personajes porque “Los vengadores” ya no están disponibles. Tras haber exprimido hasta el límite a dichos superhéroes, y ante la imposibilidad de explorar opciones más originales, echan mano de estos “antihéroes” alternativos para seguir produciendo películas.  Utilizando un símil deportivo, encarnarían a ese equipo de suplentes que saltan al campo en ausencia de los titulares.

Casi plagiando a su competidora “DC Comics” y a la saga de “Escuadrón suicida”, Marvel apuesta por reunir a un grupo de villanos para conformar un comando que proteja a la humanidad del mismo modo que aquellos anteriores “vengadores”. Dentro de tan pintoresco colectivo de repudiados malhechores, encontramos a Yelena Belova, hermana de la “Viuda Negra” (interpretada por Scarlett Johansson), Bucky Barnes -alias “El soldado de invierno”- (quien apareció en las cintas de “Capitán América”) o Taskmaster (el malvado de la citada “Viuda negra”).

No obstante, y aunque intente retrasar lo inevitable, Marvel habrá de enfrentarse más tarde o más temprano al dilema de cómo plantear su futuro en la industria del cine. El manifiesto declive de sus últimas propuestas requiere, o bien de una reinvención, o bien de una certificación de esa decadencia. La copia y la reiteración resultan ya tan acusadas que me siento incapaz de abordarlas con un ápice de interés, hasta el punto de sumirme en el aburrimiento. Y no tanto por falta de intensidad narrativa, ya que la acción existe, como por desidia ante la evidente escasez de ideas novedosas. 

Dirige Jake Schreier, con dilatada experiencia en el mundo de los videoclips musicales y las series televisivas, pero con exigua en la gran pantalla. En 2015 estrenó “Ciudades de papel”, protagonizada por Cara Delevingne, habiendo debutado tres años antes con “Un amigo para Frank”, junto a Frank Langella. Aquí da la sensación de haber dejado en manos del equipo técnico de los efectos especiales la mayor parte de su labor como realizador.

Este conjunto de malvados, algunos reconvertidos en salvadores, se halla encabezado por Florence Pugh, actriz que me impresionó en “Lady Macbeth” y, en la pequeña pantalla, en “La chica del tambor”.  Posteriormente, ha intervenido en la excelente “Oppenheimer” y en la notable “Dune: parte 2”. Ya interpretó a Yelena Belova en “Viuda negra”. Cabe confiar en que no la mantengan atada al personaje en un sinfín de secuelas sin sentido.

Otra intérprete que repite papel es Olga Kurylenko, dando vida a Antonia Dreykov (“Taskmaster”). La ucraniana ejerció como chica Bond en “Quantum of Solace” y participó en “La conspiración de noviembre” o “El maestro del agua”. Hannah John-Kamen, por su parte, continúa encarnando su perfil en “Ant Man” y Julia Louis-Dreyfus (famosa gracias a la televisión por “Seinfeld” y “Veep”) con el suyo en “Black Panther”. Todo un refrito de secundarias convertidas en protagonistas.

En el apartado masculino figuran Lewis Pullman (Top Gun: Maverick”), Sebastian Stan (recientemente nominado al Oscar representando a Donald Trump en “The Apprentice”), David Harbour (“Tyler Rake”) o Wyatt Russell (“Infiltrados en la universidad”).